Abbildung Zeichnung: Techniken, Geschichte 636 Worte Automatische übersetzenOriginaltextautor - Neil Cоllins

Weitere Informationen zum Zeichnen mit Kreide, Bleistift, Kohle, Pastell und Feder finden Sie unter Zeichnung und die Kunst von Skizzierung .

Was ist Figurzeichnen?

Der Begriff "Figuren zeichnen" bezieht sich normalerweise auf die Unterrichtsklasse (bekannt als "Zeichnen aus dem Leben" oder "Lebensklasse"), die an vielen Akademien und Kunstschulen unterrichtet wird, wie z Ecole des Beaux-Arts in Paris, in dem die Schüler lernen und ein vor ihnen sitzendes Live-Modell zeichnen.

Diese klassische Methode von gegenständliche Kunst gilt als der beste Weg für angehende Maler und Bildhauer, die Fähigkeit zu erlernen, den menschlichen Körper zu zeichnen und seine Linie, Form und Tiefe zu beherrschen. Im Vergleich dazu wird das Kopieren der menschlichen Figur von Fotografien oder aus dem Gedächtnis von den meisten Kunstlehrern traditionell als minderwertig angesehen. (Siehe auch: Bleistiftzeichnungen ebenso gut wie Kohlezeichnungen und Federzeichnungen .)

Das Zeichnen bleibt die Grundlage für alle Arten von bildender Kunst, einschließlich Gemälde und Skulptur , ebenso gut wie die Architektur . Andere Arten von Kunst Zu den Vorteilen einer guten figurativen Zeichenkunst gehören: Illustration und illuminierte Manuskripte , ebenso gut wie Karikatur Kunst und Cartoons.

Figurenzeichnungstechniken: Verkürzung

Die meisten Kunststudenten und sogar professionelle Künstler werden in der Regel fast alles tun, um das Zeichnen von Figuren in Bewegung zu vermeiden. Eine in Bewegung befindliche Figur befindet sich mitten in einer Aktion und bewegt sich von Punkt A zu Punkt B. Möglicherweise rennt, zieht, drückt oder greift sie an Torsos, die sich verdrehen und beugen, und Arme, die die meisten Schüler in Panik versetzen Kunstkurse. Warum? Weil das Zeichnen eines Körpers in Bewegung weitaus mehr technische Herausforderungen mit sich bringt als ein an der Stelle verwurzelter statischer Körper. Um zu überzeugen, muss der Künstler die richtige Gewichtung (welches Bein trägt das Gewicht der Bewegung?) Und Muskelaktion (welche Muskeln sind angespannt und welche wirken entspannt) geschickt ausführen. Er muss auch die Richtungsbeziehung der Gliedmaßen zueinander bestimmen. Darüber hinaus haben wir das Problem Verkürzung : Das heißt, die dimensionale Verzerrung eines Gliedes, das näher am Betrachter liegt (ein Glied kann beispielsweise den Betrachter erreichen, während das andere Glied in die entgegengesetzte Richtung zurückgeworfen wird).

Noch schwieriger ist es, eine Figur mit einer tiefen Verkürzung in Bewegung zu setzen. Das heißt, eine Figur von oben oder unten gesehen. Von unten gesehen sind beispielsweise Kinn und Nase die dominierende Form; von oben wird die Kuppelform der Schädelmasse dominant. Wenn es darum geht, eine bewegte Figur zu skizzieren, ist der Torso von entscheidender Bedeutung. Denn jede Bewegung des Oberkörpers wirft die Beine, den Kopf und die Arme aus ihrer vorherigen Beziehung heraus und in eine neue. Die geringste Bewegung der Rippen verschiebt sofort den Kopf und die Arme. Eine wichtige Zeichenhilfe ist die sogenannte Mittellinie. Dies ist eine imaginäre Linie, die durch den Körper verläuft. Es hilft dem Künstler, die Beziehung zwischen verschiedenen Körperteilen in Einklang zu halten. Nach dem Oberkörper sind die Beine von größerer Bedeutung (mehr als die Arme), da die Beine Gewicht und Spannung ausdrücken. Wenn sie nicht genau gerendert werden, wirkt die Zeichnung instabil und nicht überzeugend. Die korrekte Positionierung der Füße und Knöchel beim Abstützen der Beine ist ebenfalls entscheidend. Von dritter Bedeutung sind die Waffen. Während Bewegungen der Arme keine große Verschiebung des Rumpfes oder der Beine verursachen, können sie eine Vielzahl einzigartiger Bewegungen ausführen. Sie sollten immer als eine Einheit betrachtet und niemals einzeln gerendert werden. Den Künstlern wird beigebracht, eine imaginäre Linie zu visualisieren, die von einem Arm über das Schlüsselbein bis zum anderen Arm verläuft.

