Koreanische Kunst: Merkmale, Geschichte, Entwicklung Automatische übersetzen

Traditionell hat die koreanische Kunst starke Anleihen bei der Ästhetik sowohl der chinesischen als auch der japanischen Kunst gemacht und ähnliche Konzepte, Motive, Techniken und Formen verwendet. Doch trotz dieser engen Verbindung mit den Merkmalen der traditionellen chinesischen Kunst haben die koreanischen Künstler im Laufe der Jahrhunderte ihren eigenen unverwechselbaren Stil entwickelt. Die Einzigartigkeit der koreanischen Kunst liegt in ihrer unaufdringlichen Einfachheit und Spontaneität sowie in ihrem Sinn für Harmonie mit der Natur.

Eines der Hauptmerkmale der koreanischen Kunst ist ihre enge Verbindung mit dem Naturalismus, der für die Zeit der Drei Reiche (ca. 57 v. Chr.-668 n. Chr.) charakteristisch ist, sich aber in der Silla-Zeit (668-935) voll entfaltet. Die Praxis, die Natur so zu akzeptieren, wie sie ist, führte zu einer hoch entwickelten Wertschätzung der Einfachheit und des Mangels an Verschönerung. In der Holzschnitzerei zum Beispiel bevorzugten die koreanischen Bildhauer die beständige Schönheit der natürlichen Holzmaserung. In Keramikkunst waren die koreanischen Töpfer nicht an technischer Perfektion (in Bezug auf Oberflächen, Kurven oder Formen) interessiert, sondern daran, die natürlichen Eigenschaften des Materials und des Mediums hervorzuheben.

Die Einfachheit wurde auch bei der Verwendung von dekorativen Elementen und Motiven angewandt, und der Eingriff der menschlichen Hand wurde auf ein Minimum reduziert. Darüber hinaus war das Vermeiden von Extremen ein gemeinsames Merkmal der meisten Kunstwerke in Korea. So findet man zum Beispiel nur selten Linien mit extrem geraden oder extrem gekrümmten Formen. So wird die kühne gerade Linie einer chinesischen Schale aus der Kunst der Song-Dynastie (960-1279) zu einer bescheidenen Kurve in einem koreanischen Gefäß aus derselben Zeit.

Die koreanischen Künstler neigten nämlich dazu, alle kühnen Linien, scharfen Winkel und steil abfallenden Flächen sowie extreme Farben zu vermeiden. Es ist daher nicht verwunderlich, dass das steil geschwungene chinesische Dach in der koreanischen Architektur in eine sanfte Version umgewandelt wird. Die Gesamtwirkung eines koreanischen Kunstwerks ist in der Regel weich und fließend: Die Linien sind glatt und es entsteht der Eindruck einer subtilen inneren Harmonie.

Wichtige Daten in der Entwicklung der asiatischen Kunst und Kultur siehe: Chronologie Chinesische Kunst (18.000 v. Chr. bis heute).

Geschichte und Entwicklung

Prähistorische Kultur

Archäologische Funde deuten darauf hin, dass die Menschen am Ende der Steinzeit aus Sibirien über die Mandschurei nach Korea kamen. Auf der koreanischen Halbinsel finden sich zahlreiche Spuren prähistorischer Kunst und Artefakte der paläolithischen Kultur (bis 10.000 v. Chr.). So wurden beispielsweise in der Nähe der Südostküste Koreas Höhlenmalereien im sibirischen Röntgenstil zusammen mit einer Reihe primitiver Tontöpfe und -geräte gefunden. Die koreanische antike Keramik verbesserte sich während des Neolithikums (ca. 10.000-3.000 v. Chr.), als flache, mit Zickzackmustern verzierte Gefäße auftauchten, gefolgt von Töpferwaren mit Wellenmuster (ca. 3.000 v. Chr.). Diese Stile könnten Elemente aus der neolithischen Kunst Chinas (ca. 7.500-2.000 v. Chr.) übernommen haben, aber es ist wahrscheinlicher, dass sie von sibirischen Traditionen beeinflusst wurden. Für weitere chronologische Details siehe: Chronologie der Töpferkunst (26.000 v. Chr. - 1900).

Siehe auch: Kunst der Altsteinzeit: 100 früheste Werke .

