Jean-Francois Millet:
Französischer Genremaler, Gründer der Barbizon School Automatische übersetzen

Einführung

Eine wichtige Figur in Französische Malerei Mitte des 19. Jahrhunderts war der Künstler Jean-François Millet Gründungsmitglied der Barbizon Landschaftsschule in Frankreich und ist am bekanntesten für seine Genre-Malerei und Landschaftsmalerei – hauptsächlich mit dem bäuerlichen Leben der französischen Bauern. Sein Stil kann als beides eingestuft werden Naturalismus und religiös Realismus. Zu seinen bemerkenswertesten Gemälden zählen The Angelus (1858, Musee d’Orsay), The Gleaners (1857, Musee d’Orsay), The Sower (1850, Museum of Fine Arts, Boston) und The Arresting Man with a Hoe (1860). J Paul Getty Museum, LA). Viele von Millets Gemälden sind online als Drucke in Form von erhältlich Plakatkunst. HINWEIS: Eine Erklärung, wie der Realismus zum Impressionismus und letztendlich zur Abstraktion führte, finden Sie unter: Realismus zum Impressionismus (1830-1900).

Jugend und Ausbildung

Seine Eltern wurden 1819 in Greville-Hague in der Normandie geboren und waren Bauern. Er wurde unter den örtlichen Priestern erzogen, zeigte aber ein solches Talent für Zeichnung 1833 wurde er nach Cherbourg geschickt, um bei dem Porträtmaler Paul Dumouchel zu studieren. 1835 studierte er Vollzeit bei Lucien-Theophile Langlois. 1837 erhielt er ein Stipendium für einen Umzug nach Paris, wo er an der Ecole des Beaux-Arts bei dem französischen akademischen Maler Paul Delaroche studierte. Seine frühen Arbeiten zeigten starke Einflüsse von Nicolas Poussin und bestand hauptsächlich aus Porträts und mythologischen Themen.

Barbizon Schule für Landschaftsmalerei

In den späten 1840er Jahren änderte sich jedoch sein Thema und ähnelte Gustave Courbet – bekannt für Das Atelier des Künstlers (1855) und Eine Beerdigung in Ornans (1850) – und Honore Daumier Er fing an, Bauern zu malen, die ihren normalen Alltag verrichten. Der Winnower (jetzt verloren) wurde im ausgestellt Pariser Salon 1848 und war eine der ersten ländlichen Szenen, die er aufgrund seiner Kindheitserinnerungen malte. 1849 brach in Paris eine Choleraepidemie aus, und auf Anraten des Kupferstechers Charles-Emile Jacque zog er nach Barbizon in der Nähe des Waldes von Fontainebleau, wo er den Rest seines Lebens verbringen sollte. Es war hier, dass sein Malerei hatte einen großen Einfluss auf die Barbizon School. Die Schule bewegte sich in Richtung Outdoor-Realismus oder Naturalismus, entschied sich dafür, direkt aus der Natur zu malen – eine Methode, die als Freiluftmalerei bekannt ist – und gab die Formalität der klassischen Malerei auf.

Freilichtmalerei

Andere führende Mitglieder davon Freilichtmalerei Bewegung umfasste Mitglieder der Schule von Englische Landschaftsmalerei, sowie John Constable (1776-1837) und Richard Parkes Bonington (1802-28) sowie französische Maler mögen Theodore Rousseau (1812-67) Camille Corot (1796-1875), Narcisse Diaz de la Pena (1808-1876), Charles-François Daubigny (1817 – 1878), Jules Dupre (1811 – 1889), Joseph Harpignies (1819 – 1916), Constant Troyon (1810 – 1865), Charles-Emile Jacque (1813 – 1894), Antoine-Louis Barye (1796 – 1875), Albert Charpin, Felix Ziem und Alexandre De Faux.

