Amerikanische Kolonialkunst:
Malerei des 18. Jahrhunderts, Architektur Automatische übersetzen

Nordamerika mit dem gemäßigten Klima der östlichen Staaten, das dem europäischen so ähnlich ist, erschien den ersten Siedlern als eine unberührte, unerschlossene Heimat - oder mehr noch, als ein potenzieller neuer Garten Eden. Von Beginn der Kolonisierung an zog es Flüchtlinge und Idealisten an, die sich ein neues Leben in einem neuen Land aufbauen wollten.

Koloniales Amerika: Hintergrund

In den Neuenglandstaaten versuchten zunächst niederländische und dann englische protestantische Eiferer, ein Gemeinwesen zu errichten, das religiösen Gesetzen und der Herrschaft puritanischer Pastoren unterworfen war - eine Theokratie. Im Süden, in Virginia und den Carolinas, war das Gegenteil der Fall. Hier versuchten kavalieristische und royalistische Flüchtlinge, eine aristokratische Lebensweise auf Ländereien und Plantagen wiederherzustellen, wo sie den Lebensstil englischer Landherren nachahmten.

Sowohl die Puritaner als auch die Kavaliere mussten mit ansehen, wie ihre Ideale an der Realität zerbrachen, aber jede Form des Idealismus brachte ihre eigenen Kunstformen, Architektur, Musik und Literatur hervor. Der widersprüchliche Idealismus inspirierte und spaltete auch die Politik der neuen Republik, was schließlich zum Krieg zwischen den Staaten (1861-5) und der anschließenden neuen Westwanderung führte.

Solange sich die nordamerikanische Kultur auf die östlichen Staaten konzentrierte, blickten ihre Träger nach Europa zurück. Erst der amerikanische Westen und der Kontakt mit der Natur und ihren Bewohnern, insbesondere den alten spanischen Kolonisten, befreite die amerikanische Kunst endgültig vom Provinzialismus. Es war, als hätte eine Energiewelle die Westküste erreicht, wäre dann abgestürzt und zurückgerollt, um den Osten zu verjüngen.

Koloniale Kunst versus indigene Kunst

Der Begriff „Amerikanische Kolonialkunst“ beschreibt im Allgemeinen die Kunst und Architektur der Siedler, die im siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert aus Europa nach Amerika kamen. Jahrhundert, die aus Europa nach Amerika kamen. Sie war so eurozentrisch, dass sie keinen Kontakt zu den Stammeskunst -Traditionen der indianischen Kunst hatte, weder an der Ostküste, den Plains noch an der Westküste. Mehr über die Kunst anderer britischer Kolonien siehe: Australische Kolonialmalerei (1780-1880).

Amerikanische Kolonialkunst des siebzehnten Jahrhunderts

Im siebzehnten Jahrhundert gab es die ersten konzertierten und erfolgreichen Versuche von Europäern, sich in den Vereinigten Staaten niederzulassen, aber die Probleme und zeitraubenden Schwierigkeiten, neue Gemeinschaften in einer neuen Welt zu gründen, ließen den Siedlern wenig Muße oder Energie für die schönen Künste. Bereits in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts entwickelten jedoch praktische Handwerker, die sich in den Metropolen New York und Boston zusammenfanden, eine Tradition der indianischen Malerei, die auf Porträts und figurativen Kompositionen beruhte.

Das Selbstporträt von Kapitän Thomas Smith (1690, Worcester Art Museum, Massachusetts) und das Porträt von Margaret Gibbs (1670, Museum of Fine Arts, Boston) zeigen die Vermischung europäischer Stile, die die Entwicklung der amerikanischen Malerei beeinflussten. Der malerische Realismus des holländischen Barock verbindet sich mit traditionellen europäischen Konventionen wie dem offenen Fenster in der Ecke des Porträts von Thomas Smith, das die Idee des Raums hinzufügt.

Die meisten amerikanischen Porträtisten des siebzehnten Jahrhunderts stützten sich auf Stiche europäischer Originale, um den grundlegenden strukturellen Rahmen für ihre Porträts sowie Ideen für Komposition, Pose und Kleidungsdetails zu liefern. Oft wurden nur die Köpfe der Natur entnommen. Diese weitgehend anonymen Kopisten wurden von den amerikanischen Puritanern nicht gerade gefördert, da sie aufgrund ihrer religiösen Überzeugungen visuelle Darstellungen generell ablehnten. Die religiöse Offenbarung sollte durch geschriebene Schriften erfolgen, nicht durch allegorische Bilder. Der einzige Bereich des visuellen Ausdrucks, der offiziell von diesem allgemeinen Verbot ausgenommen war, war die Grabmalerei, wo Bilder von Leben und Tod, Kraft und Stärke in Statuen und Reliefskulpturen symbolisiert wurden.

