Amerikanische Kunst: Geschichte der schönen Künste in Amerika 
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Dies ist ein kurzer Überblick über die amerikanische Kunstgeschichte in 20 Schritten, einschließlich Malerei, Bildhauerei, Architektur und moderne Kunstformen aus der Kolonialzeit. Zur frühen Kultur in Amerika siehe: Präkolumbische Kunst (1200 v. Chr. - 1535 n. Chr.). Zur späteren Kultur der amerikanischen Ureinwohner siehe: Kunst der amerikanischen Indianer (1000 v. Chr. - 1900). Zur Geschichte und den Merkmalen der architektonischen Gestaltung in den Vereinigten Staaten siehe: Amerikanische Architektur (1600 bis heute).
1. Koloniale Künstler des achtzehnten Jahrhunderts
Die amerikanische Kolonialkunst im siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert beschränkte sich weitgehend auf Porträt- und ein wenig Landschaftsmalerei. Die wenigen Möglichkeiten, die sich den Künstlern boten, kamen durch Kontakte mit der kolonialen Klasse zustande. Zu den wichtigen amerikanischen Kolonialkünstlern gehören:
Benjamin West (1738-1820)
„Vater der amerikanischen Malerei“, der in England arbeitete, wo er eine Reihe amerikanischer Künstler wie John Copley, Gilbert Stuart und Allston Washington beeinflusste.
John Singleton Copley (1738-1815)
Bekannt für seine Porträts und historischen Gemälde in Boston und London.
Gilbert Stuart (1755-1828)
Bekannt für seine Porträts von George Washington gilt Stuart als der größte amerikanische Porträtist des 18. Jahrhunderts und als Schöpfer eines eindeutig amerikanischen Kunststils.
Weitere berühmte amerikanische Künstler des 18. Jahrhunderts sind der Porträtmaler Ralph Earle (1751-1801) und der Porträt- und Historienmaler John Trumbull (1756-1843).
Die amerikanische Architektur der Kolonialzeit war in der Regel entweder georgianisch oder neoklassizistisch. Letztere umfasst „den Federal Style“ und Greek Revival Designs. Amerikanische Architekten dieser Zeit sind Thomas Jefferson (1743-1826), William Thornton (1759-1828), James Hoban (1762-1831), Charles Bulfinch (1763-1844) und Benjamin Latrobe (1764-1820).
2. Die amerikanische Landschaftskunst des 19. Jahrhunderts
Das unabhängige Amerika bot mehr Möglichkeiten für alle, auch für Künstler. Obwohl die (1839 erfundene) Fotografie die Malerei als Chronist von Ereignissen und Erfahrungen ablöste, war das Amerika des 19. Die Porträtmalerei war weiterhin finanziell lukrativ, aber auch Landschaften mit Motiven der amerikanischen Tierwelt waren beliebt. Die beiden berühmtesten Stile der Landschaftsmalerei, die beide sehr romantisch sind, sind die von Thomas Cole inspirierte Hudson River School (ca. 1825-65) und ihr späterer Ableger Luminismus (ca. 1850-75). Die französische Schule von Barbizon, die Pleinair-Malerei, war ebenfalls einflussreich, und in den 1880er bis 90er Jahren entwickelte sich ein Stil, der als Tonalismus bekannt wurde. Zu den wichtigen amerikanischen Landschafts- und Pleinairmalern des neunzehnten Jahrhunderts gehören:
Thomas Cole (1801-1848)
Bekannt für die Erhabenheit und Dramatik seiner Landschaften in der Wildnis.
George Inness (1825-1894)
Brachte die Technik der Schule von Barbizon nach Amerika und trug dazu bei, die impressionistische Tonalistenbewegung zu definieren.
Frederick Edwin Church (1826-1900)
Ein Schüler von Cole und der größte Landschaftsmaler der amerikanischen Romantik, der den ganzen Kontinent bereiste und Regenwälder, Wasserfälle, Vulkane und Eisberge malte.
Albert Bierstadt (1830-1902)
In Deutschland geborener Landschaftsmaler, Mitglied der Düsseldorfer Schule, der Hudson River School und der Rocky Mountain School der romantischen Landschaftskunst.
Andere Hudson-River-Maler : Thomas Doughty (1793-1856), Asher Brown Durand (1796-1886), Robert Walter Weir (1803-1889), John William Casiliar (1811-1893), Worthington Whittredge (1820-1910), Robert Duncanson (1821-1872), William Hart (1823-1894), David Johnson (1827-1908), Jervis McEntee (1828-1891), James McDougal Hart (1828-1901), Thomas Hill (1829-1908), Herman Ottomar Herzog (1831-1932), William Stanley Hazeltine (1835-1900).
Zu den luministischen Künstlern gehören : John F. Kensett (1816-1872), Martin Johnson Heyde (1819-1904), Sanford Robinson Gifford (1823-1880), Jasper Francis Cropsey (1823-1900), William Trost Richards (1833-1905), Norton Bush (1834-1894), Edmund Darch Lewis (1835-1910), Alfred T. Bricher (1837-1908), Thomas Moran (1837-1926).
George Caleb Bingham (1811-1879)
Berühmter und sehr populärer Ölmaler, Lichtmaler, Landschafts- und Genremaler aus Missouri.
Andere Künstler des amerikanischen Grenzlandes : Frederic Remington (1861-1909), der berühmteste Darsteller des Cowboy-Westens; der Aquarellist Charles Russell (1864-1926); der Genremaler William Sidney Mount (1807-1868), bekannt für seine ländlichen Szenen, die den Städtern gefielen; Albert Pinkham Ryder (1847-1917), bekannt für seine romantischen, aber düsteren mythologischen Szenen.
