James Whistler: Amerikanischer impressionistischer Maler, ästhetische Bewegung Automatische übersetzen

HINWEIS: Für die Analyse von Werken amerikanischer Maler wie Whistler,
bitte sehen: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Biografie

Eine große Figur in Viktorianische Kunst Der kleine, egoistische und streitsüchtige Whistler war mit der ästhetischen Bewegung verbunden und glaubte, Kunst um der Kunst willen zu schaffen. Stark beeinflusst von Edouard Manet und Diego Velazquez Er bemühte sich, die Harmonie und Schönheit der Musik durch visuelle Mittel zum Ausdruck zu bringen und ist am besten für seinen impressionistischen Stil bekannt Landschaftsmalerei – gegebene musikalische Namen wie "Arrangements", "Harmonien" und "Nocturnes", wie " Nocturne in Blau und Silber" – Chelsea (1871, Tate Collection, London) und " Nocturne in Schwarz und Gold": Falling Rocket (1875, Detroit Institute of Künste). Whistler war auch ein talentierter Porträtist, sein berühmtestes Werk von Porträtkunst ist das Porträt der Mutter des Künstlers ) Bearbeitung in Grau und Schwarz Nr. 1) (1871). Außerdem war er einer der großen Meister von Radierung – selbst mit Rembrandt vergleichbar – und ein talentierter dekorativer Künstler. In Amerika geboren, in Russland ausgebildet, verbrachte er den größten Teil seines Erwachsenenlebens in Großbritannien.

Frühes Leben und künstlerische Ausbildung

Whistlers Vater George Washington Whistler wurde 1834 in Massachusetts geboren. Er war Ingenieur und seine Mutter Anna Matilda, eine strenge und fromme Hausfrau. 1843 zog die Familie nach St. Petersburg, wo George als Eisenbahner beschäftigt war. Der junge Whistler neigte zu launischen Zaubersprüchen und Wutanfällen, und seine Mutter bemerkte, dass das einzige, was das Kind beruhigen würde, war Zeichnung. Schon früh interessierte er sich für Kunst, so dass er sich 1845 im Alter von 11 Jahren an der Kaiserlichen Akademie der Schönen Künste in St. Petersburg einschrieb. Hier lernte er den bekannten schottischen Künstler Sir William Allan kennen, der Whistlers Mutter mitteilen sollte, dass Ihr "Ihr kleiner Junge ein ungewöhnliches Genie" hat.

Im Jahr 1847 zog Whistlers Mutter die Familie vorübergehend nach London, während ihr Ehemann in Russland blieb. Der junge Whistler studierte weiter Kunst und besuchte Ausstellungen und Vorträge über Malerei und Fotografie. Er las Kunstbücher und es wurde klar, dass er seine gewählte Karriere gefunden hatte. Im Alter von 15 Jahren schrieb er an seinen Vater, um ihm von seiner geplanten Karriere zu berichten, in der Hoffnung, dass er nichts dagegen haben würde. Sein Vater starb jedoch kurz darauf an Cholera. Die Familie kehrte in die Heimatstadt seiner Mutter in Connecticut zurück. Das Geld war knapp und die Zeiten schwierig.

Kurz darauf wurde Whistler an die West Point Academy geschickt, wo sein Vater einmal Zeichenunterricht gegeben hatte und andere Verwandte daran teilgenommen hatten. Aus diesem Grund wurde Whistler trotz seines schlechten Sehvermögens und seiner nicht besonders robusten Gesundheit aufgenommen. Er blieb drei Jahre, bestand aber seine Abschlussprüfungen nicht. Anscheinend interessierte er sich mehr für das Zeichnen Karikatur als die Kunst der Kriegsführung zu studieren. Er lernte jedoch das Zeichnen von Karten, was zu seiner ersten Aufgabe führte: die gesamte US-Küste für militärische Zwecke zu zeichnen. Nachdem sich herausstellte, dass er lieber Meerjungfrauen als Seeküsten zeichnete, wurde er in die Druckgrafik Abteilung. Er hielt sich nur einige Monate in dieser Position auf, aber es erwies sich als wertvolle Ausbildung im Ätzen.

Paris

Whistler zog 1855 nach Paris, mietete ein Atelier im Quartier Latin und lernte den böhmischen Lebensstil eines Künstlers kennen. Er studierte an der Ecole Imperiale und im Atelier von Charles Gabriel. Gabriel war ein großer Verfechter von Ingres – der Doyen von akademische Kunst – und sollte die Wichtigkeit der Überleitung beeindrucken Farbe und dieses Schwarz war die Grundfarbe der tonalen Harmonie. Impressionistische Maler würde diese Theorie weniger als 20 Jahre später auf den Kopf stellen, als sie die Verwendung von Braun und Schwarz als unnatürlich auf einer Palette ablehnten. In der Zwischenzeit verbrachte Whistler viel Zeit damit, alte Meisterwerke im. Zu kopieren Louvre und sie dann an Touristen zu verkaufen, um Geld zu verdienen. Die Feinheiten von Velazquez ’Gemälden im Louvre und die abgeflachten Formen des Japanischen Ukiyo-e Farbholzschnitte – Teil von dem Japonismus Wahnsinn – sollten wichtige Einflüsse auf seinen Entwicklungsstil werden.