Der Angelus

Im Jahr 1858 malte Millet seinen berühmten realistische Malerei Bekannt als The Angelus, in dem ein hart arbeitendes Bauernpaar eine Pause von der Arbeit auf den Feldern einlegt, um zu beten. Das Gemälde ist schlicht im Stil und zeigt die Figuren in völliger Harmonie mit ihrer Umgebung. Die Arbeit, zusammen mit seinen anderen bäuerlichen Szenen, festigt Millets Ruf als einer der beste Genremaler des 19. Jahrhunderts. Der Angelus wurde nach seinem Tod viel kopiert und der Surrealist Salvador Dali war so fasziniert, dass er einen Aufsatz mit dem Titel Der tragische Mythos des Angelus von Millet schrieb. Er war überzeugt, dass die beiden Figuren über ihr begrabenes Kind beteten, anstatt zum Angelus zu beten. Tatsächlich war er so beharrlich, dass ein Röntgenbild der Leinwand aufgenommen wurde, das tatsächlich eine übermalte Form aufwies, die auffallend aussah wie ein Sarg. Es ist jedoch unklar, ob Millet seine Meinung über die Bedeutung des Gemäldes geändert hat oder ob die Form tatsächlich ein Sarg ist.

Andere Gemälde

Andere berühmte Landschaftsbilder Von Millet stammen Harvesters Resting (1850), The Walk to Work (1851), Woman Baking Bread (1854, Kroller-Muller Museum), The Gleaners (1857, Musee d’Orsay) und The Man with a Hoe (1860, Getty Center), Los Angeles) und The Potato Planters (1861, Museum of Fine Arts, Boston). Anfang 1860 beauftragte ihn ein Mäzen, im Gegenzug für ein dreijähriges Stipendium 25 Werke zu malen, und ein anderer Mäzen beauftragte ihn Pastell- Werke für eine Sammlung, die auf über 90 wachsen würde. Die Gleaners, The Angelus und The Potato Planters wurden auf der Exposition Universelle ausgestellt, auf der eine große Sammlung seiner Werke stattfand. 1868 wurde er zum Chevalier de la Légion d’Honneur ernannt

Malstil

Später im Leben hellte sich seine Palette etwas auf, und als sich seine Pinselstriche lockerten, drehte er sich in Richtung Impressionismus. Aber im Gegensatz zu den Impressionisten malte er nie im Freien und achtete nie zu sehr auf Tonwerte. Es war seine Zeichnerei und die Aufmerksamkeit, die er den einfachen Leuten in seinen Werken schenkte, die Künstler wie er ansprach Van Gogh (der Millets Werk mehrmals in Briefen an seinen Bruder erwähnte) und Georges Seurat.

Erbe

Obwohl ihm vorgeworfen wurde, ein Sozialist zu sein, hatten seine Bilder einen fast religiösen Glanz, der sie zu dieser Zeit akzeptabler und rentabler machte. Trotzdem hatte er einen großen Einfluss auf andere jüngere Künstler, darunter Eugene Boudin (1824-98), Claude Monet (1840-1926) und Pablo Picasso (1881-1973). 1875 heiratete er seine Partnerin Catherine und starb 17 Tage später.

Für einen detaillierteren Kommentar zu Millets Leben und Gemälden siehe unten:

Das Leben und die Kunst von Jean Francois Millet

Einige Menschen werden durch die Erfahrung des Elends zu Höhen religiöser und ästhetischer Erhebung erhoben. Sie ernähren sich von Trauer und verwandeln sie dennoch in echte Schönheit. Ein solcher Mann war Jean Francois Millet (1814 – 1875), Maler des Mannes mit der Hacke, der Sämaschine, der Gleaners, des in der Normandie geborenen Angelus, Kind eines Bauern, Sohnes und Erben der Armut. Unter den französischen Künstlern des neunzehnten Jahrhunderts ist er der Schutzpatron des Pessimismus, ein Mann, der sich von der Traurigkeit der menschlichen Existenz inspirieren ließ.

