Design Art:
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Was ist Design? Obwohl es keine allgemeingültige Definition des Wortes „Design“ gibt, werden wir es für unsere Zwecke definieren als „ einen Plan, der darauf abzielt, etwas nach bestimmten ästhetischen Prinzipien“ zu schaffen. Die Schlüsselaspekte dieser Definition sind: das Element des Plans; die Idee der Kreation (Kunst) statt der Produktion (Wissenschaft); die Kriterien der Ästhetik (Stil der Schönheit). Andere Faktoren wie Funktionalität oder Kosten können ebenfalls in den Entwurfsprozess einfließen, aber wir befassen uns hier hauptsächlich mit künstlerischem Design oder - grob gesagt - „wie man etwas schön macht“.

Welche Arten von Objekten können „künstlerisch gestaltet werden“?

Fast alles, was produziert wird, kann auf künstlerische oder ästhetische Weise gestaltet werden. Dies gilt sowohl für hochspezialisierte technische Produkte als auch für gewöhnliche Massenprodukte, obwohl in diesem Artikel nur die letztere Kategorie behandelt wird. Es handelt sich jedoch um eine breite Palette von Produkten, von einer Teetasse, einer Lampe oder einer Treppe bis hin zu einem Bahnhof oder dem Dach einer Konzerthalle, einem Bettbezug, einem Firmenlogo oder einer Computermaus. Beachten Sie jedoch, dass sich künstlerische Gestaltung auf die Verzierung von Gegenständen beschränkt und nicht auf die Verbesserung von Funktionalität, Leistung, Kosten oder anderen nicht-ästhetischen Kriterien.

Die Disziplinen der künstlerischen Gestaltung

Die Wissenschaft des Designs im Allgemeinen hat sich seit den 1960er Jahren rasch entwickelt. Heute gibt es eine wachsende Zahl von Designdisziplinen, in denen Ästhetik eine wichtige Rolle spielt: Architektur, Buchillustration, Innenarchitektur, Lichtdesign, Möbeldesign, Küchendesign, Textildesign, Modedesign, Einzelhandelsdesign, Grafikdesign, Computerdesign und Webdesign. Darüber hinaus wird in einer Reihe von IT-bezogenen Bereichen wie Webdesign, Benutzeroberflächen und Softwareentwicklung das Konzept des „Look and Feel“ für Verbraucher und Designer immer wichtiger, und auch im Bereich der Online-Produkte spielen Grafik- und Layoutdesign eine wichtige Rolle.

Welche Kunstformen sind am Kunstdesign beteiligt?

Zu den künstlerischen Fähigkeiten, die bei der Gestaltung von schönen Designs für einzelne Gegenstände von Bedeutung sind, gehören: Malerei (z. B. Porzellan, Buchillustration), Holzschnitzerei (Möbel), Weberei (Wandteppiche, Stickereien), Keramik (Bildhauerei sowie antike Töpferei), Metallarbeiten (Lampen, Schmuck), Glaskunst (Mosaike, Glasmalerei), Grafik (Druckgrafik, Illustration, Stoffe, Kleidung), um nur einige zu nennen.

Bei Massenprodukten ist das Design ein integraler Bestandteil des Produktentwicklungsprozesses. Während in den 1970er und 1980er Jahren das Automobildesign, das Design von Haushaltsgeräten und das Stoffdesign die Spitze der Innovation darstellten, ist heute das IT-Design der Maßstab für die Verbraucherästhetik des 21. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Darüber hinaus werden fast alle Haushaltsgegenstände unter ästhetischen Gesichtspunkten entworfen und hergestellt, ebenso wie Autos, Bürogeräte und Sportartikel.

Die Rolle des kommerziellen Designs

In den Anfängen der Massenproduktion, als man einen Ford „in jeder beliebigen Farbe kaufen konnte, solange er schwarz“ war, wurde Design als optionales Extra betrachtet. Heute ist es das nicht mehr. Heute sind Designer wichtige Leute. Bewaffnet mit einer Vielzahl von digitalen Designprogrammen können sie den Unterschied zum kommerziellen Erfolg eines Produkts ausmachen. (Siehe auch: Computerkunst)) Darüber hinaus spielt kreatives Design während des gesamten Prozesses der Herstellung, der Vermarktung, des Verkaufs und des Einzelhandels eines Produkts eine wichtige Rolle. Und warum auch nicht? Wollen wir nicht alle schöne Dinge besitzen oder uns mit ihnen umgeben?

