Koreanische Kunst: Merkmale, Geschichte, Entwicklung Automatische übersetzen

Eigenschaften

Traditionell hat sich die koreanische Kunst stark von der geliehen Ästhetik von beiden Chinesische Kunst und Japanische Kunst unter Verwendung ähnlicher Konzepte, Motive, Techniken und Formen. Aber trotz dieser engen Verbindung mit der Merkmale der traditionellen chinesischen Kunst Koreanische Künstler haben im Laufe der Jahrhunderte einen eigenen unverwechselbaren Stil entwickelt. Der einzigartige Charakter der koreanischen Kunst liegt in ihrer unaufdringlichen Schlichtheit und Spontanität, verbunden mit einem Gefühl der Harmonie mit der Natur.

Eines der Hauptmerkmale der koreanischen Kunst ist ihre enge Verbindung mit Naturalismus Ein Merkmal, das bereits in der Zeit der Drei Königreiche (ca. 57 v. Chr. – 668 n. Chr.) erkennbar war, jedoch in der Silla-Zeit (668–935) vollständig etabliert war. Die Praxis, die Natur so zu akzeptieren, wie sie ist, führte zu einer hoch entwickelten Wertschätzung für das Einfache und das Unverzierte. Im Holzschnitzen So favorisierten koreanische Bildhauer die unveränderte Schönheit der natürlichen Holzmaserung. Im keramische Kunst Der koreanische Töpfer war nicht daran interessiert, technische Perfektion (in seinen Oberflächen, Kurven oder Formen) zu erreichen, sondern die natürlichen Eigenschaften seiner Materialien und seines Mediums herauszustellen.

Die Einfachheit, die auch für die Verwendung von dekorativen Vorrichtungen und Motiven gilt, und das Eingreifen der menschlichen Hand werden auf ein Minimum beschränkt. Darüber hinaus war die Vermeidung von Extremen ein regelmäßiges Merkmal der meisten Arten von Kunst in Korea. Beispielsweise werden Linien mit extremer Geradheit oder extremen Kurven selten gesehen. So die kühne gerade Linie einer chinesischen Schüssel, die in der Ära von hergestellt wurde Song-Dynastie Kunst (960-1279) wird zu einer bescheidenen Kurve in einem koreanischen Schiff derselben Periode. In der Tat neigen koreanische Künstler dazu, kühne Linien, scharfe Winkel und stark abgewinkelte Ebenen sowie extreme Farben zu meiden. Kein Wunder also, auf Koreanisch die Architektur Das steil geschwungene chinesische Dach wird zu einer sanft abfallenden Variante. In Bezug auf die Gesamtwirkung ist die Wirkung eines Stücks koreanischer Kunst typisch sanft und mild: Linien sind fließend und der Eindruck ist von subtiler innerer Harmonie. Für wichtige Daten in der Entwicklung von Asiatische Kunst und Kultur, siehe: Chinesische Kunst Timeline (18.000 v. Chr. – Gegenwart).

Geschichte und Entwicklung

Prähistorische Kultur

Archäologische Beweise deuten darauf hin, dass Menschen in der späten Steinzeit über die Mandschurei aus Sibirien nach Korea kamen. Die koreanische Halbinsel enthält zahlreiche Spuren von prähistorische Kunst und Artefakte aus dem Jahr Altsteinzeit Kultur (vor 10.000 v. Chr.). Sibirischer Röntgenstil Rock Kunst Beispielsweise wurde in der Nähe der südöstlichen Küste Koreas eine Reihe primitiver Tontöpfe und Utensilien gefunden. Koreanisch alte Töpferei verbessert in der Ära von Neolithische Kunst (ca. 10.000-3.000 v. Chr.) mit der Schaffung von Gefäßen mit flachem Boden, die mit Zick-Zack-Mustern verziert sind, gefolgt von Keramik mit Kammmuster (ca. 3.000 v. Chr.). Diese Stile können Elemente von ausgeliehen haben Jungsteinzeit in China (ca. 7500-2000 v. Chr.), sind aber eher von sibirischen Traditionen beeinflusst worden. Weitere chronologische Details finden Sie unter: Keramik-Timeline (26.000 v. Chr. – 1900).

Siehe auch: Älteste Steinzeitkunst: Früheste 100 Werke .