Maler der ländlichen Not

Es war in den täglichen Routineaufgaben des Bauern, für die das Problem der Existenz, die Frage von Leben und Tod durch die Unbestimmtheiten des Bodens entschieden wurde, dass Millet das höchste Drama der Menschheit fand. Die Bühne für die epische Tragödie war das Land der Normandie, und der Schauspieler war der Bauer bei der Arbeit, unaufhörlich, beschwerdefrei, fromm. In dieser Hingabe des Bauern lag Ironie und Mitleid. Ein Spektakel, um einen Künstler zu Gebeten und Tränen zu bewegen. "Ach, mein Kind", hatte der Dorfpfarrer Jean Francois in jungen Jahren gesagt, "du hast ein Herz, das dir große Schwierigkeiten bereiten wird; du weißt nicht, wie viel du leiden wirst." Und Jean Francois erfüllte die Prophezeiung in Pik.

Hirses Jugend und Erziehung

Die Kritiker stellten seine Bilder wegen fehlender Freude in Frage. Freude? Er kannte keinen. Er war ein Bauer. Er war von einer einfachen, stoischen Großmutter erzogen worden, von einem Vater, der in jungen Jahren überarbeitet gestorben war, von einer Mutter, die in Trauer gestorben war, weil sich ihr Sohn Jean Francois, der in Barbizon malte, die Eisenbahn nicht leisten konnte Fahrpreis zu ihrem Bett. "Der freudige Aspekt des Lebens erscheint mir nie. Ich weiß nicht, was es ist. Ich habe es nie gesehen. Die fröhlichsten Dinge, die ich kenne, sind Ruhe und Stille."

Als junger Mann hatte er nach einem anstrengenden Tag auf den Feldern seiner Heimat nachts ein paar Holzkohlestücke gezeichnet. Diese Skizzen hatten die Bewunderung eines drittklassigen Künstlers erregt, der in der Nähe lebte. Von da an wusste Millet, dass die Karriere eines Bauern nichts für ihn war. Kunst war sein Geschäft, seine Mission, seine Religion. Der freundliche Künstler intervenierte mit einem Komitee in Paris, um ihm ein Stipendium zu geben. Millet verließ sein Haus und ging in die Hauptstadt. Aber als er dort ankam, ergriff ihn eine große Sehnsucht nach der Landschaft. Er war im "schwarzen, matschigen, rauchigen Paris" angekommen, wie er es nannte, an einem verschneiten Januarabend. Der Verkehr der Kutschen, die nebligen Straßenlaternen, die engen Gassen und die schmutzigen Hütten ließen die Tränen in seine Augen fließen. Um ein plötzliches Schluchzen zu verhindern, warf er eine Handvoll Wasser von einem Straßenbrunnen über sein Gesicht. Dadurch fühlte er sich besser. Immerhin war er hier auf einer religiösen Pilgerreise. Die letzten Worte seiner Großmutter, einer strengen, stattlichen, keuschen Katholikin mit der Seele eines Puritaners, kamen jetzt zu ihm zurück. "Ich würde dich lieber tot sehen, mein Kind, als rebellisch und den Geboten Gottes untreu zu sein… Denk dran, du bist ein Christ, bevor du ein Künstler bist."

Die Gleaners

Genau diese Eigenschaft in Millets Kunst haben die Kritiker aufgegriffen. Sie sagen, dass er eher ein Christ als ein Künstler war. Nehmen Sie zum Beispiel sein bekanntes Ölgemälde The Gleaners . Drei Bäuerinnen blicken mechanisch und müde unter einer heißen, prallen Mittsommersonne auf die Felder, die das Land mit seinen verheerenden Strahlen versengt. Im Hintergrund türmt eine Gruppe von Erntemaschinen das goldene Getreide auf. Ein Bauer, der auf einem Wagen sitzt, überwacht ihre Arbeit. Zwei der weiblichen Gleanerinnen, jeweils in roten und blauen Tüchern gekleidet, beugen sich vor und fummeln mit ihren Fingern stumm und ohne sich über die Stoppeln zu beschweren. Eine dritte Frau steht auf, um die Anstrengung zu lindern, vielleicht um sich für einen Moment zu fragen, welches grausame Gesetz sie zu solchem ​​Leiden und Mühen verurteilt hat. Aber nach diesem kurzen Einsichtsblitz, nach diesem teilweisen Entzünden des göttlichen Feuers, das verspricht, diesen Ton in etwas Menschliches zu verwandeln, ist es offensichtlich, dass sie ihren Platz neben den anderen einnimmt und sie wieder zurückbeugt. "Im Schweiße deiner Stirn sollst du dein Brot verdienen."

