Victor Vasarely:
Op-Art-Maler, kinetischer Künstler Automatische übersetzen

Biografie

Der in Ungarn geborene französische abstrakte Maler, Bildhauer und Grafiker Victor Vasarely war der führende Pionier der Op-Art-Bewegung. Nach dem Studium an der Poldini-Volkman-Akademie für Malerei und an der Muhely-Schule in Budapest und der Ansiedlung in Paris 1930. In den ersten 10 Jahren seiner künstlerischen Laufbahn arbeitete er als Werbekünstler mit Schwerpunkt auf Plakatkunst und optische Täuschung. 1943 wandte er sich an Malerei und hatte seine erste Einzelausstellung im Jahr 1944. In den späten 1940er Jahren entwickelte er die harte, geometrische Form von abstrakte Kunst, für die er berühmt ist. Seine Bilder sind so gestaltet, dass sie sehr starke optische Effekte und Illusionen erzeugen, die manchmal durch Bewegen des Gemäldes aktiviert werden können. Vasarely experimentierte auch mit kinetischer Kunst und Tapisserie. Beeinflusst von zahlreichen Künstlern wie dem Ungar Sandor Bortnyik (1893-1976), dem Russen Wassily Kandinsky (1866 – 1944) und des französischen Malers Auguste Herbin (1921 – 60) war Vasarelys Werk innovativ, aber begrenzt, und in gewisser Hinsicht von seinem jüngeren Zeitgenossen ausgezeichnet Bridget Riley (geb. 1931). Trotzdem bleibt er einer der Top moderne Künstler der ungarischen Schule.

Frühes Leben in Budapest

Vasarely wurde 1906 in Pecs, Ungarn, geboren. Er wurde 1925 in die Poldini-Volkman-Akademie für Malerei aufgenommen, an der traditionelle Kunst gelehrt wurde akademische Kunst. Zuvor hatte er einige Jahre Medizin studiert und festgestellt, dass er sich zeitlebens immer für die Naturwissenschaften interessierte. Tatsächlich wandte er wissenschaftliche Methodik und Objektivität auf sein Zeichnen und Malen an. Als Student verbrachte er einen Großteil seiner Zeit in den Kaffeehäusern an der Donau und diskutierte Avantgarde-Kunst. Hier erfuhr er zum ersten Mal von der Muhely-Akademie, die als das Bauhaus von Budapest galt. Er meldete sich 1929 an der Schule an, zu diesem Zeitpunkt wurde sie von Sandor Bortnyik (1893-1976, auch bekannt als Alexander Bortnyik), einem lokalen Druckgrafiker, Maler und Plakatgestalter, geleitet. Bortnyik war ein führendes Mitglied der ungarischen Avantgarde und interessierte sich für die abstrakte Verwendung von Farbe für Symbolik und Form. Er experimentierte auch mit Konstruktivismus und geometrische Abstraktion. An der Akademie wurde Vasarely in die Farboptik von eingeführt Josef Albers (1888-1976) und Johannes Itten (1888-1967) sowie russische Künstler Kasimir Malevich und Kandinsky. Der Muhely wurde nach ähnlichen Grundsätzen wie der Bauhaus-Designschule in Deutschland, und Vasarely wurde als herausragender Schüler ausgezeichnet. In seinem Ölgemälde ab 1929 gibt es mehrere durchdachte farbstudien mit geometrischen kubischen formen. 1930 verließ Vasarely nach seiner ersten Einzelausstellung in der Kovacs Akos Galerie in Budapest die Stadt und zog nach Paris – damals noch das unbestrittene Zentrum der Weltkunst.

Paris: Grafikdesign

Während des nächsten Jahrzehnts arbeitete Vasarely als Werbekünstler und spezialisierte sich auf Grafik-Design und Typografie. (Siehe auch: Geschichte der Plakatkunst.) Nachts arbeitete er an seinen eigenen Gemälden in der Hoffnung, eines Tages seinen Lebensunterhalt als Künstler zu verdienen. Sein Interesse an grafischer und typografischer Gestaltung resultierte möglicherweise aus dem Fach, das er bei Muhely studierte und das sich mehr auf Grafik als auf Druck konzentrierte Kunst. In jedem Fall wurde die Verwendung von linearem Design und Raum zur Erzeugung optischer Effekte zu einer seiner lebenslangen Faszinationen. Er arbeitete mit 3-D-Effekten und überlagerte gemusterte Cellophanschichten, um die Illusion von Tiefe zu erzeugen. Obwohl die meisten seiner Arbeiten in den 1930er Jahren hauptsächlich figurativ waren, enthielten sie die Keime der kinetischen Kunst, die in seinen späteren Werken auftauchen sollten. Ein gutes Beispiel für sein Gemälde aus dieser Zeit ist Chess Board (1935). Andere wichtige Werke sind Harlequin, wo er ein Gitter verzerrt, um der aufstrebenden Tierfigur Leben einzuhauchen. Er schuf auch Tiger und Zebras, um zu demonstrieren, dass gewöhnliche Linien dramatische, dynamische Effekte erzeugen können.