Deutlichere Anzeichen für Chinas Einfluss auf Antike Kunst auf der koreanischen Halbinsel entstand während der Bronzezeit, als koreanische gemalte Waren unter den Einfluss von zu geraten begannen Xia Kultur (c.2100-1600), Kunst der Shang-Dynastie (c.1600-1050) und Kunst der Zhou-Dynastie (1050-221 v. Chr.). Der sibirische Einfluss blieb jedoch insbesondere in Form von Bronzedolchen und -spiegeln erhalten, die denen der skythischen Völker der eurasischen Steppe sehr ähnlich waren. Die Metallarbeiten aus der koreanischen Bronzezeit wiesen ebenfalls bestimmte Merkmale auf Hallstatt Keltische Kultur die in dieser Zeit in Mitteleuropa blühte (ca. 1000 v. Chr.). Das Üben von früh Jade schnitzen begann auch während der Bronzezeit. Die Herstellung von kleinen kommaförmigen und röhrenförmigen "Jaden" aus Steinen wie Jade, Microcline, Jaspis und dergleichen begann in Südkorea viel früher – in der mittleren Mumun-Töpferzeit (ca. 850–550 v. Chr.) – und war es auch später während der Drei Königreiche fortgesetzt. Hinweis: Die Keramik von Mumun hatte einen wichtigen Einfluss auf das Japanische Jomon Keramik der Zeit.

Der Einfluss von Chinesische Han-Dynastie Kunst (206 v.Chr. – 220 n.Chr.) Wurde in der frühen Eisenzeit (ab 300 v.Chr.) Unverkennbar, als China um 108 v.Chr. Begann, Kolonien im Nordwesten Koreas zu errichten. Eine solche Kolonie, Nangnang – in der Nähe des heutigen Pjöngjang – wurde zum Zentrum von Chinesische Keramik , ebenso gut wie Bronzeskulptur und Metallarbeiten, die zur Verbreitung der chinesischen Kultur auf der Halbinsel führten.

Zeit der drei Königreiche (ca. 57 v. Chr. – 668 n. Chr.)

Die koreanische Kunst in der aufgezeichneten Geschichte stammt aus dem Jahr 57 v. Chr., Dem Beginn der Zeit der drei Königreiche (ca. 57 v. Chr. – 668 n. Chr.), In der das Land von drei Monarchien regiert wurde: dem Königreich Goguryeo (Koguryo) (ca. 37 v. Chr. – 668 n. Chr.) CE) eine strenge Kultur mit Verbindungen nach Nordchina, die im Norden des Landes blühte (Hauptstadt Pjöngjang); das Königreich Baekje (Paekche) (ca. 18 v. Chr. – 660 n. Chr.) in der Region Kongju-Puyo im Südwesten Koreas, dessen Hof mit Südchina freundlicher war; und das weiter entfernte Königreich Silla (57 v. Chr. – 668 n. Chr.), das sich im Südosten Koreas (Hauptstadt Gongju [Kyongju]) östlich des Flusses Naktong befand. Die Gerichte von Baekje und Silla entwickelten ebenfalls enge Beziehungen zu Japan. Baekje-Machthaber zum Beispiel führten als erste die chinesische Schrift in Japan ein, während das graue Silla-Steinzeug in Japan als Sue-Keramik der Tumulus- oder Kofun-Zeit nachgeahmt wurde.

Ein wichtiger Katalysator für die Entwicklung von Visuelle Kunst In der Zeit der Drei Königreiche wurde der Buddhismus von China aus um 372 n. Chr. in Goguryeo eingeführt. Architektonisches Design in Form von buddhistischen Tempeln und Pagoden; plastische Kunst , sowohl Statue -Form und Reliefs, einschließlich Terakotta-Skulptur , Bronzen sowie Jade und Elfenbein schnitzen ; alle profitierten von der neuen Schirmherrschaft der religiösen Kunst. Bis zum 6. Jahrhundert wurde der Buddhismus zum Nationalglauben und lieferte von da an bis zum 15. Jahrhundert fast alle wichtigen Themen der koreanischen Kunst.

In Koreanisch Skulptur Das Gesicht des Buddha ist runder und ausdrucksvoller als die übliche asiatische Sprache und trägt das charakteristische "Baekje-Lächeln". Der Stil erinnert an die skulpturale Modellierung in Südchina, insbesondere in der Nan (Süd) Liang-Dynastie (502–557), als viele chinesische Bildhauer und andere Handwerker nach Baekje gegangen sind.

