William Hogarth:
Englischer figurativer Künstler, Genremaler Automatische übersetzen

Die Bedeutung des großen englischen Kupferstechers und Malers William Hogarth erfordert eine kurze Einführung in den Stand der englischen Kunst im frühen achtzehnten Jahrhundert.

Englische Kunst: Der Beginn des achtzehnten Jahrhunderts

Der Tod von Sir Godfrey Kneller im Jahr 1723 beendete die lange Dynastie ausländischer Maler, die die englische Malerei zweihundert Jahre lang beherrscht hatte, aber es gab noch keine Anzeichen für jene Wiederbelebung, die das achtzehnte Jahrhundert zu einem so glorreichen Kapitel in der Geschichte der englischen Kunst gemacht hatte.

Knellers Schüler und Nachfolger waren gewöhnliche „Porträtmaler“, deren Werke weder Leben noch Charme hatten. Sein Nachfolger als Unteroffizier des Königs war Charles Jervas (1675-1739), ein typischer Vertreter seiner Schule, der eher wegen seiner Eitelkeit und seiner Freundschaft mit Pope in Erinnerung geblieben ist, dessen höfliche Verse an Jervas mehr von seiner Freundschaft als von seinem kritischen Urteilsvermögen zeugen. Gervas war jedoch nicht der beste unter den Malern der Kneller-Schule. Michael Dahl (1656-1743) und Jonathan Richardson (1665-1745) waren, obwohl sie nur Nachahmer waren, Maler von etwas höherem Rang, und Sir James Thornhill (1676-1734) unternahm einen galanten, wenn auch nicht sehr erfolgreichen Versuch, die englische figurative Malerei aus dem Sumpf zu befreien, in den sie geraten war.

Aber es wurde seinem Schüler und Schwiegersohn, William Hogarth, anvertraut, die Würde und Ehre der englischen figurativen Malerei wiederherzustellen. Es ist sinnlos, das plötzliche Auftauchen von Genies zu einer bestimmten Zeit und an einem bestimmten Ort erklären zu wollen, und dass Hogarth, Reynolds, Gainsborough, Wilson, Turner, Constable und eine Reihe anderer großer Künstler innerhalb von hundert Jahren in England auftraten, kann nur als Tatsache akzeptiert werden. Aber die Bedingungen änderten sich, und die Umstände des achtzehnten Jahrhunderts waren für die Entwicklung einer nationalen Schule weitaus günstiger als die des sechzehnten und siebzehnten Jahrhunderts.

Die Gemälde von William Hogarth

Die Verbreiterung der Basis der englischen Kultur

Die religiösen und politischen Spaltungen, die auf den Bruch mit den mittelalterlichen Traditionen folgten, sowie die Missstände in der Verwaltung der Stuart-Könige und die relative Armut des Landes verhinderten die Ausbreitung einer gemeinsamen Kultur in England während des siebzehnten Jahrhunderts. Mit dem Beginn des 18. Jahrhunderts kam es jedoch zu innerem Frieden, einer stabilen Regierung, einem stetigen Anstieg des nationalen Reichtums und folglich zu besseren Möglichkeiten für die Verbreitung der Kultur.

Die Philanthropie, die zuvor hauptsächlich auf den Hof und die Aristokratie beschränkt gewesen war, breitete sich auf die wohlhabenden oberen und mittleren Klassen aus, deren Geschmack durch Reisen bereichert wurde. Die Grand Tour durch Frankreich, Italien und Deutschland wurde Teil der allgemeinen Bildung eines jungen Mannes von durchschnittlichem Wohlstand, und die Kenntnis der Werke der alten Meister verbreitete sich in England in einer viel breiteren Schicht.

Die langen Jahre von Walpoles Herrschaft waren eine Zeit der Ruhe und Erholung, in der das englische Volk eine Festigkeit und ein wachsendes Gefühl der Einheit und des Patriotismus erlangte, das noch nicht in die extreme Insellage späterer Zeiten ausgeartet war. Der Nationalstolz wurde durch den künstlerischen Ruhm anderer Länder beflügelt, und es entstand der Wunsch, eine nationale Schule zu gründen. Die Werke von Claude, Poussin und den niederländischen Meistern des Realismus weckten den Geschmack an der Landschaft, der den Weg für die englischen Landschaftsmaler ebnete, deren Werk das Gesicht der europäischen Kunst zu Beginn des neunzehnten Jahrhunderts verändern sollte.

