Et in Arcadia Ego, Nicolas Poussin:
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Et in Arcadia Ego (1637)
Louvre, Paris.
Von Nicolas Poussin.
Gilt als einer der
Größte Gemälde aller Zeiten.

Beschreibung

Name: Et in Arcadia Ego (Arkadische Hirten) (1637)
Künstler: Nicolas Poussin (1594-1665)
Mittel: Ölgemälde auf Leinwand
Genre: Geschichtsmalerei
Bewegung: Barocke Kunst
Ort: Louvre-Museum, Paris

Für die Bedeutung anderer berühmter Meisterwerke
bitte sehen: Berühmte Gemälde analysiert (1250-1800).

Et in Arcadia Ego (1627)
Chatsworth, England.
Von Nicolas Poussin.

Hintergrund

Das Größte von allen Französische Barockkünstler des 17. Jahrhunderts verbrachte Poussin den größten Teil seiner Karriere in Rom und war eine der führenden Figuren in Rom Barockmalerei, insbesondere beeinflusst durch Raphael (1483-1520) und Tizian (c.1488-1576). Einer seiner wichtigsten Förderer war Kardinal Francesco Barberini (1597-1679), Neffe des Papstes Urban VIII (reg. 1623 – 1644), der in den kulturellen Kreisen der Stadt aktiv war. Als Künstler ist er berühmt für seine Klassizismus und seine sorgfältig zusammengestellt mythologische Malerei, modelliert mit reichem, vibrierendem Farbe. Er war für einige von Roms verantwortlich beste barocke Gemälde, deren komplexe Symbolik und architektonisches Design sie bei Roms intellektueller und kultureller Elite äußerst beliebt machten. Siehe zum Beispiel sein dramatisches klassisches Meisterwerk Die Entführung der Sabinerinnen (1634-5, Metropolitan Museum of Art, New York).

Poussin malte zwei Versionen von Et in Arcadia Ego : die im Louvre und eine frühere Version aus dem Jahr 1627, die im Chatsworth House in England stattfindet. Auch Poussin wäre das gleichnamige Gemälde von 1618-22 bekannt Guercino (1618 – 22, Galleria Nazionale d’Arte Antica, Rom).

Et in Arcadia Ego wurde 1638 von Giulio Rospigliosi in Auftrag gegeben, dem späteren Papst Clemens IX. (Reg. 1667-9), der einige Jahre zuvor auch Poussins Tanz zur Musik der Zeit in Auftrag gegeben hatte (1634-6, Sammlung Wallace). Dieses komplexe Werk, in dem Poussin sich mit einigen schwierigen philosophischen Fragen zu befassen versucht, zeigt seine Hingabe an beide Kunst der klassischen Antike und figur malerei sowie seine Überlegungen zu Leben und Tod.

Die Szene spielt in einer atmosphärischen Landschaft namens Arcadia, in der einige Hirten ein Grab gefunden haben. Arkadien ist eigentlich eine karge, bergige Region Griechenlands, wurde jedoch durch Hinweise des römischen Dichters Virgil (dessen Gedichte als Eclogues bekannt sind und in Arkadien stattfinden) als glückseliges Hirtenparadies und Symbol des vollkommenen Glücks idealisiert.

HINWEIS: Zusammen mit Annibale Carracci (1560-1609) und Claude Lorrain (1600-82), war Poussin einer der frühesten alten Meister, der das Genre entwickelte Landschaftsmalerei, wenn auch im idyllischen italienischem Stil. Siehe auch: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts.

Die hockende Figur zeichnet die Buchstaben nach, die in den Stein gemeißelt sind: "Et in Arcadia Ego", was gewöhnlich mit "sogar in Arcadia bin ich da" übersetzt wird. Die meisten Kunstkritiker Stimmen Sie zu, dass die Botschaft auf dem Stein vom Tod hinterlassen wurde und die Hirten erkennen, dass dies bedeutet, dass es auch in einem glückseligen Paradies wie Arkadien den Tod gibt und dass das Leben nicht ewig währt. (Das Bild als Andenken an die Mori oder als Erinnerung an den Tod.) Die reich gekleidete weibliche Figur versteht diese Wahrheit bereits und sieht sie mitfühlend an.

