Design Art: Geschichte, Angewandte Kunst 1 351 Automatische übersetzen Die Bearbeitung dieses Abschnitts ist noch nicht abgeschlossen

Designkunst (um 1850-1970)
Geschichte, Angewandte Kunst

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Was ist Design?

Obwohl es keine allgemeingültige Definition des Wortes "Design" gibt, werden wir es für unsere Zwecke als "den Plan definieren, der darin besteht, etwas gemäß einer Reihe von Ästhetiken zu schaffen". Zu den wichtigsten Aspekten dieser Definition gehören: das Element eines Plans; die Idee der Schöpfung (Kunst) statt der Produktion (Wissenschaft); die Kriterien von Ästhetik (Ein Stil der Schönheit). Andere Faktoren, wie Funktionalität oder Kosten, können im Designprozess eine Rolle spielen, aber hier geht es hauptsächlich um künstlerisches Design oder – grob gesagt – darum, wie man etwas Schönes macht.

Welche Arten von Objekten können künstlerisch gestaltet werden?

Fast alles, was gemacht wird, kann künstlerisch oder ästhetisch gestaltet werden. Dies schließt hochspezialisierte Maschinenbauprodukte ebenso ein wie Massenprodukte, obwohl der vorliegende Artikel nur die letztere Kategorie untersucht. Trotzdem umfasst es eine Vielzahl von Produkten, von einer Teetasse, Lampe oder Treppe bis zum Dach eines Bahnhofs oder Konzertsaals, einem Bettbezug, einem Firmenlogo oder einer Computermaus. Beachten Sie jedoch, dass sich künstlerisches Gestalten auf die Verschönerung von Objekten beschränkt und nicht auf die Verbesserung von Funktionalität, Leistung, Kosten oder anderen nichtästhetischen Kriterien.

Künstlerische Designdisziplinen

Die Designwissenschaft insgesamt ist seit den 1960er Jahren rasant gewachsen. Heutzutage spielt die Ästhetik in immer mehr Designdisziplinen eine wichtige Rolle: Architektur, Buchillustration, Innenarchitektur, Lichtdesign, Möbeldesign, Küchendesign, Textildesign, Modedesign, Einzelhandelsdesign und Grafikdesign, Computerdesign und Webdesign. Darüber hinaus gewinnt in einer Reihe von IT-relevanten Bereichen – wie Webdesign und Softwaredesign – das Konzept des "Look-and-Feel" für Verbraucher und Designer zunehmend an Bedeutung, während Grafik- und Layoutdesign auch im Bereich Online von entscheidender Bedeutung sind soziale Medien, einschließlich Facebook .

Welche Arten von Kunst sind in der künstlerischen Gestaltung involviert?

Zu den künstlerischen Fähigkeiten, die bei der Erstellung schöner Designs für einzelne Artikel von großem Wert sind, gehören: Malerei (zB Porzellan, Buchbeleuchtung), Holzschnitzen (Möbel), Weben (Tapisserie, Stickerei), Keramik (Skulptur sowie alte Töpferei ), Metallarbeiten (Lampen, Schmuck), Glaskunst (Mosaikkunst, Glasmalerei), Grafik-Design (Drucksachen, Illustrationen, Stoffe, Kleidung), um nur einige zu nennen.

Bei Massenartikeln ist das Design ein wesentlicher Bestandteil des Produktentwicklungsprozesses. Waren in den 1970er und 1980er Jahren Autodesign, Design von Weißwaren und Stoff ein Höhepunkt der Innovation, so ist es heute das IT-Design, wie es die Computerprodukte der Apple Corporation darstellen, die den Prüfstein für die Verbraucherästhetik des 21. Jahrhunderts darstellen. Darüber hinaus werden fast alle Haushaltsgegenstände unter ästhetischen Gesichtspunkten initiiert und hergestellt, ebenso Autos, Bürogeräte und Sportartikel.