Kalligraphie wurde erstmals in der Zeit der drei Königreiche, etwa 300-400 n. Chr. – möglicherweise zusammen mit dem Buddhismus – in Korea eingeführt und wuchs während der Silla-Zeit, als Kim Saeng als erster koreanischer kalligraphischer Meister anerkannt wurde.

Die Grabkunst war ein weiterer wichtiger Zweig der koreanischen Kunst der damaligen Zeit, obwohl wenig überlebt hat. Eine bemerkenswerte Ausnahme ist das Grab von König Munyong in Kongju (heute ein Weltkulturerbe) aus dem 6. Jahrhundert, das 1971 ausgegraben wurde und einen riesigen Schatz an kostbaren Gegenständen enthielt, darunter schöne Beispiele von Goldschmiedekunst , sowie eine Masse von dekorativen Arbeiten, wie Gemälde und Beispiele von Lackwaren im chinesischen Stil. Koreanische Gräber wurden tatsächlich häufig mit geschmückt Wandmalerei – jetzt größtenteils zerstört – in der Regel in satten gelben, bräunlichen roten, grünen, lila und schwarzen Farben ausgeführt.

Ab etwa dem sechsten Jahrhundert Freskenmalerei zeigte Anzeichen einer erheblichen Besserung, da es unter dem Einfluss der Chinesen fiel Kunst der sechs Dynastien (220-618 CE) und Sui-Dynastie Kunst (589 & ndash; 618). Die Farbe wird intensiviert, daoistische Themen werden eingeführt, um den veralteten Stil von zu ersetzen Genre-Malerei , und Porträtkunst ist auch in Gräbern zum ersten Mal zu sehen.

In den letzten Jahrzehnten der Drei Königreiche Steinskulptur wurde im Königreich Silla populär, mit Gongju als Zentrum der Produktion. Der Impuls hierfür stammte von Tang-Dynastie Kunst (618-906) mit seinem ausgeprägten Interesse an Körpermasse.

Im dekorative Kunst Während der Zeit der Drei Königreiche entwickelte sich die Edelmetallverarbeitung besonders stark und produzierte eine breite Palette von Schmuckkunst in Gold, Goldbronze, Silber, Jade und Glas. Typische Gegenstände waren Kronen und Diademe, Ohrringe, Halsketten, Armbänder und Fingerringe.

Die typischste Art der koreanischen Keramik, die während der Drei Königreiche hergestellt wurde, ist das in Silla hergestellte harte, graue, unglasierte Steinzeug. Zu den vorherrschenden Gefäßformen gehören montierte Gläser und Tassen. Die Schultern dieser Grayware-Gläser sind in der Regel mit einer Vielzahl von menschlichen und tierischen Figuren geschmückt. In Baekje tauchten im 7. Jahrhundert eine Reihe von Tonkacheln mit Reliefs von Landschaften auf Landschaftsmalerei auf der koreanischen Halbinsel.

Silla-Zeit (668-935)

668 wurden die Königreiche Baekje und Goguryeo im Bündnis mit den chinesischen Tangs vom Herrscher der Silla erobert. Dies leitete fast drei Jahrhunderte der Silla-Kultur ein – das goldene Zeitalter der alten koreanischen Kunst. Wissenschaftler und buddhistische Mönche reisten nach China, um die berauschende kosmopolitische Kultur zu erleben, während die Stadt Gongju zu Hause der Tang-Hauptstadt Changan nachempfunden war. Von nun an wurde Südostkorea zum kulturellen Zentrum des Landes, während die nördlichen Gebiete abnahmen.

Unter der Herrschaft von Silla erlebte der Buddhismus eine Renaissance. In der Provinz Kyongsang wurden einige schöne Tempel gebaut. Andere architektonische Entwicklungen umfassten die weit verbreitete Verwendung von Granit. So stehen koreanische Granitpagoden in scharfem Kontrast zu den Holzpagoden Japans und den Backsteinpagoden Chinas. Bronzeschmiede waren verantwortlich für eine große Anzahl von Tempelglocken sowie für spezielle Behälter für die heilige Asche des Shakyamuni Buddha (Sharira-Kisten) und buddhistische Statuen. Im späten neunten Jahrhundert gingen die Bronzevorräte fast zur Neige, so dass viele Statuen aus Eisen bestanden.