Produktion

Da die Designeigenschaften und -merkmale eines Produkts eine so wichtige Rolle für seinen kommerziellen Erfolg spielen, sind Designer in der Regel schon in den frühesten Phasen des Produktionsprozesses beteiligt. Grob gesagt gibt es mindestens drei Stufen der Produktion.

In den Anfängen der Massenproduktion stellten die wissenschaftlichen Mitarbeiter eines Unternehmens ein Produkt her, das dann an die Marketingabteilung zum Verkauf weitergegeben wurde. In den 1960er Jahren waren es dann die Vermarkter, die den Wissenschaftlern sagten, was sie produzieren sollten. Heute sind es die Marketingfachleute und die Designer, die die technischen Spezifikationen eines Produkts besprechen, bevor sie die Produktionsmitarbeiter einbeziehen.

Grafikdesign: Marketing, Werbung, Branding

Die Fähigkeiten von Grafikdesignern kommen fast überall zum Einsatz: im Vor- und Abspann von Filmen, in der Animation, in Fernsehsendungen und in der Produktwerbung, auf Unternehmenswebsites, bei der Gestaltung von Computer- und Handybildschirmen, in Zeitungen, Zeitschriften, Anzeigen, Plakaten, Firmenmotiven und -logos, Produktverpackungen, Straßenschildern und so weiter. Es umfasst Farbschemata, Typografie, visuelle Künste und Techniken zur Gestaltung von Seiten und Bildschirmen sowie Verpackungsmaterial. Grafikdesign spielt überall dort eine entscheidende Rolle, wo Bilder, Symbole oder Text verwendet werden, um eine visuelle Botschaft zu vermitteln - von Hightech-Displays in den Cockpits von Militär- oder Verkehrsflugzeugen bis hin zu Fernsehwerbung, Reisebroschüren, Handelskatalogen und Supermarktverpackungen.

Einzelhandel

Nicht nur die Produkte selbst sind Gegenstand intensiver Designforschung, Reflexion, Modellierung, interaktiver Anpassung und Neugestaltung, sondern auch das Einzelhandelsumfeld, in dem sie den Verbrauchern präsentiert werden, ist Gegenstand intensiver Überlegungen. Die Gestaltung des Einzelhandels (Shopdesign) spielt eine große Rolle dabei, wie sich die Verbraucher fühlen, wenn sie mit den Produkten in Berührung kommen und mit ihnen interagieren, und ist somit für den letztendlichen Erfolg dieser Produkte ausschlaggebend.

Innenarchitektur

Einer der wichtigsten Faktoren bei der Gestaltung des Einzelhandels ist das Layout des Geschäfts. Diese wiederum hängt in hohem Maße von der Innengestaltung des Gebäudes ab, die wiederum die Verwendung sorgfältig ausgewählter Farbschemata und Hintergrundmusik, speziell konzipierte Beleuchtungs- und Fußbodensysteme sowie Zusätze wie speziell gestaltete Eingänge, Laufwege usw. umfasst.

Architektonische Gestaltung

Natürlich geht die Innenraumgestaltung Hand in Hand mit der Architektur, einschließlich der Landschaftsgestaltung. Während die Einzelhändler in den Einkaufsstraßen oder ihre Vermieter in der Regel die architektonischen Möglichkeiten ihrer Immobilie optimal nutzen, nutzen große Einzelhändler in den Vorstädten, deren Geschäfte 500.000 m² oder mehr umfassen können, ihre Möglichkeiten optimal aus.

