Andy Warhols Pop-Art-Porträts:
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HINWEIS:
Andy Warhol gilt heute als einer der größte postmoderne Künstler Des zwanzigsten Jahrhunderts. Zusammen mit Francis Bacon zählen seine Werke zu den weltweit bekanntesten Top 10 der teuersten Gemälde und sein Beitrag zu Amerikanische Kunst kann nicht überschätzt werden. Als prominenter Künstler der Pop-Art Bewegung, er – zusammen mit Maler Roy Lichtenstein Bildhauer Claes Oldenburg und andere – neu definiert zeitgenössische Kunst der 1960er und 70er Jahre. Seine Siebdruck Porträtmalerei belebte das Genre von Porträtkunst und macht ihn zu einem der innovativsten Porträtkünstler des 20. Jahrhunderts.

Einführung

Die Begeisterung von Andy Warhol Für die Ästhetik des Fernsehens widersprachen Kolumnen von Gesellschaftszeitungen und Fanmagazinen völlig dem europäischen Modell des kämpfenden Avantgarde-Künstlers, dem die abstrakten Expressionisten gefolgt waren. Warhol forderte Reichtum und Ruhm und er betrachtete jeden, der sie hatte, als faszinierend. Darüber hinaus ist seine "Lippenstift- und Peroxid-Palette", wie Adam Gopnik (New Yorker, 10. April 1989) ausgeführt hat, "ein völlig originelles Farbempfinden, das alle früheren amerikanischen Paletten europäisch aussehen lässt". Warhols Verweigerung jeglicher Originalität bestimmte seine künstlerische Identität, und das frische Aussehen seiner Gemälde – unter Ausnutzung der neuesten kommerziellen Kunsttechniken – bestätigte dies.

Ein Teil von Warhols einzigartiger Fähigkeit lag in seiner Erkenntnis, dass eine Person über die Medien viel effektiver kommuniziert werden kann als ein Kunstobjekt, und er versuchte, seine Existenz vollständig auf der flachen Ebene reproduzierbarer Bilder zu definieren. In seinem Ausstellungskatalog von 1968 für das Moderna Museet in Stockholm schrieb er: "Wenn Sie alles über Andy Warhol wissen wollen, schauen Sie sich einfach die Oberfläche meiner Bilder an, und da bin ich. Mehr gibt es nicht." Von den frühen 1960er Jahren bis zu seinem Tod 1987 bediente sich Warhol geschickt sowohl des Stils als auch der Medien und entlarvte so die flachen Werte der heutigen Gesellschaft mit einer Offenheit, die sowohl subversiv als auch ihrer Zeit weit voraus war. Er zeigte, dass jeder Ruhm in einer sich ständig verändernden Bildwelt gleich und im Grunde bedeutungslos ist. sein eigenes öffentliches Image mag unwiderstehlich glamourös gewesen sein, aber seine Flachheit hat auch eine beunruhigende emotionale Leere hinterlassen.

Anmerkung: Weitere Pop-Künstler waren: Alex Katz (geb. 1927), Ray Johnson (1927-95), Tom Wesselmann (geb. 1931), James Rosenquist (geb. 1933), Jim Dine (geb. 1935) und Ed Ruscha (geb. 1937).

Hintergrund

Warhol wurde 1928 in der Nähe von Pittsburgh in eine Familie byzantinisch-katholischer slowakischer Einwanderer aus der Arbeiterklasse hineingeboren. Nach seinem Abschluss in Grafikdesign an der Carnegie Tech im Jahr 1949 zog er mit seinem Klassenkameraden Philip Pearlstein (geb. 1924) in eine Wohnung in New York City und erzielte schnell Erfolge als Werbegrafiker. Warhols Zeichnungen von Schuhen für Miller und Co in der New York Times brachten ihm besondere Anerkennung. Innerhalb eines Jahrzehnts war er einer der bestbezahlten Werbekünstler der Stadt und verdiente 65.000 US-Dollar pro Jahr. Warhol setzte seine Karriere als Grafiker bis Dezember 1962 fort, strebte jedoch von Anfang an privat danach, ein erfolgreicher bildender Künstler zu werden.