Das achtzehnte Jahrhundert war auch die Zeit der Entstehung von Kunstschulen, der Gründung von Künstlervereinigungen, der ersten öffentlichen Ausstellungen ihrer Werke und schließlich 1768 der Gründung der Royal Academy of Arts in London unter der Schirmherrschaft von Georg III.

Dass Thornhill wirklich begabt war, beweist eine Skizze der Dekoration „des Wunders des Heiligen Franziskus“ in der National Gallery, in der die blinkenden Rechtecke der Zeichnung an die Kunst von Tintoretto erinnern. Doch bevor die englische Malerei mit einem Neuanfang beginnen konnte, war eine Rückkehr zu etwas Einfacherem und Aufrichtigerem notwendig.

Die Werke von Rubens und den späteren italienischen Malern waren das Endergebnis eines langen Prozesses, in dem sich ihre komplexe und kultivierte Kunst langsam aus einfacheren Formen entwickelte, die auf einem aufrichtigen Studium der Natur beruhten. Ihre Ergebnisse zu imitieren, ohne die solide Grundlage zu kennen, auf der sie aufgebaut waren, bedeutete lediglich, künstliche Blumen ohne Leben und Samen zu schaffen. Gerade weil Hogarths Kunst tief im Leben seiner eigenen Zeit und seines eigenen Volkes verwurzelt war, konnte er dem kränkelnden Stamm der englischen Malerei Gesundheit und Kraft zurückgeben.

William Hogarth: Frühes Leben, sein Zugang zur Kunst

William Hogarth wurde 1697 als Sohn eines Schulmeisters und einer Literatin in Ship Yard, Old Bailey, geboren. Um 1712 gab ihn sein Vater als Lehrling zu Ellis Gamble, einem Silberschmied in der Cranborne Alley, Leicester Fields, von dem er das Gravieren erlernte und eine feste Hand und Übung im Entwerfen erwarb, die für ihn wertvoller waren als die Studiotechniken, die er vielleicht von einem der modischen Porträtmaler hätte lernen können. Es heißt, er habe mit dem Zeichnen begonnen, weil er den Humor des Londoner Lebens, so wie er es sah, festhalten wollte, und er entwickelte ein System des Zeichnens aus dem Gedächtnis, mit dem er am Abend Dinge festhalten konnte, die er tagsüber gesehen hatte und die ihn beeindruckten und amüsierten.

Dies war zweifelsohne der richtige Weg, mit dem er begann. Seine künstlerische Sprache erwuchs aus seinen Gedanken, und er malte, weil er etwas zu sagen hatte, und nicht, um einen komplizierten und künstlichen Stil zu erlernen, der keiner Realität in seinem eigenen Kopf entsprach. Nur so kann lebendige Kunst entstehen, denn so wie in der Sprache die Worte genau dem Gedanken entsprechen müssen, so muss in der bildenden Kunst die Form das passende Kleid für das Bild im Kopf sein.

Hierin liegt die Schwierigkeit des Unterrichts in ausländischen Schulen. Der Stil ist nur dann lebendig und ausdrucksvoll, wenn er genau dem Geist entspricht, der im Individuum lebt, und eine künstlerische Sprache, die aus den Sitten, Traditionen und Denkgewohnheiten eines Volkes entwickelt wurde, kann nicht an die Sprache eines anderen angepasst werden. Zu Hogarths Zeiten gab es trotz der entwickelten englischen Sprache kein entsprechendes Symbolsystem für die Malerei, so dass er gezwungen war, es selbst zu schaffen.