Es gab jedoch auch andere Möglichkeiten, sich bildlich auszudrücken, und eine lebendige Tradition der dekorativen Künste blühte in Form von Wappen, Gasthaus- und Ladenschildern, Kutschenverzierungen und Möbeln. Nicht alle amerikanischen Puritaner waren düstere, schwarz gekleidete religiöse Fanatiker. Die farbenfrohen Porträts von Frau Elizabeth Frake und dem Kleinkind Mary (um 1674, Worcester Art Museum, Massachusetts) zeugen von einer zunehmenden informellen Weltoffenheit in der amerikanischen Porträtkunst.

Das Porträt wurde von ihrem Ehemann John Frake, einem Bostoner Anwalt, Kaufmann und Reeder, in Auftrag gegeben, um seinen sozialen Status zu demonstrieren. Da die amerikanischen Kolonien immer wohlhabender wurden, fanden amerikanische Künstler gegen Ende des siebzehnten Jahrhunderts immer mehr Gönner wie John Frake.

Um 1690 war Boston ein florierender Hafen mit 7.000 Einwohnern, und die florierenden Gemeinden New York und Philadelphia zählten jeweils 4.000 Einwohner. Diese großstädtischen Industrie- und Handelszentren bildeten die Grundlage für ein stabileres Patronatssystem.

Einheimische und eingewanderte Künstler

Die zweite Periode der amerikanischen Kolonialkunst ist durch zwei Hauptmerkmale gekennzeichnet: zum einen durch die Herausbildung einer Gruppe von einheimischen Künstlern und Kunsthandwerkern und zum anderen durch den Einfluss von Gastkünstlern aus Europa, die von einigen wohlhabenden Amerikanern beauftragt wurden, in ihren Familien zu leben und sie zu malen.

Die Künstler der amerikanischen Ureinwohner kopierten zwar europäische Vorbilder, verliehen ihren Gemälden jedoch einen ausgeprägten Individualismus, der sich in den strengen Linien und kastenförmigen Proportionen des Gemäldes zeigt. In dem Gemälde „Portrait of Ebenezer Devotion“ (1770, Lyman Ellin Art Museum) von Winthrop Chandler (1747-1790) wird ein Hintergrund aus Büchern verwendet, um sowohl das Lernen zu symbolisieren als auch ein starkes Gestaltungselement zu schaffen. Diese Kunsthandwerker boten der Öffentlichkeit verschiedene Dienstleistungen an - Glasmalerei, Vergoldung und Porträts. Sie stehen in einer mittleren Gruppe zwischen den schönen Künsten und den angewandten Künsten, die ein starkes und charakteristisches Merkmal der amerikanischen Kultur waren.

Zu den europäischen Gastkünstlern gehörte die Pastellmalerin Henrietta de Beaulieu Dering Johnston (ca. 1674-1729), eine französische Hugenottin, die eine große Anzahl fein getönter ovaler Porträts schuf. Sie zeichnete in der Manier von Sir Godfrey Kneller und malte viele Porträts hugenottischer Familien, darunter die Bacotes, Prioleys und du Bosse. Ihre Werke befinden sich in den Sammlungen des Metropolitan Museum of Art, des New York State Museum, des Museum of Early Decorative Arts of the South und des Greenville County Museum of Art.

Zu den anderen eingewanderten Künstlern gehören der in Schweden geborene Maler Gustavus Hesselius (1682-1755), der sich 1712 in Philadelphia niederließ, und Charles Bridges (ca. 1672-1747), der 1735 in Virginia ankam und die Familie Byrd sowie die Familien Bolling, Blair, Castis, Carter, Grims, Ludwell, Lee, Moore, Page, Randolph und andere Familien des Südens beschrieb und 1744 nach England zurückkehrte.

Der führende Porträtist in Charleston war der in der Schweiz geborene Maler Jeremiah Theus (1716-1774), zu dessen Werken Lt. Col. Barnard Elliot (1740, Gibbs Museum of Art), Elizabeth Priolo Rupell (1753, High Museum of Art), und eine Miniatur von Mrs Jacob Mott (Rebecca Brewton) (1758, Metropolitan Museum of Art).