Deutlichere Anzeichen für den chinesischen Einfluss auf die antike Kunst auf der koreanischen Halbinsel traten in der Bronzezeit auf, als die koreanische bemalte Ware von der Xia-Kultur (ca. 2100-1600), der Kunst der Shang-Dynastie (ca. 1600-1050) und der Kunst der Zhou-Dynastie (1050-221 v. Chr.) beeinflusst zu werden begann. Der sibirische Einfluss blieb jedoch erhalten, insbesondere in Form von Bronzedolchen und Spiegeln, die denen der skythischen Völker der eurasischen Steppe sehr ähnlich sind.

Die Metallarbeiten der koreanischen Bronzezeit weisen auch einige Gemeinsamkeiten mit der hallstattzeitlichen keltischen Kultur auf, die zu dieser Zeit (ca. 1000 v. Chr.) in Mitteleuropa blühte. Die frühe Jadeschnitzerei begann ebenfalls in der Bronzezeit. Die Herstellung kleiner kommaförmiger und röhrenförmiger „Jades“ aus Steinen wie Jade, Mikroklin, Jaspis usw. begann in Südkorea schon viel früher, in der mittleren Periode der Mumun-Töpferei (ca. 850-550 v. Chr.), und wurde bis in die Zeit der Drei Reiche fortgesetzt. Die Mumun-Keramik hatte einen großen Einfluss auf die japanische und Jōmon-Keramik dieser Zeit.

Der Einfluss der chinesischen Kunst der Han-Dynastie (206 v. Chr. - 220 n. Chr.) wurde während der frühen Eisenzeit (ab ca. 300 v. Chr.) deutlich, als China um 108 v. Chr. begann, Kolonien im Nordwesten Koreas zu gründen. Eine dieser Kolonien, Nannan in der Nähe des heutigen Pjöngjang, wurde zu einem Zentrum für chinesische Töpferwaren sowie für Bronzeskulpturen und Metallarbeiten, was zur Verbreitung der chinesischen Kultur auf der Halbinsel führte.

Die Zeit der Drei Reiche (ca. 57 v. Chr.-668 n. Chr.)

Die koreanische Kunst in der aufgezeichneten Geschichte beginnt mit 57 v. Chr, dem Beginn der Drei-Königreiche-Periode (ca. 57 v. Chr.-668 n. Chr.), in der das Land von drei Monarchien regiert wurde: dem Königreich Goguryeo (ca. 37 v. Chr.-668 n. Chr.) mit einer asketischen, an Nordchina angelehnten Kultur, die im Norden des Landes blühte (Hauptstadt Pjöngjang); dem Königreich Baekje (ca. 18 v. Chr.); und dem Königreich Pyeongchang (ca. 18 v. Chr.). 18 v. Chr. - 660 n. Chr.), das in der Region Gongju-Puyo im Südwesten Koreas angesiedelt war und dessen Hof eher mit Südchina befreundet war; und das weiter entfernte Königreich Silla (57 v. Chr. - 668 n. Chr.), das im Südosten Koreas (Hauptstadt Gongju oder Gyeongju), östlich des Flusses Nakdong, gelegen war.

Die Höfe von Baekje und Silla entwickelten auch enge Beziehungen zu Japan. Die Herrscher von Baekje waren beispielsweise die ersten, die die chinesische Schrift in Japan einführten, und die graue Keramik aus Silla wurde in Japan als Sue-Keramik der Tumulus- oder Kofun-Periode reproduziert.

Ein wichtiger Katalysator für die Entwicklung der bildenden Künste während der Zeit der Drei Reiche war die Einführung des Buddhismus in Goguryeo aus China um 372 n. Chr.. Die architektonische Gestaltung in Form von buddhistischen Tempeln und Pagoden, die plastischen Künste, sowohl in Form von Statuen als auch von Reliefs, einschließlich Terakote-Skulpturen, Bronze, sowie Jade und Elfenbeinschnitzerei, profitierten alle von der neuen Förderung der religiösen Kunst. Im sechsten Jahrhundert war der Buddhismus zum nationalen Glauben geworden, und von da an bis zum fünfzehnten Jahrhundert lieferte er fast alle wichtigen Themen der koreanischen Kunst.

In der koreanischen Bildhauerei ist das Gesicht des Buddha im Allgemeinen runder und ausdrucksstärker als im üblichen asiatischen Idiom, und es trägt das charakteristische „Lächeln von Baekje“. Dieser Stil ähnelt der bildhauerischen Modellierung, die in Südchina praktiziert wurde, insbesondere während der Nan (Süd)Liang-Dynastie (502-557), als viele chinesische Bildhauer und andere Handwerker nach Baekje gegangen sein sollen.