Die Silla-Zeit war der Höhepunkt des koreanischen Naturalismus in der Bildhauerei. Zu Beginn war es stark vom schweren Tang-Stil beeinflusst, aber ab dem achten Jahrhundert nahm es ein weicheres naturalistisches Aussehen an, wie zum Beispiel das stehende Amitabha und Maitreya (ca. 721) von der Stelle des Kamsan-Tempels aus der massive, aber anmutige Körper und das runde, ruhige Gesicht des monumentalen Hauptbuddhas im Seokguram-Höhlentempel. Die koreanischen Bodhisattvas wurden auch von Tang-Figuren inspiriert, wie sie für den Baojing-Tempel in Xian, China (um 703), gemeißelt wurden. In den 770er Jahren begann die Silla-Skulptur jedoch bereits zu degenerieren, ein Prozess, der im frühen 9. Jahrhundert durch den allgemeinen Niedergang des Silla-Königreichs beschleunigt wurde.

Im Bereich der dekorativen Kunst und Kunsthandwerk Die Keramik von Silla ist für ihre Keramikurnen bekannt, die durch eine gelblich-grüne Bleiglasur gekennzeichnet und mit geprägten Blumenmustern verziert sind. Darüber hinaus wurden für buddhistische Tempel und Paläste Dach- und Bodenfliesen aus Steingut mit Lotusblumen und anderen Blumenmustern in Auftrag gegeben. Bronzeglocken waren eine weitere Spezialität von Silla, wie die riesige Bronzeglocke von König Songdok (771, Gongju National Museum) zeigt, die für den Pongdok-Tempel gegossen wurde. Miniatur-Bronzeschreine wurden auch für buddhistische Tempel hergestellt.

Zeit der Goryeo-Dynastie (918-1392)

Während der Goryeo-Dynastie wurde Korea der westlichen Welt zum ersten Mal bekannt. Der Name ’Goryeo’ ist der Ursprung des modernen Namens des Landes. Der Gründer von Goryeo, Wang Geon (reg. 918-43), gründete eine neue Hauptstadt in Gaeseong im heutigen Nordkorea. Seine Expansionspolitik nach Norden führte zu Konflikten an der Nordgrenze. Trotz aufeinanderfolgender Angriffe nordischer Stammesangehöriger aus der Mandschurei blühte der kulturelle Austausch mit der Song-Dynastie in China in der frühen Goryeo-Zeit und hinterließ tiefe Spuren im Kunsthandwerk von Goryeo.

Das zwölfte Jahrhundert war für Korea eine Zeit des Friedens und des Wohlstands. In dieser Zeit wurden einige der besten Seladon-Töpferwaren hergestellt. Jadefarbene, glasierte Goryeo-Seladons im klassischen Stil wurden in China zur Zeit der Kunst der Song-Dynastie besonders geschätzt, wo sie als "Erste unter dem Himmel" bezeichnet wurden. Koreanische Seladons zeichneten sich durch ihre Sanggam-Intarsien aus. Das Goryeo Seladon Hartkissen (ca. 1150), jetzt im Britisches Museum , London, ist typisch für jene, die für die Aristokratie und für buddhistische Mönche gemacht wurden. Dieses Kissen, das nachts zum Schlafen verwendet wurde, wurde oft mit seinem Besitzer begraben, als er / sie starb. Das Beispiel des British Museum ist mit feinem Sanggam-Inlay verziert und weist ein durchbrochenes Muster auf, das auf Verbindungsketten basiert. In der Goryeo-Zeit wurden häufig Einlegearbeiten aus verschiedenen Materialien verwendet, nicht nur für Seladon-Ware, sondern auch für Lack und Metall. Inlay erscheint in einigen der exquisitesten Goryeo-Kunstwerke.

Während es viele überlebende Beispiele der dekorativen Künste von Goryeo gibt, sind nur wenige Überreste der weltlichen Malerei der Dynastie erhalten. Yi Nyeong (tätig während der Regierungszeit von Injong, 1122-46) war ein berühmter Maler und seine Werke wurden von Kaiser Huizong aus der Song-Dynastie gepriesen. Eine modische wissenschaftliche Aktivität der Goryeo-Zeit war es, Tusche- und Waschbilder der sogenannten "Vier Herren" zu schaffen, nämlich Bambus, Pflaumenblüte, Orchidee und Chrysantheme.