Ein Mann mit einem weniger hartnäckigen, kämpferischen und selbstbewussten Temperament als Hogarth wäre gescheitert, aber er besaß genau die Eigenschaften, die es ihm ermöglichten, der modischen Oberflächlichkeit seiner Zeit zu widerstehen und entschlossen und kühn er selbst zu sein. Seine Porträts zeigen einen kugelrunden Mann mit einem aufmerksamen Blick, einer kämpferischen Nase, einem festen Mund und insgesamt so etwas wie einen Cockney Boy, der sich zu wehren weiß. Natürlich steckte viel mehr in ihm, und hinter all seiner Satire, seiner Frechheit und seinem Humor steckte englische Poesie, Gefühl und die Liebe zu zarter Schönheit, aber es waren diese harten Qualitäten, die ihn befähigten, das zu tun, was er für die englische Malerei tat.

Frühe Werke

1718, als seine Lehrzeit bei Ellis Gamble endete, fand er Arbeit beim Stechen von Wappen und Rechnungen für Geschäfte. Sein frühestes bekanntes Werk war seine eigene gestochene Karte „W. Hogarth, Graveur, 23. April 1720“. Nach dieser Arbeit wandte er sich der Buchillustration zu und veröffentlichte 1724 „ Burlington Gate“, die erste seiner originellen Satiren.

Im selben Jahr wurde Sir James Thornhills Akademie in Covent Garden eröffnet, und Hogarth besuchte sie, um das Handwerk der Ölmalerei zu erlernen, und innerhalb weniger Jahre begann er, sich als Künstler zu etablieren. Seine Platten zu „Gudibras“ Butler im Jahr 1726 hatten ihm bereits einen gewissen professionellen Ruf als Kupferstecher eingebracht. Seine ersten Bilder waren kleine Porträtgruppen oder „ Konversationen“, wie sie genannt wurden, und von diesen ging er zu den verschiedenen Serien satirischer Moritaten über, mit denen sein Name hauptsächlich verbunden ist. Die erste von ihnen, „ The Harlot’s Progress“, wurde 1731 geschrieben.

In der Zwischenzeit kam es zu Veränderungen in seinem Privatleben. Im Jahr 1729 brannte er mit der Tochter von Sir James Thornhill durch und ließ sich 1733 in Leicester Fields nieder, wo er den Rest seines Lebens verbrachte. Von dieser Zeit an ist sein Leben hauptsächlich eine Chronik der Arbeit, aber 1748, während eines der seltenen friedlichen Intervalle, unternahm er eine denkwürdige Reise nach Frankreich, die in Form eines Gemäldes „des Tores von Calais“ Früchte trug, das sich heute in der National Gallery befindet. Während er das alte Tor skizzierte, wurde Hogarth unter dem Vorwurf der Spionage verhaftet, und obwohl er später wieder freigelassen wurde, trug dieser Vorfall dazu bei, seine gallige Zurückhaltung zu verstärken, die in diesem Gemälde voll zur Geltung kommt.

Für den Rest seines Lebens produzierte Hogarth satirische Drucke und Gemälde und malte eine ziemlich große Anzahl von Porträts und mehrere Gemälde im „großen historischen Stil“, die nicht zu seinen anderen Werken zählen. Gegen Ende seines Lebens veröffentlichte er seine „ Analyse der Schönheit“, in der er seine eigenen ästhetischen Ideale zum Ausdruck brachte und versuchte, einen eindeutigen Kanon des Geschmacks aufzustellen. Im Jahr 1757 erhielt er eine gewisse offizielle Anerkennung in Form einer Ernennung zum Sergeant-at-Arms des Königs, aber er starb am 26. Oktober 1764, vier Jahre bevor er zu einem der Gründungsmitglieder der Royal Academy wurde.

Hogarths Schaffen: Einflüsse

Hogarths Werke lassen sich, wenn man die Unterscheidung zwischen Ölmalerei und Kupferstich außer Acht lässt, ganz natürlich in vier Kategorien einteilen: Konversationsstücke, satirische Moritaten, Porträts und historische Gemälde . Bis auf das letzte dieser Werke, für das er weder ein natürliches Talent noch eine Ausbildung besaß, zeigte er eine Kraft, Originalität und Genialität, die nur wenig der Kunst anderer verdankte.