Die Kalligraphie tauchte in Korea zum ersten Mal während der Zeit der Drei Reiche auf, ca. 300-400 n. Chr. - möglicherweise zusammen mit dem Buddhismus - und intensivierte sich während der Silla-Zeit, als Kim Saeng als erster koreanischer Meister der Kalligraphie anerkannt wurde.

Die Grabkunst war ein weiterer wichtiger Zweig der koreanischen Kunst dieser Zeit, auch wenn nur wenig erhalten ist. Eine bemerkenswerte Ausnahme ist das 1971 ausgegrabene Grab des Königs Munyong aus dem 6. Jahrhundert in Kongju (heute Weltkulturerbe), das eine große Anzahl wertvoller Gegenstände enthielt, darunter schöne Beispiele von Schmuck sowie eine Reihe von dekorativen Arbeiten wie Gemälde und Beispiele von Lackwaren im chinesischen Stil. Tatsächlich waren koreanische Gräber häufig mit Wandmalereien verziert, die heute weitgehend zerstört sind und in der Regel in kräftigen gelben, braunroten, grünen, violetten und schwarzen Farben ausgeführt wurden.

Etwa ab dem sechsten Jahrhundert zeigte diese Freskomalerei Anzeichen einer beträchtlichen Verbesserung, als sie unter den Einfluss der chinesischen Kunst der Sechs Dynastien (220-618 n. Chr.) und Kunst der Sui-Dynastie (589-618) geriet. Die Farben werden intensiviert, taoistische Themen werden eingeführt und ersetzen den veralteten Stil der Genremalerei, und die Porträtkunst erscheint zum ersten Mal in Gräbern .

In den letzten Jahrzehnten der Drei-Reiche-Periode wurde die Steinskulptur im Königreich Silla populär, wobei Gongju das Zentrum der Produktion war. Den Anstoß dazu gab die Kunst der Tang-Dynastie (618-906) mit ihrem charakteristischen Interesse an Körpermasse.

In der dekorativen Kunst wurde die Verarbeitung von Edelmetallen während der Zeit der Drei Reiche besonders entwickelt, was zu einer breiten Palette von Schmuckstücken aus Gold, vergoldeter Bronze, Silber, Jade und Glas führte. Typische Stücke waren Kronen und Diademe, Ohrringe, Halsketten, Armbänder und Fingerringe.

Die repräsentativste Art der koreanischen Keramik aus der Zeit der Drei Reiche ist die harte, graue, unglasierte Keramik aus der Region Silla. Zu den vorherrschenden Gefäßformen gehören Scharnierkrüge und Pokale. Die Schultern dieser grauen Tonkrüge sind in der Regel mit einer Vielzahl von menschlichen und tierischen Figuren verziert. Im siebten Jahrhundert tauchten in Baekje eine Reihe von Tonfliesen mit Reliefdarstellungen von Landschaften auf, was ein Vorläufer der Landschaftsmalerei auf der koreanischen Halbinsel war .

Die Silla-Zeit (668-935)

Im Jahr 668 wurden die Königreiche Baekje und Goguryeo vom Herrscher von Silla im Bündnis mit den chinesischen Tang erobert. Dies markierte den Beginn von fast drei Jahrhunderten Silla-Kultur, dem goldenen Zeitalter der alten koreanischen Kunst. Gelehrte und buddhistische Mönche reisten nach China, um die berauschende kosmopolitische Kultur kennenzulernen, und die Stadt Gongju wurde nach dem Vorbild der Tang-Hauptstadt Changgang errichtet. Von nun an wurde der Südosten Koreas zum kulturellen Zentrum des Landes, während die nördlichen Gebiete im Niedergang begriffen waren.

Während der Silla-Herrschaft erlebte der Buddhismus eine Renaissance, und in der Provinz Gyeongsang wurde eine Reihe schöner Tempel errichtet. Zu den weiteren architektonischen Errungenschaften gehörte die umfassende Verwendung von Granit. Die koreanischen Granitpagoden stehen beispielsweise in scharfem Kontrast zu den Holzpagoden in Japan und den Ziegelpagoden in China. Bronzegießer stellten eine große Anzahl von Tempelglocken sowie spezielle Gefäße für die heilige Asche des Shakyamuni Buddha (Sharira-Kästen) und buddhistische Statuen her. Ende des neunten Jahrhunderts waren die Vorräte an Bronze fast erschöpft, so dass man begann, viele Statuen aus Eisen zu fertigen.

