Junge Frau mit Wasserkrug, Jan Vermeer:
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Junge frau mit a
Wasserkanne / Krug
Von Jan Vermeer.
Gesehen als einer der
Größte Gemälde aller Zeiten.

Beschreibung

Gemälde : Junge Frau mit einem Wasserkrug
Datum : c.1662
Künstler : Jan Vermeer (1632-75)
Medium : Ölgemälde
Typ : Genre-Gainting
Bewegung : Niederländischer Realismus
Standort : Metropolitan Museum of Art, New York.

Erläuterungen zu anderen Bildern finden Sie unter: Berühmte Gemälde analysiert .

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Das ist exquisit Niederländische realistische Genremalerei ist eine von fünf Vermeern, die sich im Besitz des Metropolitan Museum of Art, New York, befinden: Die anderen sind Mädchen, die an einem Tisch schlafen (ca. 1657), Frau, die eine Laute spielt, in der Nähe eines Fensters (ca. 1664), Kopf eines Mädchens (ca. 1657). 1672-4) und Allegorie des Glaubens (c.1673-4). Ein perfektes Beispiel für Vermeers intimen Stil Niederländische Barockkunst Es zeigt den virtuosen Umgang des Künstlers mit Licht und dessen Reflexion sowie die perlmuttartigen Töne seiner blauen und gelben Farbpalette. Mit seinen akribischen Details, reichen Stoffen und seiner komplexen Symbolik ist es eines der besten größte Genrebilder der damaligen Zeit und – zusammen mit Woman Holding a Balance (1662-63, National Gallery of Art, Washington, DC) einer der beiden besten Vermeers in einer amerikanischen Sammlung. Stilistisch führt das Werk seine Serie von "Perlenbildern" ein.

Komposition

Wie einige andere Vermeer-Ölgemälde zeigt die Arbeit eine junge Frau, die in der Ecke eines Raumes steht, dem Betrachter zugewandt ist und zu ihrer Rechten ein Fenster öffnet. Gleichzeitig hält sie mit der linken Hand einen messing / silbernen Wasserkrug oder Krug. Der Krug steht in einem Becken aus demselben metallischen Material neben mehreren anderen Gegenständen auf einem Tisch, der mit einem exotischen roten Teppich überzogen ist. Die junge Frau, eine scheinbar vorbildliche Hausfrau – die übrigens nichts mit dem irdischen, aktiven Dienstmädchen in Berlin zu tun hat Das Milchmädchen (um 1658, Rijksmuseum, Amsterdam) – trägt einen knackig weißen Leinenkopfschmuck und eine große Haube oder einen großen Kragen, wodurch sie sich wie das kurzlebige Carel Fabritius (1622) von der feuchten Wand abhebt -54). Die Gesamtkomposition zeichnet sich durch eine Stimmung der Einfachheit und Stille aus, die für seinen sich entwickelnden Mid-Career-Stil charakteristisch ist.

Herkunft

In Anbetracht der in diesem Werk sichtbaren Meisterschaft erscheint es angemessen, dass Vermeer in dem Jahr, in dem er es höchstwahrscheinlich produzierte, zum Leiter der Delfter Künstlergilde gewählt wurde. Trotz seines charakteristischen Stils und seiner technischen Qualität wurde dieses täuschend einfache Bild nicht immer als Werk des großen Delfter Malers anerkannt. Tatsächlich wurde es erstmals 1838 in London unter dem Namen ausgestellt Gabriel Metsu. Erst vierzig Jahre später, nach der Wiederbelebung von Vermeer in den 1860er Jahren, wurde es auf der Winterausstellung der Royal Academy in London als das Werk von Jan van der Meer aus Delft identifiziert. Aus irgendeinem Grund hielt diese Zuschreibung jedoch nicht an und nachdem sie durch die Hände eines anderen Londoner Kunsthändlers, Thomas Agnew, und des Pariser Kunsthändlers Pillet gegangen war, wurde sie 1887 von Henry G. Marquand für nur 800 USD als Werk erworben von Pieter de Hooch, ein Delfter Zeitgenosse. Im folgenden Jahr präsentierte Marquand es dem Metropolitan Museum of Art in New York und war damit das erste Vermeer, das in eine amerikanische öffentliche Sammlung aufgenommen wurde.