Abstraktes Gemälde

1944 veranstaltete Vasarely seine erste bedeutende Einzelausstellung in der Denise Rene Gallery in Paris. Er zeigte hauptsächlich Grafiken und Zeichnungen, und die Show war so erfolgreich, dass er überzeugt war, Vollzeitkünstler zu werden. Zur gleichen Zeit kam er in Kontakt mit den Werken von Piet Mondrian (1872 – 1944), ein wichtiger Beitrag zur De Stijl Kunst & Design Bewegung und Gründer von Neo-Plastizismus. Vasarely war auch beeindruckt von Auguste Herbin (Mitbegründer des Salon des Surindependants und der Künstlervereinigung Abstraction-Creation), dessen radikale geometrische Phase den Status der Staffelei-Malerei in Frage stellte. Herbins Werk war von selbst seinen günstigen Kritikern mit einem solchen Unverständnis aufgenommen worden, dass er 1922 kurzzeitig zu einem gegenständlichen Stil zurückkehrte. Bis 1945 war Vasarely voll und ganz der Abstraktion verpflichtet. In den Jahren 1945 und 1946 stellte er mit dem Salon de Surindependants und 1948 in der Denise Rene Gallery aus. Er wurde allmählich als Maler akzeptiert, aber trotz seiner Experimente mit mehreren moderne Kunstbewegungen Wie der Kubismus, der Futurismus, der Symbolismus, der Surrealismus und der Expressionismus musste er seinen eigenen Stil erst noch entdecken.

Optische Kunst

Zwischen 1947 und 1951 erreichte Vasarely schließlich seine Suche und fand den Stil der geometrischen Abstraktion, für den er am besten bekannt ist. Er begann vorwiegend in Schwarz und Weiß zu malen, in einer Redewendung, die wir heute Op Art (Optische Kunst) nennen. In seinen ersten derartigen Gemälden treffen die Augen des Betrachters auf widersprüchliche Daten von Diagonalen, Kreisen und Quadraten. Die Bilder scheinen sich auszudehnen, zusammenzuziehen, sich zu erweitern und zu vibrieren. Dies führte zu Experimenten mit Kinetische Kunst – eine Kunstform, deren Wirkung auf Bewegung beruht. Ein Beispiel ist sein Ondho (1956, Museum of Modern Art, New York). In der Skulptur beinhaltet die kinetische Kunst Bewegung in erster Linie durch Motoren, Elektrizität, Dampf oder Uhrwerk, wie dies in Werken von zu sehen ist Naum Gabo (1890-1977), Marcel Duchamp (1887-1968) und Jean Tinguely (1925 & ndash; 91). Andere Künstler, die mit kinetischer Op-Art experimentierten, waren Bridget Riley (* 1931), Nadir Afonso (* 1920) und Getulio Alviani (* 1939). 1955 gab die Denise Rene Gallery eine wegweisende Ausstellung über kinetische Kunst mit dem Titel Le Movement, an der Vasarely teilnahm. Im selben Jahr veröffentlichte Vasarely sein Gelbes Manifest über Kinetik, für das er auf der Mailänder Triennale die Goldmedaille erhielt.

Op-Art-Gemälde

Zwischen 1960 und 1965 schuf Vasarely eine Gemäldeserie namens Plastic Alphabet. Diese Art von nicht-objektive Kunst basierte auf einem Rastersystem und war die Wiedereinführung von Farbe in seine Arbeit. Jede Arbeit basierte auf 15 Wurzelformen, abgeleitet aus Quadrat, Kreis und Dreieck. Diese Formen wurden dann unter Verwendung von Farbskalen entwickelt. Jede Einheit innerhalb des Gitters hat einen Vordergrund und einen Hintergrund. Im Jahr 1965 fand eine große Ausstellung mit dem Titel The Responsive Eye im Museum of Modern Art, New York, darunter Werke von Frank Stella (geb. 1936), Ellsworth Kelly (* 1923), Alexander Liberman (1912-1999), Richard Anuszkiewicz (* 1930), Bridget Riley und Vasarely. Die Ausstellung konzentrierte sich auf die Illusion von Bewegung und das Zusammenspiel von Farben. Das Publikum hat es geliebt, aber die Kritiker haben die Op Art einfach als nichts anderes abgetan als trompe l’oeil . Infolge der Ausstellung wurde Vasarely sofort als "Vater der Op-Art" bezeichnet. Die Bewegung gelangte durch Werbung, Druck, Materialien, Mode und Möbeldesign in die Geschäftswelt. 1969 produzierte er seine beliebte Vega- Serie mit sphärischen und polychromatischen Gittern. Die Oberfläche scheint verzogen zu sein, als ob etwas versucht, sich von der Leinwand zu lösen oder auszubrechen. Weitere wichtige Serien waren seine Gemälde Vonal und Gestalt.

Auszeichnungen und Sammlungen

Anerkannt als eines der interessantesten Maler des 20. Jahrhunderts Vasarely erhielt eine Reihe wichtiger Auszeichnungen und Aufträge, darunter den Guggenheim-Preis (1964) und den französischen Chevalier (1970). Er arbeitete auch an Entwürfen für Außenräume und schuf das offizielle spiralförmige Logo der 20. Olympischen Spiele, das 1972 in München stattfand. Er starb 1997. Werke von Vicor Vasarely hängen in einigen Ländern der Welt beste Kunstmuseen, einschließlich des Museum of Modern Art, New York; The Tate, London; das Museo de Belles Artes, Bilbao; und das Musee d’Art Moderne im Centre Pompidou, Paris.

Erbe

Seine Bedeutung als Künstler resultiert aus seinem bahnbrechenden Experimentieren mit den optischen Effekten des geometrischen Stils konkrete Kunst, die den Weg für Bewegungen wie Op-Art, Kinetic Art und andere damit verbundene Stile ebneten zeitgenössische Kunst sowie Minimalismus. Mit Blick auf die Zukunft dürfte Vasarelys Arbeit von weiterentwickelt werden Computerkunst und andere Formen der digitalen Bilderzeugung.