Ein Staatsstreich ereignete sich 1170, nach dem das Militär fast ein Jahrhundert lang die Macht innehatte, bis mongolische Invasionen (1231-59) zu einer Wiederherstellung der politischen Autorität des Hofes führten. 1259 unterzeichnete der Goryeo-Herrscher einen Friedensvertrag mit den Mongolen, der bald von der Yuan-Dynastie unter Kublai Khan (1215-94) offiziell kommandiert werden sollte. Zum ersten Mal wurde die koreanische Halbinsel (sowie China selbst) von einem fremden Volk kontrolliert. Eine umfassende Mongolisierung des Goryeo-Hofes wurde angestiftet: Goryeo-Kronprinzen wurden gezwungen, in der Yuan-Hauptstadt zu leben, bis sie König wurden, und mongolische Prinzessinnen zu heiraten; Die Menschen waren gezwungen, mongolische Namen anzunehmen, die mongolische Sprache zu sprechen und mongolische Kleidung und Frisuren anzunehmen. Wie in China Yuan Dynastie Kunst war nicht für sein Interesse an oder die Förderung der einheimischen koreanischen Kultur bekannt.

Unter den Mongolen wurde der Neo-Konfuzianismus von China nach Korea gebracht. Chinesische Maler wurden nach Korea eingeladen und in dieser Zeit entstanden viele exquisite Beispiele buddhistischer Kunst. Auf Ersuchen des Hofes der chinesischen Yuan-Dynastie reisten Goryeo-Gelehrte und Maler nach China, um beleuchtete Sutras wie das illuminierte Manuskript aus dem Avatamsaka Sutra (Hwaomgyong) (14. Jahrhundert, Cleveland Museum of Art) mitzubringen. Das Titelbild dieses mehrbändigen heiligen Textes mit goldenem Pinselstrich zeigt einen Tempelhof, vor dem eine Figurengruppe steht. Die größte Figur, Buddha der Zukunft (Maitreya), spricht einen knienden Pilger an, der ihn nach dem Weg zum spirituellen Erwachen fragt. Der gesamte Text der Sutra ist in Silber gemalt. Goryeo illuminierte Manuskripte wurden neben buddhistischen Gemälden als Tributgegenstände aufgenommen und in China wegen ihrer ästhetischen und religiösen Qualitäten geschätzt. Die illuminierten Manuskripte wurden auch in Muromachi, Japan, hoch gelobt, wo eine große Anzahl von Goryeo-Werken in buddhistischen Tempeln erhalten ist.

Während der Goryeo-Zeit wurde der Buddhismus als Staatsreligion angenommen; Die Zahl der buddhistischen Tempel nahm zu und alle Aspekte der buddhistischen Kunst blühten auf. Der Wunsch, den Buddhismus zu fördern, führte tatsächlich zur Entwicklung des Druckwesens in Korea. So wurde Anfang des 13. Jahrhunderts der bewegliche Metalltyp erfunden, um die Verbreitung von Texten zu erleichtern. Jikji ("Anthologie der Zen-Lehren der großen buddhistischen Priester"), das älteste Metalldruckbuch der Welt, enthält das Wesentliche des Zen-Buddhismus. In der Zwischenzeit wurde der gesamte buddhistische Code in mehr als 80.000 Holzblöcke eingraviert, die als "Tripitaka Koreana" bekannt sind. Gegen Ende der Goryeo-Dynastie jedoch begann der Buddhismus als offizielle Staatslehre zu versagen. In der Tat trugen die Korruption und der Niedergang des Buddhismus in der letzten Periode der Goryeo-Herrschaft zum Untergang der Goryeo-Dynastie selbst bei.

Zeit der Joseon-Dynastie (1392-1910)

Joseon-Machthaber gaben den Goryeo-Buddhismus auf und übernahmen den Neo-Konfuzianismus als offizielle koreanische Ideologie. Um den Niedergang des buddhistischen Denkens voranzutreiben und das Land in eine neokonfuzianische Gesellschaft umzuwandeln, kündigten der Gründungskönig von Joseon, Yi Seonggye (1335-1408), und seine neokonfuzianischen Berater eine Reihe antibuddhistischer Maßnahmen zur Reduzierung an der Reichtum und Einfluss der buddhistischen Klöster sowie der aristokratischen Familienclans, die bisher die Regierungsgeschäfte kontrolliert hatten. All dies führte dazu, dass eine neue Eliteklasse, die neokonfuzianischen Literaten, die Regierungsbürokratie übernahm.