Ein weiterer prominenter Künstler unter den Einwanderern war der schottisch-amerikanische Maler John Smibert (oder Smibert) (1688-1751), der 1728 den Atlantik überquerte, um als Kunst- und Architekturprofessor dem visionären Projekt von Bischof Berkeley beizutreten, auf den Bermudas ein College für die Erziehung und Bekehrung von Indianern zu gründen.

Das Projekt scheiterte, aber Smibert ließ sich 1730 in Boston nieder und richtete ein Atelier voller europäischer Gemälde ein, das zu einem Mekka für zukünftige amerikanische Künstler wie Copley, Charles Peale und Trumbull wurde. Das gescheiterte Bermuda-Projekt war die Grundlage für Smiberts berühmtestes amerikanisches Gemälde „The Bermuda Group (Dean Berkeley and his entourage)“ (1728-39, Yale University Art Gallery), das Berkeley und seine Mitarbeiter zeigt. Dieses Ölgemälde war stilbildend für die Gruppenporträts in Amerika, da es Elemente der Barockmalerei in direkter Nachahmung von Sir Godfrey Kneller (1646-1723) kombinierte.

In Amerika war das soziale Image des Porträtierten ausschlaggebend für den gesellschaftlichen Status. Die meisten wohlhabenden Amerikaner jener Zeit wollten ihrem Reichtum als Händler oder Landbesitzer eine aristokratische Haltung und einen aristokratischen Lebensstil hinzufügen. In New York blühte zwischen 1715 und 1730 eine Gruppe von Künstlern, die als „Patrons bekannt waren, in diesem Genre der Statusmalerei auf“. Andere wichtige Porträtisten dieser Epoche waren Robert Feke (1706-1750), Joseph Badger (1708-1765) und John Wollaston (tätig in Amerika 1749-58).

Entwicklung der kolonialen Kunst und Architektur

An der Kolonisierung waren mehrere unterschiedliche europäische Kulturen beteiligt. An der äußersten Westküste Kaliforniens herrschte spanischer römisch-katholischer Barock, in Kanada und Louisiana französischer Ludwig XIV. und XV. und an der Ostküste niederländischer und englischer Barock.

Letzterer sollte den stärksten und dauerhaftesten Einfluss haben. Zwei verschiedene Strömungen englischer Siedler versuchten, in der Neuen Welt ihre eigene Version „des Gartens Eden“ zu schaffen. In Neuengland, an der Küste und im Hudson River Valley hofften die Puritaner, einen frommen theokratischen Staat zu errichten, der frei von Verfolgung war und auf ihren eigenen religiösen Grundprinzipien beruhte.

Weiter südlich, in Virginia, erwarteten die Siedler das Leben wohlhabender englischer Gentlemen auf Plantagen und Ländereien, was den Idealen ihrer puritanischen Nachbarn fast völlig zuwiderlief. Sie alle orientierten sich in Bezug auf Architektur und Kultur an der Alten Welt. Die Puritaner bauten nüchterne anglo-holländische Häuser und Kirchen in gepflegten kleinen Städten. Die Virginier orientierten sich am Hof von Karl II. und bauten nach dem Vorbild von Sir Christopher Wren (1632-1723).

Viele dieser Arten von Kolonialarchitektur wurden von Designern im neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert wiederbelebt. Frank Lloyd Wright (1867-1959) entwarf zum Beispiel das Bagley House (1894) im Stil des Dutch Colonial Revival, das Moore I House (1895) im Stil des Tudor Revival und das Charles Roberts House (1896) im Stil von Queen Anne.

Im Süden waren die großen Plantagenhäuser vollgestopft mit amerikanischen und europäischen Möbeln, Gemälden und Gegenständen der Keramikkunst, wie z. B. feine englische Fayencen und chinesisches Porzellan . Charleston, South Carolina, wurde bald zur wohlhabendsten und größten Stadt des Südens sowie zum wichtigsten Hafen und Handelszentrum der südlichen Kolonien.

Zahlreiche französische Hugenottenflüchtlinge ließen sich in Charleston nieder und bauten eine Reihe prächtiger Stadthäuser entlang des Hafenufers. Wohlhabende Plantagenbesitzer und Südstaatenhändler ließen ihre Kinder von britischen Privatlehrern ausbilden oder schickten ihre Söhne auf englische Schulen. Überraschenderweise bildeten die Einwohner von Charleston die größte Gruppe von Amerikanern, die die Grand Tour of Europe unternahmen, eine einjährige Besichtigungs- und Kulturreise durch das Italien der Renaissance und das Frankreich der Bourbonen.