Das genaue Zeichnen einer Figur in Bewegung ist eine hochtechnische Fähigkeit, die von einigen der Größten für immer geübt wurde Alte Meister unserer Zeit, darunter Michelangelo, Tintoretto und Leonardo da Vinci.

Was passiert in einer Life Drawing-Klasse?

Die meisten Klassen zum Zeichnen von Figuren, auch Life Drawing genannt, beinhalten das Zeichnen eines nackten Modells. Ohne Kleidung lässt sich das Modell zeitlos rendern. (Siehe auch Weibliche Akte .) Ohne Kultur und Zeit gibt es keinen Unterschied zwischen den heute gezeichneten und den in einem Klassenzimmer der Renaissance geschaffenen Figuren. Die nackte Figur kann je nach Pose und künstlerischem Können jeden Aspekt der Menschheit suggerieren, von pathetisch bis narzisstisch oder heroisch. Wenn Sie an einem Zeichenkurs teilnehmen, nehmen Sie an einer Tradition teil, die Hunderte, möglicherweise Tausende von Jahren alt ist. Die Struktur Ihrer Klasse hängt vom Veranstaltungsort und der Person ab, die den Kurs anbietet. Einige Lehrer lassen die Schüler lieber ihre eigenen Skizzen erstellen und geben im Verlauf der Arbeit Tipps oder Korrekturen. Andere Lehrer verhalten sich eher lehrreich – sie versuchen es zuerst und ermutigen dann die Schüler, es zu versuchen. Letzterer Ansatz ist eher für Anfänger geeignet.

Typischer Zeichenkurs

Das Folgende ist ein Überblick über einen typischen 6-stufigen Zeichenkurs. Während des Unterrichts können verschiedene Medien verwendet werden, um den Körper des Modells darzustellen, darunter: Bleistift, Feder, Kohle, Buntstift, Pastell, Kreide oder Mischtechnik, obwohl Bleistift das klassische Werkzeug ist. (Siehe auch: Bleistiftzeichnungen ebenso gut wie Kohlezeichnungen und Federzeichnungen .)

Bühne 1
Grundlegende Proportionen des menschlichen Körpers und wie alle Teile miteinander in Beziehung stehen.

Stufe 2
Zeichnen eines Live-Modells in 3D-Form, Erfassen von Maßen und Mittellinie.

Stufe 3
Erstellen Sie eine überzeugende Silhouette und lernen Sie, den Kopf, den Oberkörper, die Beine und die Arme genau zu zeichnen.

Stufe 4
Üben Sie die menschliche Figur weiter und fügen Sie Töne und Schattierungen hinzu, um eine überzeugendere Modellierung und Schattenwirkung zu erzielen.

Stufe 5
Üben Sie das Zeichnen von Händen und Füßen aus verschiedenen Blickwinkeln und arbeiten Sie an Ihren Modellierungs- und Renderingfähigkeiten.

Stufe 6
Erstellen Sie fertige Zeichnungen für die Gruppenausstellung oder für Ihr Portfolio.

Geschichte der Figurenzeichnung

Die frühesten bekannten Zeichnungen menschlicher Figuren entstanden im Rahmen der prähistorischen Überlieferung von Höhlenmalerei ab ca. 17.000 v. u. Z. in Frankreich und Australien. In Frankreich ist die früheste Zeichnung eines Mannes – eine stielartige Figur – im Schacht des Toten (15.000 v. Chr.) Zu sehen Lascaux Höhle in der Dordogne. Auf der anderen Seite der Welt tauchten menschliche Formen erstmals in der Region Kimberley in Westaustralien auf. Bekannt als "The Bradshaws", ist dieser einzigartige Stil von Kunst der Aborigines Das mindestens 17.000 Jahre alte Tier besteht aus Strichmännchen (bis zu einem Meter hoch), die mit genauen anatomischen Proportionen detailgetreu gezeichnet sind. Obwohl Tiere auf ganz lebensechte Weise gezeichnet werden, bleiben paläolithische Zeichnungen von Menschen streng nicht-naturalistisch. Erst im späten Mittelsteinzeitalter (ca. 6.000 v. Chr.) Sehen wir natürlichere Bilder von Menschen. Die Tatsache, dass diese Zeichnungen von Strichmännchen überhaupt überlebt haben, ist jedoch ein Wunder und hat viel mit der Tatsache zu tun, dass Künstler auf Felsen skizzierten.