Historienmalerei
Weit weniger populär als die Landschaftsmalerei und die Porträts wurde die Tradition der Historienmalerei in Amerika von dem deutsch-amerikanischen Maler Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868) fortgeführt, der vor allem für sein Meisterwerk „Washington Crossing the Delaware“ bekannt ist.
3. amerikanisches Porträt und Genremalerei des neunzehnten Jahrhunderts
Neben den Landschaften schufen amerikanische Künstler auch Porträts und verschiedene erzählende oder Genrebilder. John Singer Sargent war der größte Porträtmaler der Epoche, und Winslow Homer war einer der führenden Porträtmaler. Die großen europäischen Kunstbewegungen des Impressionismus und des Postimpressionismus hatten ihre Anhänger in den Vereinigten Staaten, doch der Realismus blieb der vorherrschende Stil.
Wichtige amerikanische Porträt- und Genremaler des 19. Jahrhunderts:
Winslow Homer (1836-1910)
Homer, einer der berühmtesten amerikanischen Künstler, hatte ein Talent dafür, die Natur so darzustellen, dass sie den Geist der amerikanischen Pioniere widerspiegelt. Als Autodidakt in Aquarell- und Ölmalerei konzentriert er sich in seinen Gemälden auf das obskure Leben von Fischern, Soldaten, Matrosen, Holzfällern, Jägern und Pionieren - ganz gewöhnliche Menschen.
Thomas Eakins (1844-1916)
Einfach der größte amerikanische Vertreter des figurativen Realismus; erhielt zu seinen Lebzeiten weit weniger offizielle Anerkennung, als er verdient hätte.
John Singer Sargent (1856-1925)
In Europa und London tätig, war er der beste amerikanische Porträtist seiner Zeit. Zu seinen größten Werken gehören Edward Darley Boyte’s Daughters (The Boyte Sisters) (1882, Museum of Fine Arts, Boston); Portrait of Madame X (Madame Pierre Gautreau) (1884); und El Jaleo (1882, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston)
Realismus in der Bildhauerei
Realistische Statuen, siehe: „Trail’s End“ von James Earl Fraser (1876-1953) und „Fighting Stallions“ von Anna Hite Huntington (1876-1973).
4. Der amerikanische Impressionismus des neunzehnten Jahrhunderts
Der Pionier des amerikanischen Impressionismus war der emigrierte tonalistische Maler James McNeil Whistler (1834-1903). Er war in Großbritannien als Porträtist, Landschaftsmaler, Symbolist und Mitglied der Ästhetischen Bewegung tätig und ist vor allem für seine „Arrangements“, „Harmonien“ und „Nocturnes“ bekannt. Zu den späteren Malern des amerikanischen Impressionismus gehören: Die Pittsburgher Malerin Mary Cassatt (1844-1926); der Bostoner Childe Hassam (1859-1935), der vor allem für seine „Flaggenbilder" bekannt ist; der Münchner Porträtist William Merritt Chase (1849-1916); J. A. Merritt Chase (1849-1916); und J. A. Merritt Chase (1849-1916). Alden Weir (1852-1919), der sich durch seine Landschafts-, Stillleben- und Blumenbilder auszeichnete; Theodore Robinson (1852-1896), ein enger Freund von Claude Monet; Cincinnati-Maler John Twachtman (1853-1902); Thomas Dewing (1851-1938), Innen- und Landschaftsmaler und Anhänger des Ästhetizismus; und John Singer Sargent (1856-1925). Auch Robert Henri (1865-1929) und William James Glackens (1870-1938), beide Mitglieder „der Acht“, schufen eine Reihe hervorragender Gemälde im Stil des Impressionismus.
Als die amerikanische Kunstwelt im 19. Jahrhundert expandierte, wuchsen auch ihre Organisationen. Die American Academy of Fine Arts wurde bereits 1802 gegründet und existierte bis 1841. Ihr Nachfolger war die National Academy of Design (ursprünglich Society for the Improvement of Drawing), die 1825 in New York gegründet wurde. Die National Academy war bis ins 20. Jahrhundert die aktivste Vereinigung der bildenden Künste in Amerika, bis sie aufgrund ihres konservativen Charakters allmählich zu einer eher historischen Institution wurde.
Darüber hinaus verewigte Amerika einen Großteil seiner Geschichte des 19. Jahrhunderts in Gedenkskulpturen, wie zum Beispiel in den Werken von Daniel Chester French (1850-1931).
5. Architektur des neunzehnten Jahrhunderts
Die wichtigsten Stile der amerikanischen Architektur im neunzehnten Jahrhundert waren das Greek Revival, das Gothic Revival, das Second Empire und einige italienische und romanische Stile. Das Greek Revival trat zuerst auf, vor allem unter der Führung von Jefferson, Latrobe und Bulfinch. Die Neugotik wurde durch die Arbeiten von Richard Upjohn (1802-1878) und James Renwick (1818-1895) veranschaulicht, und der romanische Stil wurde von Henry Hobson Richardson (1838-1886) fortgeführt. Der weniger verbreitete Beaux-Arts-Stil - eine Mischung aus Neorenaissance und Neobarock - wurde unter anderem von Richard Morris Hunt (1827-1895) und Cass Gilbert (1859-1934) vertreten. Zur gleichen Zeit wurden die ersten echten Wolkenkratzer von der Chicago School of Architecture (ca. 1880-1910) unter der Leitung von William Le Baron Jenney (1832-1907) entworfen.