Wenn sich Ähnlichkeiten finden lassen, dann eher mit bestimmten Aspekten der Kunst Venedigs und Flanderns als mit seinen Zeitgenossen und Vorgängern in England. Aber vom Anfang bis zum Ende seiner Karriere blieb er sich selbst treu, und die Ähnlichkeiten mit Pierre Brueghel, Canaletto und Longhi in seinem Werk sind wahrscheinlich zufällig. Wenn er etwas entlehnt hat, dann nur das, was genau den Bedürfnissen seines Selbstausdrucks entsprach, und das wurde zu einem integralen Bestandteil seines eigenen Werks.

Technisch gesehen stand seine Malerei in der Tradition von Kneller, und es war eine starke Tradition von fließenden, geraden Farben, aber einige fast kalligraphische Passagen mit sehr flüssigen Farben deuten darauf hin, dass er allein von der technischen Seite her etwas Canaletto zu verdanken haben könnte, der 1745 nach England kam. Die Werke von Canaletto waren in England schon vorher bekannt, und es ist zumindest möglich, dass Hogarth sie studiert hatte. Dass Hogarth die Werke „des alten Bruegel“ kannte, ist äußerst unwahrscheinlich, aber es besteht eine deutliche Verwandtschaft zwischen ihnen.

Die Verbindung muss sicherlich bei den niederländischen und flämischen Malern des siebzehnten Jahrhunderts gesucht werden, von denen Hogarth einige Werke gekannt haben könnte. Es handelt sich um eine lebendige Tradition, die, nachdem sie mit Bruegel begonnen hatte, wieder aufblühte, als sie in die Hände eines anderen großen Künstlers fiel.

Natürlich war Hogarths Palette viel begrenzter als die von Bruegel, und es gibt nichts in seinem Werk, das mit den großen Landschaften aus Bruegels späterem Leben zu vergleichen wäre, aber als Satiriker besaß Hogarth einen feineren und durchdringenderen Witz, und seine Werke sind von einer moralischen Empörung durchdrungen, die in Bruegels Bauernschlägerei keinen Platz hatte. Was sie gemeinsam haben, ist die unmittelbare Reaktion eines starken und humorvollen Geistes auf die Hässlichkeit und Groteske des Lebens, wie sie es sahen, und die Fähigkeit, ihren Kommentaren eine formale Bedeutung zu geben, die sie davor bewahrt, bloße gezeichnete Witze zu sein“.

Satirische Werke

Hogarth war nie ein Karikaturist, und er verfiel nie in den Fehler, die Figuren seiner Satire zu bloßen Personifikationen irgendeines Lasters oder einer Tugend zu machen. Bei aller Fülle seiner grotesken Erfindungen verliert er nie die Realität aus den Augen, und wie sehr seine Figuren auch dem Geiz, der Trunksucht oder der Völlerei verfallen mögen, so bleiben sie doch menschliche Wesen mit anderen Möglichkeiten der Laster oder Tugenden. Sie werden in einem Kreis konzipiert, nicht als unveränderliche Pappprofile.

Anders als viele englische Künstler hatte Hogarth einen verschwenderischen Erfindungsreichtum, und das nicht nur in Bezug auf groteske Typen und Begebenheiten. Sie sind in der Tat so reich und vielfältig wie das Leben selbst, aber er war nicht weniger erfinderisch in der formalen Gestaltung seiner Gemälde.

Konversationsstücke

Diese Eigenschaften sind am besten in seinen satirischen Gemälden, Stichen und Radierungen zu erkennen, aber auch in den kleinen Konversationsstücken, mit denen er seine Karriere als Maler begann, sind sie zu entdecken. Die Mode für diese kleinen, intimen Familiengruppen wurde von den holländischen Meistern vorgegeben, deren Bilder in England gut bekannt waren, und in gewisser Weise war Hogarth für solche Arbeiten gut vorbereitet. Sein Gespür für Charaktere, seine scharfe Beobachtungsgabe und seine Gabe für dramatische Gruppierungen waren hier genau richtig, aber sein Sinn für Humor, dem er nur hinterhältig frönen konnte, muss für ihn ein gewisses Handicap gewesen sein.

