Edward Hopper: Amerikanischer Urban Genre-Maler Automatische übersetzen

Zur Analyse von Werken realistischer Genremaler wie Edward Hopper,
bitte sehen: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Führender amerikanischer Realist

Der in New York geborene Maler, Illustrator und Grafiker Edward Hopper ist einer der bekanntesten und bekanntesten berühmte Maler von Amerika. Gesehen als einer der beste Genremaler wird er berücksichtigt von Kunstkritiker der wichtigste amerikanische Realist des 20. Jahrhunderts zu sein. Ein Bewunderer des französischen klassischen Impressionismus Edouard Manet Hopper wurde von beiden internationalen beeinflusst Realismus und die amerikanische realistische Sprache der Ashcan-Schule, obwohl er seinen eigenen, ziemlich unabhängigen Stil entwickelte, der normalerweise als dazugehörig charakterisiert wird Amerikanische Szenenmalerei. Als scharfer Beobachter der einheimischen Stadtarchitektur, die seine Gemälde umrahmt, wurde er von David Riesman als Maler der Einsamkeit in eine berühmte Schublade gesteckt – eine Charakterisierung, die er selbst bestritt. Er wird vielleicht besser verstanden als ein Maler gewöhnlicher Menschen, der versucht, das Beste aus seinem Leben zu machen - eine Bedingung, die notwendigerweise ein gewisses Maß an Einsamkeit und Gelassenheit beinhaltet.

Unabhängig von seiner genauen Einstellung blieb er in seiner realistischen Herangehensweise standhaft, selbst als die neue amerikanische Abstraktionsbewegung nach dem Krieg ihn altmodisch und unberührt erscheinen ließ. In der Tat, wenn es wahr ist, dass "jedes Bild eine Geschichte erzählt", fühlt man, dass Hopper einfach, aber einzigartig ist Genrebilder wird auch noch lange nach dem Einzug des intellektuellen Modernismus von Jackson Pollock, Mark Rothko und späteren zeitgenössischen Künstlern in die Geschichte von Bedeutung sein. Viele von Hoppers Gemälden sind als Drucke in der Form von erhältlich Plakatkunst.

Siehe auch: Amerikanische Kunst : 1750-heute. Für andere Beispiele des amerikanischen Realismus des 20. Jahrhunderts siehe auch Grant Wood (1892-1942) und Andrew Wyeth (1917-2009). Siehe auch einen von Hoppers kürzeren Zeitgenossen George Wesley Bellows (1882-1925).

Frühen Lebensjahren

Er wurde als einziger Sohn einer etablierten Mittelklassefamilie in der Stadt Nyack im US-Bundesstaat New York, einem kleinen Yachtbauzentrum am Hudson River, geboren und war etwa 20 Jahre später der Geburtsort des innovativen Künstlers im kalligraphischen Stil, Joseph Cornell (1903 & ndash; 72). Aufgewachsen in einem strengen Baptistenhaushalt, entwickelte Hopper ein frühes Talent für Zeichnung Schon als Teenager kannte er viele verschiedene Medien, darunter die Aquarellmalerei. Stift und Tinte, Holzkohle und Ölfarbe. Er arbeitete aus der Natur und auch in Innenräumen und schuf eine Reihe von Selbstporträts sowie politische Karikaturen. Seine Eltern waren kultiviert und belesen und erkannten seine künstlerischen Bemühungen von Anfang an und unterstützten sie, indem sie ihn mit Materialien und Lehrbüchern versorgten. Trotzdem lenkten sie ihn eher zur kommerziellen Illustration als Malerei der schönen Kunst.

New York School of Art

Dementsprechend begann er 1899 nach dem Abitur sein Kunststudium an der Correspondence School of Illustrating in New York City. Im folgenden Jahr wechselte er jedoch an das renommierte New Yorker Institut für Kunst und Design in Manhattan (die Chase-Schule), wo er unter zwei völlig unterschiedlichen Lehrern studierte: William Merritt Chase (1849–1916), ein Schüler des Impressionisten John Singer Sargent (1856-1924), der ihn in Ölmalerei unterrichtete, und Robert Henri (1869-1929), einer der Pioniere des amerikanischen Realismus und Begründer der Stark Ashcan Schule von realistische Malerei, der die Lebensklasse unterrichtete. Laut einem zeitgenössischen Studenten: Chase förderte "Kunst um der Kunst willen", während Henri "Kunst um des Lebens willen" förderte und den Schülern riet, " Kunst zu vergessen und zu malen, was Sie am Leben interessiert ". Hopper selbst reagierte viel stärker auf Henrys radikale Ideen, behielt jedoch einen relativ unabhängigen und distanzierten Ansatz bei. In der Schule wurden seine Talente mit zahlreichen Preisen belohnt. Sein frühestes erhaltenes Ölgemälde mit Echos seiner späteren berühmten Interieurs war Solitary Figure in a Theatre (um 1904). Während seiner Schulzeit fertigte er außerdem Dutzende von Akten, Porträts und figurativen Kompositionen sowie eine Reihe von Arbeiten an Stillleben und Landschaftsbilder.