Die Silla-Zeit war der Höhepunkt des koreanischen Naturalismus in der Bildhauerei. Sie war zunächst stark vom schweren Tang-Stil beeinflusst, nahm aber ab dem achten Jahrhundert ein weicheres, naturalistisches Aussehen an, wie die stehenden Amitabha und Maitreya (um 721) des Kamsan-Tempels und der massive, aber anmutige Körper und das runde, ruhige Gesicht des monumentalen Hauptbuddhas im Höhlentempel von Seokguram zeigen. Koreanische Bodhisattvas wurden auch von Tang-Figuren inspiriert, wie z. B. von den Skulpturen für den Baojing-Tempel in Xi’an, China (um 703). In den 770er Jahren hatte jedoch der Verfall der Silla-Skulptur bereits begonnen, ein Prozess, der sich im frühen neunten Jahrhundert aufgrund des allgemeinen Niedergangs des Silla-Königreichs selbst beschleunigte.

Im Bereich der dekorativen Künste und des Kunsthandwerks zeichnet sich die Silla-Keramik durch Urnen aus, die sich durch eine gelblich-grüne Bleiglasur auszeichnen und mit geprägten floralen Mustern verziert sind. Außerdem wurden für buddhistische Tempel und Paläste Tonziegel für Dächer und Fußböden in Auftrag gegeben, die mit Lotusblumen und anderen floralen Mustern verziert waren. Bronzeglocken waren eine weitere Spezialität der Silla, wie die riesige Bronzeglocke des Königs Songdok (771, Nationalmuseum Gongju) beweist, die für den Pondok-Tempel gegossen wurde. Auch Miniaturschreine aus Bronze wurden für buddhistische Tempel hergestellt.

Die Goryeo-Dynastie (918-1392)

Während der Goryeo-Dynastie wurde Korea zum ersten Mal in der westlichen Welt bekannt; der moderne Name des Landes leitet sich von dem Namen „Goryeo“ ab. Der Gründer der Goryeo-Dynastie, Wang Kyung (reg. 918-943), errichtete eine neue Hauptstadt in Kaesong im heutigen Nordkorea. Seine Politik der Expansion nach Norden führte zu Konflikten an der Nordgrenze. Trotz wiederholter Angriffe nördlicher Stämme aus der Mandschurei blühte der kulturelle Austausch mit der Song-Dynastie in China in der frühen Goryeo-Periode auf und hinterließ tiefe Spuren in der Kunst und im Kunsthandwerk von Goryeo.

Das zwölfte Jahrhundert war für Korea eine Zeit des Friedens und des Wohlstandes. In dieser Zeit wurde die beste Celadon-Töpferware hergestellt. Die jadefarbenen, glasierten Seladons im klassischen Stil aus Goryeo waren während der Song-Dynastie in China besonders beliebt, wo sie als „die ersten unter dem Himmel“ bekannt waren. Die Goryeo-Celadons zeichnen sich durch ihre einzigartige Sanggam-Einlegearbeit aus.

Ein hartes Celadon-Kissen aus der Goryeo-Periode (um 1150), das sich heute im Britischen Museum in London befindet, ist typisch für die Kissen, die für die Aristokratie und buddhistische Mönche hergestellt wurden. Ein solches Kissen, das zum Schlafen verwendet wurde, wurde nach dem Tod des Besitzers oft mit diesem begraben. Das Exemplar aus dem Britischen Museum ist mit feinen Sanggam-Intarsien verziert und weist ein durchbrochenes Muster auf, das auf verbindenden Ketten basiert. Einlegearbeiten aus verschiedenen Materialien waren in der Goryeo-Zeit weit verbreitet, nicht nur auf Geschirr, sondern auch auf Lack und Metall. Intarsien finden sich in den erlesensten Kunstwerken der Goryeo-Zeit.

Während viele Beispiele der dekorativen Kunst der Goryeo-Zeit erhalten geblieben sind, ist von der weltlichen Malerei der Dynastie nur wenig übrig geblieben. Yi Nyong (tätig während der Herrschaft von Injong, 1122-1146) war ein berühmter Maler, dessen Werke von Kaiser Huizong aus der Song-Dynastie hoch gelobt wurden. Ein modischer gelehrter Zeitvertreib der Goryeo-Periode war es, die so genannten „Vier Herren“ - Bambus, Pflaumenblüte, Orchidee und Chrysantheme - in Tusche und Lavierung darzustellen.