In diesen Gemälden sind sein Sinn für Charakter und Humor eher krampfhaft komprimiert und sein Witz abgestumpft, und sie ziehen die Aufmerksamkeit nicht so sehr durch ein Element der Absurdität auf sich, das sich unbemerkt einschleicht, sondern durch eine perfekte Erfüllung der Bedingungen dieses schwierigen Genres. Selbst in ihnen zeigt Hogarth jedoch eine beträchtliche Überlegenheit gegenüber den Werken von Künstlern seiner Zeit, wie Joseph Highmore.

Satirische Sittengemälde

Hogarth muss die Enge des Genres selbst gespürt haben, denn er ging bald von Konversationsstücken zu verschiedenen Serien moralisierender Gemälde über, wie „ The Harlot’s Progress“, „ The Rake’s Progress „und „ Marriage a la Mode“ ) National Gallery London), in denen seine individuellen Fähigkeiten einen viel größeren Spielraum hatten, obwohl das rein erzählerische Element in ihnen manchmal seine Begabung als Zeichner, Kolorist und Designer etwas überschattete.

Zwischen seinen Konversationswerken und Satiren liegen seine Theaterbilder, wie das Innere eines Theaters während einer Aufführung von „The Beggar’s Opera“ (Tate Gallery). Diese Gemälde geben einen Hinweis auf einige der Qualitäten seines Werks, das im guten Sinne sehr theatralisch ist. In der Tat hat das Theater sein Werk weit mehr beeinflusst als das jedes anderen lebenden oder toten Künstlers.

Seine Gemälde sind als Bühnenszenen oder Tableaus konzipiert, die sich vor einem mehr oder weniger konventionellen Hintergrund abspielen, ohne den Versuch eines akkuraten Realismus der Beleuchtung oder Atmosphäre. Seine Ziele waren ganz und gar dramatisch, und die Bühne gab ihm eine Reihe von Konventionen an die Hand, die es ihm ermöglichten, seinen Darstellungen von Personen und Handlungen konzentrierte Kraft zu verleihen.

Stil und Komposition

Er war kein Realist, sondern ein Schöpfer, und das Leben in seinen Gemälden ist nicht in grober Form dargestellt. Das Rohmaterial seiner Kunst, das Leben seiner eigenen Zeit, das ihm durch den Kopf ging, wurde formalisiert, stilisiert und in das Gold seiner eigenen Schöpfung verwandelt. Hätte er sich mit Realismus begnügt, hätte er seinem Werk weit weniger Bedeutung beimessen können, als er es tat, und trotz moderner Ideen müssen wir anerkennen, dass Hogarths unmittelbares Ziel in diesen Gemälden darin bestand, eine Geschichte mit einer Moral zu erzählen, und dass die ästhetischen Qualitäten seinem Hauptziel untergeordnet waren und aus ihm erwuchsen.

Damit seine Figuren die Geschichte so klar und ausdrucksstark wie möglich erzählen, verwendet er Posen, Gesten und Gruppierungen, die mehr als nur natürlich sind, und er erfand eine Form für seine Gemälde, die am ehesten der eines Balletts ähnelt, in dem die Handlung stilisiert wird, um innerhalb der Grenzen des Mediums maximale Ausdruckskraft zu erreichen.

Die Art und Weise, wie Hogarth mit diesen Beschränkungen umgeht und aus ihnen positive Tugenden schafft, verleiht diesen literarischen Gemälden ihre ästhetische Bedeutung. Indem er die Beschränkungen überwindet, die seinen Figuren als Schauspielern durch Unbeweglichkeit und Sprachlosigkeit auferlegt werden, ist er gezwungen, witzige Gesten und Posen zu erfinden, die im Leben unnötig ungeheuerlich wären, die aber in der erfundenen Welt seiner Gemälde vollkommen natürlich und angemessen sind.