Reisen nach Europa

Hopper verließ die Kunstschule nach sechs Jahren und beschäftigte sich die nächsten zwei Jahrzehnte hauptsächlich mit der Routineplackerei im Bereich der kommerziellen Kunst – mit Cover-Designs für Fachzeitschriften, Illustrationen, Anzeigen und andere Arten von Grafiken. Zwischen 1906 und 1910 unternahm er drei Reisen nach Europa, von denen sich jede auf Paris konzentrierte, um die Kunst zu studieren Alte Meister, sowie die neu aufkommenden Stile von Expressionismus und Kubismus. Tatsächlich blieb er jedoch von der zeitgenössischen Kunstszene und ihren modischen Malern wie Picasso nahezu unberührt. Einer der wenigen Künstler, die er bewunderte, war Rembrandt, der niederländische Realist – nicht zuletzt für seinen einzigartigen Umgang mit Licht. Eines von Hoppers Lieblingsbildern von Rembrandt war sein wegweisendes Gruppenporträt " Die Nachtwache", das er als "das Schönste von seinem, das ich je gesehen habe" beschrieb.

Nach seiner zweiten Reise malte er Summer Interior (1909), ein brütendes, intimes Werk von Edgar Degas, das möglicherweise aus dem gewagteren Interior stammt. Es zeigt die erste Verwendung eines Kompositionsgeräts, das er in Zukunft mehrmals einsetzen würde – ein Patch von Licht in die menschliche Welt eines Raumes eindringen. Andere Werke, die dieses Gerät enthalten, sind Exkursion in die Philosophie, Eine Frau in der Sonne und Zimmer am Meer. Die Behandlung von Licht und Farbe Insbesondere der Einfluss auf die Stimmung des Gemäldes wird für Hopper zu einem lebenslangen Schwerpunkt.

Im Allgemeinen ließ ihn die neue abstrakte Kunst jedoch kalt. Der einzige europäische Künstler der Neuzeit, für den er Zeit hatte, war der mürrische französische Kupferstecher Charles Meryon (1821-68), dessen stimmungsvolle Radierungen der mittelalterlichen Gebäude von Paris einen wichtigen Einfluss auf den jungen Amerikaner ausübten.

Jahrzehnt des Kampfes

Nach seiner dritten und letzten Europareise mietete Hopper ein Studio in New York City und nahm den Alltag eines Grafikers wieder auf, um das Geschäft von Zeitschriften- und Buchverlagen so gut er konnte zu bewerben. Inzwischen, trotz des gelegentlichen Ausbruchs der Aktivität – wie eine Reise nach Massachusetts 1912, während der er seinen ersten Leuchtturm ) Squam Light) malte – seine Ölgemälde in der Regel aus Mangel an Inspiration geschmachtet. Auch nach der reichen kulturellen Vielfalt von Paris fand er Manhattan weiterhin etwas roh und ungekünstelt.

1913 auf der berühmten Internationalen Ausstellung für moderne Kunst (besser bekannt als Waffenschau Der 31-jährige Hopper verkaufte sein erstes Gemälde, Sailing (1911). Es würde ein Jahrzehnt dauern, bis er seinen nächsten wirklichen Erfolg hatte. In der Zwischenzeit arbeitete er an einer Reihe von kommerziellen Projekten, darunter Plakate für eine Filmgesellschaft, die amerikanischen Kriegsanstrengungen und andere Illustrationen. Obwohl Hopper diese Aktivitäten als eine depressive Erfahrung und eine unerwünschte Ablenkung von seiner eigentlichen Kunst ansah, trugen viele von ihnen maßgeblich zur Entstehung des Hopper-Stils bei – eines narrativen Stils, der in vielerlei Hinsicht zur endgültigen "Illustration" werden würde Teile von Amerika in den 1920er, 30er und 40er Jahren. Es gibt hier eine Parallele mit Jack B Yeats, einer der am meisten berühmte irische Künstler, dessen frühe Karriere als Illustrator einen starken Einfluss auf seine Gemälde hatte, von denen viele von einer klaren "Handlung" durchdrungen waren. Kurz nach der Waffenshow zog Hopper nach Greenwich Village , wo er für den Rest seines Lebens lebte.