Antike Kunst In den frühen Zivilisationen der Antike (Mesopotamien, Altägypten, Griechenland, Persien, Rom) waren ebenfalls Zeichnungen von Menschen zu sehen, die jedoch in der Regel auf weniger wetterfesten Medien wie Papyrus oder Holztafeln skizziert wurden und von denen nur wenige erhalten sind. Die einzige figurative Kunst, die die Antike in nennenswertem Umfang überlebte, war die Statuen- und Reliefskulptur, obwohl es den antiken griechischen Bildhauern gelang, spätere Generationen von Steinmetz, Malern und Zeichnern zu inspirieren. (Siehe auch: Griechische Kunst .) Sie befürworteten insbesondere die Idee, dass der menschliche Körper das ideale Thema für eine Arbeit von Kunst : Eine Ansicht, die von den Meistern des Italienische Renaissance insbesondere Leonardo, Michelangelo und Raphael. Zu ihrem Einfluss siehe auch die Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst (1900–30).

Italienische Renaissance: Das goldene Zeitalter des Zeichnens

Gerade diese drei Künstler machten Zeichnung – oder disegno – respektabel, da es bis dahin eher als vorbereitende Entwurfsarbeit denn als eigenständige Form von Kunst – oder es wurde verwendet, um fertige Kunstwerke, einschließlich Gemälde und Statuen, einfach aufzunehmen und zu kopieren. Die größere Verfügbarkeit von Papier nach 1550 bedeutete auch, dass Zeichnungen leichter hergestellt und gesammelt werden konnten. Leopold de Medici und Giorgio Vasari sammelten beide eine große Sammlung von Skizzen (Medici hatte bis 1689 12.000 Zeichnungen angehäuft). Die Renaissance (um 1400-1600) war zweifellos der Höhepunkt des Zeichnens als Kunstform. Werkstattlehrlinge, die für Maler, Bildhauer und Goldschmiede arbeiteten, lernten die Grundlagen des Skizzierens kennen, indem sie mit Kaltnadel und Metallspitze auf Wachstafeln arbeiteten, bevor sie sich teureren Medien wie Kreide oder Kohle zuwandten.

Leonardo Da Vinci (1452–1519)
Leonardo war ein Meister der topografischen menschlichen Anatomie und führte eine Vielzahl detaillierter Skizzen von Muskeln, Sehnen und anderen anatomischen Merkmalen durch. Er beabsichtigte, seine Zeichnungen in einer Abhandlung über die Anatomie zu veröffentlichen, doch bei seinem Tod im Jahr 1519 blieben die Zeichnungen unter seinen privaten Papieren unveröffentlicht. Ihre Bedeutung war für die Welt 400 Jahre lang verloren, aber heute können sie in den USA besichtigt werden Britische Royal Art Collection in der Queen’s Gallery, Buckingham Palace. Er bemühte sich, die universelle Natur des Menschen darzustellen. In seinen Zeichnungen nannte er "Freude mit verschiedenen Lachgewohnheiten" und "Grund zum Lachen". Er bemühte sich, die verschiedenen Tötungsbewegungen, "Flucht, Angst, Wildheit, Kühnheit" sowie "Weinen auf unterschiedliche Weise" festzuhalten. Leonardo war mit der Darstellung der menschlichen Figur auf der Außenseite nicht zufrieden und wollte wissen, warum sie auf der Innenseite ticken. In den 1500er Jahren plagte der Schwarze Tod Europa, und der Künstler nutzte die Gelegenheit, indem er so viele Leichen sezierte, wie er in die Hände legen konnte. Er war wahrscheinlich einer der ersten Künstler, die das menschliche Fortpflanzungssystem genau zeichneten. Andere Meisterwerke von Leonardo sind: Head of Girl , (Studie für Jungfrau der Felsen 1483) mit Silberstift auf hellbraunem Papier ausgeführt; Fünf groteske Köpfe (1494), Federzeichnung.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564)
Michelangelo Auch er war ein produktiver Zeichner, Zeichner und Exponent der figurativen Kunst. Nach dem Tod Raffaels im Jahre 1520 dominierte er Renaissance-Kunst für weitere 40 Jahre. Sein Hauptinteresse galt dem männlicher Akt und er skizzierte unermüdlich Figuren in verschiedenen Posen, um die Essenz ihres Geistes zu verbergen. Er führte zahlreiche Vorstudien für seine beiden Meisterwerke, die Pieta und David sowie Kopien von Skizzen für sein Wahrzeichen Genesis Fresko (1508-12) und Fresko des Jüngsten Gerichts (1536-41), gemalt an der Decke und Altarwand der Sixtinischen Kapelle. (Siehe auch: the Erschaffung Adams .) Michelangelos weitere Zeichnungen umfassen Werke in Feder, Feder und Waschung, Kohle sowie roter und schwarzer Kreide. Er wollte nie, dass die meisten seiner Zeichnungen öffentlich ausgestellt wurden, und wäre entsetzt gewesen, wenn er darüber nachgedacht hätte. Biographen spekulieren, dass es vielleicht daran lag, dass er den Vorbereitungsaufwand für seine Hauptwerke verschleiern wollte. Tatsächlich verbrannte er kurz vor seinem Tod viele seiner Zeichnungen. Eine Ausnahme war vielleicht seine Zeichnung Tityus (1533, Royal Collection, Windsor Castle). Tityus war ein Geschenk und eine der ersten Zeichnungen, die als eigenständiges Kunstwerk angesehen wurden.