Frühe Gemälde im impressionistischen Stil

Whistlers erstes ausgestelltes Gemälde war La Mere Gerard (1858), das einiges Lob erhielt. Er zog 1859 nach London und malte im selben Jahr sein nächstes Werk At the Piano. Es war ein Gemälde seiner Nichte und ihrer Mutter und zeigte deutlich ein vielversprechendes Talent. Das Gemälde ist unsentimental und kontrastiert Mutter und Tochter recht wirkungsvoll mit Schwarz und Weiß. Es wurde am angezeigt königliche Akademie das folgende Jahr. Ein Jahr später fertigte er eine Reihe von Radierungen der Themse an, die Spuren früherer Zeiten aufwiesen Impressionismus und stellte seine Technik der tonalen Harmonie vor, wobei er seine Palette auf bestimmte Farben beschränkte. (Siehe auch: Impressionismus: Frühgeschichte.)

Nach einer kurzen Rückkehr nach Paris produzierte Whistler eines seiner ersten berühmten Werke – Symphony in White, Nr. 1: The White Girl (1862), jetzt in der National Gallery of Art, Washington DC. Das Porträt ist von seiner Geliebten und Managerin Joanna Hiffernan. Kritiker sahen das Mädchen in einem weißen Kleid und hielten eine verblassende Blume als Elegie für verlorene Unschuld. Whistler behauptet, es sei einfach eine Studie in Weiß gewesen. Einige betrachteten es sogar als eine Studie in der Präraffaeliten Weise. Die Arbeit wurde vom Beamten abgelehnt Salon aber akzeptiert von der Salon des Refuses im Jahr 1863. (Siehe auch: Beste impressionistische Gemälde.)

Hinweis: Um zu vergleichen, wie Monet Licht und Farbe einfängt, siehe: Merkmale der impressionistischen Malerei 1870-1910.)

Nocturnes

1866 besuchte Whistler Chile, eine zu dieser Zeit ungewöhnliche Reise, die der Künstler aus politischen Gründen angab. Was auch immer der Grund war, als Ergebnis seiner Reise kehrte er mit mehreren Gemälden zurück, die er Mondlichter nannte, aber später in Nocturnes umbenannte. Die Arbeiten waren zarte Nachtszenen eines in Blau und Hellgrün getauchten Hafens. In den nächsten zehn Jahren malte er noch viele weitere Nocturnes, darunter Nocturne: Blau und Gold – Old Battersea Bridge (ca. 1872–1872) und Falling Rocket: Nocturne in Schwarz und Gold (1875). Diese Nocturnes – die meisten von ihnen Meisterwerke der Tonalität – sind Whistlers größter Beitrag dazu moderne Kunst.

Für einen anderen modernen Maler, der eine Verbindung zwischen Musik und Malerei sah, sehen Sie den abstrakten Künstler Frank Kupka (1871-1957) aus der Tschechischen Republik, der zur gleichen Zeit wie Whistler in Paris war.

Sein wechselnder Stil verwirrte seine Zeitgenossen. Bei der Enthüllung seiner Falling Rocket Nocturne – ein Gemälde, bei dem sich das Thema fast vollständig in ein komplexes Zusammenspiel von Farbe und Form auflöst – wurde es von der englischen Kritik stark kritisiert John Ruskin (1819-1900), der den Künstler beschuldigte, "einen Topf Farbe ins Gesicht der Öffentlichkeit zu schleudern". Whistler klagte wegen Verleumdung und der daraus resultierende Gerichtsfall ist ziemlich berühmt geworden. Whistlers Witz und seine Reaktionen sind in die Geschichte eingegangen. Auf die Frage, wie lange es gedauert habe, das Gemälde "abzuschlagen", antwortete er "zwei Tage". Dann wurde er gefragt, ob er für 2 Tage 200 Guineen berechnete. Er antwortete: ’Nein. Ich bitte es um das Wissen eines Lebens ’. Whistler gewann den Fall, aber die Rechtskosten ließen ihn bankrott.