Stilistisch gesehen waren Warhols Kunstversuche in den 1950er Jahren eng mit seiner kommerziellen Arbeit in der Werbung verbunden, und einige Methoden und Techniken aus seiner kommerziellen Designpraxis nahmen Aspekte seiner späteren bildenden Kunst vorweg. Zum Beispiel veranstaltete er "Malpartys", um seine Werbung zu produzieren, und delegierte mehrere Aufgaben an seine Mutter. Diese Taktik wiederholte er später bei seinem umfangreichen Einsatz von Assistenten zur Herstellung seiner Kunstwerke. In ähnlicher Weise wiederholte sich seine Technik, Bilder von Zeitschriften auf Papier zu zeichnen – oder nachzuzeichnen – und sie dann mit feuchter Tinte auf einen vorbereiteten Hintergrund zu übertragen, später bei der Einführung des Siebdrucks.

Merkmale von Warhols früher Pop-Art

Während einige von Warhols künstlerischen Praktiken der 1950er Jahre in seinem späteren Schaffen fortbestanden, kann man kaum sagen, dass sie unvermeidlich zu der schockierenden Direktheit geführt haben, mit der er Ende 1959 plötzlich anfing, einen kommerziellen Kunststil in seiner Malerei anzunehmen es gibt einen Präzedenzfall für seine radikale Aneignung von Materialien direkt aus den Medien für seine großen Gemälde von Comicbildern und Zeitungsanzeigen (z. B. Campbells Soup Can, 1962). Laut Barry Blinderman (Moderne Mythen: Ein Interview mit Andy Warhol, 1981) verwendete Warhol in den frühen sechziger Jahren einen Projektor, um seine Quellen mit mechanischer Genauigkeit zu transkribieren und zu vergrößern, und in seinen Presseerklärungen bemühte er sich, jegliche Originalität in seinen zu verwerfen Arbeit. Dennoch gab er die Comics als Thema auf, seit er 1961 Roy Lichtensteins Comic-Gemälde in der Leo Castelli-Galerie entdeckte, und zeigte ein Gespür für die Notwendigkeit, einen originellen Stil zu schaffen.

Nachdem er sich für ein Thema entschieden hatte – billige Anzeigen, Comics und Schlagzeilen aus den billigen Boulevardzeitungen -, spielte Warhol zwischen 1960 und 1962 mit verschiedenen Stilen herum. In einigen Kompositionen schrieb er seine Quellen in loser Weise mit Farbtropfen um, um ihnen die Art zu geben von ausdrucksstarkem Charakter in der Gestenmalerei gefunden. Gleichzeitig schuf er andere Bilder mit harten, präzisen Kanten, einem kalten, mechanischen Stil, auf den er sich schließlich einließ, und nannte sie seine "no comment" -Gemälde.

Warhol freute sich über die irrsinnigen, nicht selektiven Massenbilder, die durch Medienwerbung beworben wurden. Seine Kunst drückte die "Gleichheit" der Massenkultur aus und hob sie hervor, die die sogenannten Intellektuellen, die am abstrakten Expressionismus beteiligt waren, verabscheuten. In seinem Buch The Philosophy of Any Warhol (1975) sagte er, dass er an Amerika mochte, dass die reichsten Verbraucher viele der gleichen Dinge kaufen wie die ärmsten. "Der Präsident trinkt Cola, Elvis trinkt Cola – jeder trinkt Cola. Und kein Geldbetrag kann jemandem eine bessere Cola kaufen, weil alle Cola gleich sind.

Trotzdem war seine Themenwahl nicht zufällig oder willkürlich. Wie Kynaston McShine in ihrer Publikation Andy Warhol: A Retrospective (1989, MOMA, New York) enthüllt, handelt es sich bei vielen seiner frühen Bilder – "Wigs", "Where Is Your Rupture?", "Before and After" – um Produkte, die körperliche Verbesserungen versprechen In Haltung, Haar und größeren Muskeln spiegeln sich Warhols körperliche Unsicherheiten wider. Sogar Superman und Popeye, die er 1960-61 malte, sind Charaktere, die augenblickliche physische Transformationen erfahren. McShines Interpretation wird durch Warhols Versuche bekräftigt, sein Aussehen in den 1950er Jahren zu verbessern, indem er eine silberne Perücke trug und sich 1957 einer Schönheitsoperation unterzog, um seine Nase neu zu formen.

