Traditionelle chinesische Kunst: Merkmale, Ästhetik Automatische übersetzen

Wie östliche Kunst mit westlicher Kunst verglichen wird

Die östlichen Nationen von Persien bis China entwickelten sich Zivilisationen ausgezeichnet durch Antike Kunst erfüllt von den Eigenschaften des Geistes. Der griechische Weg bestand darin, das Unwissbare abzulehnen, dem zu misstrauen, was das Gehirn nicht erkennen konnte, und stattdessen die Intellektualisierung voranzutreiben und das natürlich Schöne, das Vernünftige, das abgeleitete Ideal in den Kunstwerken zu fixieren. Somit Griechische Kunst entsteht aus sensibler Beobachtung und führt zu klaren, realistischen Darstellungen – oder in der Architektur zu einer logischen, funktionalen Struktur, die spärlich verziert ist.

Der orientalische Weg – am Beispiel von Chinesische Kunst – soll das beobachtete Naturphänomen ausschließen, das Wesen des Lebens in intuitiv erfassten Werten, in geistigen Andeutungen und in abstrakten Elementen der Farbe und kreativen formalen Organisation suchen. Östliche Kunst, weniger offensichtlich humanistisch, natürlich und intellektuell, nährt den Geist. Seine Herrlichkeit wird in den Bereichen des Nah-Abstrakten, des Kontemplativ-Mystischen und des Reich-Sinnlichen erreicht.

Möglicherweise ist das Beste in der westlichen Kunst entstanden, als Wellen des Einflusses aus dem Osten hereinstürmten. So wie die tiefgründigsten Religionen Europas aus Asien kamen, so kamen auch die Religionen Europas Visuelle Kunst war am reichsten und am wärmsten und befriedigendsten, als der eher nackte Klassizismus und Intellektualismus des Westens durch die Mystik, die Farbe (im weitesten Sinne) und die raffinierte Ästhetik der Eindringlinge aus dem Nahen und Fernen Osten bereichert wurde. Es besteht kein Zweifel daran, dass der Westen heute über die Kunst seiner Zeit nach der Renaissance desillusioniert ist und sich endlich bewusst ist, dass die griechische Leistung bei aller Perfektion der Formen auf einen schmalen Teil des Feldes beschränkt war, der für die USA offen war Künstler; dass der größere Teil der tiefgründigen und meisterhaften Kunst China und Persien und in nur geringem Maße Indien, Indonesien und Japan gehört.

Um das Unaussprechliche auszudrücken, bietet der hinduistische Philosoph eine Figur an, die dem westlichen Betrachter hilft, der über die Fremdartigkeit der orientalischen Kunst bestürzt ist. Die Seele, sagt er, ist ein inneres Auge . Sie blickt nicht auf die Außenwelt, sondern auf die ewigen Realitäten. Es sieht das Universum im Wesentlichen in spiritueller Bedeutung. Der Oriental richtet seine Kunst an dieses innere Auge, anstatt zu versuchen, das äußere Auge durch Vertrautheit oder geschickte Nachahmung oder den Intellekt durch begründeten Ausdruck zu erfreuen. Die abstrakten Elemente in der Kunst – Farbe, Rhythmus, formale Vitalität – sind eine Sprache, die für die Seele verständlich und für die innere Vision willkommen ist.

Dieses Auge im Zentrum des Bewusstseins, das bei den meisten westlichen Männern durch Vernachlässigung verkümmert oder absichtlich zu Gunsten des logischen Verstandes erblindet ist, kann geöffnet werden und wird beim Gebrauch empfindlich. Es erfasst allein die freudigsten und tiefsten Freuden, die der Kunst möglich sind. Es geht um jene Werte, die eher mit dem Fühlen als mit der Aussage verbunden sind, keine Übersetzung durch Sinne und Gehirn verlangen, den Betrachter sofort zu der Quelle befördern, an der der Künstler seine Inspiration gefunden und sein Bild empfangen hat.

Das westliche Auge, könnte man wirklich sagen, hat Tatsachen gesucht, war nervös, begierig auf objektive Berichte und verachtete das Unbekannte. Es war formblind und vorstellungsscheu. Aber jetzt zum ersten Mal seitdem Renaissance-Kunst Eine große Anzahl von Menschen aus dem Abendland versucht, die Auswirkungen des Symbols des inneren Auges zu verstehen. Sie erkennen, dass sie nicht hoffen können, die Botschaft zu erfassen und die formale Schönheit einer Zhou-Bronze oder eines Song-Landschaftsgemäldes zu genießen, ohne den Geist zu beruhigen und eine innere kontemplative Vision zu entwickeln.

Chinesisches Gemälde ist seltsam, weil es Ausdruck der Stille der Seele, der geistigen Kontemplation ist. Seine Sprache ist mehr von abstrakter und universeller Bewegung und Stimmung als von beobachteter Wirkung und konkreten natürlichen Details. Es spricht am besten mit denen, die seiner Ruhe mit Ruhe begegnen, die unschuldig auf realistische Erwartungen stoßen.

Selbst ein temperamentvolles Monster, das von einem Han-Bildhauer geschnitzt wurde, ist eher ein Produkt des Gefühls, das durch die Monsteridee und durch Steinmassen hervorgerufen wird, als eine Darstellung.

Der Betrachter, der aufrichtig das orientalische Kunstwerk erleben möchte – nicht weniger als der Künstler, der die Beschränkungen durchbrechen möchte, die der Verstand der Schöpfung auferlegt – denkt gut über das Symbol des Auges im Zentrum des Seins nach. Nachdenken und Verstehen, er kann neue Ruhe im Leben finden; neue Einsicht, ja Ekstase in der Kontemplation; und eine neue Welt des formalen Genusses öffnete sich vor ihm im Bereich der orientalischen Kunst. Bestenfalls erlebt er das Leuchten der Seele, die durchdringende Erleuchtung des inneren Wesens, die mit der Hingabe an den Geist und seiner Teilnahme an der rhythmischen schöpferischen Ordnung des Daseins einhergeht.

Als letztes Wort über den Geist und die Absicht der asiatischen Kunst kann man sagen, dass sie eine Landschaft als Ausstellung nicht aufhält. Es soll vielmehr dem Betrachter ermöglichen, seine Einheit mit der schöpferischen Ordnung, die harmonische Einheit an der Quelle allen Lebens zu spüren. Ebenso existieren asiatische religiöse Malerei und Skulptur, nicht um zu unterweisen und zu beeindrucken und zu verherrlichen, wie dies im Westen der Fall ist religiöse Kunst , aber ein Gefühl des völligen Friedens, der Richtigkeit, der durchdringenden Freude zu gewähren. Diese Kunst ist zugleich ein unmittelbares, erfreuliches Seherlebnis, Mittel zur kosmischen Selbstidentifikation und Vermittler des Ordnungsgefühls als Fundament der geistig-materiellen Welt.

Wie auch immer man persönlich reagiert, es ist nicht mehr möglich, sich zu weigern, den Körper der asiatischen Kunst über den eines anderen Kontinents zu stellen. In der Vielzahl der Meisterwerke von Malerei und Skulptur Vererbt in spätere Zeiten, in die Pracht und Sensibilität des Kunstlebens der Kultivierten von Zeit zu Zeit und vor allem in den plastischen und sinnlichen Reichtum der sogenannten kleinen Künste, in Keramik und Porzellan, in Textil und Tracht Stoffe und in Jade schnitzen und Lackwaren ist der Osten überlegen.

