Abbildung Zeichnung:
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Der Begriff „Figurenzeichnen“ bezieht sich in der Regel auf eine Studienklasse (Zeichnen nach dem Leben), die an vielen Akademien und Schulen der bildenden Künste, wie der École des Beaux-Arts in Paris, unterrichtet wird und in der die Studenten ein lebendes Modell, das vor ihnen sitzt, studieren und zeichnen.

Diese klassische Methode der bildenden Künste gilt als der beste Weg für angehende Maler und Bildhauer, um die Fertigkeit des Zeichnens des menschlichen Körpers zu erlernen und seine Linie, Form und Tiefe zu beherrschen. Im Vergleich dazu wird das Kopieren der menschlichen Figur nach Fotos oder aus dem Gedächtnis von den meisten Kunstlehrern traditionell als minderwertig angesehen. (Siehe auch: Bleistiftzeichnungen, sowie Kohlezeichnungen und Federzeichnungen .)

Das Zeichnen bleibt die Grundlage für alle bildenden Künste, einschließlich Malerei und Bildhauerei, sowie Architektur . Andere Künste, die von einer guten figurativen Zeichnung profitieren, sind: Illustration und illuminierte Manuskripte, sowie die Kunst der Karikatur und Cartoons.

Techniken des Figurenzeichnens: Verkürzung

Die meisten Kunststudenten und sogar professionelle Künstler tun ihr Bestes, um das Zeichnen von Figuren in Bewegung zu vermeiden. Eine Figur in Bewegung ist eine Figur, die sich mitten im Geschehen befindet und sich von Punkt A zu Punkt B bewegt. Sie kann rennen, ziehen, schieben oder zupacken. Torsi, die sich drehen und beugen, und Arme, die sich ausstrecken, lösen bei den meisten Schülern im Kunstunterricht Panik aus. Und warum? Weil das Zeichnen eines Körpers in Bewegung weitaus mehr technische Schwierigkeiten mit sich bringt als ein statischer Körper, der an einen Ort gebunden ist.

Um überzeugend zu sein, muss der Künstler gekonnt die richtige Gewichtung (welches Bein trägt das Gewicht der Bewegung?) und Muskelarbeit (welche Muskeln sind angespannt und welche wirken entspannt) vermitteln. Er muss auch die Ausrichtung der Gliedmaßen zueinander bestimmen. Hinzu kommt das Problem der Verkürzung, d. h. der Verzerrung der Größe der Gliedmaßen, die sich näher am Betrachter befinden (z. B. kann eine Gliedmaße in Richtung des Betrachters reichen, während die andere in die entgegengesetzte Richtung geworfen wird).

Für mehr über das Zeichnen mit Kreide, Bleistift, Kohle, Pastell, Feder und Tinte, siehe die Kunst des Zeichnens und die Kunst des Skizzierens .

Noch schwieriger ist das Zeichnen einer Figur in Bewegung unter Verwendung einer Tiefenperspektive. Das heißt, eine Figur, die von oben oder unten dargestellt wird. Von unten betrachtet sind beispielsweise Kinn und Nase die dominierenden Formen, von oben betrachtet ist die dominierende Form die gewölbte Form des Schädels. Wenn es darum geht, eine Figur in Bewegung zu skizzieren, ist der Rumpf von zentraler Bedeutung. Denn jede Bewegung des Rumpfes bringt die Beine, den Kopf und die Arme aus ihrer bisherigen Beziehung in eine neue Beziehung. Die kleinste Bewegung der Rippen verschiebt sofort den Kopf und die Arme.

Ein wichtiges Hilfsmittel beim Zeichnen ist die sogenannte Mittellinie. Sie ist eine imaginäre Linie durch den Körper. Sie hilft dem Künstler, die verschiedenen Teile des Körpers miteinander zu verbinden. Nach dem Rumpf sind die Beine von nächster Bedeutung (in größerem Maße als die Arme), weil die Beine Gewicht und Spannung ausdrücken. Wenn sie nicht genau dargestellt werden, wirkt die Zeichnung instabil und nicht überzeugend.