Im Norden wuchs auch die Stadt Boston sowohl in der Bevölkerung als auch im Wohlstand. Um 1755 wurde jedes dritte britische Schiff in Neuengland gebaut, und die amerikanischen Kolonisten trieben Seehandel mit Afrika, Asien, den Westindischen Inseln und Südamerika sowie mit Europa. Philadelphia war ein weiteres blühendes Geschäftszentrum des Nordens und das Zentrum der dortigen Möbelindustrie. Um 1760 hatte Philadelphia sogar Boston überholt und war zur wohlhabendsten und größten aller amerikanischen Kolonialstädte geworden.

In der Zwischenzeit bahnte sich ein Konflikt an. Der Krieg zwischen England und Frankreich griff über den Atlantik auf die Kolonien über. Obwohl die Briten die Kontrolle über Kanada und einen Großteil des Ostens der Vereinigten Staaten erlangt hatten, beschlossen sie, dort eine ständige Garnison zu unterhalten. Um diese zu finanzieren, führten sie zwischen 1764 und 1767 eine Reihe von Steuern ein, darunter den „Sugar Act“, „Stamp Act“ und „Townshend Act“. Dies führte zu einer Boykottbewegung, dann zu politischen Massenprotesten und schließlich zum revolutionären Unabhängigkeitskrieg.

Die neue amerikanische Republik

Das Aufkommen der nächsten Generation amerikanischer Künstler fiel mit der Gründung einer von der britischen Krone politisch unabhängigen Republik zusammen. Diese aufkeimende Zuversicht zeigt sich in den Werken der beiden wichtigsten Künstler dieser Zeit, die 1738 geboren wurden - John Singleton Copley und Benjamin West . Diese beiden Künstler erweiterten das Themenspektrum der amerikanischen Malerei um historische, mythologische und landschaftliche Themen sowie um das traditionelle Porträt.

Copleys Bestrebungen und seine Einstellung zur Rolle des Künstlers in den Kolonien lassen sich an seiner eigenen Beobachtung ablesen: „Ginge es nicht um die Bewahrung des Abbilds bestimmter Menschen, wäre die Malerei an diesem Ort nicht bekannt. Die Menschen betrachten sie nicht mehr als jedes andere nützliche Handwerk…. wie ein Zimmermann, ein Schneider oder ein Schuhmacher, und nicht als eine der edelsten Künste der Welt.“

Beide Künstler verwirklichten ihre Ambitionen, den Status des Künstlers in Amerika zu erhöhen. Benjamin West zog 1760 nach Europa und wurde schließlich 1792 Präsident der Royal Academy. Copley blieb bis 1774 in Amerika und wurde ein führender Porträtmaler in Neuengland.

John Singleton Copley (1738-1815)

Die Karriere des amerikanischen Malers John Singleton Copley, der zur Bostoner Elite gehörte, zeigt zwei grundlegende Merkmale der amerikanischen Malerei dieser Epoche: technische Virtuosität und die Fähigkeit, die erhebenden Gefühle, die die Künstler des 18. Jahrhunderts durch ihre Bilder vermitteln sollten, zu lokalisieren und zu konkretisieren.

1748 heiratete Copleys Mutter den amerikanischen Limner und Schabkunststecher Peter Pelham (1695-1751), zu dessen Porträts die von Königin Anne, George I., dem Earl of Derby und Lord Wilmington gehörten und dessen Bostoner Atelier schnell zu einem Zentrum für Bostoner Künstler wurde.

Durch familiäre Verbindungen wurde Copley im figurativen Realismus der Kolonialmaler geschult, aber er durchtränkte seine Porträts zunehmend mit patriotischen Gefühlen, wie in seinem berühmten Porträt von Paul Revere (1768, Museum of Fine Arts, Boston). Paul Revere, ein republikanischer Patriot, führte den Protest gegen das Stempelgesetz von 1765 an. Er war ein hochqualifizierter Silberschmied, und das Porträt vermittelt die zwanglose demokratische Würde eines Handwerkers in einem Hemd mit Ärmeln und einem Kessel in der Hand - ein Bild, das mit dem wachsenden Nationalstolz in den zunehmend selbstbewussten amerikanischen Kolonien in Verbindung gebracht wird.