1170 kam es zu einem Staatsstreich, nach dem das Militär fast ein Jahrhundert lang die Macht innehatte, bis die Mongoleninvasionen (1231-59) zur Wiederherstellung der politischen Macht des Hofes führten. Im Jahr 1259 unterzeichnete der Herrscher von Goryeo einen Friedensvertrag mit den Mongolen, die bald darauf offiziell von der Yuan-Dynastie unter der Führung von Khubilai Khan (1215-1294) regiert wurden. Zum ersten Mal befand sich die koreanische Halbinsel (wie auch China selbst) unter der Kontrolle einer fremden Nation.

Der Hof von Goryeo wurde in großem Umfang mongolisiert: Die Kronprinzen von Goryeo wurden gezwungen, bis zu ihrer Ernennung zum König in der Hauptstadt Yuan zu leben und mongolische Prinzessinnen zu heiraten; die Menschen wurden verpflichtet, mongolische Namen anzunehmen, die mongolische Sprache zu sprechen und mongolische Kleidung und Frisuren zu tragen. Wie in China war auch die Kunst der Yuan-Dynastie nicht für ihr Interesse an der koreanischen Kultur oder deren Förderung bekannt.

Unter den Mongolen wurde der Neokonfuzianismus aus China nach Korea gebracht. Chinesische Künstler wurden nach Korea eingeladen, und viele exquisite Beispiele buddhistischer Kunst wurden in dieser Zeit geschaffen. Auf Ersuchen des chinesischen Hofes der Yuan-Dynastie reisten gelehrte Schriftgelehrte und Künstler aus Goryeo nach China und brachten illuminierte Sutren mit, wie das illuminierte Manuskript „des Avatamsaka-Sutra“ (Hwaomgyeong) (14. Jahrhundert, Cleveland Museum of Art). Das mit Gold gepinselte Frontispiz dieses mehrbändigen heiligen Textes zeigt einen Tempelhof, vor dem eine Gruppe von Figuren steht. Die größte Figur, der Buddha der Zukunft (Maitreya), wendet sich an einen knienden Pilger, der ihn nach dem Weg zum spirituellen Erwachen fragt. Der gesamte Text des Sutras ist mit Silberfarbe geschrieben.

Die illuminierten Manuskripte aus Goryeo wurden zusammen mit buddhistischen Gemälden als Opfergaben verwendet und in China wegen ihrer ästhetischen und religiösen Qualitäten geschätzt. Solche Manuskripte wurden auch im Muromachi-Japan hoch geschätzt, wo eine große Anzahl von Goryeo-Werken in buddhistischen Tempeln aufbewahrt wird.

Während dieser Zeit wurde der Buddhismus als Staatsreligion anerkannt. Die Zahl der buddhistischen Tempel nahm zu und alle Aspekte der buddhistischen Kunst blühten auf. Der Wunsch, den Buddhismus zu fördern, führte zur Entwicklung des Buchdrucks in Korea. So wurde im frühen dreizehnten Jahrhundert die bewegliche Metallschrift erfunden, um die Verbreitung von Texten zu erleichtern. Das älteste erhaltene Metalldruckbuch der Welt, das „Jikji“ („Anthologie der Zen-Lehren der großen buddhistischen Priester“) - Enthält die grundlegenden Lehren des Zen-Buddhismus.

In der Zwischenzeit wurde der gesamte buddhistische Kodex in mehr als 80.000 Holzblöcke geschnitzt, die als „Tripitaka Koreana“ bekannt sind. Gegen Ende der Goryeo-Dynastie begann der Buddhismus jedoch, seine Macht als offizielle Staatsdoktrin zu verlieren. Die Korruption und der Niedergang des Buddhismus in der letzten Periode der Goryeo-Dynastie trugen zum Untergang der Goryeo-Dynastie selbst bei.

Die Joseon-Dynastie (1392-1910)

Die Joseon-Herrscher gaben den Goryeo-Buddhismus auf und übernahmen den Neokonfuzianismus als offizielle Ideologie Koreas. Um den Niedergang des buddhistischen Denkens zu beschleunigen und das Land in eine neokonfuzianische Gesellschaft zu verwandeln, kündigten der Gründerkönig von Joseon, Yi Songgyo (1335-1408), und seine neokonfuzianischen Berater eine Reihe von antibuddhistischen Maßnahmen an, die darauf abzielten, den Reichtum und den Einfluss der buddhistischen Klöster sowie der aristokratischen Familienclans, die noch immer die Staatsgeschäfte kontrollierten, zu verringern. All dies führte dazu, dass eine neue Elitenklasse, die neokonfuzianischen Literaten, die herrschende Bürokratie übernahmen.