6. 1900: Die Entwicklung der modernen Kunst in Amerika
Von diesem Zeitpunkt an beginnt die europäische Kunst - und vor allem die europäischen Künstler - einen viel größeren Einfluss auf Amerika auszuüben. Dies ist das Ergebnis von zwei wichtigen Faktoren.
❶ das Wachstum der amerikanischen Handelsmacht - was wiederum zum Aufstieg einflussreicher amerikanischer Kunstsammler und Philanthropen führte, die europäische Kunstwerke für Museen in den Vereinigten Staaten erwarben. Das Wachstum der amerikanischen Städte machte sie übrigens zu idealen Käufern - und Bauherren - neuer europäischer Architekturstile wie Art Nouveau (Blütezeit 1890-1914) und Art Deco (1920er, 1930er Jahre).
❷ Das Chaos und die Blutbäder des Ersten und Zweiten Weltkriegs zwangen viele Künstler des Kontinents, in die Vereinigten Staaten auszuwandern. Eine Folge dieses verstärkten europäischen Einflusses war die allmähliche Entstehung einer Schule der abstrakten Kunst, die sich zunächst am Kubismus orientierte, später geometrische und koloristische Züge annahm und einen deutlichen Kontrast zur lokalen Gegenständlichkeit bildete.
Die berühmte avantgardistische Armory Show (offiziell International Exhibition of Modern Art genannt), die von über einer Viertelmillion Menschen in New York, Chicago und Boston besucht wurde, markierte einen Wendepunkt im öffentlichen Interesse an moderner Kunst. Die Ausstellung präsentierte einige der größten Gemälde unserer Zeit, darunter Werke amerikanischer und europäischer Künstler der Moderne. Organisiert von Arthur B. Davis (1862-1928), dem Präsidenten der Association of American Painters and Sculptors einer Gruppe, die von Robert Henri (1865-1929) initiiert worden war - zog die Ausstellung mehrere bedeutende Mäzene und Sammler an, darunter: Lillie P. Bliss (1864-1931) und Catherine Dreyer (1877-1952), die beide zu wichtigen Förderern des Museum of Modern Art (MoMA) in New York wurden. Weitere wichtige Ausstellungen aus dieser Zeit sind die Carnegie International Exhibition of Modern Art, die ab 1896 im Carnegie Institution Museum of Art in Pittsburgh stattfand, und natürlich die Whitney Biennale, eine Einladungsveranstaltung, die ab 1932 stattfand.
Mehrere bedeutende amerikanische Kunstmuseen, die von amerikanischen Philanthropen gegründet wurden, stammen aus der Zeit um die Jahrhundertwende. Dazu gehören das Metropolitan Museum of Art in New York (1870), das heute über 3 Millionen Werke in seiner Sammlung hat; das Museum of Fine Arts in Boston (1870), das heute 450.000 Werke in seiner Sammlung hat; das Philadelphia Museum of Art (1876).) mit 200 Galerien und über 225.000 Objekten; Detroit Institute of Art (frühe 1880er Jahre) mit 100 Galerien und einer Sammlung im Wert von über 1 Milliarde Dollar; Art Institute of Chicago (1893), dessen Sammlung 33 Meisterwerke von Claude Monet umfasst; Frick Collection (1919), eines der besten „Bijou“ Kunstmuseen der Welt; Phillips Collection (1921), ein weiteres der besten „kleinen“ Museen der Welt; Whitney Museum of American Art (1930), gegründet von Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942).
Einen wichtigen Einfluss auf die Entwicklung der amerikanischen Kunst zu Beginn des 20. Jahrhunderts hatte der amerikanische Fotograf, Herausgeber und Kunsthändler Alfred Stieglitz (1864-1946), der spätere Ehemann der Künstlerin Georgia O’Keeffe, der - mit Hilfe seines engen Kollegen Edward Steichen (1879-1973) - einen großen Teil seiner Energie der Förderung der Kunstfotografie sowie der modernistischen Malerei und Bildhauerei im Raum New York widmete. Andere frühe Fotokünstler waren Dorothea Lange (1895-1965) und Walker Evans (1903-1975).
7. Amerikanische Stadtkunst des 20. Jahrhunderts
Der wachsende Betondschungel der amerikanischen Städte mit ihrer hoch aufragenden Wolkenkratzerarchitektur zog die technischen und künstlerischen Fähigkeiten einer Reihe talentierter amerikanischer Architekten an, darunter so unterschiedliche Persönlichkeiten wie Frank Lloyd Wright (1867-1959), Walter Gropius (1883-1969), Mies van der Rohe (1886-1969) - Verfechter des „Internationalen Stils“ und Führer der Zweiten Chicagoer Schule der Architektur das weltbekannte Architekturbüro Skidmore, Owings and Merrill und sein revolutionärer Designer Fazlur Khan (1929-1982), sowie Philip Johnson (1906-2005), I. M. Pei (*1917), und Frank O. Gehry (*1929).