Ästhetisch gestaltete Gebäude, Parkplätze, Ein- und Ausgänge schaffen ein günstiges Einkaufserlebnis, das für den Erfolg eines Einzelhandelsgeschäfts eine entscheidende Rolle spielen kann. Siehe auch die Chicago School of Architecture (ca. 1880-1910), die einen großen Einfluss auf die Stadtgestaltung in den Vereinigten Staaten hatte, und die Second Chicago School of Architecture (ca. 1940-75), die von Mies van der Rohe geleitet wurde. Das weltweit führende Architekturbüro ist Skidmore, Owings & Merrill, dessen Architekten - wie Fazlur Khan (1929-1982) - nach wie vor den globalen Wolkenkratzermarkt beherrschen. Historisch gesehen war der größte Einfluss auf die Gestaltung von Gebäuden die griechische Architektur, gefolgt von der römischen Architektur und zahlreichen Schulen des Neoklassizismus.

Geschichte der künstlerischen Gestaltung

Das künstlerische Design in der Ära der modernen Kunst (ab 1850) entwickelte sich im Einklang mit der industriellen Revolution, obwohl es nur wenige und kleine Designbewegungen mit internationalem Einfluss gab. Wir gehen kurz auf acht wichtige Bewegungen ein: die französische Innenarchitektur (1640-1792), die Arts and Crafts-Bewegung (ca. 1862-1914), der Jugendstil (ca. 1890-1914), das Bauhaus (1919-33), De Stijl (1917-31), Art Deco (ca. 1925-40), die Ulmer Schule (HfG Ulm) (1953-1968) und die Postmoderne (nach 1970).

Ludwig XIV, XV, XVI Stile der französischen Innenarchitektur (1640-1792)

Die wohl größte Epoche der Innenarchitektur in der Kunstgeschichte erlebte im 17. und 18. Jahrhundert in Frankreich eine Blütezeit des französischen Kunstgewerbes im Schloss von Versailles und anderen königlichen Schlössern. Unter der Leitung von französischen Designern wie Charles Lebrun, André Le Nôtre und anderen wurden einige der schönsten französischen Möbel geschaffen, die in der Regel dem Louis-Stil (Louis Quatorze, Regency, Louis Quinze und Louis Seize) zugeordnet werden.

Arts-and-Crafts-Bewegung (ca. 1862-1914)

Diese britische Bewegung für Design und dekorative Kunst, die von William Morris (1834-1896) angeführt wurde, förderte die Wiederbelebung des Handwerks und die moralischen, sozialen und ästhetischen Vorzüge ehrlicher handwerklicher Arbeit gegenüber industrieller Massenproduktion. Sie befasste sich hauptsächlich mit Architektur und dekorativer Kunst, einschließlich Glasmalerei, Textilien, Möbeln, bedruckten Stoffen (Chintzen), Wandteppichen, Tapeten, Möbeln, Schmuck, Holzschnitzerei, Metallarbeiten, Keramik und Mosaikkunst . Sie wurde inspiriert von mittelalterlichem Kunsthandwerk, ländlicher Volkskunst und japanischer Kunst (einschließlich Ukiyo-e-Holzschnitt), obwohl ihre Befürworter nicht so sehr durch einen bestimmten Stil geeint waren, sondern vielmehr das gemeinsame Ziel, ehrliches Handwerk wiederzubeleben, die Vorurteile der Kunsthierarchie zu beseitigen (die die schönen Künste ehrte, aber die angewandten Künste vernachlässigte) und eine Kunst zu schaffen, die für alle zugänglich ist.

Die Bewegung brachte gleichgesinnte Gruppen in Amerika hervor und beeinflusste stark die Wiener Arbeiterzentrale - Handwerksbetriebe, die 1903 von der Wiener Sezession gegründet wurden, die Münchner Sezession (1892), die Berliner Sezession (1898) und den Deutschen Werkbund in Deutschland. Für weitere Informationen siehe: Arts and Crafts Movement .

Jugendstil (ca. 1890-1914)

Die als Art Nouveau bekannte hochdekorative Stilrichtung war der erste große internationale Designstil, der die Idee verkündete, dass Kunst Teil des täglichen Lebens sein sollte. Von nun an sollte kein Alltagsgegenstand, wie funktional er auch sein mag, mehr als Quelle ästhetischen Wertes ignoriert werden. Er propagierte auch die Idee, das gesamte Design in einer einzigen Sprache zu vereinen.