Copley machte jedoch keinen Unterschied zwischen den politischen Ansichten seiner Porträtierten und porträtierte viele Bostoner, die der Krone treu blieben. Er war auch ein Meister der Pastellmalerei, nachdem er sich mit den Errungenschaften des Schweizer Künstlers Jean-Étienne Lyotard vertraut gemacht hatte, und fertigte eine Reihe von Pastellzeichnungen an, die für ihre genaue Wiedergabe der Mode des Dargestellten sowie für ihre Charakterdarstellung bekannt waren. Copleys Pastellporträts wurden so geschätzt, dass das Metropolitan Museum of Art in New York sein Porträt von Mrs. Edward Green erwarb, lange vor den berühmteren Ölporträts, für die er weithin bekannt war.

Nach seiner Übersiedlung nach England im Jahr 1774 erweiterte Copley sein Repertoire um die Historienmalerei, indem er eine Reihe von heroischen Ereignissen aus der britischen Geschichte darstellte, darunter Der Tod von Chata im Oberhaus (1779), Der Tod von Major Pearson (bei einem Gefecht mit den Franzosen auf den Kanalinseln) (1782) und Die Belagerung von Gibraltar (1791). Diese Kombination aus zeitgeschichtlichen Fällen und einem Stil des akribischen Realismus war neu. Copley hatte es immer vorgezogen, zeitgeschichtliche Themen zu malen, denn er sagte: „Ich habe, wo immer es möglich war, Ereignisse aus der Zeit meines eigenen Lebens verwendet“. Sein Hauptwerk von 1778 „Watson und der Hai“ (National Gallery of Art, Washington) zeigt viele dieser Züge.

Watson, ein Freund von Copley, erzählte ihm von einer jugendlichen Begegnung mit einem Hai im Hafen von Havanna. Die lineare Bewegung von Wellen, Schiffen und Watsons Nacktheit wird mit der starken Vertikalität des Matrosen kontrastiert, der versucht, den Hai mit einem Speer zu durchbohren. Copley inszeniert einen realen Fall von natürlicher Gefahr, wobei er es dem Sujet überlässt, den Stil zu bestimmen: Die Figuren am Wasser sind nicht in neoklassischer Manier mit mythologischer Bedeutung ausgestattet.

Benjamin West (1738-1820)

Nachdem Benjamin West zu einer wichtigen Figur in der britischen und amerikanischen Malerei geworden war, wurde er zum Mittelpunkt der Aufmerksamkeit amerikanischer Künstler, die zunehmend zu ihren großen Europatourneen nach Europa reisten. West verfolgte einen bewusst heroischen Stil, war aber wie Copley der festen Überzeugung, dass er für seine Historienmalerei Themen aus dem Zeitgeschehen wählen sollte.

Eine Reproduktion seines Gemäldes „Die Unabhängigkeitserklärung“ (1818, Rotunde des Kapitols der Vereinigten Staaten, Washington DC) wurde auf der Rückseite der amerikanischen Zwei-Dollar-Note angebracht. Trumbull malte auch viele Porträts, darunter Porträts von General Washington (1790) und George Clinton (1791) sowie Alexander Hamilton (1805). Andere Anhänger von West konzentrierten sich auf bestimmte Arten von Gemälden, wie Stillleben und Genremalerei.

Gilbert Stuart (1755-1828)

Gilbert Stuart war ein weiterer prominenter Porträtmaler dieser Zeit, der mehr als 1.000 Personen porträtierte, darunter die ersten sechs Präsidenten der Vereinigten Staaten. Zu seinen besten Werken gehören das unvollendete Porträt von George Washington, das als „Athenaeum“ bekannt ist und immer noch auf der US-Ein-Dollar-Note abgebildet ist; „Porträt von Lansdowne“ (1796) und Skater (1782, National Gallery of Art, Washington).

Charles Wilson Peale (1741-1827) ist auch für seine Porträts von führenden Persönlichkeiten der Amerikanischen Revolution bekannt. Sein berühmtestes Werk, George Washington in der Schlacht von Princeton (1781, Yale University Art Gallery), wurde im Januar 2005 für 21,3 Millionen Dollar verkauft: damals ein Rekord für ein amerikanisches Porträt. Er malte auch Porträts von Benjamin Franklin, John Hancock, Thomas Jefferson und Alexander Hamilton, sowie mehr als 60 Porträts von George Washington . Darüber hinaus malte er Gemälde von Augenzeugen amerikanischer wissenschaftlicher Wunderwerke. „Die Vertreibung des ersten amerikanischen Mastodons“ (1806-8, Peale Museum, Baltimore) wurde im berühmten Peale Museum of Natural Wonders in Philadelphia ausgestellt.

