David Wojnarowicz:
Collagenkünstler, Graffiti Automatische übersetzen

Biografie

Der multimediale amerikanische Künstler David Wojnarowicz ist bekannt für seine Mixed-Media-Produkte Collagenkunst, von denen ein großer Teil der amerikanischen Gesellschaft gegenüber äußerst kritisch war. Sein anderer zeitgenössische Kunst – was beinhaltet Fotografie und Schreiben sowie Malerei und Performance-Kunst – behandelte auch eine Reihe von Themen wie AIDS, die Macht der Medien, Korruption, Sex und den Kampf zwischen Maschinen und Natur. Teil des New York Avantgarde war er – zusammen mit Jean-Michel Basquiat (1960-88) und Keith Haring (1958-90) – im Zentrum des unterirdischen New Yorker Whirlpools von postmoderne Kunst, wo alles versucht wurde. Als einer von vielen Künstlern, die in der East Village-Kunstszene der frühen 80er Jahre Anerkennung fanden, machte Wojnarowicz erstmals auf sich aufmerksam Graffiti-Kunst – schabloniert Wandmalereien von brennenden Häusern und fallenden Figuren. 1985 nahm er an der renommierten Whitney Biennale teil, der sogenannten "Graffiti Show". Der AIDS-bedingte Tod seines Freundes Peter Hujar, des Fotografen, im Jahr 1987, gefolgt von seiner eigenen AIDS-Diagnose im Jahr 1988, führte dazu, dass Wojnarowicz ein Aktivist in der Kampagne wurde, um die Krankheit und ihre sozialen und psychologischen Auswirkungen bekannt zu machen. Er starb am 22. Juli 1992 im Alter von achtunddreißig Jahren in seinem Haus in Manhattan an der Krankheit. Seitdem hat seine Arbeit in einigen der erschienen beste Galerien für zeitgenössische Kunst In Amerika gilt er heute als einer der talentiertesten New Yorker postmoderne Künstler der 1980er Jahre.

Frühen Lebensjahren

Wojnarowicz wurde in Red Bank, New Jersey geboren. Nachdem er als Kind missbraucht worden war, lief er von zu Hause weg und wurde während seiner Jugend eine Kinderprostituierte am Times Square in New York. Nach dem Besuch einer Reihe von Schulen absolvierte er schließlich eine Ausbildung an der High School für Musik und Kunst in Manhattan. Nachdem er sich Mitte / Ende der 70er Jahre einige Zeit außerhalb der Stadt aufgehalten hatte, kehrte er 1979 zurück und wurde schnell zu einem der bekanntesten Straßenkünstler im East Village, der schablonenhafte Bilder von brennenden Häusern anfertigte. Er drehte auch Super-8-Filme, spielte in einer Band und zeigte sein Gemälde in bekannten East Village-Galerien wie Civilian Warfare, der Public Illumination Picture Gallery, der Ground Zero Gallery in New York, Gracie Mansion und Hal Bromm. Er hat auch mit anderen zusammengearbeitet Top zeitgenössischen Künstlern einschließlich der Fotografen Peter Hujar (geb. 1934-87) und Nan Goldin (* 1953) und ebenso wie Bildhauer wie Kiki Smith, die Performancekünstlerin Karen Finley und der Underground-Filmemacher Richard Kern (* 1954).

Wojnarowicz ’Kunst

Das Kunst von David Wojnarowicz lässt keine Zweifel an der Identität des Künstlers. Im Gegenteil, Wojnarowicz nutzt seine anerkannte Abweichung (Kinderprostitution), um die ethischen Mängel und die Verstellung der Gesellschaft zu entlarven. Die Ästhetik, die er aus dieser schmerzlich kompromisslosen Selbstbeobachtung und Enthüllung schuf, verkörpert dennoch die bemerkenswerte Schönheit eines komplexen und einschneidenden Geistes. Gleichzeitig war er einer der brillantesten Vertreter der Collagenkunst des späten 20. Jahrhunderts und schuf mit seinem Talent eine Reihe von Wechselwirkungen zwischen Natur, persönlicher Identität und zeitgenössischen kulturellen Werten. Wie er es ausdrückte:

"Mein ganzes Leben lang hatte ich das Gefühl, als würde ich von außen auf die Gesellschaft schauen, weil ich so viele Dinge verkörpert habe, die angeblich verwerflich waren – homosexuell zu sein oder Prostituierte zu sein, als ich ein Kind war oder keine Ausbildung hatte. Mein ganzes Leben lang habe ich mit der Sehnsucht nach Akzeptanz auf die Welt geschaut, aber… die einzige Möglichkeit, die ich akzeptieren könnte, wäre, all diese Dinge zu leugnen. Im Moment meiner AIDS-Diagnose habe ich diesen Wunsch nach Anpassung vollständig aufgegeben und begannen zu realisieren, dass die Orte, an denen ich nicht passte und die Art und Weise, wie ich vielfältig war, die interessantesten Teile von mir selbst waren.