Für den Westler ist es im Allgemeinen eine Überraschung, dass die Orientalen in seiner Annahme der Überlegenheit, die vielleicht in den Bereichen Wissenschaft, Erfindung und Kriegsführung begründet ist, auf die Künste des Westens herabblicken. Sie haben den Realismus untersucht und für eine minderwertige Ausdrucksweise befunden. Sie vermissen den Akzent der kosmischen Ruhe, die abstrakten Zeichen der spirituellen Durchdringung, die Gelassenheit, die nach der Kontemplation kommt.

Im Weltstrom der Kunst keine Strömung, außer möglicherweise Ägyptische Kunst , floss jemals durch so viele Jahrtausende mit einem einzigen Akzent wie die Chinesen. Das Kunst des alten Persien hat in Abständen über einen Zeitraum so lange geblüht, aber mit Unterbrechungen. Neben diesen beiden, Japanische Kunst und Kultur scheint vergleichsweise neu und unreif; Dennoch hat es eine ununterbrochene Geschichte von vierzehnhundert Jahren, und seine Künste blühten Jahrhunderte, bevor die englische Sprache geboren wurde.

Es ist an der Zeit, dass wir der Neuen Welt, Europas und Amerikas, diese ältere asiatische Kultur anerkennen und sie als Hauptströmung im Strom der bedeutenden Kunst der Welt akzeptieren. Wenn wir unsere westliche Leistung darauf beziehen, müssen wir nicht nur ihre überragende Schönheit anerkennen, sondern auch den bereichernden Einfluss, den sie auf unsere eigene visuelle Kultur hatte, nicht nur in Byzantinische Kunst und das Ravenna Mosaiken , aber im maurischen Spanien, in Venedig, im Europa des 19. Jahrhunderts; vielleicht auch – in einem unberührten Rundkurs von Asien über die Beringbrücke – beeinflussend Ozeanische Kunst und vielleicht auf einem Rückweg in die von Europa abgeleitete amerikanische Kultur.

Die Pracht der frühen chinesischen Kunst

Altsteinzeit Kultur In China werden die üblichen Töpfereien, Steinwaffen und Knochenwerkzeuge der Frühzeit abgegeben Kunsthandwerk und Handwerkskunst. Die Tongefäße sind etwas komplizierter und feinfühliger verziert als die Keramik vieler anderer neolithischer Kulturen. Eine wichtige Information, die aus den Funden und Schlussfolgerungen von Archäologen hervorgeht, ist, dass die Chinesen der historischen Zeit von steinzeitlichen Vorfahren abstammen, die auf demselben Boden lebten. Dies war in Frage gestellt worden: Lange glaubten abendländische Gelehrte, die chinesische Kultur sei in einem fortgeschrittenen Stadium aus einer Region im Westen eingeführt worden. Aus den Gräbern, die nicht später als 3000 v. Chr. Liegen, und aus Überresten aus der Bronzezeit geht nun eine Kontinuität hervor. Dies schließt nicht aus, dass Einflüsse von außen immer wieder zu spüren waren, auch nicht die Gewissheit. Siehe auch: Jungsteinzeit in China (7500-2000 v. Chr.).

Die historische Abfolge bestimmter Merkmale wird zuerst in einigen Bronzegefäßen festgestellt, die vage "nach dem 14. Jahrhundert v. Chr." Datiert sind, aber die prächtige Dekoration und die fachmännische Verarbeitung weisen auf eine lange Vorgeschichte von Experiment und Reifung hin. Der zeremonielle Charakter der Kessel, Weinkessel und Glocken, die oft mit Gedenkinschriften verziert sind, lässt hier keinen Zweifel offen Bronzezeit Kunst zeichnete sich bereits durch profundes Geschick und den Einsatz üppiger Materialien aus. Möglicherweise genossen die feudalen Aristokraten oder Kriegsherren ihre Kultur unter Bedingungen außergewöhnlich wilder Ausbeutung und Massenmordes und vor dem Hintergrund des groben Aberglaubens. aber die Relikte von Kunst und Ritual sind dennoch großartig und ewig beredt von einer fortgeschrittenen, wenn auch barbarischen Zivilisation.

Obwohl die chinesische Geschichte ab etwa 1000 v. Chr. Aufgezeichnet wurde, beschreiben die Gelehrten die Lebensformen erst im dritten Jahrhundert v. Chr. Im Detail. Die Priesterkönige und Feudalherren machten dann dem ersten Universalkaiser Platz – er nahm diesen Namen offiziell an -, der das Land zu einem Imperium vereinigte, die Große Mauer errichtete und die etablierte Pracht der Hofgewohnheiten und der Kunst fortsetzte. Seine Dynastie gab dem Platz, mit dem die erste große Blüte der bildhauerischen Kunst verbunden ist, die Han-Dynastie, die von 206 v. Chr. Bis 220 n. Chr. Dauerte. Dies ist eine der Perioden wirklich herausragender Skulptur in der gesamten Weltgeschichte. Im gleichen Zeitraum wurden das Ziel und die Methoden der Malerei festgelegt; Die Werke sind jedoch fast vollständig verloren. Keramik wurde auch zu neuen Verfeinerungen getragen.

Wichtige Daten zur Entwicklung des traditionellen Kunsthandwerks in China finden Sie unter: Chinesische Kunst Timeline (18.000 v. Chr. – Gegenwart).

Buddhismus-Religion betritt chinesische Kunst

Da die Kunst in China so eng mit dem spirituellen Leben verbunden ist, ist es gut daran zu erinnern, dass im sechsten Jahrhundert v. Chr. In diesem Land zwei der größten religiösen Propheten aller Zeiten gelebt hatten, der Taoist Laozi (Lao-tzu) und Konfuzius. Es war das Jahrhundert des Kommens Buddhas nach Indien und das vor dem Aufstieg der profanen Philosophie und der intellektuellen Forschung in Griechenland (diese nahmen in der klassischen Welt danach größtenteils den Platz der Religion ein). Die Verbindung zwischen der chinesischen Malerei und der taoistischen Philosophie, heiter und spirituell, ist nicht zu übersehen. Buddhismus, wenn er in der Ära Chinas effektiv eingeführt wurde Kunst der Han-Dynastie (206 v.Chr. – 220 n.Chr.), Brachte seine eigenen Methoden und Embleme mit, und diese wurden, nicht ohne einen anhaltenden Einfluss der indisch – buddhistischen Kunst, gegen Ende des 20. Jahrhunderts in die chinesische Praxis der Bildhauerei und Malerei während der Wei – Dynastie aufgenommen die vierhundertjährige Periode, die zwischen den Errungenschaften der Han- und der Tang-Dynastie liegt.

Es war in der Ära von Tang-Dynastie Kunst dass die ostasiatische Kultur ihre größten Erfolge verzeichnete. In der Zeit der Dynastie des 3. Jahrhunderts (618-906 n. Chr.) Dehnten sich die Künste auf annektierte Gebiete aus und bestimmten die Richtung von Koreanische Kunst sowie das von Japan. Der chinesische Buddhismus legte seinen Kurs etwas abseits der Askese Indiens fest. Eine humanistischere Bemerkung deutet auf den überlebenden Einfluss von Laozi hin und weist auf den späteren Taoismus hin, in dem die beiden Religionen eine harmonische Übereinstimmung gefunden haben. In Malerei und Bildhauerei, in Porzellan und in kleinem Maßstab Terrakotta-Skulptur Dies war eine der produktivsten und aufregendsten Perioden in der Textil – und Jadebranche Kunstgeschichte Dies entspricht im Übrigen dem stagnierenden Mittelalter in Europa. Dichter, Maler und Gelehrte wurden zum kaiserlichen Hof eingeladen und ermutigt, ihre Arbeit unter großzügiger kaiserlicher Schirmherrschaft fortzusetzen.

