Gefundene Objekte:
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Gefundene Objekte
Definition, Eigenschaften, Geschichte von "Objets trouvés".

Was sind gefundene Objekte? Definition, Eigenschaften

Im moderne Kunst wird der Begriff "gefundenes Objekt" (eine Übersetzung des französischen Ausdrucks "objet trouvé") verwendet, um ein Objekt zu beschreiben, das ein Künstler gefunden hat und das dann – mit minimalen Änderungen – als Kunstwerk präsentiert wird. Die Idee ist, dass der Künstler glaubt, dass das entdeckte Objekt eine bestimmte ästhetische Qualität besitzt – die sich aus seinem Aussehen, seiner sozialen oder persönlichen Geschichte ergibt – und es daher für die Wertschätzung anderer ausstellt.

Typische "Fundstücke" sind natürliche Materialien wie Sand (vgl Sandkunst), Erde, Steine, Muscheln, merkwürdig geformte Holzstücke, ein menschlicher Schädel; oder künstliche Gegenstände wie Zeitungsausschnitte, Fotografien, Glasstücke, Metallschrottstücke, Stücke aus textilem Stoff, ein ungemachtes Bett, einen Fahrradlenker und so weiter.

"Gefundene Objekte" wurden in vielen verschiedenen verwendet Arten von Kunst, einschließlich Malerei, verschiedene Formen von Skulptur, einschließlich Montage und Installationen. Der spanische Maler und Bildhauer Pablo Picasso (1881-1973) war einer der Ersten, der diese Idee bekannt machte, als er ein gedrucktes Bild von Chair Caning auf sein Bild mit dem Titel Stillleben mit Chair Caning (1912, Musee Picasso, Paris) klebte. Die Idee wurde vom experimentellen französischen Künstler vollständig entwickelt Marcel Duchamp (1887-1968), der den Begriff " fertige "kurz nach dem berühmten Waffenschau (Frühjahr 1913), um seinen charakteristischen Stil des "Fundgegenstandes" zu beschreiben, der durch sein Werk mit dem Titel " Fountain" (1917) veranschaulicht wird, ein Standard-Porzellanurinal mit der Aufschrift "R. Mutt 1917", das Duchamp der New York Society of Independent Artists vorlegte Ausstellung (1917).

Herkunft und Geschichte

Trotz der Tatsache, dass die Begriffe "gefundenes Objekt" und "objet trouvé" im 20. Jahrhundert geprägt wurden, gibt es Hinweise darauf, dass solche Objekte in verwendet wurden prähistorische Kunst in der Ära von Altsteinzeit Kultur. Laut dem Zoologen Desmond Morris (* 1928) war der Makapansgat Pebble (Universität Witwatersrand, Südafrika), ein berühmter totenschädelförmiger Stein, der auf 3 Millionen v. Chr. Datiert wurde, seitdem ein "Fundstück" nicht zu der Höhle gehören, in der es ausgegraben wurde. Stattdessen scheint es von steinzeitlichen "Künstlern" (Australopithecines) an einer geologischen Stätte in drei Meilen Entfernung entdeckt und zur Ausstellung gebracht worden zu sein Antike Kunst. Drei Millionen Jahre später wurden "gefundene Gegenstände" von Duchamp und der Dada Bewegung, und dann von kultiviert Andre Breton und das Surrealismus Bewegung. In der Tat, bis Mitte der 30er Jahre, Surrealistische Künstler hatte eine ganze Reihe neuer Kategorien identifiziert, darunter "natürliche Objekte", "interpretierte natürliche Objekte", "eingebaute natürliche Objekte", "mathematische Objekte", "gestörte Objekte" und "amerikanische Objekte".