"Water" (1987) von David Wojnarowicz
Collage mit Acryl, Tusche auf Masonit.

"Wasser" (1987)

In "Water" (1987, Private Collection, New York), einem Gemälde, das zu einem Zyklus von Kompositionen auf Erde, Luft, Feuer und Wasser gehört, taucht ein dunkler Ozeandampfer in ein riesiges Nachtmeer ein. Ein Ausschnitt am Rumpf – wie wir es mit Supermans Röntgenbild sehen können – enthüllt ein seltsames Gewirr von Eingeweiden in gedämpften Farben, die alle mit einer Comic-Einfachheit des Stils gezeichnet sind. Über und über dem Schiff befindet sich ein Frosch, der mit akribischem Naturalismus in einer Palette dargestellt ist, die so reich ist, wie nur die Natur sie sich vorstellen kann. Ein Fenster öffnet sich durch die Rückseite des Frosches und schaut auf ein Schwarzweißfoto eines zerstörten Autotransports, der am Straßenrand ausgesetzt ist. Hier bildeten die auffälligen Kontraste zwischen der üppigen menschlichen Wiedergabe der Natur (des Frosches) und dem stark mechanischen Realismus der farblosen Fotografie (die den Abfall des städtischen Verfalls aufzeichnet) eine der vielen aufgeladenen Diskursebenen des Bildes.

Wojnarowicz füllte das Zentrum des Wassers mit einem organisch geformten Raster aus kleinen Schwarzweißbildern in einem illustrativen Stil. Der Gegenstand dieser Bilder bezieht sich auf die verschiedenen Bilder am Rande der Komposition. Einige Bilder enthalten energetisch wirbelnde Spiralen wie Wasserwirbel: Fluss- und Meereslandschaften mit einem Schwimmer, Fische, Ansichten des Dampfschiffs bei Tageslicht, Überlagerungen mit anderen Bildern; Der Frosch taucht wieder auf, einmal in surrealem Maßstab über einem Geländer, und in einem anderen Abschnitt ist er als Eier und Kaulquappe vorgezeichnet. und andere Anspielungen auf die Ontogenese oder auf die Biologie innerer Organe tauchen ebenfalls rund um das Gitter auf. Schließlich gibt es drei offen erotische Szenen, die sexuelle Begegnungen zwischen zwei Frauen, drei Männern und im dritten den nackten männlichen Torso und einen implizierten Betrachter darstellen.

In der oberen rechten Ecke von Water legte der Künstler eine bunte, kreisförmige Vignette über dieses einfarbige Schachbrett, die eine bandagierte Hand zeigt, die durch die Gefängnisstangen reicht. Eine Blume scheint von der Hand in einen schneebedeckten Himmel zu fallen, unter dem winzige weiße Gestalten wie Schneeflocken verstreut sind. Schließlich werden das tiefblaue Wasser und der Nachthimmel, die einen Umkreis um das Gemälde bilden, von einer Schule von Samenzellen durchquert, die die Komposition mit einem zarten Muster in ihrer freien Fülle animieren.

Ein Teil der Wirkung dieses Gemäldes und von Wojnarowicz ’Werken im Allgemeinen beinhaltet einen radikalen Einblick in die komplizierte Schichtung von Eindrücken aus der Natur, aus subjektiven Interpretationsrahmen und aus den Sprachen der Kultur, die das ausmachen, was wir heute als "Realität" verstehen. " Wojnarowicz scheint all diese Ebenen mit bemerkenswerter Deutlichkeit erlebt zu haben.

Wojnarowicz ’Karriere ähnelt der von Basquiat und Haring insofern, als er erstmals durch die Clubs in der Innenstadt Beachtung fand, als er 1979 mit einer Post-Punk-No-No-Band namens "3 Teens Kill 4 – No Motive" begann Kern seiner frühen Arbeit war ein politischer Aktivismus im Guerilla-Stil, der Wandbilder aufzeichnete, die er in den Boulevardmedien, in der Politik, bei Dinosauriern, Gewehren, Muggern, Soldaten, jungen männlichen Torsi und bei schießenden Süchtigen sammelte. Sein Ziel war es, auf den ethischen Ausnahmezustand aufmerksam zu machen, den er in der amerikanischen Kultur der achtziger Jahre vorfand.

