Bildende Kunst: Definition, Geschichte, Klassifikation Automatische übersetzen

„Bildende Kunst“ – ist ein moderner, aber ungenauer, verallgemeinernder Begriff für eine breite Kunstkategorie, die eine Reihe von künstlerischen Disziplinen aus verschiedenen Unterkategorien umfasst. Die Breite des Begriffs macht jeden Definitionsversuch sinnlos. Anstatt ihn zu definieren oder eine verwässerte Bedeutung für ihn zu entwerfen, wird hier eine Liste der Disziplinen aufgeführt, die ihn bilden. (Siehe auch: Arten von Kunst .)

Was umfasst die visuelle Kunst?

Definitionen der visuellen Kunst umfassen im Allgemeinen die folgenden:

1. visuelle Kunst
Alle visuellen Künste fallen unter die allgemeine Kategorie der visuellen Kunst. Dazu gehören Tätigkeiten wie Zeichnen, Malerei, Druckgrafik und Bildhauerei, sowie verwandte Tätigkeiten wie Grafik, Manuskriptillumination, Buchillustration, Kalligrafie und Architektur.

2. Zeitgenössische Kunst
Die visuelle Kunst umfasst auch eine Reihe von zeitgenössischen Kunstformen wie: Assemblage, Collage, verschiedene Mischtechniken, Konzeptkunst, Montage, Events und Performancekunst, sowie Film- und Digitaltechniken wie Fotografie, Videokunst und Animation oder eine beliebige Kombination davon. Zu dieser Gruppe von Klassen gehören auch High-Tech-Disziplinen wie Computergrafik und Giclée-Drucke. Eine weitere neue zeitgenössische Umweltkunst – ist Land Art, die auch vergängliche Formen wie Eis- oder Schneeskulpturen und (vermutlich) Graffiti umfasst. .

3. Dekorative Künste und Kunsthandwerk
Darüber hinaus umfasst die allgemeine Kategorie der bildenden Künste eine Reihe von Disziplinen dekorative Künste und Kunsthandwerk, einschließlich Keramik und Studiokeramik, Mosaikkunst, bewegliche Formen, Wandteppiche, Glasobjekte (einschließlich Glasmalerei) und andere.

4. andere
Weiter gefasste Definitionen der bildenden Kunst beziehen sich manchmal auf Bereiche der angewandten Kunst, wie Grafikdesign, Modedesign und Innenarchitektur. Darüber hinaus können auch neue Arten der Körperkunst unter die allgemeine Überschrift der bildenden Kunst fallen. Dazu gehören: Tutaing, Gesichtsbemalung (Aqua-Make-up) und Bodypainting .

WAS IST KUNST?
Für eine Erklärung der ästhetischen Probleme, die mit den visuellen Künsten verbunden sind, siehe: Die Definition und Bedeutung der Kunst .

ARTEN DER KUNST
Für Kunstwerke, die aus recycelten Materialien geschaffen wurden, siehe: Junk Art, zu Gemälden und Skulpturen, die von Künstlern außerhalb des Mainstreams geschaffen wurden, siehe Outsider Art . Zu Werken von psychisch Kranken: Art Brut .

ABSTRACT
Für einen allgemeinen Leitfaden zu ungegenständlichen Kunstformen, siehe: Abstrakte Kunst . Zur geometrischen Abstraktion hier: Konkrete Kunst, und hier: Nicht-gegenständliche Kunst .

WIE MAN EIN BILD SCHÄTZT
Lesen Sie unseren Artikel für Schüler und Lehrer über Wertschätzung: Kunstverständnis: Wie man Kunst schätzt und Wie man Gemälde schätzt .

GESCHICHTE DER VISUELLEN KUNST
Für wichtige Daten in der Entwicklung der bildenden und anderen Künste, siehe: KUNSTGESCHICHTE .

Geschichte der Kunstklassifikation

Der neue Beruf des Künstlers

Obwohl verschiedene visuelle Formen seit Hunderten von Jahrtausenden praktiziert werden, ist die Rolle „des Künstlers“ von relativ junger Herkunft. In der klassischen Antike, in der byzantinischen, karolingischen, ottonischen, romanischen und gotischen Epoche wurden Maler und Bildhauer als reine Handwerker betrachtet, als Maler oder Schnitzer. In der Renaissance wurde dann dank Persönlichkeiten wie Leonardo da Vinci und Michelangelo der Beruf des „Künstlers“ auf eine neue, höhere Ebene gehoben, die die neu erkannte Bedeutung des Elements „Design“ – oder „Disegno“ widerspiegelte. Plötzlich hatten die Maler und Bildhauer einen neuen und einzigartigen Status – auf einer Stufe mit den Architekten. An dieser Situation hat sich bis heute nichts geändert, außer dass zu ihnen nun auch Künstler hinzugekommen sind, die sich mit Installationen, Videokunst, konzeptionellen Arbeiten, Montage und Ähnlichem beschäftigen. Einige Kunsthandwerker werden ebenfalls zu den bildenden Künsten gezählt, obwohl die meisten immer noch speziell als „Kunsthandwerk“ (und nicht als „Kunst“) gefördert werden.