Die Joseon-Dynastie belebte Koreas einheimische kulturelle Traditionen und unterstützte Ming China und seinen Platz im Zentrum von Konfuzianien Zivilisation . Joseon Korea griff auf klassische chinesische Quellen zurück und ließ sich inspirieren Malerei Landschaft entstand als das primäre Genre. Ein Gyeon (tätig 1440-70), offizieller Maler des Joseon-Hofes, war Koreas bekanntester Maler im 15. Jahrhundert. Er übernahm klassische chinesische Modelle aus der Song-Ära, drückte jedoch deutlich Joseon-Stile und ästhetische Visionen aus. Seine Herangehensweise an die Landschaftsmalerei beeinflusste zu seinen Lebzeiten viele andere koreanische Künstler. In seinem tinten- und farbigen Seidenrollenbild Traumreise ins Pfirsichblütenland (1447, Universitätsbibliothek Tenri, Nara, Japan) verwendete An Gyeon stark kontrastierende Bereiche aus hellem und dunklem Pinselstrich, um einen Traum darzustellen, der mit ihm verwandt war sein Patron, Prinz Anpyeong. Das wunderschöne Pfirsichblütenland selbst ist rechts im Bild zu sehen, umgeben von einem Ring gezackter Gipfel. Ein Gyeon verstand und praktizierte nicht nur die Traditionen von Chinesisches Gemälde , interpretierte sie aber auch mit einem frischen Auge.

Von Hofmalern wurde erwartet, dass sie nicht nur imaginäre Werke dieser Art schufen, sondern auch Porträts von Königen und Beamten sowie Bilddokumente von höfischen Zeremonien. Eine große Anzahl koreanischer Gelehrter und Beamter waren selbst Künstler, die sich auf Kalligraphie und ihre Schwesterkunst spezialisierten Tusche- und Waschmalerei – die beiden renommiertesten Arten von Kunst und somit am besten für die literaten klasse geeignet.

Die Unterdrückung des Buddhismus bedeutete dies religiöse Kunst Sowohl das Volumen als auch die Qualität gingen zurück, obwohl buddhistische Ideen eine starke kulturelle Kraft blieben, insbesondere unter den unteren Schichten. Die buddhistische Ikonographie fand auch Eingang in die koreanische Sprache Volkskunst , oder minhwa , ein naiver Malstil, der mythische Figuren und Glückssymbole wie Hirsche, Tiger und Kraniche darstellt. Ab dem 17. Jahrhundert wurden Minhwa-Werke in großer Zahl produziert, um den Appetit der Öffentlichkeit auf solche Bilder zu stillen. In der Regel waren Minhwa-Maler normale Menschen, die durch das Land reisten, um Bilder zu malen, um ein Lebensereignis zu feiern.

Auf dem Gebiet der Keramik, der am höchsten geschätzten Gattung der Joseon-Zeit – eine Zeit, die mit zusammenfiel Ming-Dynastie Kunst – war weißes Porzellan, das die neokonfuzianischen Ideale von Reinheit und Genügsamkeit verkörperte. Zu Beginn der Joseon-Dynastie gab es jedoch eine parallele Entwicklung bei Buncheong-Steinzeug. Buncheong – ursprünglich Bunjang Hoecheong Sagi (graugrüne Keramik, mit Puder verziert) – ist an der Farbe der Glasur zu erkennen, die von grau und grün bis blau reicht. Keramiker, die sich der Sgraffito- Technik (Abkratzen) bedienten, brachten zuerst einen weißen Schlupf auf die Oberfläche des Tonkörpers auf und gravierten anschließend ein Muster hinein. Die restlichen Spuren des Schlupfes wurden dann entfernt, um den Körper freizulegen; Der Gegenstand wurde mit einer Glasur überzogen und dann gebrannt. Der Buncheong-Stil verschwand nach dem 16. Jahrhundert, als Joseon-Töpfer in Richtung gezogen wurden Chinesisches Porzellan , vor allem Ming-Ware.

Hinweis : Für Details zu Kunsthandwerk, das in Indien während der Joseon-Dynastie hergestellt wurde, siehe: Postklassische indische Malerei (14.-16. Jahrhundert), Mughal Malerei (16.-19. Jahrhundert) und Rajput Malerei (16.-19. Jahrhundert).