Im Jahr 1915 wandte sich Hopper von Ölgemälde zu Radierung und produzierte Stadtansichten von Paris und New York. Dieses schwierige Medium, das viele Maler (darunter Rembrandt, Hogarth, Goya, Whistler und Hockney) zu beherrschen versucht haben, gab Hopper die Gelegenheit, seine herausragenden zeichnerischen Fähigkeiten sowie seine persönliche Vision zu demonstrieren. In seinen Drucken sehen wir zuerst die charakteristischen Einzelgänger, trostlosen Stadtszenen und Viktorianische Architektur das bevölkert seine reifen Ölgemälde. Sie bieten auch die typischen Kontraste von Licht und Schatten im Hopper-Stil in einer modernen Version von Rembrandts Chiaroscuro . Da sie in einer Studioumgebung produziert werden mussten, zwangen sie Hopper außerdem, aus seiner Fantasie heraus zu arbeiten und nicht direkt zu beobachten, und trugen so dazu bei, seinen Einfallsreichtum und seine kompositorischen Fähigkeiten zu verbessern. Ein Vergleich seiner Radierungsskizzen mit seinen späteren Ölen – American Landscape zum Beispiel mit seinem berühmten House by the Railroad (1925) oder Night Shadows mit seinem Meisterwerk Nighthawks (1942) – zeigt die Bedeutung seiner frühen Druckgrafik.

Anerkennung und wirtschaftlicher Erfolg

Die 1920er Jahre brachten Hopper endlich den Durchbruch, den er suchte. Seine Radierungen erlangten eine gewisse öffentliche Anerkennung und sein Ölgemälde (wie in New York Interior, 1921; New York Restaurant, 1922) – wenn auch noch nicht von Kuratoren und Ausstellungsjurys geschätzt – wurde immer inspirierter. Er begann auch zu malen Aquarelle Während des Sommers in Gloucester, einer kleinen Stadt an der Küste von Massachusetts, war Hopper fasziniert von den großen viktorianischen Häusern, die im vergangenen Jahrhundert von reichen Kapitänen erbaut wurden.

Im Jahr 1923 begann Hopper mit Josephine Nivison , einer Künstlerkollegin aus seiner Studienzeit, die er ein Jahr später heiratete. Ihre Lebhaftigkeit, Hingabe und Stärke der Persönlichkeit war der Schlüsselfaktor für Hoppers Zukunft als Künstler. Eine ihrer ersten Aktionen bestand darin, sechs von Hoppers Massachusetts-Aquarellen einer Ausstellung im Brooklyn Museum vorzulegen, von denen eine ) The Mansard Roof) vom Museum für 100 USD gekauft wurde. Noch besser, seine Arbeiten erhielten begeisterte Kritiken von den Kritikern. Eine ausverkaufte Einzelausstellung folgte 1924 in der Rehn Gallery in New York, und Hopper entschloss sich, Vollzeitmaler zu werden.

1925 produzierte und verkaufte Hopper The House by the Railroad , sein erstes herausragendes Ölgemälde. Das isolierte Gebäude im Stil des Zweiten Kaiserreichs steht neben dem Gleis, bleibt aber in herrlicher Isolation. Seine sorgfältig gezeichneten Schatten tragen zu einem Gefühl traumhafter Unwirklichkeit bei, ähnlich wie die eindringlichen Bilder des italienischen Künstlers Giorgio de Chirico (1888-1978). Nur eine Art hartnäckige, grenzenlose, puritanische Stärke verleiht ihm den einzigartigen Hopper-Stempel.