Akademische Kunst

Seit der Renaissance spiegelte sich dieser neue Status auch in einem Bildungssystem wider, das auf einem Netz von Akademien der Schönen Künste basierte, die eine besondere Form der „akademischen Kunst proklamierten.“ „. Das System enthielt alle möglichen Regeln darüber, wie (meist) Gemälde und Skulpturen hergestellt werden sollten. Elemente wie Thema, Form, Aussage, Komposition und Farbe waren ziemlich streng geregelt. Die Nichteinhaltung der Regeln bedeutete den Ausschluss von dem prestigeträchtigen jährlichen Wettbewerb für Kunstausstellungen, der von den Akademien organisiert wurde. Und da die Teilnahme an diesen Kunstausstellungen oft die einzige Möglichkeit für einen Künstler war, sich einen Namen zu machen, Aufträge zu erhalten und sich schließlich die begehrte Mitgliedschaft in seiner nationalen Akademie zu sichern, bedeutete ein Ausschluss den finanziellen Ruin. Der Einfluss der Akademien begann erst im zwanzigsten Jahrhundert in nennenswertem Umfang zu schwinden.

Zu den bildenden Künsten gehören auch viele Handwerke

Im zwanzigsten Jahrhundert änderte sich auch allmählich die Einstellung zum Handwerk. Vereinfacht gesagt, erkannten die Bildungs- und Berufsinstitutionen bis etwa 1900 neben der Literatur und „den darstellenden Künsten“ nur zwei Hauptklassen künstlerischer Tätigkeit an: (1) die bildenden Künste, d. h. Werke, die aus rein ästhetischen Gründen geschaffen werden, und (2) das Kunsthandwerk, d. h. Werke, die zu einem nützlichen Zweck geschaffen werden. (Siehe auch Ästhetik .) Die ersteren – seit der Renaissance – wurden „von Künstlern“ geschaffen, die letzteren – von einer minderwertigen Kategorie „von Handwerkern“. Diese willkürliche Unterscheidung zwischen Kunst und Kunsthandwerk war kaum gerechtfertigt, da viele Kunsthandwerke keinen funktionalen Zweck erfüllten und die gleichen Fähigkeiten erforderten wie die bildende Kunst. Durch die Einbeziehung mehrerer „Handwerke“ trug die Kategorie der bildenden Kunst dazu bei, einige der Barrieren zwischen Kunst und Handwerk zu beseitigen, auch wenn viele von ihnen bis heute bestehen.

Die visuelle Kunst wurde erweitert und umfasst nun auch zeitgenössische Formen

In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts begann sich eine weitere Reihe von Veränderungen in unserer Klassifizierung und Wertschätzung von Kunst zu entfalten. Dies war auf das Aufkommen mehrerer neuer Kunstformen zurückzuführen, wie z. B. der Collage (aus Picassos und Braques synthetischem Kubismus von 1912.); Assemblage und „gefundene Objekte“ (z. B. „redi-mades“ von Marcel Duchamp, 1887-1968); Konzeptkunst (aus Werken von Marcel Duchamp wie „Fountain“, 1917, „Replica“, Tate Collection, London); Performance Art und Heppening (aus den Possen von Dada Tristan Tsara (1896-1963) im Cabaret Voltaire, Zürich, 1916-20) Fotomontage (aus dem Werk von Dadaisten wie Raoul Hausmann und Kurt Schwitters), die Illustrationen und Werbeausschnitte verwendeten, ca. 1918-20); Fotografie und Videokunst (ausgehend von der Pionierarbeit von Man Ray (1890-1976) und anderen); und Animationskunst (ausgehend von der Arbeit der amerikanischen Animatoren des frühen 20. Jahrhunderts, J. Stuart Blackton, Emil Kohl, Winsor Mackay und Walt Disney). Neue Techniken tauchten auch in traditionellen Disziplinen der bildenden Kunst auf, wie in der Malerei – mit der Erfindung von Acrylfarben, die u. a. von David Hockney (geb. 1937) verwendet wurden – und in der Druckgrafik – mit der Einführung des Siebdrucks, der von Andy Warhol (1928 – 87) weithin verwendet wurde ; und mit Giclée-Drucken.

Der wachsende Wohlstand in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts brachte erhebliche zusätzliche Investitionen in eine bedeutende Industrie der bildenden Kunst mit sich. In vielen europäischen Ländern unterrichten heute Kunsthochschulen auf höchstem Niveau Hunderttausende von Kunststudenten in einer Vielzahl von Fächern. Ganze Regierungsabteilungen mit millionenschweren Budgets widmen sich nun der Förderung der bildenden Künste, während sogar lokale Behörden hauptamtliche Kunsthistoriker beschäftigen, um die Aktivitäten auf lokaler Ebene zu koordinieren. Ergänzt wird diese Struktur häufig durch staatliche Stellen (z. B. Kunsträte), deren Aufgabe es ist, eine wachsende Zahl von Stipendien, Aufenthaltsgenehmigungen, speziellen Stipendien und anderen finanziellen Unterstützungen für Künstler zu verteilen. Darüber hinaus werden die Regierungen zu wichtigen Mäzenen der Kunst und kaufen große Mengen von Gemälden, Plastikformen und anderen Werken für die öffentliche Ausstellung. Es wurden neue Methoden der Mittelbeschaffung entwickelt, um die öffentliche Kunst zu unterstützen, wie zum Beispiel das Percent For Art Programm in Irland. Trotz der jüngsten Kürzungen zeigt all dies die enorme Bedeutung der bildenden Kunstindustrie im 21. Jahrhundert. Und selbst wenn viele der regelmäßigen Zahlen immer noch schlecht sind, so liegt das vor allem daran, dass ihre Zahl in den letzten Jahrzehnten erheblich gestiegen ist.