Porträts

Whistler war kein so erfolgreicher Porträtist wie sein zeitgenössischer amerikanischer Künstler. John Singer Sargent. Der Hauptgrund dafür war, dass er sich weigerte, seinem Sitter zu schmeicheln. Sein berühmtestes Porträt ist das seiner Mutter, das 1862 gemalt wurde. Einem damaligen Brief zufolge ist ein berühmter Darsteller nicht erschienen, weshalb er sich an seine Mutter wandte und ihm anbot, stattdessen ihr Porträt zu machen. Am Anfang stand sie, aber das wurde zu anstrengend, also setzte sie sich stattdessen. Die resultierende Pose, Seitenansicht, Hände sauber auf Nickerchen ist heute ein Symbol der amerikanischen Kunst und eines der auffälligsten Porträts des 19. Jahrhunderts. Die begrenzte Verwendung von Farben verleiht dem Gemälde eine Harmonie und ruhige Würde. Das Gemälde hat von Anfang an gemischte Reaktionen von Lächerlichkeit zu Ehrfurcht hervorgerufen. Nach und nach wurde es als universelle Ikone der Mutterschaft anerkannt und 1934 gaben die USA eine Briefmarke mit einer Reproduktion des Werks heraus. Whistlers andere größte Porträtmalereien Dazu gehören Thomas Carlyle, Historiker (1873), Cicely Alexander, Tochter eines Londoner Bankiers (1873), Lady Meux, Socialite (1882) und FR und Elinor Leyland. Die Leylands beauftragten den Künstler später mit der Produktion eines mittlerweile berühmten Wandmalerei in ihrem Haus, dem Pfauenzimmer. Sein vollendetes Werk sah viel von den 1890er Jahren voraus Jugendstil Entwürfe und wurde von sehr bewundert Aubrey Beardsley.

Rückkehr nach Paris

Im Jahr 1892 zog Whistler mit seiner neuen Frau Trixie Godwin (einer ehemaligen Schülerin) nach Paris, nachdem er in London einen lauen Empfang für eine Einzelausstellung mit größtenteils nächtlichen Personen hatte. Er ließ sich in einem großen Studio nieder und freundete sich mit anderen bekannten an moderne Künstler einschließlich Monet und Toulouse-Lautrec und Bildhauer wie Auguste Rodin. In den letzten sieben Jahren seines Lebens wurde Whistlers Stil immer minimalistischer. Er ist verstorben im Jahre 1903.

Ansehen und Vermächtnis

Nach seinem Tod fanden Whistlers sensible Gemälde ein wertschätzenderes Publikum. Er war ein Pionier der Vereinfachung, räumte viktorianische Unordnung aus dem Weg und erklärte die Verwendung einfacher, einfarbiger Farben. Er hinterließ über 500 Gemälde sowie unzählige Aquarelle Radierungen Pastellzeichnungen, und Lithographien. Zu seinen Lebzeiten beeinflusste er eine Künstlergeneration in der Realismus und Symbolismus Schulen, darunter der norwegische Landschaftskünstler PS Kroyer (1851-1909) und der dänische Innenmaler Vilhelm Hammershoi (1864-1916). Er hatte auch einen großen Einfluss auf die Glasgow School of Painting und Charles Rennie Mackintosh.

In gewisser Weise ist Whistler diskret und subtil Ölgemälde war der völlige Gegensatz zu seiner flüchtigen, protzigen Persönlichkeit. Nur dass es eine radikale Doktrin gab: Kunst sollte für sich existieren, anstatt eine moralische oder soziale Idee zu verbreiten. "Kunst sollte unabhängig von jeglicher Klatschfalle sein – sollte für sich allein stehen und den künstlerischen Sinn für Auge oder Ohr ansprechen." Er bleibt einer der besten Maler der Neuzeit und eine bedeutende Figur im Ausland Amerikanische Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Größte Gemälde

Gemälde von James Abbott McNeill Whistler sind in vielen der beste Kunstmuseen in der ganzen Welt. Darunter sind folgende Schlüsselwerke:

Symphonie in Weiß, Nr. 1: The White Girl (1862) National Gallery, Washington DC.
Symphonie in Weiß, Nr. 2: Das kleine weiße Mädchen (1864) Tate Collection, London.
Crepuscule in Fleischfarbe und Grün: Valparaiso (1866), Tate Gallery, London.
Harmonie in Fleischfarbe und Rot (1869), Museum of Fine Arts, Boston.
Porträt der Mutter des Künstlers (1871) Musee d’Orsay, Paris.
Nocturne in Blau und Silber – Chelsea (1871) Tate Collection, London.
Nocturne: Blau und Gold – Alte Battersea-Brücke (1874) Tate Collection, London.
Harmonie in Grau und Grün: Miss Cicely Alexander (1874) Tate Collection, London.
Nocturne in Schwarz und Gold: Die fallende Rakete: (1875) Detroit Institute of Arts.
Harmonie in Blau und Gold: The Peacock Room (1877) Freer Gallery, Washington DC.
Harmonie in Grün und Rose: The Music Room (1877), Freer Gallery, Washington DC.
Harmonie in Pink und Grau: Porträt von Lady Meux (1882) Frick Collection, New York.