Die Rolle des kommerziellen Designs

In den frühen Tagen der Massenproduktion, als man ein Ford-Auto in einer beliebigen Farbe kaufen konnte, solange es schwarz war, wurde Design als optionales Extra angesehen. Nicht länger. Heutzutage sind Designer hart umkämpft. Ausgestattet mit einer Reihe digitaler Design-Software können sie den wirtschaftlichen Erfolg eines Produkts entscheidend beeinflussen. (Siehe auch: Computerkunst .) Darüber hinaus spielt kreatives Design während des gesamten Prozesses der Herstellung, Vermarktung, des Verkaufs und des Einzelhandels eines Produkts eine wichtige Rolle. Und warum nicht? Wollen wir uns nicht alle mit schönen Dingen umgeben?

Herstellung

Da die Designeigenschaften und -merkmale eines Produkts für seinen wirtschaftlichen Erfolg eine so wichtige Rolle spielen, werden Designer in der Regel bereits in der frühesten Phase des Herstellungsprozesses einbezogen. In groben Zügen haben wir mindestens drei Herstellungsphasen gesehen. Zu Beginn des Zeitalters der Massenproduktion stellten die wissenschaftlichen Mitarbeiter des Unternehmens ein Produkt her, das dann der Marketingabteilung zum Verkauf übergeben wurde. In den 1960er-Jahren waren es die Marketing-Experten, die den Wissenschaftlern sagten, was sie produzieren sollten. Heute sind es jedoch die Vermarkter und Designer, die die Spezifikationen eines Produkts besprechen, bevor sie die Mitarbeiter der Produktion einbeziehen.

Grafikdesign: Marketing, Werbung, Branding

Die Fähigkeiten von Grafikdesignern zeigen sich fast überall, wo wir hinschauen: die Eröffnungs- und Schlussabspannsequenzen von Filmen, Animation , Fernsehprogramme und Produktwerbung, Unternehmenswebsites, Computerbildschirmlayouts, Zeitungen, Magazine, Anzeigen, Plakate, Markenmotive und Firmenlogos, Produktverpackungen, Verkehrszeichen usw. Dazu gehören Farben, Typografie, Bildende Kunst, Seiten- und Bildschirmlayouttechniken sowie Produktverpackungsmaterialien. Tatsächlich spielt Grafikdesign überall dort eine entscheidende Rolle, wo Bilder, Symbole oder Texte verwendet werden, um eine visuelle Botschaft zu vermitteln – von High-Tech-Cockpit-Displays in militärischen oder kommerziellen Flugzeugen bis hin zu Fernsehwerbung, Reisebroschüren, Einkaufskatalogen und Supermarkt-Anzeigen. of-sales Produktverpackungen.

Einzelhandel

Produkte selbst sind nicht nur Gegenstand intensiver Designforschung, Gedanken, Modellierung, interaktiver Anpassung und Neugestaltung, sondern auch das Einzelhandelsumfeld, in dem sie den Verbrauchern vorgestellt werden, ist Gegenstand sorgfältiger Untersuchungen. Retail Design (Shop-Design) spielt eine große Rolle bei der Bestimmung, wie der Verbraucher sich fühlt, wenn er auf Produkte stößt und mit diesen interagiert, und somit beim ultimativen Erfolg dieser Produkte.

Innenarchitektur

Ein wesentlicher Faktor bei der Gestaltung des Einzelhandels ist das Layout des Shops. Dies hängt wiederum stark von der Innenarchitektur des betreffenden Gebäudes ab, was wiederum die Verwendung sorgfältig ausgewählter Farbschemata und Hintergrundmusik, zweckgebauter Beleuchtungs- und Fußbodensysteme sowie von Extras wie speziell gestalteten Eingängen umfasst. Gehwege und so weiter.