Porträtminiatur

Miniaturmalerei (Porträtminiatur) in Amerika, angelehnt an die Werke der deutschen Emigranten Hans Holbein (1497-1543) und Nicholas Hilliard (1547-1616), mit einer Wertschätzung für die revolutionären Aquarellinnovationen des venezianischen Miniaturisten Rosalba Carriera (1675-1757). In Boston war Copley der erste, der dieses spezielle Genre beherrschte ) Portrait of Jeremiah Lee, 1769); in Philadelphia waren die führenden Miniaturisten Charles Wilson Peale und James Peale (1749-1831) (auch bekannt für seine Stillleben).

In Charleston war der führende Künstler der Philadelphianer Henry Benbridge (1743-1812), bekannt für seine abendfüllenden Werke wie Dr. Jonathan Potts (1776, Art Institute of Chicago) sowie Aquarellminiaturen auf Elfenbein; in New York war es der Juwelier und Miniaturist John Ramage (1748-1802), der kleine Darstellungen zahlreicher politischer Persönlichkeiten schuf, darunter den ersten US-Präsidenten George Washington.

Landschaftsmalerei und andere Gattungen

Die Figurenmalerei und die Porträtmalerei in Öl und Pastell waren die wichtigsten Zeichenkünste des achtzehnten Jahrhunderts, die in den Städten des kolonialen Amerika praktiziert wurden. Aber auch auf dem Land gab es andere Formen, darunter Feder- und Tuschezeichnungen, oft von anonymen Künstlern, manchmal aber auch von bekannten Persönlichkeiten wie Johann Heinrich Otto (ca. 1773-1800), dem Schöpfer der Fractured Motifs, die für ihre farbenfrohen wirbelnden Muster aus Blumen, Kronen, Pfauen und Papageien bekannt sind.

Die Landschaftsmalerei, die vor 1800 fast unbekannt war, erschien in Form der topografischen Aquarellmalerei . Die wichtigsten Vertreter in New York waren der in Schottland geborene Maler Alexander Robertson (1772-1841) und sein Bruder Archibald Robertson (1765-1835), Gründer der ersten Kunstschule der Stadt, der Columbia Academy.

Architektur: Neoklassizismus

Die Republikaner in Europa erinnerten sich mit Nostalgie an die Römische Republik als ein egalitäres Ideal, ein Mythos, den sie weitgehend selbst geschaffen hatten. Die neoklassizistische Architektur war ein erkennbares Symbol des republikanischen Geistes, nicht die theatralisch vergoldete und verspiegelte Barockarchitektur, zu der die Klassiker der Renaissance geworden waren, sondern ein keuscher, reiner und klar definierter klassischer Stil, der ebenso idealistisch war und so wenig mit seinen Ursprüngen zu tun hatte wie die Politik, die er symbolisierte.

Das weiße oder cremefarbene neopalladianische Haus wurde das amerikanische Ideal. Die Niederlage der Briten war auch die Niederlage der alten puritanischen Vorherrschaft, auch wenn sie damals nicht als solche wahrgenommen wurde, und in den ersten Tagen der Republik gehörte die politische Vorherrschaft eher den Landbesitzern des Südens als den Kaufleuten des Nordens.

Thomas Jefferson (1743-1826), Gesetzgeber, Wirtschaftswissenschaftler, Pädagoge und dritter Präsident der Vereinigten Staaten, war ein professioneller und einflussreicher Architekt. Der Sohn eines Landvermessers baute 1769 auf einem geerbten Grundstück sein Herrenhaus Monticello. Außerdem entwarf er das Virginia State Capitol, das Washington Capitol, das 1817 abbrannte, und die University of Virginia in Charlottesville, den Prototyp eines amerikanischen Campus.