Raffael (Raffaello Santi) (1483-1520)
Raphael , ein anderer Meister der menschlichen Anatomie, begann seine Figurenskizze oft mit einer Unterzeichnung unter Verwendung eines Stifts. Die scharfe Spitze dieses Instruments hinterließ schwache Abdrücke auf der Oberfläche des Papiers. Er zeichnete dann mit roter Kreide über die Eindrücke, als er mit dem Umriss zufrieden war. Ein Beispiel ist seine Studie für die phrygische Sibylle (1511, British Museum). Diese weibliche Figur trägt klassische Vorhänge und hat sehr männliche Arme und Beine (sie wurde wahrscheinlich von einem männlichen Model gezeichnet). Viele von Raffaels Zeichnungen sind in hohem Maße fertiggestellt, mit weißen Glanzlichtern und Schattierungen. Er stützte sich oft auf Zeichnungen, um seine Posen für seine Gemälde zu verfeinern, und nach der großen Anzahl von erhaltenen Skizzen war er in diesem Bereich produktiver als Michelangelo und Leonardo.

Größte Renaissance-Exponenten des Figurenzeichnens

Zeichenmedien, die von Künstlern der Renaissance verwendet werden

Hier sind nur einige Beispiele für die Medien, die in Renaissance-Zeichnungen und Skizzen, um präzise Effekte zu erzielen.

Rote Kreide war ein weiteres beliebtes Zeichenmedium in der Renaissance, da sie aufgrund ihrer Formbarkeit und Fähigkeit, menschliches Fleisch darzustellen, das bevorzugte Medium für Aktskizzen war.

Moderne Zeichnungen der menschlichen Figur

Seit der Renaissance hat fast jede Kunstrichtung, einschließlich Barock, Rokoko, Neoklassizismus, Realismus, Impressionismus und Expressionismus, Künstler vorgestellt, die überdurchschnittlich talentiert im Skizzieren waren und Zeichnungen in einer Vielzahl von Medien ausführten. Hier sind eine kleine Handvoll großartiger Zeichner mit Beispielen ihrer Arbeiten.

Albrecht Dürer : Madonna mit vielen Tieren (1503, Albertina, Wien)
Rembrandt : Ein Künstler in einem Atelier (1632, Rijksmuseum)
Nicolas Poussin : Entführung der Sabinerinnen (1634, Met Museum NYC)
Watteau : Studie für L’Indifferent (1710, Rotterdam)
François Boucher : Vertumnus und Pomona (1760–70, Met Museum NYC)
Jacques-Louis David: Männlicher Akt (1764, Louvre)
Jacques-Louis David : Die drei Horatii-Brüder (1785, Musee Bonnat)
Pierre-Paul Prud’hon: Sitzender weiblicher Akt (um 1795-1800, Met Museum NYC)
Goya : Drei Männer beim Graben (um 1800, Prado)
Edouard Manet: Deux Religieux Agenouilles (1857, Musée d’Orsay)
Honore Daumier : Literaturdiskussion in zweiter Klasse (1864, Le Charivari)
Honore Daumier: Die Kutsche der dritten Klasse (1864, Walters Art Museum)
Edgar Degas : Tänzerin passt ihren Slipper an (1873, Met Museum NYC)
Edgar Degas: Frau badet in einer flachen Wanne (1885, Musee d’Orsay)
Edgar Degas: Blaue Tänzer (1899, Puschkin-Museum der Schönen Künste)
Edgar Degas: Die Tänzer (1899, Toledo Museum of Art)
Henry Moore: Frauen sitzen im Untergrund (1941, Tate)
Francis Bacon : Figur drehen (1959-62, Tate Collection)

Wie viel ist eine Zeichnung wert?

Es ist nur eine Skizze auf Papier, oder? Was kann es wirklich wert sein? Nun, im Jahr 2012 verkaufte sich eine Skizze eines Männerkopfes mit dem Titel Kopf eines jungen Apostels (1519) von Raffael bei einer Auktion für den Rekordpreis von 29, 7 Mio. GBP und übertraf damit seine Schätzung für den Vorverkauf von 10 bis 15 Mio. GBP.