Architekturdesign

Natürlich geht die Innenarchitektur Hand in Hand mit der Architektur, einschließlich der Landschaftsgestaltung. Wenn Einzelhändler in der Hauptstraße oder ihre Vermieter in der Regel alle architektonischen Möglichkeiten ihres Eigentums ausschöpfen, tun dies auch große Vororteinzelhändler, deren Geschäfte eine Fläche von 100 Morgen oder mehr einnehmen können. Ästhetisch gestaltete Gebäude, Parkplätze, Ein- und Ausgänge tragen zum Wohlfühlfaktor des Einkaufserlebnisses bei, der entscheidend zum Erfolg der beteiligten Einzelhandelsbereiche beitragen kann. Siehe auch die Chicago School of Architecture (c.1880-1910), die einen großen Einfluss auf das Stadtdesign in den Vereinigten Staaten hatte, ebenso wie die Zweite Chicago School of Architecture (um 1940-75), angeführt von Mies van der Rohe . Das weltweit führende Architekturbüro ist Skidmore, Owings & Merrill , deren Architekten – wie Fazlur Khan (1929-82) – dominieren weiterhin den globalen Wolkenkratzermarkt. In der Vergangenheit war der größte Einfluss auf die Gebäudeplanung zu verzeichnen Griechische Architektur , gefolgt von Römische Architektur und zahlreiche neoklassizistische Schulen.

Geschichte des künstlerischen Designs

Künstlerische Gestaltung im Zeitalter von moderne Kunst (Ab 1850) hat sich im Einklang mit der Industriellen Revolution entwickelt, obwohl Designbewegungen mit internationaler Auswirkung selten waren. Wir werden kurz auf acht wichtige Sätze eingehen: Französische Innenarchitektur (1640-1792); Kunstgewerbebewegung (um 1862-1914); Jugendstil (um 1890-1914); Bauhaus (1919-33); De Stijl (1917–31); Art Deco (um 1925-40); Ulmer Schule (HfG Ulm) (1953–1968); und Postmoderne (nach 1970).

Louis XIV, XV, XVI Stile der französischen Innenarchitektur (1640-1792)

Das 17. Und 18. Jahrhundert in Frankreich, die wohl größte Ära der Innenarchitektur in der Kunstgeschichte, erlebte einen Aufschwung Französische dekorative Kunst Bei der Schloss von Versailles und andere königliche Schlösser. Angeführt von Französische Designer wie Charles Le Brun, Andre Le Notre und andere produzierte es einige der besten Französische Möbel jemals gesehen, in der Regel in Louis Quatorze, Regency, Louis Quinze und Louis Seize Stile klassifiziert.

Kunstgewerbebewegung (um 1862-1914)

Diese britische Bewegung in Design und dekorativer Kunst, angeführt von William Morris (1834-96) förderte die Wiederbelebung des Handwerks und die moralischen, sozialen und ästhetischen Tugenden einer ehrlichen handwerklichen Arbeit gegenüber einer industriellen Massenproduktion. Hauptsächlich mit Architektur befasst und dekorative Kunst , einschließlich Glasmalerei , Textilien, Einrichtungsgegenstände, bedruckte Stoffe (Chintzes), Tapisserie-Kunst Tapeten Möbel Schmuck , Holzschnitzen, Metallarbeiten , Keramik und Mosaikkunst . Es wurde von mittelalterlichen Handwerken inspiriert, ländlich Volkskunst , und Japanische Kunst (einschließlich Ukiyo-e Farbholzschnitte ), obwohl ihre Befürworter weniger durch einen bestimmten Stil als durch ein gemeinsames Ziel verbunden waren – den Wunsch, ehrliches Handwerk wiederzubeleben -, beseitigen Sie die Vorurteile der (verehrten) Kunsthierarchie Kunst aber herabgesetzt angewandte Kunst ) und Kunst zu schaffen, die für alle erschwinglich war. Die Bewegung brachte gleichgesinnte Gruppen in Amerika hervor und hatte einen starken Einfluss auf die Wiener Workstatte – die Handwerkswerkstätten der Wiener Secession im Jahr 1903 – die Münchner Secession (1892), the Berliner Secession (1898) und die Deutscher Werkbund , in Deutschland. Weitere Informationen finden Sie unter: Kunst- und Handwerksbewegung .

