John Cage:
Amerikanischer Komponist, Künstler, Biographie Automatische übersetzen

Avantgarde Künstler

Eine Ikone in Avantgarde-Kunst Der Komponist und Künstler John Cage ist in den 1950er Jahren in Amerika vor allem für seine umstrittene "Musikkomposition" von 1952 (4 Minuten 33 Sekunden) bekannt (die keine einzige Musiknote enthielt) Black Mountain College zu einer Vielzahl von künstlerischen Themen: Dazu gehören indische Sandmalerei, Arten von Performance-Kunst sowie Ereignisse (zB das Cage "Event" von 1952) sowie konventioneller Druckgrafik (meistens Radierungen). Er übte einen erheblichen Einfluss auf Amerikanische Kunst in den 1950er Jahren vor allem auf die Arbeit des Pioniers Performer Allan Kaprow (1927 – 2006), Popkünstler Jasper Johns (geb. 1930) und Robert Rauschenberg (1925-2008), der abstrakte Expressionist Robert Motherwell (1915-91) und die Tänzerin Merce Cunningham (1919-2009) und kündigte Bewegungen wie Neo-Dada, Europäisch Fluxus und Methoden wie Junk Art. Ein Student der Malerei, Architektur und, im späteren Leben, Zeichnung Zu seinem Freundeskreis gehörten eine Reihe bedeutender europäischer und amerikanischer Künstler wie der Dadaist Marcel Duchamp, der deutsche Surrealist Max Ernst und der kalligraphische Maler Mark Tobey. Zusammen mit ein paar anderen hochkreativen Personen kann Cage als Vorläufer von bezeichnet werden postmoderne Kunst in Amerika.

Biografie

Cage wurde 1912 in Los Angeles geboren und studierte bei dem unkonventionellen Komponisten Arnold Schönberg, der die moderne Musik revolutionierte, indem er mit der Harmonie und den teleologischen Implikationen der Tonalität brach. John Cages Erfindung im Jahr 1938 des "präparierten Klaviers". zusammen mit seiner frühen Rolle in der Entwicklung der aufgenommenen und elektronischen Musik etablierte er Mitte des Jahrhunderts seinen avantgardistischen Ruf moderne Kunst von New York. Als er jedoch die Kritiken seiner Aufführungen las, stellte er fest, dass seine Kompositionen die Emotionen, die er selbst in ihnen erlebte, nicht kommunizierten. Der Wendepunkt kam nach der Performance von Perilous Night, geschrieben von Cage im Jahr 1945. Das Versagen der Kritiker, das Stück zu verstehen, führte dazu, dass Cage die Richtung komplett änderte: Er gab die Idee der Kommunikation in der Kunst auf und konzentrierte sich stattdessen auf die Idee die Ohren des Zuhörers für das zu öffnen, was in der Umwelt existiert – eine unbestimmte Erfahrung, die von der künstlerischen Absicht losgelöst ist.

Cages Entdeckung des Zen-Buddhismus Mitte der 1940er Jahre scheint die Form dieses radikalen Wandels ausgelöst zu haben. Während die Künstler der New Yorker Schule Cages Zen-Studie wandte sich der Psychoanalyse zu und extrahierte Kunst aus der persönlichen Selbstbeobachtung. Sie förderte eine Loslösung von der emotionalen Krise und die Idee, dass Kunst aus der nicht-interpretativen Betrachtung der Natur stammt. Inspiriert von Duchamps Readymades (Alltagsgegenstände, die Duchamp unverändert als Kunstwerke präsentierte), betrachtete Cage die Alltagswelt als Quelle der Kunst. Wie Duchamp, mit dem er 1941 befreundet war, griff er den heroischen Mythos der New York School an und wandte sich gegen die Psychologie als Grundlage der Kunst: "In einem Kunstwerk ist kein Raum für Emotionen", bemerkte er später.
Cage schaute zu den Sinnen, wie Duchamp zum Intellekt geschaut hatte; beide lehnten ab Expressionismus. 1950 nutzte Cage sogar den Zufall, den er als zentrales Funktionsprinzip der Natur ansah. Mit anderen Worten, er wollte den zugrunde liegenden Prozess der Natur nachahmen, ohne seine tatsächlichen Erscheinungsformen darzustellen.