Die meisten Behörden betrachten die Malerei als die wichtigste kulturelle Errungenschaft der Epoche von Song-Dynastie Kunst (960-1279) desto meisterhafter auf dem Gebiet der Malerei, obwohl sie sich darin einig waren, dass die Skulptur dann ablehnte. Diese Periode ist heute durch viele weitere aktuelle Werke vertreten, einschließlich des ersten großen Überlebenskörpers von Landschaftsmalerei – oft direkt verbunden mit der taoistischen Betonung innerer und abstrakter Werte.

Es gibt eine weitere bemerkenswerte, nicht zu übersehen schöne Phase des Chinesischen keramische Kunst in der Ming-Zeit (1368-1644). Das entspricht aber der späteren Renaissance in der westlichen Welt. In der Zwischenzeit fordern die Kunstwerke der Tang – und Song – Dynastien Aufmerksamkeit, denn sie sind zeitlich mit der Tang – Dynastie verwandt Mittelalterliche christliche Kunst der westlichen Völker – und in der bildenden Kunst müssen wir auch das berücksichtigen Bronzeskulptur aus früheren Dynastien.

Zeremonielle Bronzen

Dass der Künstler-Handwerker bereits Ende des zweiten Jahrtausends v. Chr. Eine wichtige Persönlichkeit in der kultivierten chinesischen Gesellschaft war, lässt sich aus den damals und in den folgenden fünfzehn Jahrhunderten hergestellten Zeremonienbronzen ableiten. Es ist so üblich, nur freistehende Skulpturen und Gemälde mit dem Begriff "Kunst" zu bezeichnen. Kunst "Dass geschmückte Gefäße manchmal als Beispiele für meisterhaftes Design übersehen werden. Aber die großen Bronzevasen, Opferurnen und Kessel der Vor-Han-Zeit haben eine großartige, sogar monumentale Qualität. (Zum Vergleich: La Tene-Stil: Gundestrup-Kessel ca. 100 v.Chr.)

In ihnen verbanden die Chinesen einen kreativen Umgang mit großen Formen mit außergewöhnlichem Dekorationsreichtum. Die Koordination von funktionaler Ausdruckskraft und Ornamentik ist so perfekt wie bei der Produktion von Gebrauchsgegenständen oder zeremoniellen Metallgegenständen jeder Zivilisation. Das berühmte Hochreliefsilber von Rom scheint in dieser Gesellschaft nicht integer und zurückhaltend zu sein. Der zu beobachtende Punkt ist, dass trotz des Reichtums an Ornamenten, selbst in seiner Fülle, das durchschnittliche Gefäß stark umrissen ist und die strukturellen und nützlichen Werte akzentuiert und nicht verdeckt werden.

Die Motive des Chinesischen Goldschmiedekunst unterscheiden sich mit den nachfolgenden Perioden und Veränderungen im nationalen Leben, und die Arten der Ornamentik variieren von den feinsten und kompliziertesten Allover-Mustern bis zu den ausgeprägtesten hochreliefierten Konventionalisierungen von Tierformen oder geometrischen Figuren. Die früher erkennbaren Motive gleichen fast abstrakten Formalisierungen phantasievoller Tiere wie Drachen und Oger, und die Quelle dürfte in alten animistischen Religionen zu suchen sein.

Die für frühe Zeiten so charakteristische Massivität hält in den Han-Bronzen an. Aber die Dekoration wird dann gebremst. Es gibt manchmal reichhaltige Oberflächenmuster, aber es ist leichter, oft graviert – der frühere Brauch, das gesamte Gefäß mit seinem Ornament in einem Stück zu gießen, hatte zu einem tieferen Schnitt und einem stärker dynamischen Relief geführt. Dass die Han-Künstler das Ornament verfeinert haben sollten, ohne die größere Vitalität und die plastische Lebensdauer des Objekts zu beeinträchtigen, wobei die Reinheit und Stärke der Konturen erhalten bleiben, zeugt von außergewöhnlicher kreativer Sensibilität. Die einfachen, bewundernswert funktionalen Gefäße dieser Ära würden an anderer Stelle als eher aus der frühen, am stärksten virilen Periode einer Kunstentwicklung stammend beurteilt, als als Vertreter einer Phase, die nach fünfzehnhundert Jahren fachmännischer Produktion auf diesem Gebiet stattfand.

In späteren Beispielen – für die Herstellung von Bronze, die durch die Tang- und Song-Dynastien teilweise durch Porzellan ersetzt wurde – schwanden die Kraft und der formale Erfindungsreichtum. Die üblichen Mittel der Dekadenz – lebloses Kopieren, die Verwendung von Mustervorlagen und die Überarbeitung von Ornamenten – schlossen schließlich die Geschichte eines einzigartigen Handwerks ab. Es ist wahrscheinlich, dass die religiösen Bräuche, die sowohl zur Verwendung vieler Arten von Gefäßen als auch zu den Ziermotiven führten, dann verschwunden waren. Sie hatten dem Künstler Inspiration gegeben und den Mäzen ermutigt; aber als sich die Zeremonie änderte, lehnte die Kunst ab. Was definitiv von den Bronzen bekannt ist, ist in der Gräberlehre (wichtig immer für die Ahnenverehrung der Chinesen) und literarischen Hinweisen auf Opfer- und Gedenkrituale verankert. Die Tang-Bronzespiegel sind oft ziemlich reich dekorativ, aber die früheren sind auch in diesem Fall faszinierender und lebendiger.

Jade-Schnitzereien

Die Art der Verzierung der Bronzegefäße und -glocken wiederholt sich in Miniatur auf Jadetalismanen oder Siegeln der Vor-Han-Zeit. Darin liegt übrigens Jade schnitzen – wie bei den Zierbronzen – eine auffällige Ähnlichkeit mit dekorativen Kompositionen der Maya – Zivilisation in Mexiko und Mittelamerika, aus der die interessante Hypothese einer wahrscheinlichen kulturellen Verbindung zwischen Asien und Japan hervorgeht Präkolumbianische Kunst in Amerika, obwohl dies historisch nicht bewiesen ist.

Chinesische Jade ist ein herausragender und gefeierter Beitrag zur Welt Schmuckkunst . Sie reichen von nicht dekorierten Amuletten in Scheiben-, Ring- oder Tablettenform, die so geformt sind, dass sie die ursprüngliche Schönheit der durchscheinenden Steine ​​- die an sich als "kristallisierte Mondlichtstücke" schön genug sind – verstärken, über abstrakte, ornamentale Embleme bis hin zu Miniaturfiguren. In letzterer ist die Formalisierung meist starr, die Tiere werden nur kurz umrissen.

