Donne Triptychon, Hans Memling:
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Das Donne-Triptychon (Detail)
Von Hans Memling.
Gilt als einer der
Größte Gemälde aller Zeiten.

Beschreibung

Künstler : Hans Memling (1433-94)
Medium : Ölgemälde
Genre : Religiöse Kunst
Bewegung : Schule von Flämische Malerei
Standort : National Gallery, London.

Weitere großartige Bilder finden Sie unter: Berühmte Gemälde analysiert .

Kunst Wertschätzung
Arbeiten von
Flämische Maler mögen
Hans Memling, siehe
unsere pädagogischen Artikel:
Kunstbewertung und
Wie man Gemälde schätzt.

So klein Altarbild von Hans Memling (c.1433-94), auch bekannt als Die Jungfrau und das Kind mit Heiligen und Spendern, oder das Triptychon von Johannes dem Täufer und Johannes dem Evangelisten, gehört zu den feinste religiöse Gemälde des 15. Jahrhunderts Niederländische Renaissance. Es wurde während eines Besuchs in Brügge vom walisischen Adligen und Höfling Sir John Donne aus Kidwelly (ca. 1428-1503) in Auftrag gegeben, um die königliche Hochzeit von Margarete von York mit Karl dem Kühnen, Herzog von Burgund, zu feiern Tafelbilder welche Memling für einen britischen Kunden ausführte. Die meisten seiner Stammgäste waren Geistliche oder wohlhabende Geschäftsleute aus Brügge, Gent, Antwerpen oder anderswo in Flandern oder ausländische Vertreter der deutschen Hanse oder der Florentiner Medici-Familie. Seine Triptychon des Jüngsten Gerichts (c.1471) wurde zum Beispiel für den Florentiner Bankier Jacopo Tani gemalt. Von Memling auf dem Höhepunkt seiner Macht übernommen, The Donne Triptychon wurde in Brügge gemalt, wo der Künstler eine florierende Werkstatt gegründet hatte und zu den reichsten Persönlichkeiten der Stadt zählte. Ein großer Schatz der Renaissance des Nordens Die Arbeit hängt jetzt in der National Gallery in London.

Komposition

Auf der zentralen Tafel des Donne-Triptychons kniet Sir John Donne zu seiner Rechten, während seine Frau Elizabeth Hastings und ihre älteste Tochter Anne zu ihrer Linken knien. Die heilige Katharina präsentiert Donne der Jungfrau und dem Kind, während seine Frau von der heiligen Barbara vorgestellt wird. Obwohl das Auftreten der Spender eine fromme Demut impliziert, drückt ihr Kleid Reichtum und Stil aus, und sowohl Ehemann als auch Ehefrau tragen Yorker Kragen aus vergoldeten Rosen, die mit dem Löwenmotiv des englischen Königs Edward IV. Geschmückt sind. Die Jungfrau Maria wird auch von Engeln begleitet, die Musik für das Jesuskind spielen, das mit der rechten Hand eine mehrdeutige Geste macht – entweder segnet er den Spender oder greift nach einem Stück Obst! Im Hintergrund ragt eine malerische Landschaft in die Ferne – ein Mann reitet auf einem Pferd, ein Müller entlädt einen Sack von seinem Esel und das Wasserrad einer Mühle (eine witzige Darstellung des Attributs der heiligen Katharina).

Die Seitentafeln zeigen Donnes Namensheilige – Johannes der Täufer (mit Lamm) und Johannes der Evangelist. Der Beobachter, der im Hintergrund hinter Johannes dem Täufer steht, ist möglicherweise ein Selbstporträt von Memling.

Die Architektur des Gemäldes ist teils brüggerisch, teils italienisch und bietet Memling die Gelegenheit, seine Meisterschaft unter Beweis zu stellen Geradlinige Perspektive. Gleichzeitig nutzt er Chiaroscuro – aus schwachen kontrasten von licht und schatten – das volumen seiner figuren zu erweitern. Inzwischen ist die Stimmung förmlich, aber entspannt: die Gefolterten Gotische Kunst seines früheren Jüngsten Gerichts – Triptychons (1471, Uffizien, Florenz) ist der höfischeren Eleganz des Frühe Renaissance.

Wenn die Außenwände geschlossen sind, sehen wir Grisaille Gemälde von St. Christopher und St. Anthony Abbot, die ausschließlich in Grautönen gehalten sind und Steinskulpturen ähneln. Dies war eine nicht ungewöhnliche Konvention im späten 15. Jahrhundert Künstler der nördlichen Renaissance der Niederlande, aber für zeitgenössische italienische Maler noch relativ neu. Tatsächlich wurden viele Werke aus Memlings Atelier nach Italien exportiert, wo seine Malmethoden (Virtuosität mit Ölfarbe, auffällige Renaissance-Farbpalette, Verwendung von Helldunkel) von venezianischen Kunden wie Kardinal Bembo und Kardinal Grimani gut aufgenommen und oft von seinen nachgeahmt wurden Zeitgenossen, insbesondere von Mitgliedern der umbrischen Malschule.

Harmonie und Ausgeglichenheit

Gekennzeichnet durch einen spürbaren Sinn für Harmonie, der aus einer symmetrisch ausbalancierten Komposition, einem meisterhaften Einsatz von Farbe – sowohl Farbtöne als auch Töne, die von satten Rot- und Blautönen bis zu subtilen Halbtönen reichen – und Figuren, die stille Hingabe ausstrahlen, anstatt das intensive Gefühl, das in den Werken seiner Zeitgenossen zu spüren ist. Das Donne-Triptychon ist eines der größte Renaissance-Gemälde seines Alters.

Andere flämische Altarbilder aus dem 15. Jahrhundert

Das Dijon-Altarbild (1393-99, Musee des Beaux-Arts, Dijon) von Melchior Broederlam (c.1350-1411) war ein wegweisendes Werk, das den Aufstieg des großformatigen Tafelmalers (Robert Campin, Hubert / Jan van Eyck, Roger van der Weyden, Dieric Bouts the Elder, Hugo van der Goes) und des entsprechender Rückgang von Miniaturmalerei und handschriftliche Darstellung von Miniaturisten wie die Brüder Limburg und Jacquemart de Hesdin (c.1355-1414). Miniaturen konnten per Definition nur wenige Details enthalten, wohingegen die neue Generation flämischer Tafelmaler akribische Details aufweisen und dabei die Kunst revolutionieren konnte (und tat). Zu ihren besten Werken gehörten:

Dijon-Altarbild (1393-99, Musee des Beaux-Arts) von Melchior Broederlam
Merode-Altarbild (1427, Metropolitan Museum, NY) von Robert Campin.
Gent Altarbild (1432, St. Bavo Kathedrale, Gent) von Jan van Eyck.
Beaune-Altarbild (1450) von Roger Van der Weyden.
Abendmahl (1464-8, St. Pieterskerk, Leuven) von Dieric Bouts die Ältesten.
Jüngstes Gericht (um 1471, Muzeum Narodowe, Danzig) von Hans Memling
Portinari-Altarbild (1476-79, Uffizien, Florenz) von Hugo Van Der Goes.