Die richtige Stellung der Füße und Knöchel, die die Beine stützen, ist ebenfalls sehr wichtig. An dritter Stelle stehen die Hände. Obwohl Armbewegungen keine große Verschiebung des Rumpfes oder der Beine bewirken, sind sie zu einer Vielzahl von einzigartigen Bewegungen fähig. Sie sollten immer als Ganzes betrachtet werden und niemals isoliert dargestellt werden. Den Künstlern wird beigebracht, sich eine imaginäre Linie vorzustellen, die von einem Arm über das Schlüsselbein hinunter zum anderen Arm verläuft.

Das genaue Zeichnen einer Figur in Bewegung ist eine hochtechnische Fähigkeit, die von einigen der größten alten Meister unserer Zeit, darunter Michelangelo, Tintoretto und Leonardo da Vinci, seit jeher praktiziert wurde.

Was geschieht in Kursen zum Lebenszeichnen?

In den meisten Kursen des Aktzeichnens, die auch Lebenszeichnen genannt werden, wird ein nacktes Modell gezeichnet. Ohne Kleidung kann das Modell in einer zeitlosen Weise dargestellt werden. (Siehe auch Weibliche Akte)) Abgesehen von der Kultur und dem Ort in der Zeit gibt es keinen Unterschied zwischen den Figuren, die heute gemalt werden, und denen, die im Klassenzimmer der Renaissance entstanden sind. Die nackte Figur kann, je nach Pose und künstlerischem Können, jeden Aspekt des Menschseins widerspiegeln, vom Pathetischen über das Narzisstische bis hin zum Heroischen.

Wenn Sie einen Kurs im Aktzeichnen besuchen, nehmen Sie an einer Tradition teil, die Hunderte, vielleicht Tausende von Jahren alt ist. Die Struktur des Kurses hängt vom Ort und von der Person ab, die den Kurs anbietet. Manche Kursleiter lassen die Teilnehmer lieber allein zeichnen und geben ihnen während des Kurses Ratschläge oder Korrekturen. Andere Kursleiter verfolgen einen eher instruktiven Ansatz - sie machen zuerst und ermutigen die Schüler dann, Dinge auszuprobieren. Letzterer Ansatz ist für Anfänger besser geeignet.

Ein typischer Kurs im Figurenzeichnen

Es folgt ein Diagramm eines typischen 6-stufigen Kurses im Figurenzeichnen. Während des Kurses können verschiedene Medien verwendet werden, um den Körper des Modells darzustellen: Bleistift, Feder und Tinte, Kohle, Buntstifte, Pastellfarben, Kreide oder gemischte Medien, obwohl das klassische Werkzeug der Bleistift ist. (Siehe auch: Bleistiftzeichnungen, sowie Kohlezeichnungen und Federzeichnungen).

Stufe 1 Die grundlegenden Proportionen des menschlichen Körpers und wie sich alle Teile zueinander verhalten.

Stufe 2 Zeichnen eines lebenden Modells in 3D-Form, Verständnis für Maße und die Mittellinie.

Stufe 3 Erstellen einer überzeugenden Silhouette und Erlernen des genauen Zeichnens von Kopf, Rumpf, Beinen und Armen.

Stufe 4 Die Ausarbeitung der menschlichen Figur fortsetzen und dabei auch Töne und Schattierungen für eine überzeugendere Modellierung und Schattenwurf hinzufügen.

Stufe 5 Üben Sie das Zeichnen von Armen und Beinen aus verschiedenen Winkeln und arbeiten Sie an Ihren Modellier- und Darstellungsfähigkeiten.

Stufe 6 Fertige Zeichnungen für eine Gruppenausstellung oder ein Portfolio erstellen.

Geschichte des Zeichnens

Die frühesten bekannten Zeichnungen menschlicher Figuren entstanden als Teil der prähistorischen Tradition der Felskunst, die um 17.000 v. Chr. in Frankreich und Australien begann. In Frankreich ist die früheste Zeichnung eines Menschen, ein Strichmännchen, im Tal der Toten (15.000 v. Chr.) in der Höhle von Lascaux in der Dordogne zu sehen. Auf der anderen Seite der Welt tauchten menschliche Formen erstmals in der Kimberley-Region in Westaustralien auf. Dieser als „Bradshaw“ bekannte, einzigartige Stil der Aborigine-Kunst, der mindestens 17 000 Jahre alt ist, besteht aus bis zu 2 Meter hohen Strichmännchen, die bis ins kleinste Detail mit präzisen anatomischen Proportionen gezeichnet sind. Während die Tiere recht realistisch gezeichnet sind, bleiben die paläolithischen Zeichnungen von Menschen streng unnatürlich. Erst im späten Mesolithikum (ca. 6.000 v. Chr.) sehen wir naturalistischere Darstellungen von Menschen. Die Tatsache, dass diese Zeichnungen von Strichmännchen überhaupt überlebt haben, ist jedoch ein Wunder und verdankt sich der Tatsache, dass die Künstler dieser Zeit auf Stein skizzierten.