Im späten 17. Jahrhundert begann sich Koreas aufstrebende Identität als unabhängige Nation in ihrer Kunst zu widerspiegeln. Die bemerkenswerteste Errungenschaft der koreanischen Malerei im achtzehnten Jahrhundert war die Entwicklung von Jingyeong Sansu (True-View-Landschaft). Anstatt idealisierte Landschaften im chinesischen Stil zu malen, stellten koreanische Maler wie Jeong Seon (1676-1759) koreanische Landschaften dar, wie sein Meisterwerk mit dem Titel Gesamtansicht der Diamantberge (1734, Leeum, Samsung Kunstmuseum, Südkorea) zeigt. [Anmerkung: Joseon Koreaner betrachteten Ming China (1368-1644) als das rechtmäßige Zentrum der konfuzianischen Zivilisation; Die Joseon-Elite war mit chinesischen Klassikern vertraut, und Künstler malten idealisierte Landschaften, die von chinesischen Modellen abgeleitet waren. All dies änderte sich jedoch, als China 1644 in die Mandschu-Qing-Dynastie fiel. Von diesem Zeitpunkt an betrachtete sich Joseon Korea als Bewahrer der konfuzianischen Zivilisation, und das koreanische Land und Volk wurde zum Hauptanliegen vieler Gelehrter. In diesem Zusammenhang schuf Jeong dieses Werk.]

Ein weiterer wichtiger Trend war die Produktion von Genrebilder mit humorvollen Darstellungen des Lebens, wie Threshing Rice (1780), in dem Gim Hongdo (1745-1806) einen faulen, pfeifenrauchenden Bauern zeigt, der fleißige Bauern beaufsichtigt. Solche Arbeiten sprachen Koreas wachsende Mittelschicht an. Gims Seodang (Dorfschule) (Ende des 18. Jahrhunderts, Koreanisches Nationalmuseum, Seoul) zeigt einen konfuzianischen Lehrer und seine Schüler. Das Gemälde ist insofern typisch für sein Genre, als der Künstler die Individuen und ihre Ausdrücke in den Mittelpunkt stellt und den Hintergrund leer lässt.

In ihrer späten Phase hielt sich die Joseon-Gesellschaft weniger streng an die strengen konfuzianischen Tugenden der Anfangszeit und erfreute sich eines größeren Wohlstands. Die verschwenderische Verwendung von Kobaltblau Farbpigment Der letzte Schrei und die Herstellung von blau-weißem koreanischem Porzellan blühten auf. Der wachsende Wohlstand der Mittelschicht führte zu einer Vorliebe für Luxus in der angewandte Künste , und mit Perlmutt eingelegte Lackarbeiten in aufwändigen Mustern wurden populär. Obwohl das koreanische Kulturleben während des gesamten 19. Jahrhunderts florierte, war das Land leider internen Aufständen und ausländischen Aggressionen ausgesetzt. 1910 brach die Joseon-Dynastie endgültig zusammen, nachdem Korea im Rahmen seiner Expansionspolitik vom japanischen Reich überrannt worden war.

Moderne Zeit

Bei der ersten Invasion der Japaner wurde die traditionelle koreanische Malerei von Cho Sok-Chin (1853-1920) und An Chung-sik (1861-1919) angeführt. Cho war der letzte Hofmaler von Joseon und An der letzte Gelehrtenmaler. Aber beide praktizierten den genervten südländischen Stil von Qing-Dynastie Kunst mit seiner Betonung auf Fingerspitzentechnik.

Es ist wichtig zu wissen, dass die japanischen Besatzer Koreas einen konzentrierten Versuch unternahmen, die indigene Kunst in Korea zu unterdrücken, indem sie Gemälde koreanischer Motive zerstörten, Schulen koreanischer Kunst schlossen und die wenigen verbliebenen Künstler dazu zwangen, japanische Motive im japanischen Stil zu malen. Die Absicht war, koreanische Kunst in japanische Kunst umzuwandeln.