Als Millet The Gleaners malte, war er dreiundvierzig. Viele Jahre lang hatte er seine Bilder in die Salons von Paris geschickt, um immer wieder abgelehnt zu werden. Seine Arbeit war für die Aristokraten nicht schmackhaft. Sie hätten nichts mit einem Mann zu tun, der den Pflug hielt und über den Boden und die Gülle von Barbizon stapfte. Als Millet in Paris in den Kunstunterricht eingetreten war, hatten die raffinierten, weltgewandten Schüler über seine Manieren gespottet. Einige von ihnen, offener als die anderen, hatten die Kraft seiner Faust kennengelernt. Teilweise verspottet, teils bewundert, hatten sie ihn den wilden Mann des Waldes genannt. Und der Wilde Mann des Waldes blieb er sein ganzes Leben lang. "Ich werde nie dazu gebracht, mich zu verbeugen", sagte er. "Ich werde mir niemals die Kunst der Pariser Salons aufzwingen lassen. Als Bauer bin ich geboren, als Bauer werde ich sterben."

Barbizon

Und so hatte er sich mit seiner Frau und seinen Kindern in einer weitläufigen Hütte in Barbizon am Rande des großen Waldes niedergelassen. Er grub und malte in seinem Garten und erzog seine Familie mit dem geringsten Lebensunterhalt. Er kannte die Bauern, die er malte. Er war ihr Bruder und ein enger Vertrauter von Trauer und Verzweiflung. Obwohl seine Lebenshaltungskosten so gut wie vernachlässigbar waren, war er nicht in der Lage, sie zu decken. Einmal schrieb er: "Ich weiß wirklich nicht, wie ich meinen Verpflichtungen nachkommen und weiterleben soll." Es gab Tage, an denen er keine zwei Franken in der Tasche hatte. Mit viel Zärtlichkeit malte er The Gleaners. Er kannte die Nöte des französischen Bauern. Die Öffentlichkeit begrüßte dieses Gemälde jedoch mit einem höhnischen Chor. Unter Bezugnahme auf die Zahlen der drei Lektoren bemerkte ein Kritiker: "Dies sind heimelige Vogelscheuchen, die auf einem Feld aufgestellt sind: M. Millets Hässlichkeit und Vulgarität haben keine Erleichterung."

Auf diesen Ausbruch hätte Millet antworten können, dass es auch in häuslichen Situationen eine Güte gibt, die für blinde Kritiker unverständlich ist. Einige Kritiker stellten die technischen Aspekte sowie die spirituelle Qualität des Gemäldes in Frage. Das Feld, auf dem die Lupen arbeiten, ist in ein vermutlich heißes, intensives Augustsonnenlicht getaucht. Das tonale Finish ist jedoch ein trübes, mattes, aschfahles Blau, das auf einen Dunst hindeutet. Einer seiner Verteidiger erklärte dies jedoch und wies darauf hin, dass "die Augustsonne eine starke Wärme auf die Leinwand wirft. Sie werden keine dieser launischen Strahlen finden, die auf Bildern von anderen wie Feiertagsschüler gambeln. Dies ist ein ernster Sonnenschein, der reift Weizen und bringt die Menschen zum Schwitzen und verschwendet ihre Zeit nicht mit herumtollen. "

Millet verbrachte den größten Teil seines Erwachsenenlebens in dieser "Provinz für Maler". Er lebte in einer kleinen Scheune, die von einem Holzofen beheizt wurde. Siebenundzwanzig Jahre! Er hatte eine geduldige, nicht klagende Frau, die er unterstützen konnte. "Großartige alte Frau", sagte er zärtlich über sie. Und Kinder, "die kleinen Kröten", mit dem Mund zu füttern. Wie schwer der Winter zu ertragen war, als sich Ihre Bilder nicht verkauften, als Sie für immer am Rande des Hungers standen. Dennoch war er kein Philosoph. Er wollte die Bitterkeit des Lebens nicht beseitigen oder eine Formel finden, die ihn stoisch oder gleichgültig machen würde. Schmerz ist vielleicht das, was dem Künstler die stärkste Ausdruckskraft verleiht. "Kunst ist keine Ablenkung", sagte er. "Es ist ein Konflikt, eine Komplikation von Rädern, in denen man zerdrückt wird."

