Richard Estes:
Amerikanischer Fotorealist Automatische übersetzen

Biografie

Der amerikanische Maler und Grafiker Richard Estes ist einer der bekanntesten Vertreter von Fotorealismus (Superrealismus oder Hyperrealismus). In vielerlei Hinsicht eine Entwicklung von Pop-Art In seinen akribischen Gemälden (alle auf Fotografien basierend) werden Orte der amerikanischen Populärkultur wie Ladenfronten, Restaurants, Innenräume, Parkplätze und Straßenansichten gewürdigt. Zu den für ihre fast unsichtbare Pinselführung bekannten Gemälden von Richard Estes zählen Food Shop (1967, Wallraf-Richartz-Museum, Köln), Telefonzellen (1968), Gordon’s Gin (1968), Diner (1971, Hirshhorn Museum, Washington DC) und Grossinger’s Bakery (1972, Visual Arts Library), Paris Street Scene (1973), Double Self-Portrait (1976, Museum für moderne Kunst New York) und Solomon Guggenheim Museum (1979, Guggenheim). Andere Künstler, die zur Popularisierung der photorealistischen Bewegung in Amerika beigetragen haben, sind: Maler Chuck Close (geb. 1940) und Bildhauer Duane Hanson (1925-96), John De Andrea (geb. 1941) und Carole Feuerman (geb. 1945).

Frühe Karriere

Estes wurde 1932 in Kewanee Illinois geboren und zog mit seiner Familie in jungen Jahren nach Chicago. Als Student hat er studiert Kunst am Institut von Chicago, mit dem Schwerpunkt auf traditionellen akademische Kunst und figur zeichnung. Das Institut hatte eine umfangreiche Sammlung von Realistische Malerei in seiner Sammlung, darunter Werke von Edward Hopper (1882-1967), Thomas Eakins (1844-1916) und der Franzose Edgar Degas (1834-1917), die alle Estes ’künstlerische Richtung beeinflussten. Nach seinem Abschluss im Jahr 1956 zog Estes nach New York und begann als freiberuflicher Illustrator und Grafiker für verschiedene Zeitschriftenverlage und Werbeagenturen zu arbeiten. Er setzte seinen Kunsttraum fort, indem er nachts malte, was schließlich zu einer Vollzeitkarriere führte.

Frühe Gemälde

In den frühen 1960er Jahren konzentrierte sich Estes auf das Malen von New Yorker Straßenszenen, die in erster Linie figürlicher Natur waren. Um 1967 änderten seine Gemälde die Richtung, als er anfing, Ladenfronten, Autos, Glasfenster und verzerrte Spiegelungen in Fenstern zu malen. Estes stützte sein Malerei auf seinen eigenen farbfotos und bei der erstinspektion lässt der mangel an sichtbaren pinseln seine leinwände genauso aussehen wie auf fotos. Bei näherer Betrachtung wird der Betrachter jedoch feststellen, dass die Bilder subtil verzerrt sind und die Perspektiven in Wirklichkeit nicht existieren könnten. 1968 erhielt Estes seine erste Einzelausstellung in der Allan Stone Gallery, New York.

In den 1970er Jahren begann er, mit seiner Kamera Panoramabilder aufzunehmen, die er auf Leinwand neu erstellte und manchmal dieselben Straßen aus mehreren Blickwinkeln gleichzeitig zeigte. Sein 1976er Double Self-Portrait (Museum of Modern Art, New York) ist ein typisches Beispiel für seinen Witz. Es zeigt den Künstler, eine Straße mit geparkten Autos und die Außenseiten der Straßengebäude, die sich alle im Fenster eines Restaurants spiegeln. Estes malte anfangs in Acrylfarben, nahm aber nach und nach Öle in seine Arbeiten auf. Sein Gemälde des Solomon-Guggenheim-Museums (1979, Guggenheim) wurde zunächst mit gemalt Acryl- und dann in Öl übermalt. Das Gemälde zeigt das ikonische Museumsgebäude an einem menschenleeren Nachmittag. Die Straße ist frei von Menschen und Müll (Estes vermied es, Müll zu malen und fand ihn unangenehm). Obwohl er die Arbeit von Edward Hopper bewunderte, war Estes nicht besonders daran interessiert, menschliche Stimmungen wiederzugeben, und vermied daher Nachtszenen.