Warhol hatte keine Ausstellung seiner Pop – Bilder in New York, bis Eleanor Ward sie im Herbst 1962 in der Stable Gallery bewarb, obwohl er einige von ihnen aufgehängt hatte (z. B. Werbung, Little King, Superman, Vorher und Nachher und Samstags Popeye) als Hintergrund für die Modepuppen in einem Warenhaus, das er im April 1961 für Bonwit Teller organisierte. Es war Irving Blum von der Ferus Gallery (Los Angeles), der ihm im Herbst 1962 seine erste Galerieshow schenkte: eine Installation von zweiunddreißig Campbell-Suppendosen mit einer Größe von jeweils 20 x 16 Zoll. Warhol, immer auf dem neuesten Stand, hat sie vielleicht als Antwort auf die Painted Bronze Ale Cans (1960) von Jasper Johns gemalt, aber sie übertrafen die Johns-Skulptur in der milden Neutralität ihres Massenproduktionszustandes. Die Bilder sind so unwiderstehlich, was sie sind; Sie sind keine Suppendosen, sondern Bilder, die den "Signifikanten" von dem "Signifikanten" mehr als jedes andere bis dahin geschaffene Gemälde trennen. Obwohl einige von Warhols Zeichnungen von Suppendosen noch 1962 eine zarte, gestische Qualität bewahren, haben die 32 Dosen keine Spur von ausdrucksstarker Geste oder Individualität.

Silkscreens: Eliminieren Sie die Berührung des Künstlers

Warhol malte die Dosen und Schlagzeilen der Jahre 1961 und 1962 von Hand, fand aber Ende 1962 heraus, wie man ein Bild fotografisch auf eine Siebdruckmaschine überträgt, und wechselte sofort zu dieser Technik, wobei alle Spuren der Berührung des Künstlers beseitigt und eine mechanisch losgelöstere erzeugt wurden Bild. Außerdem war er zunehmend auf Assistenten angewiesen, um seine Bilder zu schaffen. Im Juni 1963 beschäftigte er Gerard Malanga, um hauptberuflich an Siebdrucken zu arbeiten, und nach und nach kamen weitere Assistenten zur Gehaltsabrechnung. Sie arbeiteten wie die Angestellten in einem Grafikbüro. Als Warhol zum Beispiel mit der Arbeit an seiner Marilyn Monroes begann, erledigten Malanga und Billy Name den größten Teil der Arbeit, wie das Schneiden von Dingen und das Anordnen der Bildschirme, während er durch die Reihen ging und Fragen stellte wie "Welche Farbe denkst du wäre schön?". Warhol machte einen bewussten Standpunkt aus seiner Nichteinbeziehung und glaubte, dass jemand anderes in der Lage sein sollte, alle seine Bilder für ihn zu machen. Er behauptete, dass der Grund, warum er Assistenten einsetzte und so arbeitete, darin bestand, dass er eine Maschine sein und einen völlig "neutralen" Look kreieren wollte, ohne jegliche menschliche Berührung. Die Wahrheit ist jedoch, dass er den Job leicht hätte vergeben können, wenn er wirklich einen authentisch kommerziellen Look gewollt hätte. So wie es war, zog er es vor, gelegentliche menschliche Fehler wie die Fehlausrichtung der Bildschirme, das ungleichmäßige Einfärben und die intermittierenden Abstriche einzubeziehen.

Marilyn Monroes Lips (1962, Hirshhorn Museum und Skulpturengarten, Washington DC) sieht aus wie eine unvollständige Auflage, bei der die schwarze Linie und das Farbdisplay nicht ganz zusammenpassen und die Qualität der Einfärbung stark variiert. Die banale Wiederholung, die durch Massenmarkt-Geschäftsprozesse hervorgerufen wird, scheint sowohl in diesem Gemälde als auch in Gold Marilyn Monroe (1962, Museum of Modern Art, NY) einer (wenn auch passiven) individuellen Präsenz zu widersprechen. Die Wiederholung verleiht den Bildern ein anonymes, teilnahmsloses Erscheinungsbild, während sich bestimmte Merkmale in jeder unvollständig gefertigten Einheit durchsetzen und eine unangenehme Dissonanz zwischen der mechanischen Fassade und dem Gefühl des in ihr vergrabenen Individuums hervorrufen. So werden sowohl der Betrachter als auch der Künstler zu nichts anderem als passiven Voyeuren, die das Leben als Fließband von Massenbildern erleben.