Die antike Kunst der frühen Zivilisationen des Altertums (Mesopotamien, Altägypten, Griechenland, Persien, Rom) enthielt ebenfalls Zeichnungen von Menschen, aber diese wurden gewöhnlich auf weniger witterungsbeständigen Medien wie Papyrus oder Holztafeln gezeichnet, und nur wenige haben überlebt. Die einzige Form der figurativen Kunst, die in der Antike in nennenswertem Umfang überlebte, waren Statuen und Reliefs, obwohl es den antiken griechischen Bildhauern gelang, nachfolgende Generationen von Steinmetzen, Malern und Zeichnern zu inspirieren. (Siehe auch: Griechische Kunst)) Sie vertraten insbesondere die Idee, dass der menschliche Körper das ideale Objekt für ein Kunstwerk sei : Diese Ansicht wurde von den Meistern der italienischen Renaissance, insbesondere Leonardo, Michelangelo und Raffael, aufgegriffen und weiterentwickelt. Zu ihrem Einfluss siehe auch Klassisches Revival in der modernen Kunst (1900-1930).

Die italienische Renaissance: das Goldene Zeitalter der Zeichnung

Es waren vor allem diese drei Künstler, die der Zeichnung - oder disegno zu Ansehen verhalfen, da sie bis dahin nur als vorbereitende Arbeit für das Design und nicht als eigenständige Form der bildenden Kunst betrachtet worden war - oder einfach dazu diente, fertige Kunstwerke, einschließlich Gemälde und Statuen, aufzuzeichnen und zu kopieren.

Die größere Verfügbarkeit von Papier nach 1550 bedeutete auch, dass Zeichnungen leichter erstellt und gesammelt werden konnten. Leopold Medici und Giorgio Vasari legten eine große Sammlung von Skizzen an (bis 1689 hatte Medici 12.000 Zeichnungen zusammengetragen). Die Renaissance (ca. 1400-1600) stellt zweifelsohne den Höhepunkt der Entwicklung der Zeichnung als Kunstform dar. Lehrlinge, die für Maler, Bildhauer und Juweliere arbeiteten, lernten die Grundlagen des Zeichnens mit Kaltnadel und Metallspitze auf Wachstafeln, bevor sie zu teureren Medien wie Kreide oder Holzkohle übergingen.

Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo war ein Meister der menschlichen topografischen Anatomie und fertigte eine große Anzahl detaillierter Skizzen von Muskeln, Sehnen und anderen anatomischen Merkmalen an. Er beabsichtigte, seine Zeichnungen in einer Abhandlung über die Anatomie zu veröffentlichen, aber nach seinem Tod im Jahr 1519 blieben die Zeichnungen unveröffentlicht in seinen persönlichen Unterlagen. Ihre Bedeutung war 400 Jahre lang für die Welt verloren, aber heute sind sie in der British Royal Art Collection in der Queen’s Gallery im Buckingham Palace zu sehen. Er bemühte sich, die universelle Natur des Menschen darzustellen.

Unter seinen Zeichnungen führte er „die Freude auf, mit den verschiedenen Arten des Lachens“, und „die Ursache des Lachens“. Er bemühte sich, die verschiedenen Bewegungen des Tötens darzustellen: „Flucht, Angst, Wildheit, Mut“, und auch „Weinen in verschiedenen Formen“. Leonardo gab sich nicht mit der äußeren Darstellung des Menschen zufrieden, sondern wollte herausfinden, was ihn innerlich bewegte. In den 1500er Jahren grassierte in Europa der Schwarze Tod, und der Künstler nutzte diese Gelegenheit, indem er so viele Leichen sezierte, wie er in die Finger bekam.