Die Joseon-Dynastie ließ die ursprünglichen kulturellen Traditionen Koreas wieder aufleben, behielt aber gleichzeitig das Ming-China und seinen Platz im Zentrum der konfuzianischen Zivilisation bei . Das Korea der Joseon-Zeit ließ sich von den klassischen chinesischen Quellen inspirieren, und die Landschaft wurde zu einem wichtigen Genre der Malerei .

Ahn Kyung (tätig 1440-70), der offizielle Maler des Joseon-Hofes, war der bedeutendste Maler Koreas im fünfzehnten Jahrhundert. Er übernahm klassische chinesische Vorbilder aus der Song-Ära, schuf jedoch einen eindeutig joseonischen Stil und eine eigene ästhetische Vision. Sein Ansatz der Landschaftsmalerei beeinflusste zu seinen Lebzeiten viele andere koreanische Künstler. In seinem Gemälde „Traumreise ins Land der Pfirsichblüten“ (1447, Tenri Universitätsbibliothek, Nara, Japan), das mit Tusche und Farbe auf eine Seidenrolle gemalt ist, verwendet Ahn Kyung stark kontrastierende helle und dunkle Bereiche und kräftige Pinselstriche, um einen Traum darzustellen, den ihm sein Gönner, Prinz Anpyeong, erzählt hatte. Auf der rechten Seite des Gemäldes ist das wunderschöne Land der Pfirsichblüten zu sehen, umgeben von einem Ring aus zerklüfteten Gipfeln. An Gyeong verstand und praktizierte nicht nur die Traditionen der chinesischen Malerei, sondern interpretierte sie auch mit einem neuen Blick.

Neben solchen phantasievollen Werken wurden von den Hofkünstlern auch Porträts von Königen und Beamten sowie bildliche Aufzeichnungen von Hofzeremonien erwartet. Viele koreanische Gelehrte und Beamte waren selbst Künstler und spezialisierten sich auf Kalligrafie und die damit verbundenen Künste der Tuschemalerei, zwei der angesehensten schönen Künste und daher für die Literatenklasse am besten geeignet.

Die Unterdrückung des Buddhismus hatte zur Folge, dass die religiöse Kunst sowohl in ihrem Umfang als auch in ihrer Qualität zurückging, obwohl die buddhistischen Ideen eine starke kulturelle Kraft blieben, insbesondere in den unteren Klassen. Die buddhistische Ikonografie spiegelte sich auch in der koreanischen Volkskunst oder minhwa wider, einem naiven Malstil, der mythische Figuren und glückliche Symbole wie Hirsche, Tiger und Kraniche darstellt. Ab dem siebzehnten Jahrhundert wurden Minhwa-Werke in großen Mengen produziert, um den Appetit des Publikums auf solche Bilder zu befriedigen. Bei den Minhwa-Künstlern handelte es sich in der Regel um einfache Leute, die durch das Land reisten und Bilder zum Gedenken an bestimmte Lebensereignisse malten.

Im Bereich der Keramik war das am meisten geschätzte Genre der Joseon-Zeit - einer Zeit, die mit der Kunst der Ming-Dynastie zusammenfiel - das weiße Porzellan, das als Verkörperung der neokonfuzianischen Ideale von Reinheit und Sparsamkeit galt. In der frühen Joseon-Dynastie entwickelte sich jedoch parallel dazu die Produktion von Buncheon-Steinzeug. Buncheon (ursprünglich „bunjang chocheon sagi“, ein graugrünes pulververziertes Steinzeug) ist an der Farbe der Glasur zu erkennen, die von grau-grün bis blau reicht. Keramiker, die die Technik des Sgraffito (Auskratzen) anwandten, trugen zunächst einen weißen Schlicker auf die Oberfläche des Tonkörpers auf und gravierten dann ein Muster ein. Anschließend wurden die Reste des Schlickers entfernt, um den Keramikkörper freizulegen; das Stück wurde glasiert und dann gebrannt. Der Buncheon-Stil verschwand nach dem 16. Jahrhundert, als sich die Töpfer von Joseon für chinesisches Porzellan, insbesondere Ming-Porzellan

Für weitere Informationen über die Kunst und das Kunsthandwerk, die während der Joseon-Dynastie in Indien hergestellt wurden, siehe Postklassische indische Malerei (14.-16. Jahrhundert), Mogul-Malerei (16.-19. Jahrhundert) und Rajput-Malerei (16.-19. Jahrhundert).