Anstatt die Chance zu nutzen, das Oberflächenbewusstsein zu umgehen, wie in Dada und Surrealismus Cage hoffte, die persönliche Entschlossenheit ganz zu vermeiden. Dieser Versuch, das künstlerische Ich sowie die Unterscheidung zwischen Kunst und Alltagserfahrung zu vernichten, war beispiellos und stand in direktem Gegensatz zur Haltung seiner Zeitgenossen in der New York School. Doch Cage ähnelte ihnen in seiner Betonung von Spontanität und Prozess.

1950 wurde Cages Mietwohnung in der Lower East Side zum Treffpunkt einer Gruppe von Freunden, die sich für neue Musik und Tanz interessierten. Christian Wolff (damals Gymnasiast) kam eines Tages mit dem I Ging oder Book of Changes vorbei, das Pantheon gerade veröffentlicht hatte. Das Buch kam genau im richtigen Moment zu Cage und er verwendete die I-Ging- Münzen und -Karten, um seine Musik der Veränderungen von 1951 als Hommage an das Buch zu komponieren. Cage warf sechs Mal drei Münzen, deren Ergebnisse mit einer Tabelle korrelierten, die wiederum die Tonhöhe jeder Note bestimmte. Dann durchlief er eine ähnliche Prozedur für Klangfarbe und Dauer. Er folgte diesem aufwändigen Prozess, um zu vermeiden, dass persönliche Entscheidungen die Zufallsverfahren stören. Da das Stück fünfundvierzig Minuten dauert, musste Cage eine außerordentliche Anzahl von Würfen ausführen.

Zusammensetzung: 4 Minuten 33 Sekunden

In seiner Theorie eines "totalen Klangraums" behauptete Cage, dass Musik jeglichen Klang beinhaltet, einschließlich nicht-musikalischen Klangs und der Abwesenheit von Klang. Der Klang hat vier wesentliche Merkmale: Tonhöhe, Klangfarbe, Lautstärke und Dauer; Laut Cage hat die Stille dagegen nur eine Dauer. In seinem stillen Stück von 1952 mit dem Titel 4 Minuten 33 Sekunden (4’33 ") gibt der Darsteller für diesen exakten Zeitraum keinen Ton von sich. Beeinflusst von Rauschenbergs leeren" Weißen Gemälden "von 1951 eliminierte Cage alles außer der Zeit (das) gemeinsame Eigenschaft von Klang und Stille) und die zufälligen Geräusche der Umgebung.

Die Zufallsoperationen der Music of Changes führten zu Ergebnissen, die nach dem Absetzen durch Cage unverändert blieben. Aber in dem stillen Stück brachte Cages Antipathie gegen willentliche Muster ihn noch weiter in die Unbestimmtheit, die einen kontinuierlichen Fluss annimmt. Er hat die wahre Zufälligkeit der Umgebungsgeräusche in dem stillen Stück aufgenommen, um den Hörer dazu zu bringen, auf neutrale Weise zu hören. In seinem späteren Werk O’OO aus dem Jahr 1962 ging er noch einen Schritt weiter, als er festlegte, dass es von jedermann auf irgendeine Art und Weise aufgeführt werden könne. Obwohl Cage Morton Feldman den Weg in die Unbestimmtheit wies, war Cages zufällige (oder "aleatorische") Musik und Ideen der Umgebungsklang ("konkreter" Klang) beeinflusste sicherlich Feldmans Musik ebenso wie die von Earle Brown, Christian Wolff und La Monte Young.