Filmstar und Katastrophenbilder: Eine erschreckende Leere

Die wachsende Anzahl von Porträts von Marilyn Monroe, Liz Taylor und anderen Filmstars hatte viel mit Warhols Begeisterung für den Glamour und den Glanz von Hollywood zu tun. In Andy Warhol (1968), seinem Ausstellungskatalog für das Moderna Museet in Stockholm, stellte er fest: "Ich liebe Hollywood. Es ist wunderschön. Jeder ist plastisch. Ich möchte plastisch sein." Er war der ultimative Fan, der ultimative Konsument. Doch auch seine "Marilyn Monroes" haben eine Schattenseite. Sie entstanden nach dem Selbstmord der Schauspielerin im August 1962. Darüber hinaus lässt die mechanische Wiederholung ihres Porträts sie durchsichtig erscheinen und verweigert ihr jegliches Gefühl von Individualität unter dem Bild der Oberfläche. Es stellt eine erschreckende Entpersönlichung eines Menschen dar und spiegelt vielleicht das Bild des Künstlers von sich selbst wider. Noch 1975 schrieb er zum Beispiel: "Ich bin immer noch von der Idee heimgesucht, in den Spiegel zu schauen und niemanden zu sehen, nichts."

Während der Fernsehberichterstattung über eine nationale Tragödie wie den Selbstmord von Marilyn Monroe oder die Ermordung und Beerdigung von John F. Kennedy (alle von Warhol besessen gemalt) werden dieselben Videoclips tagelang wiederholt. Warhols "Marilyns" und andere Porträts mit mehreren Bildern haben die gleiche betäubende Wiederholung.

1963 begann Warhol mit der Arbeit an einer Katastrophenserie – zum Beispiel Saturday Disaster (1964, Rose Art Museum, Brandeis University), die die krankhafte Qualität der "Marilyns" weiterentwickelte. Er stützte die Serie auf grausame Polizei- und Boulevardfotos von Autounfällen opfer, der elektrische stuhl und die atombombe: er reproduzierte die bilder in einer vielzahl von farben und dekorativen mustern, die nicht nur wegen ihrer schrecklichen explizität stören, sondern auch, weil warhols distanz eine schreckliche depersonalisierung suggeriert: eine emotionale leere, die reflektiert die Entfremdung des Lebens in den sechziger Jahren.

In den Jahren 1962 und 1963 schuf Warhol mehrere Porträts des Neo-Dada-Künstlers Robert Rauschenberg, den er für seinen Aufstieg aus der Armut in den Ruhm verehrte. In gewisser Hinsicht ist das Beispiel von Rauschenberg ein Beispiel für Warhols berühmte Aussage: "In Zukunft wird jeder für fünfzehn Minuten weltberühmt sein." Warhol fühlte sich von dem Begriff der Berühmtheit als einer Art Konsumprodukt, das jeder besitzen kann, sehr angezogen.

Die Fabrik (1963-67)

Ende 1963 wurde das Warhol-Studio in eine alte Fabrik in der 47. East Street verlegt. "The Factory", wie es bekannt wurde, entwickelte sich allmählich zu einem Ort voller schicker Modepersönlichkeiten und anderer "schöner Leute", Drag Queens, zusammen mit Mitgliedern des Musik-Undergrounds, von denen viele mit Drogen und / oder bizarrem Verhalten beschäftigt waren. Warhol schien von Kuriositäten und Künstlern, von Dekadenz und Ausschweifungen sowie von bildender Kunst umgeben zu sein. Auf jeden Fall produzierte Warhol noch im Jahr 1964. Rückblickend sind viele Kunstkritiker immer noch davon überzeugt, dass Warhols wichtiges Werk von 1960 bis 1964 reicht.