Er war wahrscheinlich einer der ersten Künstler, der die menschlichen Fortpflanzungsorgane akkurat zeichnete. Zu Leonardos weiteren Meisterwerken gehören Kopf eines Mädchens, (Skizze für Madonna in den Felsen 1483), ausgeführt in Silberstift auf hellbraunem Papier; Fünf groteske Köpfe (1494), eine Federzeichnung mit Tusche.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564)
Michelangelo, war ebenfalls ein produktiver Zeichner, Skizzenzeichner und Vertreter der figurativen Kunst. Nach Raffaels Tod im Jahr 1520 beherrschte er die Kunst der Renaissance noch 40 Jahre lang. Sein Hauptinteresse galt dem männlichen Akt, und er skizzierte unermüdlich Figuren in verschiedenen Posen in dem Versuch, das Wesen ihres Geistes zu enthüllen. Er fertigte zahlreiche Vorentwürfe für seine beiden Meisterwerke, die Pietà und David, sowie Kopien von Entwürfen für seine bahnbrechenden Fresken Genesis (1508-12) und Jüngstes Gericht (1536-41), die er an der Decke und an der Altarwand der Sixtinischen Kapelle malte. (Siehe auch: Die Erschaffung Adams)

Zu Michelangelos anderen Zeichnungen gehören Arbeiten mit Feder und Tinte, lavierter Feder, Kohle sowie roten und schwarzen Kreiden. Er hatte nie vor, die meisten seiner Zeichnungen öffentlich auszustellen, und wäre bei dem Gedanken daran auch entsetzt gewesen. Biographen spekulieren, dass dies möglicherweise darauf zurückzuführen ist, dass er den Umfang der Vorbereitungsarbeiten für seine großen Werke verbergen wollte. In der Tat verbrannte er kurz vor seinem Tod viele seiner Zeichnungen. Eine Ausnahme könnte seine Zeichnung „Titius“ (1533, Royal Collection, Windsor Castle) gewesen sein. Der Titius war ein Geschenk und eine der ersten Zeichnungen, die als eigenständiges Kunstwerk betrachtet wurde.

Raffael (Raffaello Santi) (1483-1520)
Raffael, ein weiterer Meister der menschlichen Anatomie, begann seine Skizzen der Figur oft mit einer Unterzeichnung mit einem Griffel. Die scharfe Spitze dieses Instruments hinterließ schwache Abdrücke auf der Oberfläche des Papiers. Wenn er mit dem Umriss zufrieden war, zeichnete er mit roter Kreide über die Abdrücke. Ein Beispiel ist seine Skizze für „Phrygische Sibylle“ (1511, British Museum).

Diese weibliche Figur ist in klassische Draperien gekleidet und hat sehr männliche Arme und Beine (sie wurde wahrscheinlich nach einem männlichen Modell gezeichnet). Viele von Raffaels Zeichnungen sind stark ausgearbeitet, mit weißen Glanzlichtern und Schattierungen. Er stützte sich oft auf Zeichnungen, um die Posen für seine Gemälde zu verfeinern, und nach der großen Zahl der erhaltenen Skizzen zu urteilen, war er in diesem Bereich produktiver als Michelangelo und Leonardo.

Die größten Vertreter der Figurenzeichnung der Renaissance

Pisanello (1394-1455)
Fra Angelico (ca.1395-1455)
Jacopo Bellini (1400-1470)
Fra Filippo Lippi (1406-1469)
Benozzo Gozzoli (1420-1497)
Gentile Bellini (1429-1507)
Giovanni Bellini (1430-1516)
Andrea Mantegna (1431-1506)
Botticelli (1445- 1510)
Luca Signorelli (1445-1523)
Pietro Perugino (1445- 1523)
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Filippino Lippi (1457-1504)
Vittore Carpaccio (ca. 1465-1525 /6)
Fra Bartolomeo (1472-1517)
Michelangelo (1475-1564)
Lorenzo Lotto (1480-1556)
Raphael (1483-1520)
Sebastiano del Piombo (1485-? 1547)
Andrea del Sarto (1486-1530)
Tizian (1485-1576)
Correggio (Antonio Allegri) (1489-1534)
Giulio Romano (ca. 1492-1546)
Baccio Bandinelli (1493-1560)
Pontormo (Jacopo Carrucci) (1494-1556)
Rosso Fiorentino (1494-1540)
Parmigianino (Francesco Mazzola) (1503-1540)

Von Künstlern der Renaissance verwendete Zeichenmittel

Hier sind nur einige Beispiele für die Mittel, die in Zeichnungen und Skizzen der Renaissance verwendet wurden, um genaue Effekte zu erzielen.