Ab diesem Zeitpunkt begann Hoppers Karriere. Er malte Werke wie Two on the Aisle (1927) – das für satte 1.500 Dollar verkauft wurde – The Automat (1927), Chop Suey (1929), Leuchtturm bei zwei Lichtern (1929) und Railroad Sunset (1929). Sein Werk House by the Railroad (1925) wurde von seinem Millionärsbesitzer an das Museum of Modern Art gespendet, während Early Sunday Morning (1930) vom Whitney Museum of American Art für eine weitere große Summe gekauft wurde. Sein Ruf stieg 1931 weiter, als bedeutende Museen wie das Metropolitan Museum of Art begannen, seine Werke zu sammeln. In diesem Jahr verkaufte er mehr als dreißig Gemälde, darunter dreizehn Aquarelle. 1932 nahm er an der Biennale des Whitney Museum of American Art teil, wo er für den Rest seines Lebens kontinuierlich ausstellte. 1933 schenkte das Museum of Modern dem 51-jährigen Künstler seine erste groß angelegte Retrospektive. Er war reich und berühmt, fuhr in einem Auto herum und besaß ein neues Sommerhaus, aber trotz dieses Erfolgs war er nicht in der Lage, ein Gefühl des Grolls für seine Tage des Kampfes abzuschütteln. Er war auch nicht der Mann, mit dem man am einfachsten leben konnte, der für sein mürrisches, unnachgiebiges Wesen bekannt war und für die nächsten 30 Jahre einen unveränderlichen und spartanischen Lebensstil pflegte.

Seine Produktion in den späten 1930er und frühen 1940er Jahren war produktiv und umfasste eine Reihe wichtiger Werke wie Room in New York (1932), New York Movie (1939), Cape Cod Evening (1939), Office at Night (1940) und Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotellobby (1943), Morning in a City (1944) und Seven AM. (1948). Er genoss eine große Retrospektive im Whitney Museum of American Art 1950 und erschien 1956 auf dem Cover des Time Magazine. Seine Werke aus den 1950er und 60er Jahren umfassen Gemälde wie First Row Orchestra (1951), die surrealistischen Rooms by the Sea (1951), Morning Sun (1952) und Hotel by a Railroad (1952). 1952), Exkursion in die Philosophie (1959), Pause (1963), seine große Sonne in einem leeren Raum (1963) und seine autobiografischen Zwei Komiker (1966).

In der Nachkriegszeit und in den 1950er Jahren zeichnete sich sein Stil als Leuchtturm aus gegenständliche Kunst inmitten der Welle der Abstraktion, die durch die amerikanische Kunstwelt fegte. Das "Action Painting" von Jackson Pollock und Willem de Kooning Englisch: www.goethe.de/kue/arc/thm/nba/en360836.htm Da naturalistische Bezüge fehlen, wurde sie als eine höhere, modernere Kunstform angesehen und von einer noch reineren Form der Kunst begleitet Abstrakter Expressionismus in der Arbeit von Mark Rothko und andere. Anhänger dieses neuen Stils, wie der wichtige Kritiker Clement Greenberg verspottete Hoppers Gemälde als gebraucht, schäbig und unpersönlich. Aber Hopper achtete nicht mehr auf die neuen Mandarinen von moderne Kunst als er zu Beginn des Jahrhunderts nach Paris zu Picasso musste.

In den letzten zwei Jahrzehnten seines Lebens wurde er von gesundheitlichen Problemen heimgesucht. Er starb 1967 in seinem New Yorker Atelier, zehn Monate später von seiner Frau Jo. Sie vermachten ihre Sammlung von über dreitausend Werken dem Whitney Museum.

Spätere Ausstellungen

1980 inszenierte das Whitney Museum of American Art eine wichtige Retrospektive mit dem Titel "Edward Hopper: Die Kunst und der Künstler", die anschließend in London, Düsseldorf und Amsterdam sowie in San Francisco und Chicago tourte. Neben Hoppers wichtigsten Ölgemälden enthielt es auch seine vorbereitenden Studien zu diesen Werken und stärkte seinen weltweiten Ruf als bedeutender Künstler.

Im Jahr 2004 tourte eine große Sammlung seiner Bilder durch Europa und besuchte Museen in Köln und der Bundesrepublik Deutschland Tate Gallery in London. Die Tate Modern Show zog in drei Monaten 420.000 Besucher an – die zweitbeliebteste Ausstellung in der Geschichte des Museums.

Im Jahr 2007 wurde im Museum of Fine Arts, Boston, eine Ausstellung mit 50 Ölgemälden, 30 Aquarellen und zwölf Drucken von Hopper eröffnet, darunter einige seiner größten Meisterwerke, die in seiner produktivsten Zeit zwischen 1925 und 1950 gemalt wurden in der National Gallery of Art in Washington DC.

