Kunstgewerbe, Handwerk: Definition, Geschichte Automatische übersetzen

Der Begriff „Kunstgewerbe“ – die traditionelle Bezeichnung für das eher unhandliche Spektrum künstlerischer Disziplinen, die sich mit Design, Verzierung und Dekoration von Gegenständen befassen, die in der Regel funktional sind und nicht notwendigerweise irgendwelche intrinsischen ästhetischen Qualitäten besitzen. Im Allgemeinen werden viele dekorative Künste (z. B. Korbflechterei, Schreinerei, Keramik, Wandteppiche und andere) auch als „Handwerk“ eingestuft. Darüber hinaus sind die dekorativen Künste Teil der größeren Kategorie der angewandten Kunst .

Was fällt unter den Begriff „Kunstgewerbe“?

Die Definition und Kategorisierung der dekorativen Künste umfasst die Herstellung von Möbeln und Accessoires, Teppichen und Wandteppichen, Stickereien (siehe, z.B. Wandteppich von Bayeux – eigentlich Stickerei), Buchillustration, Blumenschmuck, Keramik (Steingut, Töpferware), Porzellan und Raku, Weberei, Schmuck, Emaille, Silberwaren und Schmuck, einschließlich Cloisonné (durch Trennwände geteiltes Email) und Champlevé (in vorbereiteten Vertiefungen aufgetragenes Email) und Mosaikkunst, sowie Glasmalerei und Raumgestaltung. Dazu gehören auch Theaterausstattungen und Kostüme, wie Leon Baksts prächtige Entwürfe für Sergei Diaghilev und seine russische Ballettkompanie zeigen. Chinesische Lackwaren und Jadeschnitzerei sind führende Beispiele aus Asien, ebenso wie chinesisches Porzellan – insbesondere Waren der Ming-Dynastie – und japanisches Papierfalten Origami . Zu den dekorativen Künsten gehören auch praktisch alle Kategorien „von kostbaren oder handgefertigten Gegenständen“. Dazu gehören Objekte wie Fabergé-Ostereier, eingelegte Rüstungen und Waffen, Kaminsimse (z. B. aus Marmor und Mosaik) sowie Theaterkulissen und Kostüme, wie sie von Alexandre Benois (1870-1960) und Leon Bakst (1866-1924) für russische Ballette geschaffen wurden.

Was ist Kunst?
Für eine Erklärung der ästhetischen Probleme, die mit den schönen Künsten und dem Kunsthandwerk verbunden sind, siehe: Definition von Kunst, Bedeutung .

Geschichte der bildenden Künste
Für wichtige Daten in der Entwicklung der bildenden Künste und anderer Künste, siehe: Geschichte der Kunst .

Arten von Kunst
Für Kunstwerke aus wiederverwertbaren Materialien, siehe: Schrottkunst .
Zu Gemälden und Skulpturen, die von Künstlern außerhalb des Mainstreams geschaffen wurden, siehe Außenseiterkunst .
Zu Werken von Geisteskranken, siehe: Art Brut .

Was ist der Unterschied zwischen dekorativer und bildender Kunst?

Die schönen Künste, d. h. Malerei, Zeichnung, Bildhauerei und Fotografie, haben in der Regel keine andere Funktion als die des Sehens. Im Gegensatz dazu haben die dekorativen Künste oft (aber nicht immer) eine nützliche Funktion. Ein weiterer Unterschied besteht darin, dass die bildenden Künste eher auf der Zeichnung und die dekorativen Künste – eher auf der Technik basieren. Aber es gibt Ausnahmen von diesen beiden allgemeinen Regeln.

Probleme der Definition

Die genaue Bedeutung „der dekorativen Künste“ ist heute weniger wichtig, da die enge, elitäre Auffassung der schönen Künste durch die breitere Klassifizierung der bildenden Künste abgelöst wurde. Darüber hinaus sind mehrere zeitgenössische Formen der dekorativen Arbeit - einschließlich Innenarchitektur, Modeindustrie, Grafik oder Computer - als Disziplinen „des Designs“ und nicht als dekorative Künste bekannt. Daher wird der letztgenannte Begriff wahrscheinlich allmählich verschwinden, zumal er so eng mit Kategorien wie „angewandte Kunst“ und „Kunsthandwerk“ verbunden ist. (Siehe auch: Arten von Kunst .)