Jugendstil (um 1890-1914)

Die sehr dekorative Redewendung, bekannt als Jugendstil war der erste große internationale Designstil, der die Vorstellung verbreitete, dass Kunst ein Teil des Alltags sein sollte. Fortan bestand es darauf, dass kein Alltagsgegenstand, egal wie funktional er auch sein mochte, als Quelle ästhetischen Wertes übersehen werden sollte. Es förderte auch die Idee, alles Design in einer Sprache zu vereinen. Gekennzeichnet durch krummlinige Formen und Muster aus organischen Strukturen, aus Keltische Designs und auch aus einfachen geometrischen Formen wurde der Stil auf Architektur, Innenarchitektur, Glaswaren, Schmuck angewendet, Plakatkunst und Illustration , (siehe insbesondere Aubrey Beardsley ) sowie Malerei und Bildhauerei. Der Jugendstil wurde von der Celtic Art Revival-Bewegung und die 1900 in Paris abgehaltene Exposition Universelle , nach der sie sich in ganz Europa und Übersee nach Amerika und Australien ausbreitete. Ein explizit moderner Stil, der in verschiedenen Ländern unter verschiedenen Namen geführt wurde: Jugendstil in Deutschland; Sezessionstil in Österreich; Modernisme in Katalonien; Paling Stijl oder Style des Vingt ; in Belgien; Stile Liberty in Italien; Stil Modern in Russland; und Tiffany-Stil in Amerika. Es ist ein Streifzug nach abstrakte Kunst wurden von Künstlern und Architekten des 20. Jahrhunderts weitergeführt, wie z Hector Guimard (1867-1942). Die Bewegung wurde in den 1920er Jahren von Art Deco abgelöst.

Berühmte Grafikdesigns des Jugendstils
Weitere Informationen zu den berühmten Plakatgrafiken der Bewegung, die durch das von erfundene "Drei-Stein-Lithografie-Verfahren" möglich wurden Jules Cheret (1836-1932) und weiterentwickelt von Alphonse Mucha (1860-1939) und Leonetto Cappiello (1875-1942), siehe: Plakat Kunstgeschichte .

Diaghilevs Ballets Russes
Im Jahr 1909 Sergei Diaghilev eroberte Paris im Sturm, als er seine erste Staffel startete Ballets Russes Touring Ballett Gesellschaft. Neben dem Tanzen von Nijinsky und Pavlova war sein Erfolg auf das üppige Design seiner exotischen Bühnenbilder und Kostüme zurückzuführen, das von den beiden betreut wurde Leon Bakst (1866-1924) und Alexander Benois (1870-1960).

Bauhaus-Designschule (1919-33)

Eine überaus einflussreiche deutsche Schule Architektur des 20. Jahrhunderts und andere Formen des Designs, einschließlich Kunsthandwerk wurde das Bauhaus in Weimar gegründet von Walter Gropius (1883-1969). Berühmt für seine moderne Herangehensweise an die Kunstausbildung, die die übliche Kluft zwischen "feiner" und "angewandter" Kunst beseitigte und die Beziehung zwischen Design und industriellen Produktionsmethoden neu definierte, hoffte es, sowohl künstlerische als auch kommerzielle Produkte zu schaffen. Insbesondere sollten die Schüler darin geschult werden, sich mit Design, Handwerk und Methoden der Massenproduktion gleichermaßen vertraut zu machen. Das Bauhaus-Designschule Dauerte bis 1933 an drei Orten – Weimar, Dessau und Berlin – und unter drei Direktoren – Gropius 1919-1927, Hannes Meyer 1927-1930 und Ludwig Mies van der Rohe 1930-1933 – bis zur Schließung durch die NS-Regierung. Selbst beeinflusst von der Einfachheit und Funktionalität des 19. Jahrhunderts Biedermeier-Stil Das Bauhaus übte einen großen Einfluss auf die künstlerische Gestaltung aus, insbesondere in den Bereichen Architektur, Grafikdesign, Innenarchitektur, Industriedesign und Kunsthandwerk. Nach der Schließung verteilten sich viele seiner Ausbilder auf der ganzen Welt: zum Beispiel Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946) eröffnete ein neues Bauhaus und dann sein eigenes Institute of Design in Chicago; Joseph Albers (1888-1976) lehrte am Black Mountain College für fortgeschrittene Künste in North Carolina; Max Bill (1908-94) unterrichtete an der Zürcher Kunstgewerbeschule, bevor er der erste Direktor der Hochschule für Gestaltung in Ulm (zuständig für Architektur und Industriedesign) wurde, die als Nachfolger des Bauhauses gilt. Mies van der Rohe ging nach Chicago, wo er eine Generation von Menschen beeinflusste Amerikanische Architekten mit seinem Modernisten Wolkenkratzer-Architektur . Gropius emigrierte auch in die Vereinigten Staaten, wo er Leiter der Architekturabteilung der Harvard University wurde, bevor er 1952 The Architects Collaborative gründete.