Während uns die antiken Beispiele heute durch ihre feste und doch juwelenhafte skulpturale Schönheit ansprechen, hatten sie für die Künstler und Verwender in früher Zeit einen zusätzlichen symbolischen Wert. Sie sind nicht nur in Gräbern zu finden, sondern wurden auch häufig als Zauber oder Fetisch benutzt, wenn man sie an den Mündern und Augen toter Männer ablesen kann. Die ausgeklügelte Struktur der präzisen Symbolik, die in späteren Tagen von chinesischen Gelehrten aufgestellt wurde, die jeder Farbe, jedem Muster oder jedem ornamentalen Motiv eine bestimmte Bedeutung zuschrieben, ist vielleicht zu vermuten. Man kann jedoch glauben, dass Ideen aus der sehr alten, aber sich allmählich ändernden Verehrung der Natur und der Vorfahren diesen Reizen eine größere Bedeutung beigemessen haben. So können grüne, rote, weiße und blaue Jade, jeweils in traditioneller Form, Nord, Süd, Ost und West bedeutet haben, während es die richtigen "Zeichen" für Himmel und Erde, für Fruchtbarkeit und für Frieden gab; und zwei natürliche Formen nebeneinander können für vermählte Glückseligkeit gestanden haben. All dies hängt mit dem komplexen Netzwerk von Ritualen, Opfern und Bestattungsbräuchen zusammen, die der religiösen Einhaltung vor der Einführung des Buddhismus zugrunde liegen. Aber heute zählt nur, dass die geschnitzten Jaden mit dem Adel und dem formalen Leben, das wir manchmal Schönheit nennen, zwingend ausgestattet sind.

Keramik

Chinesische Keramik Dies ist ein drittes Beispiel für eine überragende Meisterschaft in früheren Zeiten, als Skulptur und Malerei in der heute als "charakteristisch für China" geltenden Form entstanden waren. Seit jeher hatten chinesische Tongefäße eine außergewöhnliche Raffinesse angenommen. [Für die meisten der Welt alte Töpferei , sehen Xianrendong Cave Pottery 18.000 v. Chr. Aus der Provinz Jiangxi, Südostchina; und Yuchanyan Höhlentöpferei , 16.000 v.Chr., Aus der benachbarten Provinz Hunan.] Die Überlegenheit in diesem Handwerk sollte bis in die späten Jahrhunderte fortbestehen, bis "China" der Name für die weltweit am meisten veredelten Töpferwaren wurde, egal wo sie hergestellt wurden. Die Perser und die Chinesen waren die höchsten Meister auf diesem Gebiet. Die chinesische Keramikkunst ist beispielhaft für das Außergewöhnliche Terracotta Armee (c.246-208 BCE), geschaffen während der Ära von Qin Dynastie Kunst (221-206 v. Chr.) Und von weltberühmten Chinesisches Porzellan , insbesondere das blau-weiße Porzellan, das in der Ära von. entwickelt wurde Ming-Dynastie Kunst (1368-1644) in Jingdezhen, in der späten Kangxi-Zeit.

Skulptur

Übergroße Steinmonster, monumental beeindruckend, unvergleichlich temperamentvoll, herrlich dekorativ; winzige bronzene oder goldene Tafeln, Fibeln und Charms, die in Silhouette und Masse viril rhythmisch sind, stark formalisiert; Unvergleichlich anmutige Figuren aus Ton und Porzellan, Polospieler und Kamele und Hofdamen mit unbeschreiblicher skulpturaler Fülle und Raffinesse – das sind Bilder, die bei der Erwähnung der chinesischen Skulptur in den Sinn kommen: drei völlig unterschiedliche Zweige der plastische Kunst von Carving, jeder in einer einzigen Kultur gemeistert. Selbst dann hat man die buddhistischen Höhlenstatuen, die nur den Hindu-Figuren nachstehen, und eine ganz besondere Art der Flachrelief-Wandmalerei, sowie die mittelalterlichen Vollrundfiguren der Bodhisattvas, die eine der edelsten und ruhigsten Arten darstellen, nicht erwähnt religiöse Skulptur in der Geschichte. Kein anderes Land weist in einer einzigen Kunst eine so große Bandbreite an hervorragenden Leistungen auf, von Miniaturtafeln bis zu monumentalen Statuen, von einfachsten, strengen Aussagen bis zu prächtig ausgearbeiteten Verzierungen, von Ruhe bis Überschwang und temperamentvoller Eleganz.

Um die Beschreibung dieser aufregenden Denkmäler und Figuren und juwelenartigen Embleme mit einem Anschein von Ordnung zu beginnen, kehren wir in die Schattenzeit vor dem Han-Beitritt 206 v. Chr. Zurück. Damals existierte, sagt die Legende oder Geschichte, kolossale Bronze Statuen , aber sie scheinen größtenteils für Geld unter späteren Regimen eingeschmolzen worden zu sein. Es gibt in der Tat überraschend wenig Skulptur in der Runde, wenn man bedenkt, dass das Entwerfen und Gießen von Bronzegeschirr, -vasen und -glocken sowie das Schnitzen von Miniatur-Jade-Anhängern längst gemeistert wurden. Die Kunst besteht eher aus Figuren, die zu den Gebrauchsbronzen gehören. Nicht selten erheben sich kleine, kräftige Tiere wie Wachposten an den Ecken des Zeremoniengefäßes oder liegen eng am Deckel an. während andere, formalisierter, Griffe oder Tüllen darstellen oder einfach kompositorische Akzente setzen. Oft verschwinden sie in geometrischen Abstraktionen.

In der Han-Dynastie sehen wir sie jedoch sozusagen ins Freie runterkommen. Bald gibt es Bronzetiere, Steintiere und Tontiere. Besonders bekannt sind die kleinen Bronzebären; es gibt in ihnen eine Tendenz zum Realismus, aber sie sind sehr einfach und für die formale Wirkung breit proportioniert. Eine breite Palette von Lieblingshaustieren erscheint in Ton, in Miniatur, als Zahlen für die Ablage in Gräbern, so dass der Verstorbene die Gefährten neben sich haben kann, die er im Leben schätzte. In diesem Zusammenhang gibt es auch Figuren von feinen Damen, die auf eine erfreuliche Änderung der Etikette hinweisen. Früher war eine Frau mit ihrem verstorbenen Ehemann lebendig begraben worden, jetzt wurde als Ersatz ein Tonbildnis beigesetzt. Zusammen mit den Frauen und Dienern sind die charmanten kleinen Schweine, Hühner und Enten. Fast keine dieser Figuren, weder menschliche noch tierische, ist mit den wahrhaft überragenden Statuetten der Tang-Ära einige Jahrhunderte später zu vergleichen. Aber es gibt viele verhaftende und belohnende Beispiele, und ein seltenes, zurückhaltendes Mädchen oder ein temperamentvolles Pferd aus einer dieser alten chinesischen Grabstätten erregt immer noch unsere tiefste Bewunderung.