Nachkriegszeit moderne Kunstbewegungen setzte die Tradition fort. Robert Rauschenberg (1925-2008) und Jasper Johns (* 1930) haben beispielsweise in der frühen Phase der Pop-Art "objets trouvés" in ihre Arbeit einbezogen Robert Indiana (b.1928) und Jim Dine (geb. 1935). Sie wurden in den 1960er Jahren von George Maciunas (1931-78) und seinem gefolgt Fluxusbewegung, ebenso gut wie Arte Povera (um 1966-71), angeführt von Mario Merz (1925-2003), Pino Pascali (1935-68) und Michelangelo Pistoletto (geb. 1933). Später wurden auch "objets trouvés" verwendet Postmoderne Kunst, insbesondere von Junge britische Künstler entschlossen, das Establishment zu schockieren.

Berühmte Fundstücke der Kunst des 20. Jahrhunderts

Die bekannteste Serie von "Fundstücken" waren Duchamps "Readymades", eine frühe Form von Junk Art Mit Werken wie: Fahrradfelge (1913), Flaschenhalter (1914) und Springbrunnen (1917, ein Urinal), beide im Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris; und vor dem gebrochenen Arm (1915, Replica in Moderna Museet, Stockholm; eine regelmäßige Schneeschaufel, auf die Duchamp ihren Titel zusammen mit den Worten "von Marcel Duchamp 1915" gemalt hatte).

Duchamp unterschied seine "Readymades" von anderen "Fundstücken", indem er feststellte, dass "Fundstücke" aufgrund ihrer interessanten ästhetischen Eigenschaften ausgewählt werden, während "Readymades" Massenprodukte sind, in die sie sich verwandeln Kunst durch den bloßen Akt der Auswahl des Künstlers – somit ist keine Ausübung des Geschmacks erforderlich oder impliziert. Aber Duchamp hat seine Kritiker. Nach Ansicht der Kunsthistorikerin Rhonda Roland Shearer hat Duchamp möglicherweise seine Readymades erfunden: Selbst das Urinal ist nicht funktionsfähig. Wenn ja, dann "fand" Duchamp nicht einfach ein Objekt, sondern "machte" es. Das ist überhaupt nicht dasselbe.

Der Dada-Künstler und Fotograf Man Ray (1890-1976) produzierte auch eine Reihe von interessanten "Fundstücken", darunter: ein inländisches Eisen in seiner Arbeit Gift (1921, Museum of Modern Art, New York); Rosshaar und geschnitztes Holz in Emak Bakia (1927, Privatsammlung); ein Metronom in seiner Arbeit Metronome (Object to be Destroyed) (1932, Kunsthalle, Hamburg).

Kurt Schwitters (1887-1948), der große deutsche Dadaist, verwendete in seiner lebenslangen Karriere "Fundstücke" Collage und Assemblagen, obwohl seine außergewöhnliche Merzbau-Konstruktion aus Abfall, Holz und Gips Objekte verwendete, die zu verändert waren, um als "objets trouvés" zu gelten.

Surrealistische Künstler behaupteten, dass die Präsentation eines "gefundenen Objekts" außerhalb seines normalen Kontextes ein neues psychologisches Verständnis im Kopf des Betrachters auslösen könne. Ob wahr oder nicht, sie produzierten eine Reihe interessanter "Fundstücke", die für sich sprechen, darunter: Lobster-Telephone (1936, Private Collection) von Salvador Dali (1904-89) und Fur-Lined Teacup (1936, MOMA, New York) von Meret Oppenheim (1913 & ndash; 85).

Pablo Picasso hat das einfachste und auffälligste Beispiel für das "Fundstück" geschaffen, als er Head of a Bull (1943, Musée Picasso, Paris) aus einem Fahrradsattel und einem Lenker schuf.

Der Einzelgänger Fluxus-Künstler Joseph Beuys (1921-86) verwendeten eine Vielzahl von alltäglichen Objekten (manchmal modifiziert) in seinem Installationskunst und andere Arbeiten in den 60er und 70er Jahren, darunter: Fettblöcke, ein Van mit dahinterliegenden Schlitten, Tafeln, verschiedene industrielle Metallgegenstände und viele andere. Tatsächlich ist man leicht überwältigt von der bedrückenden Alltagsqualität der Installationen und Assemblagen von Beuys.