Gegen Ende des siebzehnten Jahrhunderts begann sich die entstehende Identität Koreas als unabhängiger Staat in seiner Kunst widerzuspiegeln.

Im 18. Jahrhundert war die bemerkenswerteste Errungenschaft der koreanischen Malerei die Entwicklung der jingyeong sansu (wahrhaftig aussehende Landschaft). Anstatt idealisierte Landschaften im chinesischen Stil zu malen, stellten koreanische Künstler wie Jeongseon (1676-1759) koreanische Landschaften dar. Ein Beispiel dafür ist sein Meisterwerk mit dem Titel „Wide View of Diamond Mountains“ (1734, Lium, Samsung Museum of Art, Südkorea).

Die Joseon-Koreaner betrachteten das China der Ming-Zeit (1368-1644) als das legitime Zentrum der konfuzianischen Zivilisation, die Joseon-Elite war mit den chinesischen Klassikern vertraut, und die Künstler malten idealisierte Landschaften nach chinesischen Vorbildern. Alles änderte sich jedoch, als China 1644 an die mandschurische Qing-Dynastie fiel. Von da an sah sich das koreanische Joseon als Hüter der konfuzianischen Zivilisation, und das koreanische Land und Volk wurde zum Anliegen vieler Gelehrter. In diesem Zusammenhang verfasste Choson dieses Werk.

Ein weiterer wichtiger Trend war die Schaffung von Genrebildern mit humorvollen Darstellungen des Lebens, wie z. B. „Reis dreschen“ (1780), in dem Gim Hondo (1745-1806) einen faulen, Pfeife rauchenden Bauern darstellte, der fleißige Bauern beobachtet. Solche Werke sprachen die wachsende Mittelschicht Koreas an. Das Gemälde Gim „Seodan (Dorfschule)“ (Ende des 18. Jahrhunderts, Nationalmuseum von Korea, Seoul) zeigt einen konfuzianischen Lehrer und seine Schüler. Das Gemälde ist insofern typisch für sein Genre, als der Künstler sich auf die Gesichter und ihre Mimik konzentriert und den Hintergrund leer lässt.

In der späteren Phase hielt sich die Gesellschaft von Joseon weniger streng an die strengen konfuzianischen Tugenden der frühen Periode und erfreute sich eines größeren Wohlstandes. Die verschwenderische Verwendung von kobaltblauem Farbpigment kam in Mode, und die Produktion von blauem und weißem koreanischem Porzellan florierte.

Der wachsende Wohlstand der Mittelschicht führte zu einer Vorliebe für Luxus in den angewandten Künsten, und Lackwaren mit Perlmutteinlagen in kunstvollen Mustern wurden beliebt. Obwohl das koreanische Kulturleben während des gesamten neunzehnten Jahrhunderts blühte, hatte das Land leider mit internen Rebellionen und ausländischen Aggressionen zu kämpfen. Im Jahr 1910 brach die Joseon-Dynastie schließlich zusammen, nachdem das japanische Kaiserreich im Rahmen seiner Expansionspolitik in Korea einmarschiert war.

Moderne Periode

Als die Japaner zum ersten Mal in das Land eindrangen, wurde die traditionelle koreanische Malerei von Cho Seok-chin (1853-1920) und Ahn Chun-sik (1861-1919) geleitet. Cho war der letzte der Hofmaler der Joseon-Ära, und Ahn war der letzte Gelehrte. Beide praktizierten jedoch den südlichen Stil der Kunst der Qing-Dynastie mit seiner Betonung der Fingertechnik.

Es ist wichtig zu wissen, dass die japanischen Besatzer Koreas absichtlich versuchten, die einheimische Kunst in Korea zu unterdrücken, indem sie Gemälde mit koreanischen Motiven zerstörten, koreanische Kunstschulen schlossen und die wenigen verbliebenen Künstler zwangen, japanische Motive im japanischen Stil zu malen. Die Absicht war, die koreanische Kunst in japanische Kunst zu verwandeln.

Traditionelle koreanische Kunst

1911 gründete die ehemalige koreanische Kaiserfamilie eine Malereiakademie zur Förderung des traditionellen Stils, die trotz ihrer Schließung im Jahr 1919 eine Reihe bedeutender Künstler ausbildete.