De Stijl (1917-31)

De Stijl (Niederländisch für "den Stil") war eine lockere Allianz von Architekten, Künstlern und Designern – von denen viele aus dem niederländischen Calvinismus stammten -, die sich um den Maler und Architekten schlossen Theo van Doesburg (1883-1931), in der Zeit von 1917 bis 1931. Die ästhetischen Prinzipien der Gruppe wurden (November 1918) in der Zeitschrift De Stijl veröffentlicht, die zur Verbreitung ihrer Ideen verwendet wurde konkrete Kunst und Design. In der Überzeugung, dass der Krieg alle traditionellen Werte untergraben hatte, trat De Stijl für eine sauberere, ethischere und künstlerischere Gestaltung ein – eine, die auf das Wesentliche von Form, Farbe und Linie reduziert wurde -, die die gesamte Kultur beeinflussen und zu einer Erneuerung von führen konnte Gesellschaft. Beeinflusst durch den sowjetischen Konstruktivismus von Vladimir Tatlin (1885-1953) war die Gruppe mit beiden verbunden Neo-Plastizismus (Mondrian) und seine überarbeitete Form von Elementarismus (Van Doesburg). Zu den führenden Mitgliedern der Gruppe gehörten Van Doesburg, Piet Mondrian (1872-1944), Bart van der Leck (1876-1958), Georges Vantongerloo (1886-1965) und Friedrich Vordemberge-Gildewart (1899-1962) sowie die Architekten Gerrit Rietveld (1888-1964) und JJP Oud (1890) –1963). Darüber hinaus ließen sich die Architekten von De Stijl von den Bauentwürfen des niederländischen Designers Hendrick Petrus Berlage (1856-1934) inspirieren Frank Lloyd Wright (1867-1959), deren Vorstellung, das Haus sei das Produkt des "Gesamtkunstwerks", in enger Übereinstimmung mit ihren eigenen Vorstellungen stand, wie dies am Beispiel des Schroder-Hauses von Rietveld in Utrecht zu sehen war. Insgesamt war De Stijl in den Bereichen Architekturdesign und angewandte Kunst, insbesondere typografische Kunst und Möbeldesign, am einflussreichsten. Obwohl De Stijl bereits im Niedergang begriffen war, als Doesburg starb, hatte er einen bedeutenden Einfluss auf Bauhausdesigns und verschiedene andere Bewegungen, an denen er beteiligt war nicht-objektive Kunst , wie Abstract-Creation und CIAM, sowie andere Modernisten mögen Le Corbusier (1887-1965) der einflussreiche schweizerisch-französische Architekt.

Art Deco (um 1925-40)

Das Art Deco Stil war die führende Mode in Design und Dekoration der 1920er und 1930er Jahre: siehe insbesondere Amerikanische Architektur der Zeit, vor allem mit New Yorker Wolkenkratzer. Mit seinen schlanken geometrischen Formen zeigte es die städtische Landschaft und das neue Angebot an Freizeitaktivitäten und sozialen Aktivitäten der "Roaring 20s". es fügte gewöhnlichen Gegenständen einen echten Charakter hinzu, indem es sie glatt und kühl aussehen ließ. Art Deco verdankte eine bemerkenswerte Verschuldung mehreren der wichtigsten künstlerischen Stile der 1900er und 1910er Jahre Farbe von Fauvismus geometrische Muster aus Kubismus maschinenartige Formen aus Konstruktivismus und Futurismus und ein einheitlicher Ansatz aus dem Jugendstil. Art Deco wurde auch von aztekischer, ägyptischer Kunst und klassischer Antike inspiriert. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger Art Nouveau hatte Art Deco jedoch keine philosophischen Ansprüche – es war rein dekorativ. Obwohl es hauptsächlich einen Stil für Innenarchitekten und Grafiker beschreibt, insbesondere in den Bereichen Möbel, Metallarbeiten, Keramik, Glaswaren und Buchbinderei, gilt es auch für Architektur, Modedesign, Skulptur und Malerei: siehe zum Beispiel Tamara Lempicka (1898-1980) und Werke im klassischen Stil (1918-24) von Picasso (1881-1973). Die Redewendung brachte Teilbewegungen hervor, wie Novecento Italiano und Corrente (Italien), und Präzisionismus (Amerika). Eine Wiederbelebung des Art Deco fand in den 1960er Jahren statt, als der Name erstmals geprägt wurde.