Beeinflusst von Andrea Palladio (1508-1580), fand Jefferson im römischen Klassizismus eine Autorität für soziale und architektonische Theorien, die für die neue Republik geeignet waren. Neben Jefferson gehörten zu den kolonialen amerikanischen Architekten, die neoklassizistisches Design verwendeten, auch William Thornton (1759-1828) und Charles Bulfinch (1763-1844), der einen Großteil des Kapitols der Vereinigten Staaten (1792-1827) entwarf, und der Architekt des Greek Revival Benjamin Latrobe (1764-1820), der auch für die Basilika in Baltimore (1806-1821) verantwortlich war. Für weitere Informationen siehe: Amerikanische Architektur (1600-heute).

Möbelherstellung und anderes Handwerk

Im achtzehnten Jahrhundert entstand durch die Nachfrage nach feinen Möbeln für die Villen der Pflanzer und die respektablen Stadthäuser eine neue Klasse von Handwerkern und Kunsthandwerkern, die in der Kunst der Holzschnitzerei und der Tischlerei ausgebildet waren. Einer der besten lokalen Tischler war John Townsend aus Newport, Rhode Island (1733-1809). Er wurde in Newport, Rhode Island, geboren, der zweiten Stadt in Neuengland nach Boston, deren florierende Möbelindustrie von zwei miteinander verheirateten Quäkerfamilien, den Townsends und den Goddards, kontrolliert wurde.

Überall im industriell geprägten Norden, in Newport, Boston und Philadelphia, schufen Tischler - viele von ihnen waren Einwanderer aus London - Meisterwerke im Rokoko-Stil, die nach Abbildungen in importierten Musterbüchern stilisiert waren. Gleichzeitig blieben die traditionellen deutschen Muster auf dem Lande beliebt.

Andere beliebte Handwerke in den ländlichen Gebieten der Kolonien waren: Stickerei, Korbflechterei, Metallverarbeitung, Schmuck und (in den nordöstlichen Hafenstädten) Walknochen- und Elfenbeinschnitzerei sowie verschiedene Arten von Volkskunst, wie die Herstellung von Puppen, Steppdecken und Bettüberwürfen. All diese Handwerke fallen jedoch nicht unter die allgemeine Kategorie der Künste, obwohl sie in der kolonialen Kultur eine wichtige Rolle spielten.

Sammlungen

Beispiele amerikanischer Kolonialkunst sind in vielen der besten Kunstmuseen und Kulturerbezentren in den Vereinigten Staaten zu sehen, unter anderem an folgenden Orten:

American Folk Art Museum (New York)
Art Institute of Chicago, Illinois
Boston Museum of Fine Arts
Denver Art Museum, Colorado
Detroit Institute of Art, Michigan
Gibbs Museum of Art
Greenville County Museum of Art
Kimbell Museum of Art (Fort Worth)
Lyman Allyn Museum of Art
Metropolitan Museum of Art (New York)
Minneapolis Institute of Art (MIA), Minnesota
Museum of Early Decorative Arts of the South
Museum of Fine Arts, Houston, Texas
National Gallery of Art, Washington, D.C.
National Museum of the American Indian, Washington, D.C.
Museum of the State of New York
Peale Museum, Baltimore
Pennsylvania State Museum
Philadelphia Museum of Art
Smithsonian Museum of American Art, Washington, DC
Worcester Art Museum, Massachusetts
Yale University Art Gallery

Das Erbe der Kolonialkunst

Amerikanische Künstler des 19. Jahrhunderts entwickelten die von Copley, West und Gilbert geschaffenen Traditionen und Standards weiter - nicht nur in Porträts und historischen Werken, sondern auch in der neuen populären Gattung der Landschaft. Während die Kolonialkunst den selbstbewussteren Traditionen des 19. Jahrhunderts wich, begannen die Städte des Ostens, die Sehenswürdigkeiten der amerikanischen Wildnis mit den Augen des Grenzlandmalers George Caleb Bingham (1811-1879) aus Missouri aufzunehmen; die Künstler vom Hudson River, Thomas Cole (1801-1848) und Frederick Edwin Church (1826-1900), und den Führer der Rocky Mountain School, Albert Bierstadt (1830-1902). Sie lernten den Cowboy-Westen durch die Gemälde von Frederic Remington (1861-1909) und die Skulpturen von James Earl Fraser (1876-1953) kennen - wie etwa sein Meisterwerk The End of the Trail (1915, National Cowboy & Western Heritage Museum, Oklahoma City). Das Genre der amerikanischen Historienmalerei wurde von dem deutsch-amerikanischen Maler Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868) gefördert, der für sein Gemälde „Washington Crossing the Delaware“ (1851, Metropolitan Museum of Art) berühmt wurde.