Hirse beschuldigt, ein Künstler-Agitator zu sein

Als die Gleaners auftauchten, wurde er beschuldigt, ein Agitator zu sein. Die Bourgeoisie glaubte, er versuche die Bauern klassenbewusst zu machen, er fördere eine soziale Revolution durch seinen persönlichen Hass auf die besitzenden Klassen. Hass? "Die Mission der Kunst ist eine Mission der Liebe, nicht des Hasses", antwortete er. War er besorgt über die Emanzipation des Bauern vom Boden? Er selbst war ein Bauer der Bauern. Die Vorstellung von der Ewigkeit, der Zeitlosigkeit, der Göttlichkeit des Menschen in seinem gewählten Beruf ließ ihn den Wunsch aufkommen, den Bauern nicht so zu malen, wie er sein mochte, sondern wie er tatsächlich war – zum Scheitern verurteilt, dazu bestimmt, den Boden für immer ohne jeden Traum zu bebauen oder Wunsch nach einer sozialen Veränderung. Politik, Revolution, Sozialismus? "Was hat Kunst mit diesen Dingen zu tun? Kunst wird nie kommen, außer aus einer kleinen, unberücksichtigten Ecke, in der ein isolierter und inspirierter Mann die Geheimnisse der Natur erforscht."

Aber die Kritiker weigerten sich zu sehen. "Die drei hässlichen Schicksale des Armutswesens" – so nannten sie die drei Magier – "der Schlachtruf des Jakobinismus und der Revolution". "Meine Kritiker", erwiderte Millet, "sind, wie ich mir vorstelle, Menschen mit Geschmack und Unterweisung, aber ich kann mich nicht in ihre Haut stecken. Ich habe in meinem Leben nichts außer den Feldern gesehen, und ich versuche, einfach und als zu erzählen." so gut ich kann, was ich gesehen habe. " Theaterhaft und melodramatisch, das ist es, was sein Gemälde ist, forderten sie. Aber das Melodram war für Millet am weitesten entfernt. "Die Luxembourg Gallery hat mir eine Abneigung gegen das Theater gegeben", antwortete er. "Ich hatte schon immer eine ausgeprägte Abneigung gegen die Übertreibungen, die Falschheiten und die Simperings von Schauspielerinnen und Schauspielern." Nun, jedenfalls sprudelte er – wie die Kritiker betonten – vor billiger Sentimentalität; er sprudelte mit dem Pinsel! Diesen Vorwurf bestritt Millet wie die anderen nachdrücklich. Sein eigener Gott war Michelangelo und Michelangelo hatte einmal gegenüber dem Prinzen von Holland bemerkt: "Gutes Malen wird niemals eine Träne zeichnen." Wie kamen denn die Gleaners dazu, gemalt zu werden?

Die Essenz von Millets Kunst: Das Ultimative in der religiösen Malerei

"Denken Sie daran, Jean Francois, Sie sind Christ, bevor Sie Künstler sind." Das hatte ihm seine Großmutter kurz vor seinem Aufbruch in die Pariser Kunsthochschulen erzählt. "Auf, auf, mein kleiner Francois", waren die ersten Worte, an die er sich jemals von ihr erinnert hatte. "Wenn Sie nur wüssten, wie lange die Vögel die Herrlichkeit Gottes gesungen haben." Und die letzten Worte, die sie jemals geatmet hatte, blieben deutlich in seiner Erinnerung. "Malen Sie, malen Sie für die Ewigkeit, und denken Sie, dass die Posaune, die Sie zum Gericht rufen wird, immer am Vorabend des Klingens ist."