Gekennzeichnet durch geschwungene Formen und Muster, die von organischen Strukturen, von keltischen Ornamenten und von einfachen geometrischen Formen abgeleitet sind, wurde der Stil auf Architektur, Inneneinrichtung, Glaswaren, Schmuck, Plakate und Illustrationen angewandt (vgl, insbesondere Aubrey Beardsley), sowie in der Malerei und Bildhauerei. Der Jugendstil wurde durch die „Bewegung des Celtic Art Revival“ und die Weltausstellung 1900 in Paris gefördert und verbreitete sich danach in ganz Europa und darüber hinaus in Amerika und Australien. Dieser ausgesprochen moderne Stil wurde in verschiedenen Ländern unterschiedlich bezeichnet: Jugendstil in Deutschland, Sezessionsstil in Österreich, Modernismus in Katalonien, Palingsteel oder de Wingt in Belgien, Liberty in Italien, Modern in Russland und Tiffany in Amerika. Sein Vorstoß in die abstrakte Kunst wurde von Künstlern und Architekten des 20. Jahrhunderts wie Hector Guimard (1867-1942) fortgesetzt. In den 1920er Jahren weicht diese Bewegung dem Art déco.

Berühmte grafische Entwürfe des Jugendstils

Zu den berühmten Plakatgrafiken dieser Bewegung, die durch das „Dreistein-Lithografieverfahren“ ermöglicht wurden, das von Jules Chéret (1836-1932) erfunden und von Alphonse Mucha (1860-1939) und Leonetto Capiello (1875-1942) perfektioniert wurde, siehe: Geschichte der Plakatkunst .

Diaghilevs „Russisches Ballett“

Im Jahr 1909 eroberte Sergej Diaghilew Paris im Sturm, als er die erste Saison seiner Wanderballettkompanie „Russisches Ballett“ eröffnete. Abgesehen von den Tänzen von Nijinsky und Pawlowa war der Erfolg der Kompanie auf das prächtige Design der exotischen Bühnenbilder und Kostüme zurückzuführen, für die Leon Bakst (1866-1924) und Alexandre Benois (1870-1960) verantwortlich waren.

Bauhaus-Schule für Gestaltung (1919-33)

Das von Walter Gropius (1883-1969) in Weimar gegründete Bauhaus „Haus des Bauens“) hatte großen Einfluss auf die deutsche Architekturschule und andere Formen des Designs, einschließlich des Kunsthandwerks. Bekannt für seinen modernen Ansatz in der Kunsterziehung, der die übliche Trennung zwischen „bildender“ und „angewandter“ Kunst aufhob und die Beziehung zwischen Design und industriellen Produktionsmethoden neu definierte, hoffte er, Produkte zu schaffen, die sowohl künstlerisch als auch kommerziell sind.

Insbesondere wollte die Schule den Studenten beibringen, Design, Handwerk und Massenproduktion gleichermaßen zu beherrschen. Die Bauhaus-Schule für Gestaltung bestand bis 1933 an drei Standorten - Weimar, Dessau und Berlin - und unter drei Direktoren - Gropius 1919-1927, Hannes Meyer 1927-1930 und Ludwig Mies van der Rohe 1930-1933 - bis die NS-Regierung ihre Schließung erzwang.

Beeinflusst von der Einfachheit und Funktionalität des Biedermeierstils des 19. Jahrhunderts, hatte das Bauhaus einen großen Einfluss auf die künstlerische Gestaltung, insbesondere in den Bereichen Architektur, Grafikdesign, Innenarchitektur, Industriedesign und Kunsthandwerk.

Nach der Schließung des Bauhauses reisten viele seiner Lehrer um die Welt: László Moholy-Nagy (1895-1946) zum Beispiel eröffnete das New Bauhaus und dann sein eigenes Institute of Design in Chicago; Josef Albers (1888-1976) lehrte am Black Mountain College of Advanced Arts in North Carolina; Max Bill (1908-1994) lehrte an der Kunstgewerbeschule in Zürich und wurde später der erste Direktor der Hochschule für Gestaltung in Ulm (für Architektur und Industriedesign), die als Nachfolger des Bauhauses gilt. Mies van der Rohe ging nach Chicago, wo er eine Generation amerikanischer Architekten mit seiner modernistischen Wolkenkratzer-Architektur beeinflusste. Auch Gropius wanderte in die Vereinigten Staaten aus, wo er die Architekturabteilung der Harvard University leitete und 1952 The Architects Collaborative gründete.