Bis 1965 zog Warhols wachsender Ruhm andere New Yorker Prominente an, die in The Factory sehen und gesehen werden wollten. Zur gleichen Zeit jagten die Medien Warhol, während Besucher und Anhänger um seine Aufmerksamkeit drängten. Im Herbst 1965, bei der Eröffnung von Warhols Ausstellung im Institut für zeitgenössische Kunst in Philadelphia, drängten sich viertausend Menschen in zwei kleine Räume, und die Mitarbeiter mussten die Bilder aus Sicherheitsgründen von den Wänden entfernen. Es war eine Kunstausstellung ohne Kunst!

"Ich habe mich gefragt, was all diese Leute zum Schreien gebracht hat", erinnerte sich Warhol später in dem Buch Popism (1980, Warhol & Hackett). "Es war unglaublich, dass es bei einer Kunsteröffnung passierte. Aber dann waren wir nicht nur auf der Kunstausstellung – wir waren die Kunstausstellung."

Im Jahr 1966 versammelten sich die Besucher der Factory abends in einem Restaurant am Union Square, bekannt als Max’s Kansas City. Es war bei Künstlern und Schriftstellern beliebt und in den Hinterzimmern gab es einen Zirkus aus Exhibitionismus, Drogen und Sexualität. Zu den prominenten Besuchern gehörten Truman Capote, Bobby Kennedy sowie einflussreiche Persönlichkeiten aus dem Establishment der Stadt und dem Untergrund. Aber Warhol blieb der Katalysator: die Präsenz, die die Menschen dazu inspirierte oder passiv herausforderte, ihre Fantasien auszuleben, während er sie beobachtete oder fotografierte.

Leo Castelli besaß eine der renommiertesten Galerien für postmoderne Kunst in New York. Warhol wollte schon immer eine Einzelausstellung dort haben (Roy Lichtenstein hatte 1962 eine dort gehabt), und Castelli schenkte ihm schließlich 1964 eine. Seine erste Ausstellung war von den "Blumen", in denen Warhol sich weiter vom Naturalismus entfernte Palette – nicht, dass seine früheren Arbeiten in irgendeiner Weise naturalistisch waren, aber er verwendete entweder eine Skala von Werten, die der Natur entsprachen, oder eine künstlichere Skala mit zumindest einer verbleibenden Ähnlichkeit. Ab 1964 begann er, nicht-naturalistische Farben in seine Palette aufzunehmen: Zum Beispiel malte er türkis und pinke "Campbell’s Soup Cans" anstelle von roten und weißen und schuf mehrfarbige "Self Portraits" mit blauem Gesicht und gelbem Haar.

Als Warhol 1966 mit einer Ausstellung in der angesagtesten Galerie New Yorks führender Kunstpremiere der sechziger Jahre wurde, langweilte er sich mit der Malerei und hörte quasi auf, sich lieber auf die Förderung einer psychedelischen Multimedia-Performance mit dem Titel "The Exploding Plastic" zu konzentrieren Unvermeidlich "mit der Rockband Velvet Underground. Er wandte sich zunehmend dem Film zu und drehte The Chelsea Girls (1966), den ersten finanziell erfolgreichen, wenn auch höchst langweiligen Underground-Film. Es folgten einige entsetzliche Filme, die ihre künstlerische Rechnung nicht vollständig rechtfertigten. Dies war keine Überraschung, da seine frühen Filme in ihrer Passivität kompromisslos warholesque waren. Alles, was er tat, war, die Kamera auf jemanden zu richten und laufen zu lassen, es gab keine Tonspur, wie in seinem 6-stündigen, actionlosen Film mit dem Titel Sleep (1963). In Eat (1963) fokussiert die Kamera 45 Minuten lang ununterbrochen auf Popkünstler Robert Indiana wie er einen Pilz verschlingt. In Empire (1964) fokussiert die Kamera 8 Stunden lang starr auf das Empire State Building.