Jean Francois Millet war ein Mann der Religion. In ihm gab es keine Protestbotschaft, keine Bitte um soziale Anpassung. "Im Schweiße deiner Stirn sollst du dein Brot verdienen." Ein unbewegliches Schicksal, das sich nie ändern wird. Er wurde auf die Bibel gebracht. Er sah im unaufhörlichen Kampf des Menschen mit dem Boden eine Bedeutung, die nicht sozial, nicht politisch, sondern in erster Linie religiös war. Er war ein einfacher und einsamer Mann Gottes. Sein gesamtes Ziel war es, die Schönheit des Lebens in der traurigen Atmosphäre harter Arbeit zu zeigen. Hirse liebte das Leben wegen seiner Traurigkeit. Es war der Winter in seiner Seele, der ihn dazu brachte, es so zu lieben. Sein Charakter war von den heiligen Schriften und den Winden, die die Küste seiner Heimatstadt Gruchy bedeckten, genährt worden.

Die heiligen Schriften, die Seestürme und die Poesie von Vergil und Homer. Er las diese beiden Alten gewissenhaft. Sie standen ihm geistig näher als die meisten seiner Zeitgenossen. Die Männer und Frauen, die er in The Gleaners malte, waren nicht nur Subjekte für soziale Zwecke oder stumme und unrühmliche Clod-Hopper, arme, misshandelte, elende Kreaturen aus gewöhnlichem Ton. Sie waren, wie die Soldaten von Virgil und Homer, Heldenfiguren in einem großen Gedicht, dem größten aller Gedichte – dem Epos des Lebens.

Der Angelus

Im Jahr 1859, zwei Jahre nach The Gleaners, produzierte er eine der größte religiöse Gemälde Mitte des neunzehnten Jahrhunderts mit dem Titel: Der Angelus. Hier ist eine Beschreibung des Gemäldes aus der Grafik von Paul Gsell:

"Mitten auf den Feldern haben ein junger Bauer und seine Frau gerade ihre Arbeit beendet. Einige Säcke Kartoffeln werden auf eine Schubkarre geladen. Die Nebel des Zwielichts stehlen über das Feld. Weg am Horizont ist ein Dorf Kirchturm der Kirche und ein paar Dächer der Hütte sind durch die aufkommende Dunkelheit erkennbar Plötzlich schwebt die ferne Musik des Angelus in der ruhigen Luft Stumm und regungslos stehen die beiden Insassen der Szene in religiöser Besinnung Mit gesenktem Kopf steht er unbeholfen da und hält seinen Hut in seinen großen, abgenutzten Händen, die Frau fasst sie ehrfürchtig zusammen und beide neigen den Kopf. Wie arm und unhöflich ist ihr Aussehen! Wenn man sie ansieht, würde man meinen, sie wären beide zusammengesetzt aus dem Boden, der an ihren Holzschuhen haftet, doch in der Stille der Dämmerung, die sich dunkel gegen den verblassenden Glanz des Sonnenuntergangs abzeichnet, dominieren ihre Formen die Szene o die sich vertiefenden Schatten der Nacht und hört auf, sie mit ihrer Unermesslichkeit zu überwältigen. Es sind nicht mehr zwei arme, einsame Leute, sondern zwei Seelen, deren Gebet die Unendlichkeit ausfüllt. "

Dieses Gemälde wurde nicht lange nach Millets Tod für eine Viertelmillion Dollar verkauft. Aber als der Künstler es gerade fertiggestellt hatte, hatte er 1859 die tiefsten Tiefen der Armut erreicht. "Wir haben nur genug Treibstoff für zwei oder drei Tage", schrieb er, "und wir wissen nicht, wie wir mehr bekommen werden; denn sie werden uns keine ohne Geld geben…"

Der Mann mit der Hacke

Dies war eine der wenigen rebellischen Perioden seines Lebens. Als er nicht in der Lage war, den Fahrpreis für den Besuch bei seiner sterbenden Mutter zu erheben, hatte er verzweifelt die Hände erhoben. "Ich bin an einen Felsen genagelt und zu harter Arbeit ohne Ende verurteilt!" Und jetzt, als die Armut ihn wieder hilflos niederdrückte, entfernte er sich ein einziges Mal von seiner üblichen Objektivität und malte die Bitterkeit seiner Verzweiflung in Der Mann mit der Hacke.