De Stijl (1917-31)

De Stijl (niederländisches Wort „Stil“) war ein loser Zusammenschluss von Architekten, Künstlern und Designern - von denen viele aus dem niederländischen Calvinismus stammten -, die sich zwischen 1917 und 31 um den Künstler und Architekten Theo van Doesburg (1883-1931) scharten.

Die ästhetischen Grundsätze der Gruppe wurden im November 1918 in der Zeitschrift De Stijl veröffentlicht, die zur Verbreitung ihrer Ideen von konkreter Kunst und Design diente. In der Überzeugung, dass der Krieg alle traditionellen Werte untergraben hatte, trat De Stijl für eine reinere, ethischere Art der künstlerischen Gestaltung ein, die auf die Grundelemente - Form, Farbe und Linie - reduziert war und die gesamte Kultur beeinflussen und zu einer Erneuerung der Gesellschaft führen konnte.

Beeinflusst vom sowjetischen Konstruktivismus von Vladimir Tatlin (1885-1953), wurde die Gruppe sowohl mit dem Neoplastizismus (Mondrian) als auch mit dessen überarbeiteter Form Elementarismus (Van Doesburg) in Verbindung gebracht. Führende Mitglieder der Gruppe waren Van Doesburg, Piet Mondrian (1872-1944), Bart van der Lek (1876-1958), Georges Vantongerloo (1886-1965) und Friedrich Vordemberg-Gildewart (1899-1962), sowie die Architekten Gerrit Rietveld (1888-1964) und Oud (1890-1963). Darüber hinaus ließen sich die De Stijl-Architekten von den Gebäudeentwürfen des niederländischen Designers Hendrik Petrus Berlage (1856-1934) und Frank Lloyd Wright (1867-1959) inspirieren, dessen Idee, dass ein Haus ein Produkt von „(1867-1959) ist, dass ein Haus das Produkt eines „Gesamtentwurfs“ ) Gesamtkunstwerk) ist, stand ihren eigenen Vorstellungen nahe, wie das Rietveld Schroder Haus in Utrecht zeigt.

Im Allgemeinen war De Stijl am einflussreichsten in der Architektur und in der angewandten Kunst, insbesondere in der Typografie und im Möbeldesign. Obwohl sich De Stijl zum Zeitpunkt von Dosburgs Tod im Niedergang befand, hatte es einen wichtigen Einfluss auf das Bauhaus-Design und andere Bewegungen, die sich mit objektloser Kunst befassten, wie die Abstrakte Kreativität und CIAM, sowie auf andere Modernisten wie Le Corbusier (1887-1965), einen einflussreichen schweizerisch-französischen Architekten.

Art Deco (ca. 1925-40)

Stil Art Deco war die führende Mode in Design und Dekoration der 1920er und 1930er Jahre: siehe insbesondere Amerikanische Architektur dieser Zeit, insbesondere New Yorker Wolkenkratzer. Mit fließenden geometrischen Formen stellte er Stadtlandschaften und ein neues Spektrum an Freizeit- und Gesellschaftsaktivitäten dar „Roaring 20s“ ; er verlieh gewöhnlichen Gegenständen echten Charakter, indem er sie glatt und kühl erscheinen ließ.

Das Art Déco war mehreren wichtigen Kunststilen der 1900er und 1910er Jahre zu verdanken, wobei es kühne Farben aus dem Fauvismus, geometrische Muster aus dem Kubismus, maschinenähnliche Formen aus dem Konstruktivismus und dem Futurismus und einen vereinheitlichenden Ansatz aus dem Jugendstil übernahm.

Der Art Déco wurde auch von der Kunst der Azteken, der Ägypter und des klassischen Altertums inspiriert. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger Art Nouveau hatte der Art Déco jedoch keinen philosophischen Anspruch, sondern war rein dekorativ. Obwohl er hauptsächlich den Stil von Innenarchitekten und Grafikern beschreibt, vor allem in den Bereichen Möbel, Metallarbeiten, Keramik, Glaswaren und Buchbinderei, wurde er auch in der Architektur, im Modedesign, in der Bildhauerei und in der Malerei angewandt: zum Beispiel Tamara Lempicka (1898-1980) und die Werke im klassischen Stil (1918-24) von Picasso (1881-1973).