Bedeutende Gemälde von Hopper hängen im Whitney Museum of American Art, im Museum of Modern Art in New York, im Des Moines Art Center, im Kunstinstitut von Chicago und in öffentlichen und privaten Sammlungen auf der ganzen Welt.

Eine Anleitung zu Hopper’s Art

Ähnlich wie ein Bühnen- oder Filmregisseur setzte Hopper eine breite Palette von Szenen ein. Wo Menschen (quasi seine "Charaktere") involviert waren, arrangierte er sie mit größter Sorgfalt.

Themen (Sätze)

Hoppers Bildmaterial stammt aus zwei Hauptquellen. Für seine Genrebilder konzentrierte er sich auf alltägliche Situationen im amerikanischen Leben, wie Szenen von Hotels, Motels, Automaten, Theatern, Restaurants und Restaurants sowie auf solche, die Tankstellen, Eisenbahnen und Straßen betreffen. Viele enthalten Beispiele amerikanischer Mischlingsarchitektur, darunter Stile, die so unterschiedlich sind wie pseudogotische, französische Mansarden-, Second Empire-, Kolonial- und kunstvolle viktorianische Villen. Zweitens konzentrierte er sich für seine Landschaften (meistens zwischen 1915 und 1920 fertiggestellt), Seestücke und ländliche Gattungen auf Küstenlandschaften sowie Segelboote, Leuchttürme und Bauernhäuser. Architektur blieb ein wichtiges Element in einigen dieser Arbeiten.

Menschen (Charaktere)

Menschen treten in Hoppers Gemälden als Einzelfiguren, Paare oder Gruppen auf, und ihre Anwesenheit spielt stets auf eine Reihe von narrativen Möglichkeiten an. Wie John Updike bemerkte: "Hopper ist immer am Rande einer Geschichte." Im Gegensatz zu den früheren Winslow Homer oder der zeitgenössische Illustrator und Maler Norman Rockwell (1894-1978), der für seine detaillierten anekdotischen Darstellungen des amerikanischen Alltags bekannt ist, Hopper war weder sentimental noch didaktisch. Er ging nicht weiter als bis an den Rand einer Geschichte. Fast so, als würde er seine Rolle als Darstellung eines Stilllebens sehen, das nur die Gedanken des Betrachters beleben könnten. Die Antwort, die er seiner Frau gab, als sie die Frau in Cape Cod Morning als "Ausschau halten nach dem Wetter, das gut genug ist, um ihre Wäsche aufzuhängen" interpretierte, war ein hervorragendes Beispiel für seine einzigartige Abneigung gegen eine Handlung. Hopper antwortete: "Du machst es zu einem Norman Rockwell Bild. Aus meiner Sicht schaut sie nur aus dem Fenster. "

Hoppers einzelne Figuren sind meist weiblich und erscheinen unterschiedlich gekleidet, halbbekleidet oder nackt – normalerweise am Arbeitsplatz, beim Blick aus dem Fenster oder beim Lesen. Hopper verwendete auch Paare – zum Beispiel in Room in New York (1932), Cape Cod Evening (1939) und Office at Night (1940) -, um komplexere Bilder menschlicher Beziehungen zu präsentieren. In Office at Night (1940) kümmert sich ein Chef um seine Unterlagen, während seine attraktive Sekretärin eine Akte zieht. Dem Betrachter bleiben mehrere mögliche Interpretationen der Szene, die Hopper mit größter Präzision geplant hatte. Tatsächlich waren detaillierte Vorbereitungsskizzen ein fester Bestandteil seiner Malweise. Für sein Bild New York Movie (1939) fertigte er über fünfzig Skizzen des Theaterinneren und der Gestalt des Platzanweisers an und führte zusammen mit Josephine eine detaillierte Aufzeichnung seiner Werke, in der Elemente wie Mimik sowie Quellen und Anweisungen vermerkt waren aus Licht.

Das wohl berühmteste von Hoppers Gemälden – Nighthawks (1942) – zeigt vier Personen an der Theke eines Late-Night-Diner: drei Kunden (ein Paar und ein separater Mann) und eine Mitarbeiterin. Wie üblich ist jedes Element des Gemäldes sorgfältig positioniert, von den Schatten und Formen der Straße bis zur inneren Anordnung von Menschen, Gegenständen und Licht. Auch hier gibt es zahlreiche mögliche Handlungsstränge.