In den 1930er Jahren begann sich der Stil der koreanischen Malerei unter japanischem und europäischem Einfluss zu verändern. So richteten die Japaner 1922 eine jährliche Malereiausstellung für koreanische Künstler ein, um eine neue „japanische Art der akademischen Malerei zu fördern“. Zu dieser Zeit wurden die einzigen modernen Hilfsmittel für das Studium der Malerei von den Japanern kontrolliert. Trotz des Widerstands der koreanischen Traditionalisten dominierte die japanische Tradition. Zu den bedeutenden Künstlern dieser Zeit gehören Kim Eun-ho (1892-1979), Yi Sang-bom (1897-1972), Ko Hui-dong (1886-1965), Pyung Kwang-sik (1899-1976) und Noh Soo-hyun (1899-1978).

Nach dem Zweiten Weltkrieg nahm die traditionelle Malerei modernere Ausdrucksformen an, wie man an den Werken radikaler Künstler wie Kim Ki-chang, seiner Frau Park Nae-hyun und Park No-soo sehen kann. Alle diese Künstler beherrschten traditionelle Medien wie Feder- und Tuschemalerei, Tusche- und Lavamalerei und Aquarellmalerei . Ihre Gemälde zeigen einen sicheren Sinn für Komposition und Farbe und haben die Qualität echter abstrakter Kunst .

Koreanische Kunst im westlichen Stil

Was die Kunst im westlichen Stil betrifft, so war die Haupttradition der koreanischen Ölmalerei während der japanischen Besatzung eine Schule der schönen Künste, die ihre Wurzeln im Impressionismus hatte. Zu den besten Künstlern in dieser Kategorie gehörten Yi Jong-woo, To Sang-bong (1902-1977), Kim In-sun (1911-2001) und Park Tuk-sun.

Neben dem neuen Medium Öl führte die westliche Kunst in der Renaissance das Konzept der realistischen Darstellung mit dreidimensionaler Illusion und linearer Perspektive sowie die Idee der Kunst als Vollzeitberuf ein, der ausgeübt werden sollte, und nicht nur als Hobby für Herren. Wie wir jedoch gesehen haben, wurden fast alle diese Veränderungen während der japanischen Besatzung von 1910 bis 1945 eingeführt, wobei die gesamte koreanische moderne Kunst dieser Zeit durch Japan gebrochen wurde.

Dieser Dualismus von traditioneller und westlicher Malerei blieb auch nach dem Krieg bestehen: Die westliche Malerei wurde von in Japan ausgebildeten Künstlern wie Ko Hui-dong, Lee In-sung (1912-1950) und Kim Hwan-ki (1913-1974) praktiziert, während die traditionelle östliche Malerei von Künstlern wie Lee Sang-bom und Kim Eun-ho (1892-1979) praktiziert wurde, die entweder traditionelle oder farbige Tusche verwendeten.

Mitte der 1950er Jahre bildete eine Gruppe junger progressiver Künstler eine Bewegung namens Informel (zu Ehren des europäischen Stils des Informel), die einen westlichen Stil der abstrakten Kunst propagierte, der seinen Ursprung im Abstrakten Expressionismus in Amerika hatte. Im Gegensatz dazu war die monochrome Kunst der 1970er Jahre ein Versuch, die authentische koreanische Kunst wiederherzustellen, wobei die flache Oberfläche der Leinwand als grundlegende Grundlage für den Ausdruck einer passiven, ruhigen und meditativen Harmonie diente.

In den 1980er Jahren begannen Künstler, die der Minjung Misul (Volkskunst)-Bewegung angehörten, sich mit sozialen Themen zu befassen und wurden mit den politischen Protesten dieses Jahrzehnts in Verbindung gebracht. Ein weiterer wichtiger Vertreter der zeitgenössischen koreanischen Kunst ist der Videokünstler Nam Jun Baek (1932-2006). Nachdem er Korea während des koreanischen Bürgerkriegs verlassen hatte, begann er, sich mit Performance-Kunst zu beschäftigen und wechselte dann zu Video und Installation.

Zusätzliche Ressourcen

Weitere Informationen über ostasiatische Kunst und Kunsthandwerk finden Sie unter:

Chinesische Terrakotta-Armee (ca. 208 v. Chr.)
Indien: Malerei und Skulptur
Ukiyo-e Holzschnitte (ca. 1670-1900)

ENTWICKLUNG DER KUNST
Für Daten anderer früher Kulturen siehe: Chronologie der prähistorischen Kunst . Zu späteren Daten und Chronologie: Chronologie der Kunstgeschichte . Zu Bewegungen und Epochen: Kunstgeschichte .