Ähnlichkeiten des Stils

Stilistisch gesehen ist diese Arbeit ein kritischer Punkt in der Entwicklung von Vermeer Malerei der schönen Kunst. Es kann auf ungefähr die gleiche Zeit datiert werden wie Eine Frau und zwei Männer (um 1661, Herzog Anton Ulrich-Museum, Braunschweig) und wahrscheinlich kurz nach dem Mann und der Frau mit einem Weinglas (um 1661, Gemäldegalerie, Berlin).. In der Tat ist es das letzte der "offenen Fenster" Bilder des Künstlers, das die gleiche Konfiguration von Glaspfosten aufweist, die sowohl in Berlin als auch in Braunschweig zu finden sind. Bezeichnenderweise wird hier die verräterische Figur der Mäßigkeit, die in der Fensterscheibe der beiden anderen Werke zu finden ist, durch ein Spiegelbild des Himmels ersetzt.

Vermeers Prioritäten

In diesem Bild war Vermeer eindeutig mehr daran interessiert, die Qualität des durch das teilweise offene Fenster eintretenden Lichts und dessen Reflexion auf der hervorragend gerenderten Metalloberfläche einzufangen, als die genaue körperliche Handlung der Frau zu beschreiben. In der Tat könnte man sagen, dass das Modell durch das Fenster, den Tisch und die Karte vollständig immobilisiert wurde. Sekundäre Elemente – wie die beschattete Fensterwand und der Stuhl – helfen ihr auch dabei, sie eng im Raum zu halten – oder man könnte alternativ sagen, dass ihre Figur ein vitales, sogar dynamisches Element ist, da sie Fenster, Tisch und Rückwand verbindet. In jedem Fall werden ihre Bewegungen, wenn dieser Begriff in Bezug auf ihre Unbeweglichkeit verwendet werden kann, nie klar erklärt. Weder der prächtig gerenderte Krug und das Becken noch die Schmuckschatulle mit einer kaum sichtbaren Perlenkette mit blauem Band deuten auf eine einheitliche Aktion hin. Vielleicht bestand jedoch eine thematische oder ikonografische Verbindung zwischen dieser Leinwand und einem jetzt verlorenen Bild, das im Vermeer-Verkauf von 1696 als "ein Gentleman, der sich in einem Raum die Hände wäscht" beschrieben wurde.

Symbolismus

Diese heimische Genreszene ist ein typisches Beispiel dafür Holländische Malerei des 17. Jahrhunderts und betrifft den moralischen Wert einer guten Haushaltsführung, ein Thema, das in vollem Einklang mit der neuen Ästhetik von Protestantische reformatorische kunst des 17. Jahrhunderts. Saubere, gestärkte Kleidung symbolisiert Reinheit und Tugendhaftigkeit, ebenso wie ein Krug und ein Becken. Darüber hinaus haben sowohl der Waschvorgang als auch die damit verbundenen Utensilien eine lange Assoziation mit spiritueller sowie physischer Reinheit. Mehrere Niederländische realistische Künstler Zum Beispiel hat Gerrit Dou dieselben Objekte mit dieser genauen Bedeutung verwendet, und Vermeer könnte beabsichtigt haben, dass diese Elemente dieselbe moralische Assoziation tragen. Diese Lesart wird durch das bescheidene Kleid der Frau und die wunderschön eingefangene Reflexion des Himmels im Fenster unterstützt. Außerdem wendet sie sich von der Weltkarte ab, die sie nicht berührt. Hinweis: Für andere Werke, die Reinheit rühmen, siehe Das Mädchen mit dem Perlenohrring (1664-6, Mauritshuis, Den Haag) und Der Klöppler (c.1669, Louvre).

Sowohl die Schmuckschatulle als auch die Perlenkette werden zu bedeutenden Motiven, obwohl ihre Bedeutung zusammen mit dem Gesamtwerk für den modernen Betrachter nicht immer klar ist. Die Perlenbilder verdanken ihren Namen jedoch nicht nur dem Vorhandensein dieses Schmuckstücks, sondern auch, wie hier, der kühlen, leuchtenden perlenartigen Tonalität, die dominiert.

Jan Vermeer

Nach einer kurzen Malerkarriere (es wird angenommen, dass er in seinen 43 Jahren nur etwa 45 Bilder geschaffen hat), in der er einen vernünftigen Erfolg erzielte, geriet Vermeer zwei Jahrhunderte lang in Vergessenheit, bevor er wiederentdeckt und als einer der Künstler wieder eingesetzt wurde beste Genremaler in Nordeuropa und einer der besten niederländischen Maler des 17. Jahrhunderts.

Analyse anderer Gemälde von Vermeer

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