Im Gegensatz dazu die gigantischen Nachbildungen alltäglicher Objekte, die vom Pop-Bildhauer geschaffen wurden Claes Oldenburg (* 1929) – eine Parodie auf den Konsumismus der 1960er Jahre – haben trotz ihrer angeborenen Trivialität eine enorme visuelle Wirkung. Siehe zum Beispiel die selbsterklärende Kelle (1971, Kroller-Müller-Skulpturenpark Otterlo).

Einige der umstrittensten "Fundstücke" wurden von Young British Artists (YBAs) präsentiert, die – dank der Schirmherrschaft von Charles Saatchi – in den 1980er Jahren in der Kunstszene aufgetaucht. Beispiele sind: My Bed (1999, Saatchi Collection), von Tracey Emin (* 1963), die aus ihrem eigenen ungemachten Bett bestand, das mit befleckten Laken, Hausschuhen, befleckter Unterwäsche und anderen persönlichen Abfällen versehen war; Die physische Unmöglichkeit des Todes im Kopf eines Lebenden (1991), bestehend aus einem Glastank mit einem in Formaldehyd konservierten Hai von Damien Hirst (geb. 1965). Ein weiteres von Hirsts modifizierten "Fundstücken" ist ein verschwenderisch verzierter menschlicher Schädel mit dem Titel For the Love of God (2007, Private Collection).

Kontroverse und Kritik

Die kontroversen Arbeiten der YBAs lösten eine große Kritik an der Gültigkeit von "objets trouvés" als Kunstwerke aus. Es ging um die Motivation des Künstlers. Wie oben erwähnt, sollte der Künstler ein ästhetisches Element oder eine kreative Eigenschaft in dem Objekt sehen, das er / sie auswählt. Kritiker sagen jedoch, dass die Absicht vieler Künstler heutzutage mehr Söldner ist: Sie zielen einfach darauf ab, zu schockieren und sich so eine marktfähige Bekanntheit für sich und ihre Arbeit zu verschaffen.

Wenn man diese Kritik in einen Zusammenhang stellt, ist zu beachten, dass sie nach 400 Jahren Renaissance dominiert Ästhetik – die beschloss, dass Maler und Bildhauer Kunstwerke ausschließlich aus edlen (und damit hochkarätigen) Gegenständen herstellen – die Idee, Kunst aus trivialen, alltäglichen Gegenständen zu schaffen, war für Dadaisten und ihre Erben unwiderstehlich. Ein Urinal als "Kunstwerk" zu bezeichnen, war augenblicklich subversiv und völlig "modern" – für die meisten völlig ausreichend moderne Künstler Wer sich noch für das Schaffen von Kunstwerken interessierte, dem sind die Zutaten jedoch selbstverständlich.

Der Unterschied heute, sagen Kritiker, ist der postmoderne Künstler haben "Schockwert" eher als Selbstzweck gesehen – nicht zuletzt, weil Schockwert Schlagzeilen macht. Mit anderen Worten, Kunst ist zur Unterhaltung geworden – nicht anders als eine gewalttätige Punch-and-Judy-Show oder eine Reality-TV-Show ohne Grenzen.

Erbe

Pioniere von "objets trouvés" wie Duchamp und Picasso hatten großen Einfluss auf eine Vielzahl moderner Kunstrichtungen, darunter Surrealismus, Pop Art und BritArt der 1980er Jahre, sowie auf neue Genres wie Performance Art, Happenings, Trash Art und "Poubellisme" ", und Commodity Sculpture. Zweifellos wird sich ihr Einfluss bis in das Jahr hinein erstrecken Computerkunst Hier können fotografische Bilder per Mausklick modifiziert, repliziert und wiederverwendet werden. Trotzdem fragt man sich angesichts des heutigen "Alles geht" -Liberalismus des Kunstbetriebs, welche konstruktive Rolle "gefundenen Gegenständen" und dergleichen noch zukommt.

Gefundene Objekte können in einigen der beste Kunstmuseen rund um den Globus, insbesondere das französische Musee National d’Art Moderne, in der Centre Pompidou in Paris; das Saatchi Galerie, London; ebenso wie Samuel R Guggenheim und das Museum für moderne Kunst in New York.

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