Die monumentale Statue eines Pferdes neben dem Grab von General Ho Ch’u-ping, der bis in den Westen der persischen Grenze gereist war, wurde um 117 v. Chr. Von Archäologen datiert und ist eines der ältesten erhaltenen Beispiele für eine Art Gedenkstätte Kunst, die in China über viele Jahrhunderte blühte. Aber es ist besser, diese und die andere große Skulptur der Han-Zeit und die meisten der Sechs-Dynastien-Zeit zu den wahrhaft großen Steintieren des fünften und sechsten Jahrhunderts n. Chr. Zu überspringen. Diese können in zwei Arten unterteilt werden: Löwen mehr oder weniger einfach und Löwen mit Zusätzen, die sie zu überirdischen Monstern machen – Schimären und so weiter. In praktisch allen Fällen sind die skulpturale Konzeption und die Behandlung so direkt, einfach und kreativ, dass die Figuren auf eine Ebene formalen Adels gehoben werden. Sie sind erfüllt vom Geist des Tieres und vom Geist der kreativen Skulptur. In ihrer Masse, Proportionierung und rhythmischen Organisation sind sie beeindruckend, männlich und sogar dramatisch. Groß geschrieben ist hier die gleiche skulpturale Vitalität oder Bewegungsenergie, kombiniert mit einer höflichen, rhythmischen Konventionalisierung, die in den Bronzen kleiner Tiere auf höchstem Niveau zu finden ist. In beiden Bereichen gibt es die lineare Anreicherung der Oberfläche, die Verwendung von Silhouetten, die in eingeschnittenen Linien wiedergegeben werden, von kleinen abgerundeten Formen, die wiederholt und nebeneinander angeordnet werden. Es gibt nur wenige Skulpturen in der gesamten Geschichte, die so bewegend sind, und nur wenige monumentale Skulpturen, die so im Wesentlichen richtig sind.

Die größeren liegen immer noch dort, wo ihre Schöpfer sie platziert haben, oft ganz oder teilweise bedeckt vom Schmutz der Zeitalter. Heutzutage erheben sich Beispiele, die zur Hälfte unbedeckt sind, auf Bauernhöfen oder Feldern und erinnern an die Herrlichkeit des chinesischen Lebens vor vierzehn Jahrhunderten. Oder sollte man stattdessen "die Herrlichkeit des chinesischen Todes" sagen? Dies waren Grabfiguren, Markierungen, die den Weg zum Grab eines berühmten Mannes zeigten oder vielleicht den Weg des Geistes vom Grab aus anzeigten. Anderswo, außer in Ägypten, gibt es keine Aufzeichnungen über die jahrelange Beschäftigung des Menschen mit dem Leben jenseits des Todes. Die Grab- und Gedenkkünste dieser beiden alten Zivilisationen bieten ein fruchtbares Feld für vergleichende Studien.

Die Kunst der Han-Ära hatte den Ornamentalismus der vorangegangenen Perioden fortgesetzt und war direkt und kraftvoll. Trotz der linearen Verfolgung, die auf der Oberfläche der gebirgigen Massen der Löwen und Schimären sowie auf den kleinen Bronzen angebracht war, hatte sich das allgemeine Gefühl der Vereinfachung und des einheitlichen Rhythmus in der Post-Han-Skulptur fortgesetzt. Auf der Suche nach der Quelle dieses bleibenden Einflusses in kleinen und großen Werken und vorwiegend in Tierfiguren wird man zu einer der faszinierendsten Theorien der Kunstgeschichte zurückgeführt.

Skythenursprünge der chinesischen Metallskulptur

Diese Theorie besagt, dass Jahrhunderte zuvor im fernen Nord- oder Westasien eine unverwechselbare und sofort erkennbare Art von Skulptur aus Metall entstanden war, die bis vor kurzem als "skytische Tierkunst" bekannt war. Und dass im Laufe der Zeit durch wiederholte Wanderungen der Barbaren in der eurasischen Steppe, zuerst nach Süden und Osten, dann nach Westen, der Stil nach Persien und in die oberen Täler Chinas getragen worden war, wo er Einzug hielt und zu einem wurde Hauptwurzel der vorbuddhistischen Bildhauerei und im Westen verstreute Gebiete der "barbarischen Kultur" von Finnland und dem Land der Wikinger bis zum westgotischen Spanien und der Lombardei. Es war im Wesentlichen die Kunst der Nomadenstämme des Nordens, die aus jenem asiatischen Reservoir, das seit undenklichen Zeiten wechselnde und vermischte Stämme besaß, arische und mongolische Stämme, die in der späteren Geschichte auf schattige Weise als Skythen, Sarmaten und Hunnen bekannt waren.

Die Beweise, die in Überresten der Kunst selbst zu sehen sind, sprechen stark für eine gemeinsame Herkunft der Luristan-Tierfiguren Persiens, der frühen Tierskulptur Chinas und der skythischen Originale, die in Niederrussland gefunden wurden. Die seltenen nordeuropäischen Beispiele sind sowohl in Bezug auf die Motive als auch in Bezug auf das skulpturale Gefühl oder die Methode so ähnlich, dass eine angenommene Beziehung zumindest verteidigt werden kann. und es gibt sogar Grund sich zu fragen, ob die Etrusker Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art…1007 & lang = en Die Formalisierung (die so schnell nach dem Händedruck der klassifizierten Römer ausgelöscht wurde) ist möglicherweise nicht aus dem Kontakt mit den Römern entstanden Russische Skulptur von Skythen. In letzter Zeit tendierten die Archäologen dazu, den Namen "Skythenkunst" fallen zu lassen, um von "eurasischer Tierkunst" oder "Steppenkunst" zu sprechen. Einige Behörden, die versuchen, Kunstterminologie mit der einen oder anderen Rassenklassifikation in Einklang zu bringen, sprechen von dieser Entwicklung als indogermanischer Kunst oder als iranisch-europäischem Stil. Mindestens eine Behörde erweitert die Idee und bezeichnet sie als "amerikanisch".

Die einzige Gewissheit ist, dass eine der großen Manifestationen der bildhauerischen Kunst in einer weit verstreuten, aber erkennbar verwandten Ausstellung von Tieren aus Metall besteht, die in den Gräbern der skythischen Häuptlinge in Südrussland und Sibirien in den Gräbern der Krieger in Luristan im Westen gefunden wurde Persien und in den Gräbern an den Grenzen Westchinas. Die vielen Beispiele, die in diesen drei Hauptcaches gefunden wurden, stimmen mit merkwürdigen Stücken überein, die auf den europäischen Spuren der bronzezeitlichen Kunst entdeckt wurden.

Der Stil der Skythen ist, wenn man es noch so nennen darf, in seinem eigenen Land ausgestorben, es sei denn, er hatte etwas mit der Kraft der russisch-byzantinischen Kunst zu tun. In Persien blühte es einmal, in einem beschränkten Viertel, war für die Augen unsichtbar, obwohl es andere bildende Künste betraf. Alleine in China wurde es aufgegriffen oder triumphierte und fand über viele Jahrhunderte ein kontinuierliches Leben; sein Geist verbreitete sich von den Miniaturbronzebären und -schweinen und -rotwild zu den monumentalen Steinschimären.

Die Merkmale des Stils sind drei: (1) strenge dekorative Formalisierung; (2) außergewöhnliche plastische Vitalität; und (3) starke Vereinfachung der Hauptmotive zusammen mit reichem Gegenspiel der Nebenformen. Man kann sagen, dass die Stärke, die Einheit im Reichtum eine Kardinaltugend aller Kunst darstellt, in der formale Exzellenz und sinnliche Verzierungen fachmännisch kombiniert werden. Aber die Wirkung konzentrierter Energie, temperamentvoller Bewegung innerhalb einer reich dekorativen Komposition wird hier in vielen der Broschen, Talismane und Plaketten überragend gemeistert. Ob in einer goldenen Schnalle aus Skythien selbst oder in einem Luristan-Trapezring oder in einem ornamentalen Hirsch aus Bronze aus der Ordos-Wüste, es gibt die vitale Bewegung, den dominierenden, zwingenden Einzeltierrhythmus, der in dekorativen Konturen gepolstert und gemustert ist Zubehörteil.