Die städtische Szene hat auch die Aufmerksamkeit mehrerer kleinerer Kunstbewegungen auf sich gezogen. Dazu gehörte die Ashcan School (New York ca. 1892-1919), eine fortschrittliche Gruppe amerikanischer Künstler und Illustratoren, die das Leben in New York in einem rauen, ungeschliffenen Stil darstellten. Zur Ashcan School (deren „Kern“ als die „Eight“ bekannt war) gehörten Arthur B. Davis, William J. Glackens (1870) und William J. Glackens (1870). Glackens (1870-1938), Robert Henri (1865-1929), Ernest Lawson (1873-1939), George Loucks (1867-1933), Maurice Prendergast (1858-1924), Everett Shinn (1876-1953) und John Sloan (1871-1951). Zur zweiten Generation der Ashan-Künstler gehörten George Wesley Bellows (1882-1925) und Edward Hopper (1882-1967), die neben Landschaften auch viele realistische Genrebilder schufen - siehe, z. B. „The House by the Railway“ (1925, Museum of Modern Art) und The Lighthouse at Two Lights (1929, Metropolitan Museum of Art) und sein Meisterwerk Night Hawks (1942, Art Institute of Chicago).
Ein weiterer Einfluss auf die moderne Malerei in Amerika war der Precisionism (oder kubistischer Realismus, 1920er Jahre), der sich auf die moderne Industrie und Stadtlandschaften konzentrierte, die sich durch realistische Darstellungen von Objekten auszeichneten, jedoch in einer Weise, die ihre geometrische Form betonte. Die Werke von Charles Demuth (1883-1935) und von Charles Sheeler (1883-1965) sind Beispiele für diesen Stil, während die Stadtbilder von Georgia O’Keeffe (1887-1986) ebenfalls mit dem präzisistischen Stil in Verbindung gebracht werden. Weitere Präzisionsmaler sind: George Ault (1891-1948), Ralston Crawford (1906-1978) und Niles Spencer (1893-1952).
Der spätere Stil des sozialen Realismus wurde von amerikanischen Künstlern der Depressionszeit praktiziert, wie Ben Shahn (1898-1969), Moses Sawyer (1899-1974), Raphael Sawyer (1899-1987), Reginald Marsh (1898-1954), William Gropper (1897-1977), Jack Levine (b. 1915), Isabel Bishop (geb. 1915) und andere.), und Isabel Bishop (1902-1988). Die meisten ließen sich von der Tradition der New Yorker Ashan School sowie von den mexikanischen Wandmalereien von Diego Rivera (1886-1957) inspirieren, von José Clemente Orozco (1883-1949), und von David Alfaro Siqueiros (1896-1974).
8. Der Aufstieg der indigenen modernen Kunst in Amerika (ca. 1920-1940)
Der größte Teil der amerikanischen Avantgarde-Kunst basiert auf Trends, die von Paris ausgehen, das immer noch das Zentrum der Weltkunst ist. Kubismus, Expressionismus, Dada und Surrealismus waren die wichtigsten dieser Bewegungen und zogen eine Reihe einheimischer amerikanischer Künstler an, darunter: Der Kubist und Expressionist John Marin (1870-1953) aus New Jersey; der energische Modernist Marsden Hartley (1877-1943); der russische Expressionist Max Weber (1881-1961); der in New York geborene Bauhaus-Pionier Lionel Feininger (1871-1956); der erfolglose Patrick Henry Bruce (1881-1937), bekannt für seine halbabstrakten pastosen Gemälde; Stanton MacDonald-Wright (1890-1973) und Morgan Russell (1883-1953), zwei in Paris lebende Amerikaner, die den farbenfrohen abstrakten Stil erfanden, der als Synchromismus bekannt ist; Arthur Garfield Dove (1880-1946), bekannt für seine kleinformatigen Abstraktionen, Collagen und Assemblagen; der von Mondrian und De Stijl inspirierte Burgoyne Diller (1906-1965); der einflussreiche amerikanische Kubist Stuart Davis (1894-1964); kalligraphischer Abstrakteur Mark Tobey (1890-1976); Surrealist Man Ray (1890-1976); russisch-amerikanischer Mixed-Art-Künstler Louise Nevelson (1899-1988); Indiana Metallbildhauer David Smith (1906-1965); Joseph Cornell (1903-1972), bekannt für seine Installationen; der aus Iowa stammende Grant Wood (1892-1942), bekannt für sein Meisterwerk „American Gothic“ (1930), und der aus Missouri stammende Thomas Hart Benton (1889-1975), beide waren Verfechter des ländlichen und kleinstädtischen Regionalismus Teil eines breiteren realistischen Idioms der amerikanischen Landschaftsmalerei ; und Jacob Lawrence (1917-2000), ein gefeierter afroamerikanischer Maler.
In der Zwischenzeit wurde die schlichte traditionalistische Schule durch Grandma Moses (1960-1961) vertreten, die für ihre idyllischen ländlichen Szenen bekannt war; den sentimentalen Illustrator und Porträtisten Norman Rockwell (1894-1978); und Andrew Wyeth (geb. 1917), Aquarell- und Eitemperamaler, bekannt für seine nostalgischen, manchmal symbolischen Darstellungen von Pennsylvania und der Küste von Maine - wie „Christina’s World“ (1948).
Der Aufstieg der Kunstfotografie und das Aufkommen von Landschaftsfotografen wie Ansel Adams (1902-1984), Imogene Cunningham und Edward Weston (1886-1958) sollten ebenfalls erwähnt werden. Lesen Sie über andere einflussreiche amerikanische Fotokünstler des 20. Jahrhunderts wie Robert Mapplethorpe (1946-1989) und Cindy Sherman (geb. 1954).