Er ahnte deutlich, welche Empfindung dieses Bild hervorrufen würde. " Der Mann mit der Hacke ", schrieb er an einen Freund, "wird mich mit einer Reihe von Leuten ins heiße Wasser bringen, die nicht gerne aufgefordert werden, eine andere Welt zu betrachten als die, die sie gewohnt sind und die es hassen, zu sein aus ihrer Gelassenheit gestört. " Selten hat ein Bild einen größeren Sturm des Missbrauchs auf der einen oder einen fanatischeren Ausbruch des Lobes auf der anderen Seite ausgelöst, als diese Darstellung eines belästigten und hoffnungslosen Spielers der Felder, der einen Moment innehält, um sich auf sein Hoc zu stützen. "Dem Gewicht der Jahrhunderte erlegen", schrieb Edwin Markham in dem Gedicht, das von diesem Bild inspiriert war, "die Leere der Zeitalter in seinem Gesicht." Der Geist des Mannes wurde durch die Generationen harter Arbeit getötet, die ihm und seiner ganzen Klasse auferlegt wurden. In seinen Augen ist ein leerer, bedeutungsloser Blick. Alle Charaktere in seinem Gesicht wurden ausgelöscht. Er wurde auf die Ebene des Tieres gezogen. "Bestimmte wilde Tiere", sagte La Bruyere, von solchen Männern sprechend, "können über das Land verstreut gesehen werden, männlich und weiblich, schwarz, lebhaft und von der Sonne verbrannt, an die Erde gebunden, in der sie stochern und fummeln mit unbesiegbarer Hartnäckigkeit, und doch haben sie eine Art artikulierte Rede, und wenn sie sich auf ihre Füße erheben – sie zeigen ein menschliches Gesicht und sind in der Tat Männer. "

Kritiker schauderten über den schmerzhaften Realismus der Arbeit. Niemand zuvor hatte es gewagt, diesen Kerl aus seiner Dunkelheit zu befreien – diesen Bauern mit der Hacke, den Rücken gebeugt, den Schädel verlängert wie eine Birne durch die lange, unaufhörliche Mühe, vage, glasige Augen, die von keinem gedankenstummen, stummen Tier der Welt berührt wurden Pflugschar. "Hirse muss einige Zeit gesucht haben, bevor er einen solchen Typ gefunden hat", schrieb einer der Kritiker verächtlich. "Solche Typen sind selbst in Irrenhäusern nicht häufig anzutreffen. Stellen Sie sich ein Monster mit einem blöden Grinsen auf dem Gesicht vor, das völlig schief wie eine Vogelscheuche mitten auf dem Feld gepflanzt ist. Kein Schimmer von Intelligenz verleiht diesem brutalen Ding eine menschliche Note seine Ruhe. Ist es Arbeit oder ist es Mord, den er getan hat? Stellt er den Boden auf oder gräbt er ein Grab? "

Die Menschen sahen sozialistische Propaganda auf dem Bild. Der Mann mit der Hacke war typisch für die große Masse der Landarbeiter, die zehn Jahrhunderte lang ohne Murren auf den Feldern Frankreichs gearbeitet hatten. War jetzt ein Künstler erschienen, um ihnen eine Stimme zu geben?

Ja und nein. Diesmal hatte Millet eine Predigt in sein Gemälde eingefügt. Der Mann mit der Hacke ist ein geduldiger Diener, der Gottes Werk in seiner Kathedrale aus Land und Himmel tut. "Ist die Arbeit, die diese Männer leisten, die Art vergeblicher Arbeit, an die uns manche Leute glauben machen würden?" er forderte heraus. "Mir jedenfalls vermittelt es die wahre Würde, die wahre Poesie der Menschheit." Ja, Poesie, aber tragische Poesie. Die Bearbeitung der Felder, das Malen von Bildern, das Schreiben von Hymnen – diese edlen Werke müssen getan werden. Aber warum so bitteres Leid dabei?