Selbst in kleinen Stücken ist ein Eindruck von Größe zu spüren. Praktisch immer gibt es eine Verzerrung des Objekts, wie sie von der Kamera gesehen werden würde: hier ist kein Hauch des Realismus von Mesopotamische Skulptur oder von Griechenland oder Rom. Es ist dekorative Kunst , nicht Naturalismus, den der Künstler beabsichtigt hat: kraftvoller, geradliniger Ornamentalismus und immer die außergewöhnliche Kühnheit und Männlichkeit. Es gibt fast immer auch eine Vermeidung von Symmetrie, eine Vermeidung, die in jeder so dynamischen und individualisierten Kunst unvermeidlich ist.

Die meisten Miniaturbeispiele des Stils (der weitaus größere Teil des gesamten Sortiments) sind in geringem Relief. Auch technisch "in der Runde" ist die Figur deutlich abgeflacht. Tiere, einzeln oder in Gruppen, freie Figuren, geometrisch so lange, bis ihre Umrisse in nahezu mathematischer Regelmäßigkeit einen eigenen Rahmen bilden, durchbohrte Ziertafeln, die der Silhouette zusätzliche Schärfe verleihen, kräftig geschnitzte Dolchgriffe – das sind typische Merkmale. Es gibt auch eine andere unrealistische Note, die Steigerung der formalen Eleganz durch Oberflächenmusterung – manchmal durch nachgezeichnete Linien; öfter, wie es sich für eine Skulptur gehört, durch Wiederholungen kleinerer Schwellungsformen, wie in den Hörnern eines Hirsches oder einer Bergziege oder in der Mähne eines Pferdes oder eines Löwen. Diese besondere Art von skulpturalem Kontrapunkt wird nirgendwo anders so aufschlussreich manipuliert.

Wann der "Tierstil" in China Einzug hielt, ist noch ungewiss. Es könnte eine allmähliche Infusion gewesen sein, als Welle um Welle Eindringlinge aus dem vagen "Westen" hereinbrachen. Es besteht die Möglichkeit, dass die Bronzegefäße vor Han ihre Tiermasken und -krallen und gelegentlich volle Tierfiguren durch den Kontakt mit gewonnen hatten der Westen, wenn nicht durch Invasion aus diesem Viertel. Sicher weist eine breite Palette von dekorativen Motiven auf frühere Beispiele hin. Als eigenständige Skulptur auftauchte, war das Thema so, dass man nur den fremden Ursprung annehmen kann; Die Tiere sind so oft diejenigen, die für ein Jagdvolk wichtig sind, nicht für ein Landvolk wie die Chinesen.

Die tatsächlichen Beispiele, die den Prototypen der Skythen und Luristen am nächsten kommen, befinden sich an der westlichen Grenze des alten China – hauptsächlich in der Ordos-Wüste, von der sie ihre Bezeichnung als Ordos-Bronzen ableiten. Aus der gleichen Richtung kamen die Gastgeber und Führer, die die statische, aber anhaltende chinesische Nation immer wieder eroberten.

Bis Archäologen und Anthropologen mehr aus dem Rätsel der kulturellen Durchdringung und des Wandels der Stämme herausarbeiten, ist es sinnlos, die Tatsache eines gemeinsamen eurasischen Erbes zu akzeptieren und festzustellen, dass sich in China die Vitalität der Tierkunst langsam veränderte its miniature forms, passed over into larger sculpture: the result being those outstandingly decorative monumental lions which served as the point of departure for this disgression. Aber die Welt dürfte eher mehr als weniger von einer Mutterkunst der asiatischen Steppen hören.

Buddhistische religiöse Kunst

Der Buddhismus folgte den Handelswegen in das China der mittleren Han-Kaiser in den Jahrhunderten kurz vor und nach der Geburt Christi. In Indien war bereits der griechische Einfluss zu spüren, was zur ersten Darstellung Buddhas als Mensch führte; aber der Osten konnte seinen Formalismus für den hellenistischen Realismus nicht aufgeben, und die bildhauerische Behandlung wurde konventionell und dekorativ. In Indien waren bestimmte Einstellungen und Zusätze stereotyp geworden; und in einer anderen Richtung (die einen vorbuddhistischen brahmanischen Ausdruck weiterverfolgte) gab es eine üppige, üppige bildhauerische Kunst multiplizierter Formen und wiederholter Bereiche mit hohem und niedrigem Relief. (Siehe auch Indien: Malerei und Skulptur .)

All dies wurde auf China übertragen – körperlich vielleicht in bestimmten Beispielen der kleineren Dinge, als in der Mitte des ersten Jahrhunderts n. Chr. Ein Kaiser, der von einem Heiligen im Westen geträumt hatte, Abgesandte nach Zentralasien sandte und Nachrichten und Nachrichten erhielt Zeichen von Buddha und seiner Religion. Sicherlich wurde China nicht viel später mit Schreinen und Klöstern des buddhistischen Glaubens übersät.

Weil die neue Religion den menschlichen Körper als Tempel des Geistes feierte, wurde der Mensch zum ersten Mal ein Hauptmotiv in der chinesischen Kunst. Gelassenheit und Mitgefühl gingen in die Ausdruckskraft ein; in die Haltung und den Gesichtsausdruck einerseits und in den skulpturalen Umgang andererseits. Es kam eine neue Art von plastischem Rhythmus, unterstützt von einem melodischen und anmutigen linearen Gegenspiel.

Aus den typischen Figuren Buddhas und Bodhisattvas – einer Figur auf halbem Wege zwischen Mensch und Göttlichem -, die aus Indien stammen, sollte sich eine lange Reihe religiöser Darstellungen entwickeln. Dies gipfelte in den reichhaltig bereicherten und dennoch ruhigen und unbeteiligten Bodhisattvas der Tang-Ära. Die besten von ihnen scheinen einen Geist des Friedens und der Harmonie zu atmen und sich auszuruhen, um den Tempel oder das Heiligtum mit spirituellem Licht zu erfüllen. Die bildhauerische Methode passt perfekt zu der überirdischen Intention: Sie verstärkt die religiöse Symbolik durch ihre Würde und ihr gelungenes und fein nachempfundenes Spiel von Volumen und Ebene. Die Figuren erinnern eindrucksvoll an die uralte Wahrheit, dass sich der Geist einer Epoche und eines Volkes in Kunstformen am lebendigsten ausdrücken kann.

In der anderen Richtung, die der üppigen dekorativen Verzierung von Schreinen und Tempeln, Chinesische buddhistische Skulptur folgte gleichermaßen der Tradition Indiens mit ähnlichen einheimischen Modifikationen. Die Ikonographie war, wie wir gesehen haben, nicht nur in bestimmten Einstellungen der Figur fixiert – alle in sitzenden oder stehenden Positionen der Entspannung und Ruhe -, sondern auch in symbolischen Accessoires wie dem Nimbus oder Heiligenschein und den Vorhängen. Bei der Vervielfältigung geschnitzter Figuren in den Höhlenheiligtümern und Heiligtümern setzten die chinesischen Künstler diese größeren Darstellungen in geeignete Nischen und umgaben sie, wie in Indien, mit unzähligen kleineren Reliefbildern, die direkt auf die flankierenden Felswände gemeißelt waren, wobei sie die Figuren manchmal vervielfachten bis die gesamte Höhle den Effekt hatte, mit Göttern und übernatürlichen Begleitern im Überfluss bevölkert zu sein.