9. Die Ankunft der modernen Künstler aus Europa (1920-40)
Zu den wichtigen Künstlern, die Europa verließen und in der Zwischenkriegszeit nach Amerika kamen, gehörten der in Armenien geborene Arshil Gorki (1905-1948), der sich 1920 in den Vereinigten Staaten niederließ, der in Deutschland geborene Hans Hofmann (1880-1966), der ehemalige Bauhaus-Künstler Josef Albers (1888-1976), der Kubist Fernand Léger (1881-1955), der geometrische Abstrakte Piet Mondrian (1872-1944) und die Surrealisten Yves Tanguy (1900-1955), André Masson (1896-1987), Max Ernst (1891-1976), der kurzzeitig mit der amerikanischen Erbin und Sammlerin Peggy Guggenheim verheiratet war, und André Breton (1896-1966). Die surrealistischen Maler waren sehr einflussreich mit ihrer Idee der unbewussten „automatischen Malerei“, die von Jackson Pollock und anderen aufgegriffen wurde.
Der Ideenaustausch in New York wurde durch eine wachsende Infrastruktur von Einrichtungen zur Förderung der zeitgenössischen Kunst erleichtert, darunter: Museum of Modern Art (MoMA, gegründet 1929), Whitney Museum of American Art (gegründet 1931 von Gertrude Vanderbilt Whitney), Albert Gallatin Museum of Living Art, und Museum of Objectless Painting (gegründet 1939), der Vorgänger des Solomon R. Guggenheim Museum.
Auch die Bildung spielte eine Rolle: Der deutsche Künstler Hans Hofmann hatte durch seine New Yorker Kunstschule, an der er von 1933 bis 1958 unterrichtete, großen Einfluss auf die Maler. Schließlich waren zahlreiche amerikanische Mäzene und Sammler - insbesondere Peggy Guggenheim aktive und kreative Wegbereiter.
Das Zentrum des Geschehens lag in New York. 1936 gründeten mehrere New Yorker abstrakte Maler und Bildhauer eine Gruppe, die als American Abstract Painters bekannt wurde, um ihre Werke auszustellen und zu fördern, insbesondere in amerikanischen Institutionen wie dem Museum of Modern Art (MoMA), das eher europäische Werke bevorzugte. Der erste Präsident der Gruppe war Balcombe Green (1904-1990), und zu den frühen Mitgliedern gehörten Joseph Albers, Willem de Kooning und Jackson Pollock. Dies war ein Zeichen für die Zukunft.
10. Abstrakter Expressionismus (ca. 1940-1960)
Anfang der 1940er Jahre, als Europa in Aufruhr war, löste New York still und leise Paris als innovatives Zentrum der Kunst ab. In dieser Zeit entstand die erste große amerikanische Kunstbewegung, der Abstrakte Expressionismus (Blütezeit von 1943 bis Ende der 1950er Jahre). Zu den führenden Künstlern gehörten: Jackson Pollock (1912-1956), seine Frau Lee Krasner (1908-1984), Franz Kline (1910-1962), Robert Motherwell (1915-1991), Willem De Kooning (1904-1997), Mark Rothko (1903-1970), Clyford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970), Josef Albers (1888-1976), Ad Reinhardt (1913-1967), Philip Guston (1913-1980), Adolph Gottlieb (1903-1974) und William Baziotes (1912-1963). Zur zweiten Generation gehören: Morris Louis (1912-1962), Norman Blum (1920-1999), Richard Diebenkorn (1922-1993), Jules Olitski (*1922), Ellsworth Kelly (*1923), Kenneth Noland (geb.1924), Joan Mitchell (1926-1992), Helen Frankenthaler (geb.1928) und Frank Stella (geb.1936). Obwohl dieser Stil weder rein abstrakt noch expressionistisch war, umfasste er zwei große Gruppen: die „Schule der „Aktionsmalerei“ (der Stil der Gestenmalerei ), deren führende Vertreter Jackson Pollock und Willem de Kooning waren; und den passiveren Stil der Farbfeldmalerei , der von Mark Rothko und anderen praktiziert wurde. Siehe Gemälde von Mark Rothko (1938-1970).
Philip Guston entwickelte seine eigene Version, die oft als „abstrakter Impressionismus“ bezeichnet wird, und Adolf Gottlieb interessierte sich sehr für die Kunst der amerikanischen Ureinwohner, auf die er seine so genannten „Piktogramme“ gründete. Eine weitere wichtige Anhängerin des Farbfeldes war Helen Frankenthaler, die als Kubistin begann und in den frühen 1950er Jahren die abstrakte expressionistische Malerei aufnahm.
Eine dritte, weniger bedeutende Strömung - geometrisch und rein abstrakt - wurde auf unterschiedliche Weise von Josef Albers und Ad Reinhardt verfolgt. In den späten 1950er- und frühen 1960er-Jahren entwickelten junge Künstler wie Ellsworth Kelly, Kenneth Noland und Frank Stella einen Stil mit harten Rändern, deren scharfe Konturen im Gegensatz zu dem weicheren Fokus von Albers’ Serie „Memory of a Square“ und anderen ähnlichen Formen standen. 1964 wurde dieser Trend von dem Kunstkritiker Clement Greenberg (1909-1994) als Post-Painterly Abstraction bezeichnet, als er eine einflussreiche Ausstellung „ Post-Painterly Abstraction “ im Los Angeles County Museum of Art kuratierte.