Künstlerischer Niedergang

1967 zog die Fabrik auf den 33 Union Square West und die Szene wurde immer seltsamer, bis im Juni 1968 Warhol von einer Gruppe Valerie Solanas erschossen und schwer verwundet wurde, die einen kleinen Teil in einem seiner Filme hatte. Die Karnevalsatmosphäre endete abrupt. Warhol wurde auf dem Operationstisch für tot erklärt, aber zum Glück wiederbelebt. Nachdem er 8 Wochen im Krankenhaus verbracht hatte, kehrte er als verängstigter Mann in die Fabrik zurück. Trotz seiner Befürchtung, dass er seine Kreativität verlieren könnte, ohne das Chaos des Karnevals in seinem Umfeld auszulösen, wurde der Zugang zum Studio verengt. Die Fabrik konzentrierte sich auf die Massenproduktion von Kunst, die sich verkaufen ließ: das sind kommerzielle Souvenirs der Avantgarde, die Warhol "Business Art" nannte.

Tatsächlich wurden Warhols Kunstwerke seit 1963 im Fließbandverfahren hergestellt – Mitte der 60er Jahre produzierte The Factory täglich bis zu 80 Siebdrucke und einmal pro Woche einen Film. Jedenfalls war Mitte 1969 Warhols bildende Kunst weitgehend ausgetrocknet. Brigid Polk, eine von Warhols Studioassistenten, wurde mit den Worten zitiert: "Ich mache das alles in den letzten eineinhalb Jahren. Andy macht keine Kunst mehr. Er langweilt sich damit." Es stimmte im Großen und Ganzen. Warhol hatte seine Aufmerksamkeit auf andere Unternehmen wie Interview, sein High-Society-Klatschmagazin, gelenkt.

Neue Porträts

In den frühen 1970er Jahren weckte Warhol sein Interesse an der Malerei mit einer Reihe von Gesellschaftsporträts und Bildern des chinesischen kommunistischen Führers Mao Zedong – z. Mao (1973, Art Institute of Chicago). Inzwischen war Warhol eine international bekannte Künstlerpersönlichkeit – nach Picasso der meist diskutierte Künstler – und ein regelmäßiger Gast bei gesellschaftlichen Anlässen und kulturellen Veranstaltungen der A-Liste. Als sich das Vietnam-Endspiel zu entfalten begann, beschäftigten sich neben den politischen und kriminellen Enthüllungen von Watergate sowohl die sehr reichen als auch die Gegenkultur-Protestbewegung mit Symbolen. Warhols Gemälde des Vorsitzenden Mao unterhielten wohlhabende Kunstsammler und bestätigten gleichzeitig den Aufstieg des westlichen Kapitalismus, indem er den legendären Champion der Weltrevolution in ein Konsumgut für die Reichen verwandelte.

Weitere Porträtmalereien erschienen. In der Tat haben Warhols Siebdruck-Porträts der siebziger Jahre das Genre der Porträtkunst neu belebt. Viele wurden in einem Standardformat von zwei 40 x 40 Zoll großen Tafeln auf vorbereitete Untergründe aus texturiertem Pinsel gedruckt, und viele der Motive zeigten das Aussehen von dimensionslosen Plastikobjekten.

Was ist real?

In den siebziger und achtziger Jahren übernahm Warhol weitere Werbe- und Designaufträge. Als er 1986 im Weihnachtskatalog von Neiman-Marcus vorgestellt wurde, wurde er sogar selbst zum Konsumgut: Es wurde eine Porträtsitzung mit Warhol zu einem Preis von 35.000 US-Dollar beworben. Warhols zunehmende Assoziation mit Status und Geld nutzte die Oberflächlichkeit und den Materialismus der amerikanischen Konsumkultur in den 70er und 80er Jahren aus, als die Menschen sich zunehmend von der Unwirklichkeit des Lebens entfremdet fühlten. Wie der Künstler selbst zugab: "Ich weiß nicht, wo das Künstliche aufhört und das Wirkliche beginnt." Ein trauriges Eingeständnis des Hohepriesters der Pop-Art, der Karriere machte, um die "Wahrheit" über die moderne Gesellschaft zu enthüllen.

Pop Art Gemälde und Zeichnungen von Andy Warhol sind in vielen Ländern der Welt zu sehen beste Galerien für zeitgenössische Kunst und in der beste Kunstmuseen um die Welt.