Metallischer Punkt und braune Lavierung über schwarzer Kreide, verstärkt mit Weiß auf lachsfarbenem Papier.
Metallischer Punkt mit weißer Gouache auf lilagrauem Papier verstärkt.
Pinsel und braune Tuschelavierung, Spuren von roter Lavierung, auf Pergament.
Feder und braun laviert, mit Weiß über Spuren von schwarzer Kreide verstärkt, auf blaugrünem Papier.
Pinselzeichnung in graubrauner und weißer Leimfarbe auf dunkelgrau getöntem Leinen.
Weiße Leimfarbe und braune Gouache über metallischer Spitze auf ockerfarbenem Papier.
Schwarze Kreide, Feder und Tusche mit brauner Lavierung und weißer Hervorhebung.
Schwarze Kreide mit weißer Hervorhebung, Feder und graue Tinte auf grau-beigem Papier.
Feder und Tinte und schwache braune Lavierung über schwarzer Kreide auf rosa getöntem Papier.

Rötel war in der Renaissance ein weiteres beliebtes Zeichenmittel, da es aufgrund seiner Formbarkeit und seiner Fähigkeit, menschliches Fleisch darzustellen, das bevorzugte Medium für Aktzeichnungen war.

Moderne Zeichnungen der menschlichen Figur

Seit der Renaissance gab es in fast jeder Kunstrichtung, einschließlich des Barock, des Rokoko, des Neoklassizismus, des Realismus, des Impressionismus und des Expressionismus, Künstler, die äußerst begabt im Zeichnen waren und Zeichnungen in einer Vielzahl von Medien ausführten. Hier sind eine kleine Handvoll großer Zeichner mit Beispielen ihrer Arbeiten.

Albrecht Dürer : Madonna mit vielen Tieren (1503, Albertina, Wien)
Rembrandt : Künstler im Atelier (1632, Rijksmuseum)
Nicolas Poussin : Entführung der Sabinerinnen (1634, Metropolitan Museum of Art New York)
Watteau : Etüde für „Indifferent“ (1710, Rotterdam)
François Boucher : „Vertumnus und Pomona“ (1760-70, Metropolitan Museum of Art New York)
Jacques-Louis David: Nackte Frau (1764, Louvre)
Jacques-Louis David : Drei Brüder Horaz (1785, Museum Bonn)
Pierre-Paul Prudon: Sitzende nackte Frau (ca. 1795-1800, Met Museum NYC)
Goya : Drei Männer beim Graben (ca. 1800, Prado)
Edouard Manet : Zwei religiöse Vertreter (1857, Musée d’Orsay)
Honoré Daumier : Literarische Diskussion in der zweiten Klasse (1864, Le Charivari)
Honoré Daumier: Der Wagen der dritten Klasse (1864, Walters Art Museum)
Edgar Degas : Tänzerin, die einen Pantoffel korrigiert (1873, Met Museum NYC)
Edgar Degas: Frau beim Baden in einer flachen Wanne (1885, Musée d’Orsay)
Edgar Degas: Blaue Tänzerinnen (1899, Puschkin Museum der Schönen Künste)
Edgar Degas: Blaue Tänzerinnen (1899, Puschkin Museum der Schönen Künste)

Edgar Degas. Puschkin Museum der Schönen Künste)
Edgar Degas: Tänzerinnen (1899, Toledo Museum of Art)
Henry Moore: Frauen in der U-Bahn sitzend (1941, Tate)
Francis Bacon : Turning Figure (1959-62, Tate Collection)

Wie viel ist eine Zeichnung wert?

Es ist doch nur eine Skizze auf Papier, oder? Wie viel könnte sie wirklich wert sein? Im Jahr 2012 wurde eine Skizze eines Männerkopfes mit dem Titel „Kopf eines jungen Apostels“ (1519) von Raffael für den Rekordpreis von 29,7 Millionen Pfund versteigert und übertraf damit die Schätzung von 10-15 Millionen Pfund vor dem Verkauf.

GESCHICHTLICHE ENTWICKLUNG
Siehe: Chronologie der Kunstgeschichte .