11. Neo-Dada (1950er Jahre): Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus
In den frühen 1950er Jahren entstand als Reaktion auf den Intellektualismus des Abstrakten Expressionismus die anti-ästhetische Strömung, die als Neo-Dada Kunst bekannt ist - Beispiele hierfür sind Robert Rauschenberg (1925-2008) und Jasper Johns (*1930). Wie die frühere Dada-Bewegung bediente sie sich zeitgenössischer Materialien, populärer Ikonografie und absurder Inhalte. Sie fiel auch mit der Kunst der Assemblage zusammen - Kunstwerke, die aus Fragmenten „von gefundenen“ Objekten wie Hausmüll, städtischem Abfall - im Allgemeinen aus allen (gewöhnlich erkennbaren) Materialien, groß oder klein, hergestellt wurden. Obwohl Neo-Dada nicht lange Bestand hatte und eine von mehreren solchen Anti-Kunst-Gruppen war, war sie ein Vorläufer der Pop Art. Siehe auch die Aktivitäten des berühmten Kunsthändlers und Sammlers Leo Castelli .
Andere moderne und zeitgenössische Bewegungen
Die kinetische Kunst (mobilisiert) wurde von dem berühmten Ingenieur, Cartoonisten und Gouache-Maler Alexander Calder (1898-1976) begründet. Die Outsider Art wurde in Amerika von Alfonso Ossorio (1916-1990) vertreten, der Gemälde auf Wachspapier und dekorative Assemblagen auf Zement mit zahlreichen Ergänzungen schuf. Die amerikanische Op-Art wurde von Richard Anuszkiewicz (geb. 1930) vertreten. Die Fluxus-Kunst wurde von George Brecht (geb. 1925), Ray Johnson (geb. 1927) und der japanisch-amerikanischen Yoko Ono (geb. 1933) praktiziert. Zeitgenössische „Körperflüssigkeitskunst“ findet sich bei Kiki Smith (geb. 1954), der Tochter des Bildhauers Tony Smith.
12. Amerikanischer Konzeptualismus (1950er-1960er Jahre)
Die Konzeptkunst oder der Konzeptualismus ist eine weltweite Bewegung, die argumentiert, dass „die Idee“ eines Kunstwerks wichtiger ist als das Werk selbst. Konzeptkünstler versuchen, originelle Ideen zu entwickeln, die schockieren und unterhalten sollen, ohne beeindruckende Kunstwerke zu hinterlassen. Versuchen sie, die formale Kunst zu zerstören, oder verschieben sie einfach ihre Grenzen? Niemand scheint das genau zu wissen.
Die wichtigsten Vertreter der amerikanischen Konzeptkunst sind der Avantgarde-Komponist John Cage (1912-1992), der die umstrittene Musikkomposition „4-33“ schuf, deren drei Sätze keinen einzigen musikalischen Ton enthalten; der Bildhauer Sol Lewitt (geb. 1928), der für seine einflussreichen Werke bekannt ist. 1928), bekannt für seinen einflussreichen Essay „Paragraphs on Conceptual Art“ (1967); die Künstler Allan Kaprow (1927-2006), John Baldessari (geb.1931), Edward Kienholz (1927-1994) und Joseph Kosuth (geb. 1945). Das erste Werk der konzeptuellen bildenden Kunst war „De Kooning’s Erased Drawing“ (1953) von Robert Rauschenberg. Es befindet sich heute im San Francisco Museum of Modern Art.
Weitere amerikanische Vertreter des Konzeptualismus sind: die in Ohio geborene Installationskünstlerin Jenny Holzer (*1950); die Fotomontagekünstlerin (*1945); die Bronx-Künstlerin Barbara Kruger (*1945); der Bronx-Konzeptualist Lawrence Weiner (*1942); der aus Pittsburgh stammende Mel Bochner (geb. 1940), der kubanisch-amerikanische Felix Gonzalez-Torres (1957-1996) und der Multimedia-Künstler Matthew Barney (geb. 1967).
13. Pop Art (1960er-1970er Jahre)
Beeinflusst von Dada und Surrealismus, versuchten die Künstler der Pop Art, sich vom anspruchsvollen Charakter des Abstrakten Expressionismus zu distanzieren, indem sie sofort erkennbare Bilder (Hamburger, Comicfiguren, Zigarettenstummel, Autos, Baseballhandschuhe) und moderne Drucktechniken wie den Siebdruck verwendeten - allesamt eine humorvolle Schmähung der amerikanischen Konsumgesellschaft.
Zu den bedeutenden amerikanischen Pop Art-Künstlern gehören: Wayne Thibault (geb. 1920), Larry Rivers (1923-2002), Jim Dine (geb. 1935), Robert Indiana (alias John Clark) (geb. 1928), Alex Katz (geb. 1928), et al.), Roy Lichtenstein (1923-1997), Claes Oldenburg (geb.1929), Ed Ruscha (geb.1937), James Rosenquist (geb.1933), Andy Warhol (1928-1987) und Tom Wesselman (geb.1931). Für weitere Informationen über den Anführer dieses Stils siehe Andy Warhols Pop Art der sechziger und siebziger Jahre.
14. Umweltkunst (1960er Jahre) (Earthworks, Land Art)
Land Art ist eine Form der modernen Bildhauerei, bei der die Landschaft manipuliert wird, um Kunstformen oder „Ereignisse zu schaffen“. Die Pioniere dieser Kunstform, von denen viele an der großen Ausstellung „Land Art“ im Andrew Dickson White Museum of Art an der Cornell University teilnahmen, waren Robert Smithson (1938-1973), seine Frau Nancy Holt (geb. 1938), Walter De Maria (geb. 1938) und andere.), Walter De Maria (geb. 1935), Agnes Denes (geb. 1938), Dennis Oppenheim (geb. 1938), Alice Aycock (geb. 1946), James Turrell (geb. 1943), Michael Heiser (geb. 1944) und das Ehepaar Christo und Jeanne-Claude (1935-2009). Hinweis: Die Präsidentenporträts auf dem Mount Rushmore sind zwar Kunstwerke, werden aber nicht als Land Art betrachtet, da sie sich nicht mit dem Land, sondern mit den darauf gemachten Bildern befassen.