Die Atmosphäre der Höhlenheiligtümer ist unvergleichlich reich und doch streng und geheimnisvoll. Angesichts des umfassenden Charakters der Bildhaueraufgabe ist der künstlerische Standard einzigartig hoch. Abgelöste Bereiche der Reliefs, nicht weniger als einzelne Bodhisattvas oder jetzt entfernte Köpfe, zahlen das Studium zurück. Wenn die Qualität der früheren brahmanischen und buddhistischen Höhlenensembles Indiens sehr ähnlich ist, sollte man bedenken, dass es in beiden Phasen eine ähnlich hohe Leistung gibt. Generell sind die Chinesen etwas zurückhaltender. Es schließt die Geschmeidigkeit und die leichtere sinnliche Dekorativität der hinduistischen Tradition aus und gewinnt dadurch eine neue Auszeichnung. Nicht selten stellten die fernöstlichen Künstler Überreste ihrer lebhaften Tierkunst vor, wie in den Yungang-Grotten in der Provinz Shaanxi.in Kompositionen nicht unähnlich den größten bildhauerischen Errungenschaften Europas am Beispiel der Domtympanons im Stil der romanischen und gotischen Skulptur in Frankreich.

Für chinesische buddhistische Kunst siehe auch: Kunst der sechs Dynastien (220-589) sowie Sui-Dynastie Art (589 & ndash; 618).

In den Yun Kang Höhlen ist es möglich, in dem Ensemble, das nach anderthalb Jahrhunderten Anstrengung ab etwa 450 n. Chr. Fertiggestellt wurde, die Wirkung von aufeinanderfolgenden geringfügigen Änderungen in Stil und Behandlung zu sehen, als neue Wellen des Einflusses aus dem Der Westen oder ein wiederbelebter Hauch lokaler Tradition bestimmten den skulpturalen Gedanken. Im Allgemeinen sind die kolossalen Buddhas in allen Höhlen am wenigsten ansprechend – die Formalisierung dort wird hölzern und das konzentrierte Gefühl wird zerstreut. Der Geist des brütenden Mitleids lässt sich selbst von den Bildhauermeistern nicht so leicht verstärken, wie es zum Beispiel die rhythmische Vitalität, die stolze Kühnheit der Ordos-Tiere gewesen war, als sie in übergroße Steinlöwen und Chimären verwandelt wurden.

Oft schnitzten die chinesischen Bildhauer Steinstelen, die wie Schnitte aus den Höhlenwänden aussehen. Buddha sitzt gelassen in einer zentralen Nische, während das umgebende Gesicht des abgeflachten Schafts mit Bodhisattvas und Begleitern mit niedrigem Relief, Vögeln, abstrakten Mustern usw. eingeschnitten ist. Manchmal vermischen sich die Elemente, die offensichtlich mit dem Buddhismus importiert wurden, mit Überlebenden der immer energetischen Tierkunst.

Ton Statuetten

Schließlich gibt es noch eine andere Art chinesischer Skulptur, die die westliche Phantasie weitgehend und mit Sicherheit erobert hat. (Die Chinesen betrachten übrigens die Skulptur als eine ihrer geringeren Künste im Vergleich zu Malerei und Kalligraphie.) Die Tonstatuetten der Tang-Ära sind gleichzeitig eine Komödie des kultivierten Lebens der damaligen Zeit und eine abwechslungsreiche und unendlich ansprechende Ausstellung skulpturaler Souveränität, Eleganz und purer Virtuosität. Dies ist nicht wie die buddhistische Skulptur ein Ergebnis künstlerischer Impulse, die in religiöse und spirituelle Ehrfurcht oder Träumerei übergehen. Es ist eher ein Ausdruck hellerer Stimmung, der Liebe zum Anmutigen, ja sogar zum Spielerischen.

Gerade die Themen sind beredt von einer Hingabe an die Freizeitseiten des Lebens: Reiter, Polospieler, Haustiere, Tänzerinnen, Musiker; Es gibt aber auch ernstere Teile – Lasttiere, Krieger und Beamte. Faszinierend wie das dokumentarische Bild des Lebens, das für die Freude und Belustigung späterer Generationen bestimmt ist, ist die unvergleichliche plastische Lebendigkeit, die skulpturale Kraft und Lebendigkeit, die hier gezeigt wird. Die chinesischen Statuetten sind den griechischen Tanagra-Figuren in Größe, Art und Umfang der Intim- und Gattungsgegenstände als reine bildhauerische Kunst überlegen. Die tanzende Figur oder der Poloist oder das Kamel oder das Pferd verewigen den Geist oder das Gefühl des Subjekts, während sie gleichzeitig die Grenzen der Miniaturkunst in neue Regionen der Ausdruckskraft verschieben.Das Objekt, wie es in der Natur gesehen wird, wird durchdringend verwirklicht, aber der tatsächliche visuelle Eindruck wird zurückgedrängt, modifiziert, transformiert, bis ein organisiertes Äquivalent, kreativ geformt in den ausdrucksvollsten und konzentriertesten Werten, die den Materialien und Methoden der Tonskulptur möglich sind, seinen Platz einnimmt. Selten haben Bildhauer in einer langen Reihe von Werken eine solche essentielle Wahrheit zum Modell oder Charakter mit einer so beredten rhythmischen Bewegung kombiniert; Selten ein solcher Aspekt von Freiheit und Spontanität mit Klang und entzückender skulpturaler Orchestrierung.eine solche essentielle Wahrheit, um einen Charakter mit einer so beredten rhythmischen Bewegung zu modellieren; Selten ein solcher Aspekt von Freiheit und Spontanität mit Klang und entzückender skulpturaler Orchestrierung.eine solche essentielle Wahrheit, um einen Charakter mit einer so beredten rhythmischen Bewegung zu modellieren; Selten ein solcher Aspekt von Freiheit und Spontanität mit Klang und entzückender skulpturaler Orchestrierung.

Die Statuetten sind meist farbig. Gewöhnlich sind sie glasiert, obwohl die Glasur möglicherweise von bestimmten Teilen des Tons weggelassen wurde, wo direkt aufgetragenes Pigment die bessere Wirkung ergibt. Als glasierte Stücke werden die Statuetten manchmal weggelassen Geschichte der Skulptur und werden stattdessen in die Keramikbücher verbannt – als gehörten sie nicht zu den Meisterwerken der freien Skulptur! In jedem Fall sind ihre frische Lebendigkeit, brillante Kraft und formale Schönheit unvergesslich, eine Quelle reinsten ästhetischen Genusses. Glücklicherweise finden die Stücke ihren Weg in viele der beste Kunstmuseen Im Westen sind selbst meisterhafte Beispiele häufig genug, um bescheidenes Privatleben zu ermöglichen Kunstsammler um sie zu besitzen. Wahrscheinlich werden noch Tausende von Figuren aus alten Gräbern gegraben. Übrigens beweisen die Untertanen, wie viele der Reliefs in ägyptischen Gräbern, dass ein Volk, das daran gewöhnt ist, Grabbeigaben zu machen, nicht als übermäßig traurig oder besessen von düsteren Gedanken über das Leben nach dem Tod angesehen werden muss. Die Tang-Statuetten sind in jeder skulpturierten Silbe thematisch fröhlich.