Hoppers ländliche Szenen sind ebenso eindrucksvoll. Das House by the Railroad (1925) zeigt das Schauspiel eines extravaganten, isolierten Hauses (es könnte ein Hotel sein), das sich vor einem klaren Abendhimmel neben der von links nach rechts verlaufenden Eisenbahnstrecke abzeichnet. Es ragt heraus wie ein verlorener Anachronismus, als würde das Leben daran vorbeiziehen. Sein berühmtes Gemälde Gas (1940) spielt mit seiner einsamen Gestalt und einsamen Straße auf die Isolation von Nachtreisenden an.

Was ist die Bedeutung von Hopper’s Art?

Hopper’s Kunstlehrer, Robert Henri riet ihm, "die Kunst zu vergessen und zu malen, was Sie am Leben interessiert." Und genau das hat er seit über 60 Jahren getan. Hopper war im Wesentlichen ein Mann des neunzehnten Jahrhunderts und hatte kein Interesse an der ikonischen Bildsprache des amerikanischen Unternehmens des 20. Jahrhunderts mit seinen hohen Türmen Wolkenkratzer-Architektur und moderner Maschinenpark. Stattdessen fühlte er sich von der menschlichen Verfassung angezogen. Er war ein Mann mit wenigen Erwartungen und noch weniger Schnickschnack. So malte er gewöhnlich gewöhnliche Menschen – mit gewöhnlichen Hoffnungen und Ängsten – im Prozess des Versuchs, "durchzukommen". Es gibt kein großes Drama in einem Hopper-Bild, aber es gibt auch keine Erlösung. Das Leben ist einfach. Wenn die daraus resultierende Kunst ein gewisses Maß an Einsamkeit zu zeigen scheint – eine Charakterisierung, die Hopper selbst zum Herunterspielen bemüht hat -, liegt das einfach daran, dass das Leben im Wesentlichen ein einsames Geschäft ist: nicht nur ein Großstadtleben – alles Leben.

Die altmodischen, robusten Gebäude, die sein Interesse geweckt haben und die er als Hintergrund für seine menschlichen Szenen verwendete, könnten wichtige Symbole darstellen, sofern sie das Zerfallen seiner viktorianischen Kinderwelt unter dem Druck der Neuzeit veranschaulichen.

Kurz gesagt, das Leben rollt vorbei und beeinflusst uns und unsere Umwelt zum Guten und zum Schlechten. Wir können nur so gut wie möglich damit umgehen. Hopper fühlte sich unwiderstehlich von diesem Aspekt des menschlichen Zustands angezogen und malte ihn sein ganzes Leben lang gewissenhaft. Intellektuellere Kritiker mögen seine Bemühungen mit Überlagerungen von Existentialismus, städtischer Entfremdung und dergleichen ausstatten, aber Hopper selbst war vorsichtig, Aussagen über die Gesellschaft zu machen. Allenfalls malte er – wie er mehrfach wiederholte – sich selbst, das ist seine persönliche Lebensvision.

Hopper’s Malmethoden

Wie bereits erwähnt, war Hopper ein akribischer Künstler, der sich große Mühe gab, seine Kompositionen bis ins kleinste Detail zu planen, genau wie ein Filmregisseur sein Set arrangiert, bevor er "Action" nennt! Seine früheren Erfahrungen in den Bereichen Werbung und Illustration hatten ihn gelehrt, wie wichtig eine Handlung ist, und so enthielten seine Gemälde in der Regel gerade genug Details, um es dem Betrachter zu ermöglichen, sich eine eigene Erzählung auszudenken. Seine übergeordnete Fähigkeit war es, die maximale Wirkung relativ weniger Bildelemente zu erzielen, insbesondere durch geschickten Einsatz von Licht und Schatten, um den emotionalen Wert der Szene zu steigern. Infolgedessen produzierte er einige der größte Genrebilder der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die engste Parallele bildet hier sein Zeitgenosse Giorgio de Chirico , dessen eindringliche Bilder von italienischen Plätzen den größten Teil seiner film noir- Atmosphäre den scharfen Kontrasten zwischen Licht und Schatten verdanken. (Für einen zeitgenössischen Künstler, der in einer ähnlichen Sprache arbeitet, siehe den schottischen Genremaler Jack Vettriano.)

Jetzt als einer der großen angesehen Maler des 20. Jahrhunderts Edward Hopper ist in der vertreten beste Kunstmuseen in Amerika.