So wie auf der Bühne der reine Realismus selbst flach und unwirksam ist und Konventionen notwendig sind, um die Illusion der Realität zu vermitteln, so schafft Hogarth seine Illusion, indem er ständig gegen den Kanon des strengen Realismus verstößt. Wenn wir seine Gemälde Zentimeter für Zentimeter untersuchen, stellen wir fest, dass sie voller Hinweise auf die Geschichte sind, und dass sie sowohl gelesen als auch betrachtet werden können.

Wäre es ihm gelungen, seinen Sinn nur auf diese Weise zu vermitteln, könnte man seine Gemälde mit Recht als rein literarische Kunst einstufen, doch sind gerade die Formen und Farben von einem Witz und einer Satire durchdrungen, die ihnen die Form einer formalen Arabeske verleihen.

Porträts

Hinter all diesem schöpferischen Einfallsreichtum verbirgt sich eine sehr einfache und männliche Moral, die ihre Grundlage bildet. In einem Zeitalter der Ausschweifung, der Schikane und der Korruption hält Hogarth die einfachen Tugenden der Ehrlichkeit, der Nüchternheit und der anständigen Liebe hoch, und es ist diese Einfachheit des Gefühls, die seinen Bildern eine große Popularität als altmodisches Melodrama gegeben hat, wie Dickens oder Shakespeare .

Laster und Tugend sind in seinen Bildern klar abgegrenzt, und er behandelt den guten Bösewicht mit demselben Vergnügen und derselben Begeisterung wie die großen Volkskünstler aller Zeiten. Er genießt seine Schurken mit Vergnügen, wie Shakespeare den Jago oder die mittelalterlichen Maler ihre Teufel genossen.

In seinen Porträts kommen diese Züge weniger zur Geltung, aber in einem von ihnen, „ Simon Fraser, Lord Lovat“, hat Hogarth den schönsten Schurken in seiner ganzen Galerie der Schurken geschaffen. Dieses Bild steht zwischen seinen Moritaten und den übrigen Porträts und ist eines seiner Meisterwerke. Lord Lovat war zum Tode verurteilt, als Hogarth sein Porträt malte, und man kann davon ausgehen, dass Hogarth sich nicht durch die Beschränkungen gezwungen fühlte, die normalerweise den Porträtisten heimsuchen. Infolgedessen enthält das Bild die meisten der Tugenden von Porträts und Moritaten. Es ist nicht mit literarischen Inhalten überfrachtet und enthält ebenso viel Bosheit und Satire wie „A Fashionable Marriage“ und ist ein ebenso scharfsinniges Werk zur Charakterdeutung wie die Porträts seiner eigenen Bediensteten.

Für einen Künstler mit der Begabung von Hogarth war es sicherlich ein Thema der Inspiration. Lovats riesige Johnson’sche Körpermasse stützt einen Kopf, der der Inbegriff genialer Schurkerei ist. Keine Spur von Reue oder Bedauern ist in den Augen des gerissenen alten Anwalts zu sehen, der dem Tod begegnet, indem er seine Grausamkeiten erträgt und sie bis zum Schluss rühmt.

Hogarth fand kein ähnliches Sujet wie dieses, aber alle seine Porträts, selbst die förmlichsten und formellsten, haben einen ausgeprägten Sinn für den Charakter; sie sind direkte und männliche Darstellungen, frei von Affektiertheit oder Verstellung. Die Gruppe der Porträts seiner eigenen Bediensteten ist die sympathischste. Wie bei dem Porträt von Simon Fraser fühlte sich Hogarth beim Malen dieser Porträts offenbar völlig frei von jeglicher Zurückhaltung, und es gibt in ihnen eine Intimität und Zärtlichkeit, die in seinem Werk recht selten ist, die aber manchmal sogar in Satiren durchscheint. Hier sind die verschiedenen Charaktere sehr fein differenziert, und man kann aus dem Bild sehr deutlich die Beziehungen zwischen Hogarth und seinen verschiedenen Bediensteten ablesen. Ein menschlicheres und aufschlussreicheres Bild gibt es nicht.

Hogarths andere Porträts sind nicht von so hohem Niveau, aber diese beiden setzen einen Standard, der von keinem Porträtisten konsequent erreicht werden kann. Das Porträt seiner Schwester (National Gallery) mit seinem schönen Kolorit, der scharfen Charakterisierung und der Lebendigkeit des Ausdrucks kann vielleicht mit ihnen mithalten, aber sein Standard war durchweg hoch, und es ist nicht leicht zu unterscheiden.