Wojnarowicz nutzte häufig die Medien der Aufführung und Installationskunst, manchmal in Galerien und manchmal in verlassenen Gebäuden oder sogar an illegalen Orten wie den verlassenen Pfeilern am westlichen Ende der Canal Street in New York. Aus Gewissensgründen ließ er seinen Erfolg in der Kunstwelt (der bis Mitte der 1980er Jahre noch beträchtlich war) nie zu, um seine politische und soziale Aussage in den Schatten zu stellen. Manchmal griff er die selbstgefällige Leichtigkeit des Kunstbetriebs direkt an – 1980 warfen er und seine Freundin Julie Hare eine Ladung blutiger Kuhknochen aus dem Fleischverpackungsviertel in das Treppenhaus der schicken SoHo-Galerie von Leo Castelli, als es voller Besucher war und sie 1982 einen unaufgeforderten Beitrag zur Ausstellung "Beasts" am PSI leisteten, indem sie lebende Kakerlaken mit winzigen, aufgeklebten Hasenohren und -schwänzen ("cockabunnies") zur Eröffnung in die Galerien brachten. "

Wojnarowicz wurde durch die Schriften des französischen Schriftstellers Jean Genet und später durch William Burroughs zu einer neuen Art des Selbstbewusstseins bewegt und entwickelte einen konfrontativen Arbeitsstil, der seine Kunst aus der Komfortzone verdrängte. Seine Arbeit befasst sich mit der wahren Unmittelbarkeit von Körpererfahrung und Identität in einer Kultur, die von unbestätigter Gewalt geprägt ist und die die Gesellschaft in einer Flut von Fiktionen und Widersprüchen verbirgt.

"Sie können sich umdrehen und etwas Penner oder ein Bild des Verfalls sehen", wies Wojnarowicz darauf hin, "und sich dann wieder umdrehen und ein Restaurant ansehen, in dem das Essen 40 Dollar kostet. Sie überlagern also ständig Bilder mit Bildern und schieben sie dazwischen.", Zeitschriften, Informationen, Erinnerungen, Schilder von Lebensmittelläden – und es gibt all diese Andeutungen des Konsums… von Bildern. "

"Der Tod der amerikanischen Spiritualität" (1987)

"Der Tod der amerikanischen Spiritualität" ist ein zusammenfassendes Gemälde für Wojnarowicz, in dem er unverblümt sein größtes Thema anführt. Er teilte die Komposition in vier Tafeln ein, die durch die Kontinuität des Bullen über drei, die Berge über zwei, den Himmel über zwei andere verbunden waren. Während sich der Himmel über der Spitze fortsetzt und die roten Elektrizitätsblitze alle vier Rahmen verbinden, hören die grauen Felsen oben rechts stumpf an den Rändern auf und der rechte Rand des Berges wird abrupt von der Mittellinie der Komposition durchschnitten, wenn andere Elemente vorhanden sind sind nicht. Dies verstärkt die mehrstufige Realität der Erfahrung für Wojnarowicz wie in seinem Gemälde Wasser.

Die schrecklichen Bilder des Hopi-Schlangenbeschwörers und der Kachina mit ihren strahlenden Energiestreifen sind die Avatare der alten Kultur Amerikas und vielleicht die reinigende Kraft der Natur. Sie scheinen aus Flammen der Zerstörung hervorzugehen und umkreisen die Lager, die aus Dollarnoten (oben in der Mitte) und den auf einer politischen Karte der amerikanischen Kontinente gemalten Zahnrädern zusammengesetzt sind, und streifen sogar den Arm des Cowboys, der aus Wojnarowicz ’früherer Graffiti-Schablone von Ronald stammt Reagan als nukleares "Buckaroo". Wojnarowicz hat einmal darauf hingewiesen, dass Kinder die einzigen Menschen in der heutigen Gesellschaft sind, die über Gut und Böse nachdenken. Er verzweifelte an dieser "erkrankten Gesellschaft" und schien dennoch einen Hoffnungsschimmer gehabt zu haben, dass die Unmittelbarkeit seiner Konfrontation mit ihrem moralischen Versagen zu ihrer Rettung beitragen könnte.

Kritik

Leider wurde Wojnarowicz ’großes künstlerisches Talent für Malerei und Collage von seinen kontroversen Angriffen auf die amerikanische Gesellschaft überschattet. Nur weil jemand ein Talent für mentale Arithmetik hat, heißt das nicht, dass er überdurchschnittliche soziale Einsichten besitzt. Vielleicht der Kunstkritiker Clement Greenberg war richtig, als er in einem Artikel mit dem Titel "Abstrakte Kunst", der im April 1944 in The Nation veröffentlicht wurde, darauf hinwies: "Lassen Sie die Malerei sich auf die reine und einfache Disposition von Farbe und Linie beschränken und uns nicht durch Assoziationen mit Dingen faszinieren, die wir erfahren können authentischer anderswo. "

Gemälde von David Wojnarowicz sind in einigen der besten Kunstmuseen in Amerika, einschließlich des Whitney Museum of American Art, New York.

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VERWEISE
Wir danken für die Verwendung von Materialien aus "Art Since 1940" von Jonathan Fineberg (2000, Laurence King Publishing), eine unschätzbare Referenz für jeden ernsthaften Studenten der zeitgenössischen und postmodernen visuellen Kunst in Amerika und Europa.