In China ist eine außergewöhnliche Art von Flach aufgewachsen Reliefskulptur in dem auf dem stein eine kunstvolle geschichtskomposition skizziert wurde und der raum um die figuren und gegenstände in geringer tiefe weggeschnitten wurde. So behandelte flache Platten könnten in Reihe um den Grabraum herum verwendet werden; und die Methode wurde oft mit hochreliefierten Figuren auf den buddhistischen Stelen kombiniert. Diese Art von Skulptur stellt eine außergewöhnliche Belastung für die Silhouette dar, und die Tugenden sind eher linear als dreidimensional. Tatsächlich sind viele Beispiele eher graviert als skulpturierten Steinen.

In einigen Beispielen des zweiten Jahrhunderts n. Chr., In denen die Figuren durch Kratzzeichnen und die Hintergründe herausgeschnitten wurden, herrscht die übliche chinesische Kraft, nicht ohne eine Männlichkeit, die an die Steppentradition erinnert. Es gibt auch eine abwechslungsreiche Reihe von Geschichten und Begebenheiten, die in der Redewendung erzählt werden – Mythos und historische Legende, barbarische Sitte und Heimatfest -, die alle bildlich beschrieben sind. Die Gesamtheit solcher Werke bildet eine Art steinernes Bilderbuch der chinesischen Mythologie, Folklore, Geschichte und Etikette. Obwohl diese früh moralistisch Steinskulpturen Sind die denkwürdigsten Dinge in der Mode, wurde die Flachreliefkunst über viele Jahrhunderte hinweg von Bedeutung praktiziert. Einige der Tang- Stelen haben in der Tradition Tafeln, die sich durch Fülle und Eleganz auszeichnen.

Relief und Statue, Miniatur und kolossale Figur, Stein und Bronze und Ton, allesamt vertreten durch außergewöhnlich gute Arbeit, auch wenn dies nach weltweiten Maßstäben beurteilt wird – was zu einer hohen Leistung in der Zeitrechnung hinzugefügt werden kann Holzschnitzen unvergleichliche jade skulptur Elfenbein schnitzen und eine einzigartige Art von Porträtskulptur in Überlack – man hat in China das gesamte Spektrum der bildhauerischen Kunst.

Malerei

Chinesisch Ästhetik wurden vom Maler Hsieh Ho bereits im 6. Jahrhundert zusammengefasst. Zunächst solle ein Gemälde "rhythmische Vitalität und eine eigene Lebensbewegung" haben, eine Beschreibung, die sowohl zur orientalischen als auch zur modernen Kunst passe Expressionismus ! Hsieh Ho betont die Bedeutung von Bewegung und rhythmischer Vitalität, vor allem aber betont er auch die Idee des "Lebens im Bild". Beachten Sie in diesem Zusammenhang, dass sich das meiste Denken über Kunst um das eine oder andere von zwei ganz unterschiedlichen Konzepten dreht: entweder die Darstellung oder die Repräsentation des Lebens um uns herum; oder die Schaffung von etwas Neuem, das eine eigene Animation oder Lebensbewegung hat.

Die Chinesen betrachten die Darstellung oder Nachahmung natürlicher Dinge als zweitrangig. Ihr Hauptziel ist es, dem Kunstwerk die Elemente der Lebensbewegung zu verleihen, anstatt sie zu replizieren oder zu interpretieren – schließlich, was bedeutet Schöpfung sonst noch? Hervorragende Leistungen in einem Gemälde ergeben sich eher aus der Vitalität des Gemäldes selbst als aus dem dargestellten Leben oder Gegenstand. So versetzt der chinesische Maler seine Kunst in ein eigenständiges Leben, in Bewegung in Linie und Farbe. Und all dies ist nur eine Erweiterung seiner Lebensweise: Das heißt, wenn er große Sensibilität und Gelassenheit in seiner eigenen Seele hat, wird sein Gemälde dieselben Eigenschaften ausstrahlen.

In Hsieh Hos Zusammenfassung der Ästhetik gibt es fünf weitere Prinzipien. Im Großen und Ganzen geht es um Struktur, Harmonie mit der Natur, Farbe, Komposition nach hierarchischer Ordnung und Treue zur Weisheit anderer Meister, was perfekt mit der chinesischen Leidenschaft für das Ordnen und Klassifizieren von Kunstelementen übereinstimmt. Leider hat es die Innovation – zumindest langfristig – erstickt, so dass die Malerei bis zum Ende der Ming-Dynastie (1368-1644) von Wiederholungen und akademischen Formalitäten dominiert wurde, die sich nur in ihrem Grad an Intellektualität unterschieden. Englisch: www.goethe.de/ges/mol/thm/tde/en2997366.htm Klar, wenn alle Malerei auf formelhafte Methoden reduziert ist und genaue Regeln das regeln Zeichnung von Bergen und der Darstellung von Bäumen oder Wasserfällen oder sogar von menschlichen Figuren, hört es auf, irgendeine Form von Vitalität oder Lebensbewegung auszustrahlen. Glücklicherweise umfasst die Geschichte der Malerei in China so viele Perioden von überragender Schönheit und Fülle, dass den leblosen Zwischenspielen verziehen werden kann.

Eine andere traditionelle chinesische Kunst – erfunden während der Song-Dynastie um 1000 – ist "zhezhi", besser bekannt im Westen als Origami , der Name, der seiner späteren Schwesterversion aus Japan gegeben wurde.

Linearität in Kalligraphie und Malerei

Seit dem dritten Jahrhundert n. Chr. Gilt die Kunst der Kalligraphie (Fine Art Writing) als die angesehenste aller bildenden Künste in China. Die Kalligraphie erfordert nicht nur profundes Geschick und präzises Urteilsvermögen, sondern wird auch als ein Fenster zum Charakter und zur Kultur des Schriftstellers angesehen. Die Kalligraphie erhielt ihre geistige Ausstrahlung in der Zeit von Kunst der Shang-Dynastie (1600-1050 v. Chr.), Als Orakelknochen und Schildkrötenpanzer zum ersten Mal zu Weissagungszwecken verwendet wurden und in der Ära von blühten Zhou Dynastie Kunst (1050-221 v. Chr.). Seitdem glauben die Chinesen, dass Kalligraphie außergewöhnliche persönliche Eigenschaften und ein außergewöhnliches ästhetisches Empfinden erfordert. (Siehe auch: Federzeichnungen .)

Ebenso – bis zu einem gewissen Grad – Chinesisch Tusche- und Waschmalerei . Immerhin verwendet der Maler im Wesentlichen die gleichen Instrumente wie der Kalligraph – Pinsel, Tinte und Seide oder Papier – und Kunstkritiker in China beurteilen seine Arbeit nach ähnlichen Kriterien: der Kraft und Ausdruckskraft des Pinselstrichs und dem harmonischen Rhythmus des Zusammensetzung als Ganzes. In diesem Sinne war die Malerei in China im Wesentlichen eine lineare Kunst, und die chinesischen Maler befassten sich in erster Linie nicht mit der Darstellung der Natur oder der Darstellung der Realität – beispielsweise durch die Verwendung von Chiaroscuro , Beschattung oder Geradlinige Perspektive – aber mit dem Ausdruck des inneren Wesens der Dinge durch die rhythmische Bewegung des Pinselstrichs. Es ist die rhythmische Bewegung der Linie als Reaktion auf die natürliche Bewegung der Hand des Malers, die der chinesischen Malerei eine bemerkenswerte Harmonie und Einheitlichkeit im Stil verleiht. Die Einführung der Perspektive erfolgte später in der Ära von Qing-Dynastie Kunst (1644-1911).

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