„ Das Krabbenmädchen“ (National Gallery) kann kaum als Porträt bezeichnet werden, und diese brillante Skizze hebt sich in Hogarths Werk sowohl von der Stimmung als auch von der Technik her deutlich ab. Sie ist völlig frei von Satire; man kann sie nicht einmal als Charakterstudie bezeichnen; sie ist einfach ein strahlender Ausdruck aufrichtiger Lebensfreude, einer Freude, die jeden schnellen und anmutigen Pinselstrich erfüllt und eine flüchtige Schönheit auf den Flügeln fixiert.

Hogarths Kunst hat nie einen höheren Punkt erreicht als dieses Bild. Technisch ist es ganz anders als seine anderen Werke: Der Pinselstrich ist so leicht und die Farbe so dünn und flüssig wie bei Gainsborough - eine Art Impressionismus, den das Thema selbst hervorrief. Dies ist ein weiterer Beweis für Hogarths reine Kunstfertigkeit, bei der die Technik untrennbar mit dem Thema verbunden ist, das sie inspiriert.

Hogarth hatte keine unmittelbaren Anhänger, und obwohl sein direkter Einfluss auf die englische Kunst gering war, war sein indirekter Einfluss unermesslich.

Hogarths Einfluss auf die englische Malerei

Karikaturisten wie Rowlandson, Gillray und Cruikshank sind ihm direkt zu verdanken, und die didaktische Tendenz vieler späterer englischer Gemälde kann auf ihn zurückgeführt werden, aber seine wahre Bedeutung lag darin, die englische Malerei mit dem Leben in Kontakt zu bringen und sie von veralteten Konventionen zu befreien.

Kenner seiner Zeit hielten ihn für einen eher vulgären Maler wie Reynolds, aber die Vitalität seines Werks konnte niemand leugnen. Wie ein starker Wind fegte er die muffige Atmosphäre der Dekadenz hinweg und hinterließ frische Luft, in der neue Kunst wachsen konnte. Er machte die Kunst populär, indem er das Leben, das die Menschen kannten, in einem Geist erzählte, den sie verstehen konnten, und durch seine Drucke brachte er seine Kunst jenen nahe, die wenig über Malerei wussten. Obwohl die spätere Entwicklung der Malerei im achtzehnten Jahrhundert nicht direkt auf Hogarth zurückzuführen ist, hat er sie ermöglicht, und er wird zu Recht als Begründer der modernen englischen Malerei angesehen.

Von Hogarths unmittelbaren Zeitgenossen zeigt keiner eine vergleichbare Vitalität wie er. Eine anständige technische Bildung und eine gelegentliche Faszination für die Farbe sind alles, was man ihnen zuschreiben kann. Joseph Highmore (1692-1780) und Thomas Hudson (1701-1779), der Meister von Reynolds, sind charakteristisch. Beide konnten sehr gut malen, was die eigentliche Handhabung von Pinsel und Pigment anbelangt, aber ihre Werke waren wenig lebendig. Highmore besaß zweifellos einen gewissen Charme und einen mäßigen Sinn für Charakter, wie sein Porträt „eines Gentleman in grau-braunem Samt“ (National Gallery) gut zeigt. Aber ein Vergleich seiner Illustrationen zu „Pamela“ mit den Werken Hogarths, die nebeneinander am Trafalgar Square hängen, zeigt, wie arm und dünn seine Inspiration war, trotz einer gewissen Anmut. Allan Ramsay (1713-1784), ein schottischer Porträtmaler, kann mit Highmore gleichgesetzt werden, mit dessen Werken seine Porträts eine gewisse Ähnlichkeit aufweisen.

Die jüngere Generation englischer Künstler wie Reynolds und Gainsborough sollten die Fackel weiterführen, die Hogarth entzündet hatte.

Hogarths Werke sind in den besten Kunstmuseen in Großbritannien zu sehen.