Hochschule für Gestaltung Ulm (1953–1968)

Die 1953 von Max Bill (1908-94), Inge Aicher-Scholl und Otl Aicher gegründete Hochschule für Gestaltung in Ulm erlangte rasch internationale Anerkennung und galt als natürlicher Nachfolger des Bauhauses. Während seines 15-jährigen Bestehens zeichnete es sich durch das Studium der Semiotik (Zeichen und Symbole), des Produktdesigns, des Industriebaus und des Filmemachens aus. Dabei war es Pionier einer Designlehre, die auf einem strukturierten Problemlösungsansatz und einer Mischung aus Wissenschaft und Kunst basierte. Das Leben an der Ulmer Volkshochschule (Institut für Erwachsenenbildung) begann unter anderem mit den Ex-Bauhaus-Lehrern Josef Albers, Johannes Itten und Walter Peterhans sowie der Bauhaus-Absolventin Helene Nonne-Schmidt, später mit Hans Gugelot, Walter Zeischegg und Otl Aicher, Friedrich Vordemberge-Gildewart und Tomas Maldonado. Zu den Gastdozenten gehörten: Mies van der Rohe, Walter Gropius, Ray Eames, Josef Müller-Brockmann, Herbert Bayer, Reyner Banham, Hugo Haring, Konrad Wachsmann, Buckminister Fuller, Theodor Heuss, Norbert Weiner und Mia Seeger. 1957 verließ Max Bill Ulm, als entschieden wurde, dass ästhetische Überlegungen nicht mehr die primäre konzeptionelle Grundlage des Designs waren. Unter der neuen Leitung von Tomas Maldonado hat die Designschule den früheren Schwerpunkt "Künstler" zugunsten einer neuen Designphilosophie aufgegeben, die sowohl Kunst (Ästhetik) als auch Wissenschaft (Material, Herstellung und Produktnutzungskriterien) verkörpert. Gleichzeitig richtete die Schule eine Reihe von Entwicklungsgruppen ein, um Verbindungen zur Industrie herzustellen. Dies führte zu mehreren erfolgreichen Designkooperationen mit Unternehmen wie Braun, Lufthansa und der Hamburger Eisenbahn. Letztendlich führten jedoch anhaltende Meinungsverschiedenheiten zwischen dem Lehrpersonal der Schule, der Verwaltungshierarchie und ihren Regierungssponsoren zur Schließung der Schule.

Postmoderne (nach 1970)

Mögen Postmoderne Kunst , postmodernistisches Design zeichnet sich aus durch: eine bewusste Mischung unterschiedlicher Stile, oft mit Humor, egozentrischer Oberflächlichkeit, verstärkter Ornamentik und zeitgenössischen kulturellen oder symbolischen Bezügen. Postmoderne Architekturentwürfe waren eine Revolte gegen den Superfunktionalismus der Nachkriegsarchitektur, daher sehen wir das Auftreten von so seltsamen, nicht funktionalen, aber hoch ornamentierten Strukturen wie das Centre Pompidou in Paris. Siehe auch die Titanbeschichtung Guggenheim Museum Bilbao , entworfen von Frank O. Gehry (geb. 1929) sowie der Blobs- oder Blobitecture- Stil der 1990er-Jahre am Beispiel des Busbahnhofs im Spaarne Hospital in Hoofddorp, Niederlande. Typischerweise künstlerische Entwürfe von postmoderne Künstler zeichnen sich durch mangelnde Einheitlichkeit (stärkere Fragmentierung, stärkere Pluralität) und die neuartige Verwendung populärer Bilder, ungewöhnlicher Materialien und Farben aus. (Weitere Informationen zur Postmoderne finden Sie unter: Zeitgenössische Kunst .)