Stadtstraßen

Obwohl Estes hauptsächlich an Manhattan interessiert ist, malte er auch einige Szenen aus Chicago, Venedig und Paris. Immer bei Tageslicht und immer abfallfrei. Seine Straßen sind leer, was auf faulen Sonntagnachmittag hindeutet. Er wollte nichts von seinem Stadtbild ablenken. Andererseits zeichnete er sehr detailliert Aufkleber, Schaufenster und Signale auf, die die für die Kunst des Realismus wesentlichen Details widerspiegelten. Obwohl viele Fotorealisten Projektoren verwenden, um das Bild auf Leinwand zu projizieren und dann um das Bild herum zu zeichnen, zog Estes es vor, dies freihändig zu tun. Er war ein Bewunderer des Fotografen des 20. Jahrhunderts Eugene Atget deren Fotografien dokumentierten die Architektur und Straßenszenen von Paris; sowie traditionelle venezianische vedute Maler mögen Canaletto, Carlevaris und Bernardo Bellotto.

Fotorealismus

Fotorealismus ist ein zeitgenössischer Stil oder ein Genre von Amerikanische Kunst das basiert auf der verwendung von fotos. Der Stil gilt vor allem für Gemälde und Maler in den USA in den 1960er und frühen 1970er Jahren. Zu den wichtigsten Praktizierenden gehören moderne Künstler Wie Estes, Chuck Close, Howard Kanovitz, Audrey Flack, Ralph Goings, Tom Blackwell, Robert Bechtle, Don Eddy, Robert Cottingham, David Parrish und Charles Bell. Obwohl sie unabhängig voneinander arbeiteten, beschäftigten sie sich individuell mit den gleichen Malerei-Genres – Porträts, Landschaften, Stadtansichten und Stillleben.

Fotorealismus (auch bekannt als Superrealismus) ist eine extreme Form von Realismus und völlig gegenständlich, war das Gegenteil von abstraktem Expressionismus und Minimalismus, den dominierenden Bewegungen der Epoche, und entwickelte sich tatsächlich aus der Pop-Art. Die Idee, dass die Fotografie als Grundlage für ein Kunstwerk dienen könnte, löste in der frühen Phase des Fotorealismus jedoch eine enorme Debatte und Kritik aus, obwohl visuelle Geräte (einschließlich der Camera Obscura) seit der Renaissance in der Kunst eingesetzt wurden. (Sehen Kunstfotografie-Glossar.) Seit den steinzeitlichen Höhlenmalereien hat der Mensch versucht, das, was er sieht, nachzubilden: Die Kamera macht diesen Vorgang nur einfacher.

Manchmal verbunden mit Trompe L’Oeil Der Fotorealismus ist in der Tat ganz anders. Wenn Trompe L’Oeil versucht, den Betrachter zu täuschen, dass er ein reales Objekt sieht, wird dem Betrachter bewusst, dass es sich um einen Fotorealisten handelt Ölgemälde ist nicht real, aber dennoch sehr lebensecht. Der Fotorealismus hat eine gewisse Verbindung zum 17. Jahrhundert Niederländische realistische Genremalerei – wie in Jan Vermeers Straßenszenen, mit ihren akribischen Details und Hochglanz-Finish sind sehr realistisch. Andere Einflüsse sind Exponenten der amerikanischen Präzisionismus der 1930er Jahre, wie Charles Sheeler (1883-1965) und Charles Demuth (1883-1935). Obwohl der Fotorealismus in erster Linie eine Malerbewegung ist, wurde er auch mit den Bildhauern John De Andrea und Duane Hanson in Verbindung gebracht, die ultra-lebensechte Skulpturen von Menschen schufen. Sie waren auch als Veristen bekannt.

Sammlungen

Estes malt und lebt weiterhin in den USA. Er hat auf der ausgestellt Metropolitan Museum of Art, das Solomon R Guggenheim Museum und das Whitney Museum of American Art. 1971 erhielt er ein Stipendium des Nationalen Rates für die Künste. Er hat auch Holzschnitte und Stiche hergestellt. Seine Bilder sind in vielen der vertreten beste Kunstmuseen in Amerika, einschließlich:

Kunstinstitut von Chicago
Currier Gallery of Art, New Hampshire
Kunstmuseen von San Francisco
Hirshhorn Museum und Skulpturengarten, Washington
Kunstmuseen der Harvard University, Massachusetts
Indianapolis Kunstmuseum, Indiana
Kemper Museum für zeitgenössische Kunst, Kansas City, Missouri
Nassau County Kunstmuseum, Roslyn Harbour, New York
Nationales Akademiemuseum und Schule der Schönen Künste, New York
Orlando Kunstmuseum, Florida
Smithsonian American Art Museum, Washington, DC
Kunstmuseum der Universität von Maine
USC Fisher Kunstmuseum, Los Angeles