Das Idiom führte zu Bewegungen wie Novecento Italiano und Corrente (Italien) und Precisionism (Amerika). Die Wiederbelebung des Art déco fand in den 1960er Jahren statt, als der Name erstmals auftauchte.

Hochschule für Gestaltung Ulm (1953-1968)

Die 1953 von Max Bill (1908-1994), Inge Eicher-Scholl und Otl Eicher gegründete Ulmer Hochschule für Gestaltung erlangte schnell internationale Anerkennung und wurde als natürliche Nachfolgerin des Bauhauses angesehen. In den 15 Jahren ihres Bestehens zeichnete sie sich durch das Studium der Semiotik (Zeichen und Symbole), des Produktdesigns, der industriellen Konstruktion und des Films aus. Dabei leistete sie Pionierarbeit in der Lehre des Designs, die auf einem strukturierten Ansatz zur Problemlösung und der Verbindung von Wissenschaft und Kunst beruht.

Ausgehend vom Ulmer Volkssturm gehörten zu ihrem Lehrkörper die ehemaligen Bauhaus-Dozenten Josef Albers, Johannes Itten und Walter Peterhans sowie die Bauhaus-Absolventin Helene Nonne-Schmidt, später kamen Hans Gugelot, Walter Zeischegg, Otl Eicher, Friedrich Vordemberg-Gildewart und Thomas Maldonado hinzu. Zu den Gastdozenten gehörten Mies van der Rohe, Walter Gropius, Ray Eames, Josef Müller-Brockmann, Herbert Bayer, Reiner Banham, Hugo Haring, Conrad Wachsmann, Buckminister Fuller, Theodor Heuss, Norbert Weiner und Mia Seeger.

1957 verließ Max Bill Ulm, als beschlossen wurde, dass ästhetische Überlegungen nicht mehr die wichtigste konzeptionelle Grundlage für die Gestaltung waren. Unter der Leitung von Thomas Maldonado löste sich die Hochschule für Gestaltung von ihrer bisherigen Ausrichtung auf „den Künstler“ zugunsten einer neuen Gestaltungsphilosophie, die sowohl die Kunst (Ästhetik) als auch die Wissenschaft (Materialien, Produktion und Kriterien für den Produktgebrauch) umfasste. Gleichzeitig richtete die Schule eine Reihe von Designgruppen ein, um mit der Industrie in Kontakt zu treten. Dies führte zu mehreren erfolgreichen Designkooperationen mit Unternehmen wie Braun, Lufthansa und der Hamburger Eisenbahngesellschaft. Ständige Unstimmigkeiten zwischen den Lehrkräften, der Verwaltungshierarchie und den staatlichen Trägern führten schließlich zur Schließung der Schule.

Postmoderne (nach 1970)

Wie die postmoderne Kunst zeichnet sich auch das postmoderne Design durch folgende Merkmale aus: bewusste Vermischung verschiedener Stile, oft mit Humor, egozentrische Oberflächlichkeit, verstärkte Dekoration und zeitgenössische kulturelle oder symbolische Bezüge.

Postmoderne architektonische Entwürfe waren eine Revolte gegen den Superfunktionalismus der Nachkriegsarchitektur, weshalb bizarre, nicht funktionale, aber stark verzierte Bauwerke wie das Centre Pompidou in Paris entstanden sind. Siehe auch das titanverkleidete Guggenheim-Museum in Bilbao, entworfen von Frank O. Gehry (geb. 1929), und den Stil der Blobs oder Blobitecture aus den 1990er Jahren, der sich am Beispiel des Busbahnhofs am Spaarn-Krankenhaus in Hoofddorp, Niederlande, zeigt.

Die künstlerischen Projekte postmoderner Künstler zeichnen sich in der Regel durch einen Mangel an Einheitlichkeit (mehr Fragmentierung, größerer Pluralismus) und eine innovative Verwendung von populären Bildern, ungewöhnlichen Materialien und Farben aus. (Näheres zur Postmoderne siehe: Zeitgenössische Kunst .)