Traditionelle koreanische Kunst

Im Jahr 1911 gründete die ehemalige koreanische Kaiserfamilie eine Akademie für Malerei, um den traditionellen Stil zu fördern, der – trotz der Schließung im Jahr 1919 – eine Reihe wichtiger Maler ausbildete. In den 1930er Jahren begann sich der Stil der koreanischen Malerei unter dem Einfluss japanischer und europäischer Einflüsse zu verändern. Beispielsweise hatten die Japaner 1922 eine jährliche Gemäldeausstellung für koreanische Künstler eingerichtet, um eine neue akademische Malerei nach japanischem Vorbild zu fördern. Zu dieser Zeit wurden die einzigen modernen Einrichtungen für das Studium der Malerei von den Japanern kontrolliert. So dominierte trotz des Widerstands der koreanischen Traditionalisten die japanische Tradition. Wichtige Maler aus dieser Zeit waren Kim Eun-ho (1892-1979), Yi Sang-beom (1897-1972), Ko Hui-dong (1886-1965), Pyon Kwan-shik (1899-1976) und No Su-shik. Hyon (1899-1978). Nach dem Zweiten Weltkrieg nahm die traditionelle Malerei eine viel modernere Ausdrucksform an, wie in den Werken radikaler Künstler wie Kim Ki-chang, seiner Frau Pak Nae-hyon und Pak No-su zu sehen ist. Alle diese Maler wurden fachmännisch in traditionellen Medien geschult, wie z Federzeichnung , Tusche und Waschmalerei und Aquarellmalerei . Ihre Bilder zeigen einen selbstbewussten Sinn für Komposition und Farbe und haben auch die Qualität von echtem abstrakte Kunst .

Koreanische Kunst im westlichen Stil

Was die westliche Kunst betrifft, so ist dies die Haupttradition des Koreanischen Ölgemälde Während der gesamten japanischen Besatzung war die Repräsentationsschule, die ihre Wurzeln in hatte Impressionismus . Zu den besten Malern in dieser Kategorie gehörten Yi Chong-u, To Sang-bong (1902-77), Kim In-sung (1911-2001) und Pak Tuk-sun. Neben dem neuen Medium Öl führte die westliche Kunst den Renaissancebegriff der realistischen Darstellung mit dreidimensionaler Illusion ein Geradlinige Perspektive Zusammen mit dem Begriff der Kunst als eine Karriere, die als Vollzeitberuf und nicht nur als Hobby für Herren verfolgt werden soll. Wie wir jedoch gesehen haben, wurden fast alle diese Änderungen während der japanischen Besetzung von 1910 bis 1945 ausschließlich von Koreanern eingeführt moderne Kunst dieser Zeit wurde durch Japan gebrochen.

Diese Dualität zwischen traditioneller und westlicher Malerei wurde nach dem Krieg beibehalten: Die Malerei im westlichen Stil wurde von in Japan ausgebildeten Künstlern wie Ko Hui-dong, Lee In-sung (1912-1950) und Kim Hwan-ki (1912-1950) praktiziert. 1913-74); und traditionelle Malerei im östlichen Stil wurde von Künstlern wie Lee Sang-bom und Kim Eun-ho (1892-1979) praktiziert, die entweder traditionelle Tinte oder farbige Tinte verwendeten.

Mitte der 1950er Jahre gründete eine Gruppe junger progressiver Künstler eine Bewegung namens Informel (nach dem europäischen Stil von Art Informel ), die den westlichen Stil von abstrakte Kunst , wie vom Abstrakten Expressionismus in Amerika initiiert. Im Gegensatz dazu war die monochrome Kunst der 1970er Jahre ein Versuch, eine authentische koreanische Kunst zu schaffen, wobei die flache Oberfläche der Leinwand als Grundlage für den Ausdruck passiver, ruhiger und meditativer Harmonie diente. In den 1980er Jahren begannen Künstler der Minjung Misul- Bewegung (Volkskunst), soziale Themen zu untersuchen, und wurden mit den politischen Protesten dieses Jahrzehnts in Verbindung gebracht. Ein weiterer wichtiger zeitgenössischer Beitrag zur koreanischen Kunst ist der Videokünstler Nam June Paik (1932-2006). Nachdem er Korea während des Bürgerkriegs verlassen hatte, begann er in der Performance-Kunst, bevor er zu Video und Installation wechselte.

Weitere Ressourcen

Weitere Informationen zum ostasiatischen Kunsthandwerk finden Sie unter:

Chinesische Terrakotta-Armee (ca. 208 v. Chr.)
Indien: Malerei & Skulptur
Ukiyo-e Farbholzschnitte (um 1670-1900)