15. Videokunst
Die Videokunst kam um 1963 in den Vereinigten Staaten und später in Europa auf. Sie wurde von mehreren wichtigen Bewegungen übernommen, darunter der Konzeptkunst und dem Minimalismus. Zu den wichtigsten amerikanischen Videokünstlern gehören: Joan Jonas (*1936), Peter Campus (*1937), Vito Acconci (*1940), Bruce Nauman (*1941), Dan Graham (*1942), Gary Hill (*1951), Tony Oursler (*1957) und der große Bill Viola (*1951). Zu den jüngeren Autoren gehören: Matthew Barney (geb. 1967) und die japanisch-amerikanische Mariko Mori (geb. 1967).
16. Minimalismus (1960er Jahre)
Der Minimalismus ist eine puristische Form der abstrakten Kunst, die weltweit zu einem einflussreichen Stil in der Bildhauerei, Malerei und Architektur geworden ist. Minimalistische Werke (Bildhauerei und Malerei) bestehen in der Regel aus bloßen homogenen Elementen, die eine Art Raster oder Muster bilden. Der Begriff Minimalismus wird auch auf 3D-Werke von Künstlern wie dem in Massachusetts geborenen Carl Andre (*1935), den New Yorker Künstlern Dan Flavin (1933-1996) und Ellsworth Kelly (*1923).), gebürtig aus Missouri Donald Judd (1928-1994), Bildhauer aus Connecticut Saul LeWitt, Künstler aus Kansas City Robert Morris (geb.1931), gebürtig aus North Carolina Kenneth Noland (geb.1924), dem aus San Francisco stammenden Richard Serra (*1939), dem Bildhauer Tony Smith (1912-1980) aus New Jersey und der Künstlerin Ann Truitt (*1933) aus Baltimore; sowie Gemälde der New Yorker Ad Reinhardt (1913-1967), Robert Mangold (*1937) und Bryce Marden (geb. 1938), der in Kanada geborenen Agnes Martin (1912-2004), des Italo-Amerikaners Frank Stella, des Künstlers Robert Ryman (geb. 1930) aus Tennessee und anderen. Zu einer führenden Vertreterin des Postminimalismus, siehe: Eva Hesse (1936-1970), deutsch-amerikanische Schülerin von Josef Albers.
17. Amerikanische feministische Kunst (Ende der 1960er Jahre)
Die aus der Frauenbefreiungsbewegung hervorgegangene feministische Kunst zielte darauf ab, den Künstlerinnen in der Geschichte mehr Bedeutung zu verleihen und eine bessere Behandlung in der Kunstwelt zu erreichen. Zu den bemerkenswerten amerikanischen feministischen Künstlerinnen gehören die aus Cleveland, Ohio stammende Nancy Spero (geb. 1926), Judy Chicago (geb. Judy Cohen) (geb. 1939), die aus Oklahoma stammende Mary Kelly (geb. 1941), Miriam Shapiro (geb. 1923) und die aus New Jersey stammende Barbara Kruger (geb. 1945). Beachten Sie auch die feministische Skulptur der in Frankreich geborenen Amerikanerin Louise Bourgeois (1911-2010).
18. Fotorealismus, Superrealismus (1960er, 1970er Jahre)
Diese Begriffe beschreiben einen Ende der 1960er Jahre aufkommenden Stil der hyperrealistischen Malerei, bei dem die Motive wie bei einer Fotografie sehr detailliert dargestellt werden. Dieser Stil, der oft zur Demonstration technischer Virtuosität verwendet wird, wird von Künstlern wie Richard Estes (geb. 1932), der sich auf Straßenszenen spezialisiert hat; Chuck Close (geb. 1940), der monumentale Porträts schafft; Chuck Close (geb. 1940), der monumentale Porträts und Selbstporträts schafft; Robert Cottingham (geb. 1935), der Werbeschilder abbildet; Audrey Flack (geb. 1931), die für ihre emotionalen Stillleben bekannt ist; Howard Kanowitz (1929-2009), der aufgeklebte Ausschnitte verwendet; Ralph Goings (geb. 1928), der sich auf Automobile spezialisiert hat.
Herausragende Bildhauer: Duane Hanson (1925-1996), der weltliche Verbraucher abbildet, John de Andrea (geb.1941), der sich auf die Bildhauerei von Akten spezialisiert hat, John de Andrea (geb.1941 Jahr), der sich ebenfalls auf die Skulptur von Akten spezialisiert hat, Carole Feuerman (geb. 1945), die sich auf Schwimmerinnen spezialisiert hat, und Robert Gober (geb. 1954), der für seine Körperteile aus Bienenwachs bekannt ist.