Ursprünge und Geschichte der dekorativen Künste

Die früheste Form der dekorativen Kunst war die antike Töpferei, insbesondere die japanische Töpferei im Jomon-Stil, die ab etwa 14.500 v. Chr. auftauchte. Sie wurde auch ab etwa 5.000 v. Chr. in großem Umfang hergestellt. von einer Reihe antiker Mittelmeerzivilisationen, bis sie ihren Höhepunkt im geometrischen Stil, orientalischen Stil, schwarzen Figuren und roten Figuren und im Stil der antiken griechischen Keramik erreichte.

Ein weiterer früher Produzent dekorativer Kunst waren die Kelten, deren Metallarbeiten (ca. 500-50 v. Chr.) solche persönlichen Waffen und Schmuckstücke wie Gold und Bronze „Munching Oak“ (ca. 350-50 v. Chr.), Bronze „Battersea Shield“ (ca. 350-50 v. Chr.). BC), Bronze „Whitham Shield“ (4. Jahrhundert v. Chr.), Silber „Gundestrup Cauldron“ (ca. 100 v. Chr.), Bronze „Petrie Crown“ (100. Jh. v. Chr. – 200 v. Chr.), „Broiter’s Goldkette“ (1. Jh. v. Chr.) und das goldene „Broiter’s Boat“ (1. Jh. v. Chr.). Spätere keltische Kunsthandwerker in Irland stellten eine Reihe exquisiter kirchlicher Gegenstände und anderer Werke her, wie die Tara-Brosche (um 700 n. Chr.), die Arda-Schale (8./9. Jh. n. Chr.), die Derrynaflan-Schale (8./9. Jh. n. Chr.), den Moylough Belt Temple (8. Jh. n. Chr.), das Tully Loch Cross (8./9. Jh.) und das Conga Cross (12. Jh.).

Diese dekorativen Traditionen wurden an den europäischen Königshöfen von König Karl I. und den späteren ottonischen Herrschern fortgeführt, während sich neue Kunstformen in der Tapisserie und der Verzierung anderer Stoffe entwickelten. Das große Bauprogramm der christlichen Gotik förderte dann die Entwicklung der europäischen Kunst der Glasmalerei, die in Kathedralen in Frankreich, England, Deutschland und anderswo eingesetzt wurde.

Während der italienischen und nördlichen Renaissance waren Malerei und Bildhauerei eher ernsthaft als dekorativ – siehe jedoch die Schule von Fontainebleau in Frankreich – und erst in der barocken Gegenreformation blühte die dekorative Kunst in einer Vielzahl von Disziplinen wieder auf. Ein wichtiges Ereignis dieser Zeit war die Gründung der berühmten Tapisserienfabrik Gobelins in Paris (1667), die von Charles Lebrun (1619-1690) geleitet wurde, und der Tapisserienfabrik Bovet (1664), ebenfalls in Paris.

Danach kam die Schule des Rokoko, die dem dekorativen Handwerk wie der Herstellung von Möbeln, Haushaltsgegenständen, Glas und Textilien einen enormen Aufschwung gab. Während das Barock seine Wurzeln in der Architektur hat, ist das Rokoko in der Innenarchitektur zu finden. Er entstand am Hof Ludwigs XV. im Schloss von Versailles und erfreute sich in Deutschland und Mitteleuropa großer Beliebtheit. Für weitere Informationen siehe: Französische dekorative Kunst (ca. 1640-1792); Französische Designer (ca. 1640-1792) und Französische Möbel (ca. 1640-1792). Die Rokoko-Epoche ist auch bekannt für die Beliebtheit chinesischer Dekorationsmotive wie Chinoiserie, ein pseudochinesischer Dekorationsstil, der sich in ganz Europa verbreitete.

Weder der Sozialismus der Französischen Revolution noch die Massenproduktionsmethoden der Industriellen Revolution begünstigten die Ästhetik des Kunsthandwerks. Infolgedessen traten die dekorativen Künste erst im späten 19. Jahrhundert wieder in den Vordergrund, als Reaktion auf die Produkte der maschinellen Produktion. Dies ist auf William Morris und die Arts and Crafts-Bewegung zurückzuführen, eine soziale und ästhetische Bewegung, die aus der 1888 gegründeten Society for the Exhibition of Arts and Crafts hervorging, obwohl ihre Wurzeln bis in die 1850er Jahre und die Ästhetik des Kunsthistorikers John Ruskin (1819-1900) zurückreichen. Die Bewegung setzte sich für gutes Design und handwerkliches Können ein, im Gegensatz zum standardisierten Design von maschinell hergestellten Fabrikprodukten.