Zusammenarbeit mit Tänzerin Merce Cunningham

Cage hatte einen besonders wichtigen Gedankenaustausch mit der Tänzerin und Choreografin Merce Cunningham. Cage und Cunningham begannen 1943 zusammenzuarbeiten, ein Jahr vor Cunninghams erstem Soloabend in New York (während er noch mit der Martha Graham Company tanzte). Ihre Zusammenarbeit widersprach der choreografischen Tradition, indem sie dem einzelnen Tänzer jede für ihn bedeutsame Bewegung ermöglichte und den Darsteller von jeder Verpflichtung befreite, eine Geschichte zu erzählen, etwas zu symbolisieren oder Äquivalente für die Musik zu finden. Die Musik, die Bühnenbilder und die einzelnen Tänzer funktionierten unabhängig voneinander, aber gleichzeitig. Cage und Cunningham erstellten Systeme, überlagerten sie und beobachteten dann, was passierte, wenn sie kollidierten.

Merce Cunningham änderte die Tanzsprache. Für ihn könnte jede noch so gewöhnliche Bewegung – Gehen, Fallen, Springen – Tanz bedeuten. Darüber hinaus habe keine Handlung im Tanz eine Bedeutung, die über das an sich hinausgehe, betonte er; Wie Cage wollte Cunningham vor allem die Sinne des Zuschauers ansprechen. Er wollte auch die pure Körperlichkeit des Tanzes offenbaren. Seine choreografischen Ideen sind komplex und belasten die Disziplin der Technik. Oft verlangt er, dass der Tänzer barfuß arbeitet, um eine direktere und kontrolliertere Beziehung zum Boden zu erreichen. Mit allen sechs Tänzern in Cunninghams Truppe als Solisten würden sie die gesamte Bühne auf einmal abdecken; wie in einem "allover" gemälde von Jackson Pollock (1912-56) oder Willem de Kooning (1904 & ndash; 97).

Der Höhepunkt von Merce Cunninghams Tourneen mit Cage in den 1940er Jahren war ihr Besuch am Black Mountain College im Jahr 1948. Cage war seit Ende der 30er Jahre vom College fasziniert. Aber die Präsentation von Erik Saties Rose of the Medusa in Cage / Cunningham von 1948 unter der Regie von Arthur Penn war ein elektrisierendes Ereignis. Mit dieser Leistung schloss Cage eine Freundschaft mit Josef Albers (1888 – 1976), der Kunstmeister der Schule. Als Cage jedoch später anfing, mit Zufall und Unbestimmtheit zu arbeiten, behauptete Albers, Cage habe "seine Verantwortung als Künstler aufgegeben" und die Beziehungen abgebrochen.

John Cages "Event" von 1952: Das erste Ereignis

Nichtsdestotrotz erreichte Cages Theaterstück Nr. 1 (oft einfach "das Ereignis" genannt), das 1952 am Black Mountain College aufgeführt wurde, als erstes "Happening" und als Beginn der aleatorischen Musik und des Tanzes den legendären Status. In der "Veranstaltung" von 1952 lasen der Black Mountain-Dozent MC Richards und der Dichter Charles Olsen Gedichte von Leitern; Rauschenbergs "White Paintings" hing über ihm, während er Edith Piaf-Schallplatten auf einem alten Phonographen spielte; David Tudor spielte Klavier; Merce Cunningham tanzte im und um das Publikum (verfolgt von einem bellenden Hund); und Cage saß zwei Stunden auf einer Trittleiter – manchmal las er einen Vortrag über die Beziehung von Musik zum Zen-Buddhismus, manchmal hörte er schweigend zu. Jeder tat in bestimmten festgelegten Zeitabständen, was immer er wollte, und die gesamte Erfahrung war so voller sensorischer Eingaben, dass sich keine zwei Berichte ähnlich anhören. In der Tat war die Individualität der Erfahrungen jedes Beobachters von zentraler Bedeutung für Cages Bestreben.