Endgültige Anerkennung

Aber Hirse war nicht für immer traurig. Endlich konnte er den Wolf von der Tür stoßen. The Sower, The Gleaners und The Angelus hatten eine kleine, aber einflussreiche Gruppe von Menschen zur Religion seiner Kunst konvertiert. Diese Leute waren von seinem Realismus weder ratlos noch verängstigt. Der Bruder Theodore Rousseau erkannte als einer der Ersten das Genie dieses Malers der geduldigen Traurigkeit der Welt. Als Millet durch seine Kämpfe ging, hatte Rousseau eines seiner Gemälde für ein paar hundert Franken gekauft, und um ihn nicht in Verlegenheit zu bringen, hatte er so getan, als wäre ein wohlhabender Amerikaner der Käufer gewesen. Ein anderer Freund hatte durch eine Verlosung einen ausreichenden Geldbetrag gesammelt, um seine Miete und die Rechnungen für den Metzger zu bezahlen. Alexandre Dumas schrieb glühende Artikel über seine Arbeit, und schließlich erklärte sich ein wohlhabender Sammler bereit, ihm als Gegenleistung für Millets gesamte Produktion für einen Zeitraum von drei Jahren einen monatlichen Beitrag von tausend Franken zu leisten.

Ein freundlicher und hingebungsvoller Vater, der, wenn tagsüber die Geräusche der spielenden Kinder zu den Ohren ihres Vaters kamen, während er in seinem Atelier arbeitete, auf sie zueilte, sie küsste und ihnen Anekdoten erzählte. Und während er arbeitete, wurde seine Tür nie geschlossen. Doch alle Kinder, auch die jüngsten, senkten ihre Stimmen und gingen auf Zehenspitzen, wenn sie es versuchten, daran vorbeizukommen. "Shhh – Papa arbeitet", warnten sie jeden Besucher, der sorglos war, den gleichen Respekt zu zeigen. Nachts saßen sie alle mit zerzaustem Haar und fröhlichen Gesichtern um den Abendtisch. Millet sang wie ein Patriarch in einer alten Sage auf der Farm in Gruchy Lieder aus seiner Kindheit.

Auszeichnungen

Vollständige öffentliche Anerkennung erhielt der Patriarch 1867, als er dreiundfünfzig Jahre alt war. Gefeiert als einer der beste Landschaftskünstler für seine bäuerlichen szenen gewann er eine goldmedaille von der akademie der künste. Ein Jahr später erhielt er das süßeste Geschenk aus der Hand des Schicksals – und den grausamsten Schlag. Er wurde mit der Auszeichnung der Ehrenlegion ausgezeichnet und verlor seinen besten Freund, Rousseau. Gelähmt starb dieser "mehr als Bruder" in seinen Armen.

Für weitere sechs Jahre schuf er Schönheit, und dann ging auch er zu seiner Sabbatical Pause. Sein Ende kam an einem Wintertag im Jahr 1875.

Die Kunst der Hirse ist die wahre Kunst der einfachen Größe. Es zeigt einen feierlichen, epischen Kampf – den Konflikt des Menschen mit der Erde, aus der er hervorgegangen ist. Seine Hilflosigkeit angesichts seiner Grausamkeit, seine Anbetung angesichts seines Geheimnisses. All dies hat einen grimmigen Humor, das Schauspiel des Menschen, der mit seinem Schicksal kämpft.

Ein rohes, aber seltenes Genie, das viele andere Künstler beeinflusst hat, darunter auch die Amerikaner Winslow Homer Es ist vielleicht kein Wunder, dass Millet "der Dante der Yokels, der Michelangelo der Clowns" genannt wurde.

Gemälde von Jean-Francois Millet sind im zu sehen beste Kunstmuseen weltweit.