Um die Jahrhundertwende entstand eine weitere Designbewegung, die als Celtic-Art-Revival-Bewegung bekannt wurde. Sie wurde zunächst von irischen Intellektuellen wie W. B. Yates und Lady Gregory sowie von Aktivisten wie A. E. Russell, Percy French, Oliver St. John Gogarty, Padraic Colum und Edward Plunkett ins Leben gerufen und führte zu einem Mini-Revival des keltischen Designs und der keltischen Kunst im Allgemeinen. Juweliere und Metallarbeiter im keltischen Stil begannen, antike Stücke zu kopieren, darunter: die Tara-Brosche, die „Tempelritter-Brosche“, die Dubliner Universitätsbrosche und die Clarendon-Brosche.

In der Zwischenzeit führten die Erfolge des französischen Lithographen Jules Chéré (1836-1932) in der Chromolithographie in Paris dazu, dass sich die Begeisterung für das Poster in ganz Europa ausbreitete. In den 1890er Jahren verschmilzt sie mit dem ersten modernen internationalen Designstil, dem Jugendstil (popularisiert durch Gruppen wie die Wiener Sezession), der seinen Höhepunkt auf der Internationalen Ausstellung 1900 in Paris erreicht. Alphonse Mucha (1860-1939) ist der Inbegriff des Jugendstilplakats. Als der Jugendstil an Bedeutung verlor, wurde er in der Plakatlithografie durch den Funktionalismus verdrängt, der in den Werken von Leonetto Cappiello (1875-1942) zum Ausdruck kommt.

Für weitere Informationen über dieses Medium siehe: Geschichte des Plakats .

Nach dem Ersten Weltkrieg entstand die sehr einflussreiche Schule des Bauhauses, gefolgt von der letzten großen dekorativen Bewegung, bekannt als Art Deco . Dieser Stil hat seinen Namen von der Internationalen Ausstellung für dekorative und angewandte Kunst 1925 in Paris. Seitdem sind nur wenige bedeutende neue Stile der dekorativen Kunst entstanden, obwohl die Pop Art und der Minimalismus einen gewissen Einfluss hatten, ebenso wie der Neo-Pop. Im Amerika der 1970er Jahre hat die feministische Kunstbewegung das traditionelle dekorative Kunsthandwerk der Frauen, einschließlich Handarbeit, Stickerei, Glaskunst und Keramik, stark gefördert. Siehe z. B. „Dinner Party“ (1979, Brooklyn Museum, New York) Judy Chicago (geb. 1939), die sich für diese Fertigkeiten einsetzte.

Museumssammlungen von Kunst und Kunsthandwerk

Eine der weltweit größten Sammlungen dieser Art von Kunst in Amerika befindet sich im Metropolitan Museum of Art in New York . In Europa verfügen der Louvre und das Victoria and Albert Museum über die größten Sammlungen dekorativer Kunst.

Die amerikanischen Werke im Metropolitan Museum of Art, die aus dem späten 17. und frühen 20. Jahrhundert stammen, umfassen etwa 12.000 Beispiele von Möbeln, Silber, Glas, Zinn, Keramik und Textilien. Darunter befindet sich auch eine herausragende Sammlung amerikanischer Glasmalerei, die das bahnbrechende Werk von Louis Comfort Tiffany zeigt. Es gibt auch herausragende Beispiele für plastische Kunst, wie geblasene und gepresste Glasgefäße von der New England Glass Company, Dorflinger Works und Tiffany Studios, antike Möbel aus dem Jahr 1820 und eine Reihe von Keramik- und Silberobjekten aus dem späten 19. Jahrhundert, darunter Werke von Paul Revere . Die Keramiksammlung umfasst ein breites Spektrum an Materialien, Methoden und Herstellern, von roter Ware aus Pennsylvania und Deutschland bis zu Rookwood-Keramik . Die Textilsammlung des Museums umfasst hundert Quilts, Handarbeiten aus dem 18. und frühen 19. Jahrhundert sowie Stoffe von Candace Wheeler, Amerikas bekanntester Designerin von Frauentextilien und Inneneinrichtungen aus dieser Zeit.