19. Graffiti-Kunst (1970er, 1980er Jahre)
Auch „Aerosol-Kunst“, Graffiti-Kunst genannt, steht in engem Zusammenhang mit der Hip-Hop-Kulturbewegung, die Anfang der 1970er Jahre in verschiedenen amerikanischen Städten, insbesondere in der New Yorker U-Bahn, entstand. Mitte der 1970er Jahre hatten sich die meisten kreativen Standards in der Aerosol-Kunst bereits etabliert, und das Genre begann zu stagnieren. Anfang der 1980er Jahre erweiterte eine Gruppe von Avantgarde-Künstlern des 20. Jahrhunderts, die United Graffiti Artists (UGA), die 1972 von Hugo Martinez gegründet wurde, ihre Mitgliederzahl um viele der führenden Graffiti-Tagger und -Sprüher, mit dem Ziel, ihre Arbeiten an offiziellen Veranstaltungsorten wie der Razor Gallery zu präsentieren. In den späten 1980er und 1990er Jahren begannen prominente Graffitikünstler, Ateliers zu mieten und ihre Arbeiten in Galerien und angemieteten Kunstateliers zu zeigen.
Der berühmteste amerikanische Graffitikünstler war wahrscheinlich Jean-Michel Basquiat (1960-88). Andere Künstler sind: Futura 2000 (geb. 1956), Keith Haring (1958-1990), David Wojnarowicz (1954-1992), Rhonda Zwillinger, Mike Bidlo, Kenny Scharf, Rammelsi (geb. 1960), Blade (geb. 1957), Vinnie Ray, und Shepard Fairey. Außerhalb der Vereinigten Staaten ist der berühmteste Graffitikünstler übrigens der als Banksy bekannte Schablonenkünstler. Viele Graffiti-Kunstwerke sind in der B5 Gallery in New York zu sehen.
20. Neo-Pop-Kunst (ab Ende der 1980er Jahre)
Die Begriffe „Neo-Pop“ oder „Post-Pop“ bezeichnen eine Wiederbelebung des Interesses an den Themen und Methoden der Pop-Art-Bewegung der 1950er und 1960er Jahre. Dies gilt insbesondere für das Werk von Künstlern wie den Angloamerikanern Ashley Bickerton (* 1959), Jeff Koons (* 1955) und Haim Steinbach (* 1944). Diese aktualisierte Form der Pop Art verwendet wiedererkennbare Objekte, Prominentenbilder und Symbole aus der Populärkultur und lässt sich auch von Dada (durch die Verwendung von Readymades und gefundenen Objekten) und dem modernen Konzeptualismus inspirieren.
21. Amerikanische Kunst im einundzwanzigsten Jahrhundert
Die postmoderne Kunst, die durch das kitschige Pionierwerk von Jeff Koons veranschaulicht wird, setzt sich in Amerika fort und spiegelt ähnliche Entwicklungen in Großbritannien wider, die durch das Werk von Damien Hirst (geb. 1965) illustriert werden. Während jedoch in Großbritannien und auf dem Kontinent die postmoderne Kunst unbeholfen neben Michelangelo und Monet steht, ist die amerikanische Kunstwelt stärker produktorientiert. Einfach ausgedrückt: Während sich die Europäer um die Ästhetik sorgen, kaufen und verkaufen die Amerikaner Kunst, als wäre sie nur eine weitere Ware.
Wenn das stimmt, dann wird die derzeitige Rezession wahrscheinlich einen neuen Preis für die amerikanische Kunst des 19. Jahrhunderts, des frühen bis mittleren 20. Die moderne Kunst hat bereits einen erheblichen finanziellen Wertverlust erlitten, während Warhols Periode zu florieren scheint.
Amerikas beste Kunstmuseen
Die besten Werke der amerikanischen Malerei und Bildhauerei (von 1750 bis heute) sind in den Sammlungen dieser Museen zu sehen. Siehe auch Kunstmuseen in Amerika .
Whitney Museum of American Art, New York
Metropolitan Museum of Art, New York
Museum of Modern Art (MOMA), New York
Guggenheim Museum, New York
National Gallery of Art, Washington
National Portrait Gallery, Washington
Phillips Collection, Washington
Smithsonian American Art Museum, Washington, DC
Museum of Fine Arts Boston (MFA)
Art Institute of Chicago
Museum of Contemporary Art (MCA) Chicago
Detroit Institute of Arts (DIA)
Philadelphia Museum of Art
Carnegie Museum of Art, Pittsburgh
Cleveland Museum of Art (CMA)
Toledo Museum of Art
Museum of Fine Arts Houston (MFAH)
St. Louis Museum of Art
Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri
Los Angeles County Museum of Art (LACMA)
San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA)
Amerikanische Kunstsammler
Siehe auch: Größte Kunstsammler .
Isabella Stewart Gardner (1840-1924)
Bostoner Sammlerin von dekorativer und bildender Kunst, die sich auf Gemälde der Renaissance spezialisiert hatte.
* Solomon Guggenheim (1861-1949)
Amerikanischer Sammler, Museumsgründer, spezialisiert auf moderne Kunst des 20.
* Dr. Albert Barnes (1872-1951)
Größter amerikanischer Kunstsammler, bekannt für seine Sammlung von impressionistischen und postimpressionistischen Gemälden.
* Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942)
Gründerin des Whitney Museums in New York, das der amerikanischen Malerei und Bildhauerei gewidmet ist.
* Duncan Phillips (1886-1966)
Begründer der Phillips Collection, eines der größten kleinen Kunstmuseen.
* Jay Paul Getty (1892-1976)
Ölmagnat, Kunst- und Antiquitätensammler, gründete die Getty Villa, das Getty Centre und die Getty Foundation.
* Peggy Guggenheim (1898-1979)
Sammlerin moderner abstrakter Kunst, verbrachte die letzten Jahre ihres Lebens in ihrem Haus am Canale Grande in Venedig.
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