HINWEIS: Für eine alternative Erklärung siehe Andre Felibiens Biographie von Poussin, in der er "Et in Arcadia Ego" interpretierte, um zu bedeuten, dass die im Grab begrabene Person auch einmal in Arcadia (auf Erden) lebte (die Freuden des Lebens genoss).

Darüber hinaus wird die Handlung des hockenden Hirten als Hinweis auf den Ursprung von angenommen Gemälde Es wird vermutet, dass der Schatten einer Person zum ersten Mal an einer Wand nachgezeichnet wurde. Vielleicht wollte Poussin vermitteln, dass Malerei eine der wenigen Möglichkeiten ist, einen Zustand vollkommenen Glücks festzuhalten. Es ist möglich, dass die roten, gelben und blauen Gewänder der beiden rechts die Grundfarben der Malerei darstellen und ein Zeichen der Hoffnung sind. Jedenfalls scheint das Gemälde zu sagen, dass die Entdeckung von Kunst war die kreative Antwort des Menschen, als er die schockierende Wahrheit über die Unvermeidlichkeit seines Todes herausfand.

Von links nach rechts wächst das Verständnis der Figuren. Die beiden gebeugten Hirten, die auf die Buchstaben zeigen, helfen uns, uns auf die zentrale Botschaft dieser Arbeit zu konzentrieren, während sich ihre Knie und Ellbogen ausgleichen. Die Frau, die eine allegorische Figur sein könnte (was die Kunst der Malerei darstellt, die den Anspruch des Todes auf Herrschaft über Arkadien in Frage stellt), sieht aus wie eine Figur aus der klassischen Vergangenheit. Ihr Gesicht ist im Profil und erinnert an eine römische Büste oder Statue, und ihre Pose ist so bewegungslos wie eine Marmorskulptur.

Philosophische Bedeutung

Poussins Louvre-Version ist viel rationaler und sorgfältiger komponiert als sein früheres Gemälde in Chatsworth. Die Hirten zum Beispiel sind akribisch und ausgewogen um das Grab herum angeordnet. Und es gibt weniger Drama und ruhigere Kontemplation. Im Gegensatz zu früheren Versionen wie Poussins Chatsworth-Bild und der Version von Guercino gibt es auch keinen offensichtlichen Hinweis auf den Tod wie den traditionellen Schädel. (Siehe auch: Vanitas Malerei Ein möglicher Grund für die ruhigere Stimmung des Gemäldes ist, dass Poussin im Laufe der Zeit fest an den Stoizismus glaubte, der viele seiner Gemälde inspirierte. Diese alte Philosophie (die von vielen der römischen Intelligenz der damaligen Zeit unterschrieben wurde) hielt das Streben nach materiellen Besitztümern für eine vergebliche Suche; und dieser Mann sollte seiner Sterblichkeit mit stiller Resignation begegnen. Das einzige bisschen Optimismus im Bild ist der Wert der Kunst als ruhige und rationale Antwort auf die Unvermeidlichkeit des Todes. Nur die Kunst kann sich an Bilder von geliebten Menschen erinnern, die gestorben sind. Nur die Kraft der Kunst kann Gefühle beruhigen und Gefühle durch visuelle Schönheit ausdrücken, die nicht in Worten ausgedrückt werden kann.

Geometrische Komposition

Poussin baute seine Kompositionen oft nach geometrischen Prinzipien wie dem "Goldenen Schnitt" auf. Dieser Ausdruck bezieht sich auf das ideale Verhältnis, das durch Teilen einer Linie erhalten wird, so dass der kürzere Teil umso länger ist, je länger das Ganze ist. Die Verwendung der Geometrie auf diese Weise zur Bestimmung des Layouts eines Gemäldes und seiner Schlüsselelemente verbessert die Harmonie und Ausgewogenheit der Komposition. Poussins architektonische Gestaltung seiner Kompositionen war ein weiteres Merkmal, das Roms intellektuelle Elite ansprach.