Klassizismus in der Kunst: Definition, Geschichte, Beispiele Automatische übersetzen
Was ist Klassizismus? Was ist Neoklassizismus?
In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff "Klassizismus" (Adjektiv: Klassizist) üblicherweise auf die Nachahmung des Kunst der klassischen Antike (c.1000 BCE – 450 CE), insbesondere die Nachahmung von " Griechische Kunst " und " Römische Kunst ", sowie frühere Prototypen wie" Ägäische Kunst (c.2500-1100 BCE) und Etruskische Kunst "(c.700-100 BCE). So ist zum Beispiel jede im Mittelalter oder später entstandene Architektur, Malerei oder Skulptur, die von der Kunst des antiken Griechenlands oder des antiken Roms inspiriert wurde, ein Beispiel des Klassizismus (oder vielleicht) als Klassiker gesehen werden).
Eher verwirrend wird "Klassizismus" oft synonym mit dem Wort "Neoklassizismus" verwendet. So kann beispielsweise der Baustil des US-Kapitolgebäudes entweder als "Klassizist" oder als "Neoklassizist" bezeichnet werden; ähnlich, Michelangelos Statue von David kann als ein Beispiel für "Klassizismus" oder "Neoklassizismus" beschrieben werden.
Der Begriff "Neoklassizismus" wird jedoch am häufigsten verwendet, um eine spezifische Wiederbelebung der griechischen und römischen Kunst zu beschreiben, die zwischen etwa 1750 und 1860 in Europa und Amerika stattfand Michelangelos als "Neoklassiker" bezeichnete Statue ist wahrscheinlich das beste Beispiel für "Klassizismus".
HINWEIS: Griechische Skulptur und Griechische Keramik , ebenso gut wie Griechische Malerei Es wird allgemein anerkannt, dass sie den Römern überlegen sind. Griechische Architektur ist auch die Grundlage für Römische Architektur Obwohl römische Ingenieure wichtige Fortschritte bei den griechischen Materialien und Methoden gemacht haben. Ein hoher Anteil griechischer Skulpturen und anderer Werke ist uns jedoch nur durch römische Kopien bekannt, während römische Gebäude auch griechische Strukturen deutlich überlebt haben. Die römische Kunst zu kennen, bedeutet daher, viel über die griechische Kunst zu wissen.
Merkmale des klassischen Stils
Obwohl es von Genre zu Genre unterschiedlich ist, ist die klassische Kunst für ihre Harmonie, Ausgewogenheit und ihr Augenmaß bekannt. In seinem Malerei und Skulptur Es setzt idealisierte Figuren und Formen ein und behandelt seine Motive nicht anekdotisch und emotional neutral. Farbe ist immer Linie und Komposition untergeordnet. Es ist in der Regel unauffällig – der Umgang ist bis zur Anonymität unpersönlich – und strebt eine harmonische und kontemplative Wirkung an. Klassik die Architektur wird eng durch mathematische Proportionen geregelt. Zum Beispiel verwendeten griechische Designer exakte mathematische Berechnungen, um die Höhe, Breite und andere Eigenschaften von Architekturelementen zu bestimmen. Darüber hinaus würden diese Proportionen geringfügig geändert – bestimmte Elemente (Säulen, Kapitelle, Basisplattform) würden sich beispielsweise verjüngen -, um den optimalen visuellen Effekt zu erzielen, als wäre das Gebäude eine Skulptur. Die größten Vertreter des Klassizismus sind: (1) Architektur : Donato Bramante und Andrea Palladio; (2) Gemälde : Raphael, Jacques-Louis David und JAD Ingres; (3) Skulptur : Michelangelo und Antonio Canova.
Was ist die Geschichte des Klassizismus?
Mittelalterliche Klassik (800-1400)
Mittelalterliche Kunst erlebte mehrere Wellen des Klassizismus. Die erste wird als " Karolingische Renaissance "(um 750-900), der während der Regierungszeit von König Karl I. (reg. 768-814) begann. Der kulturelle Klassizismus der Karolingerzeit brachte die Architektur der Pfalzkapelle in Aachen (792-805) hervor, die wurde durch den achteckigen Stil der Kirche San Vitale in Ravenna aus dem 6. Jahrhundert sowie zahlreiche lateinische inspiriert illuminierte Manuskripte , einschließlich der Lorsch-Evangelien , des Utrecht-Psalters und des Godescalc-Evangelisten . Die zweite Wiederbelebung des Klassizismus – die Ära von Ottonische Kunst (c.900-1050) – blühte während des ottonischen Reiches unter Otto dem Großen, der 962 in Rom zum heiligen römischen Kaiser gekrönt wurde. Es wurde insbesondere durch sein karolingisches Erbe und ein erneutes Interesse an der norditalienischen Kunst beeinflusst als größerer Kontakt mit Byzantinische Kunst des oströmischen Reiches. Bis 1050 wurde der größte Teil der klassizistischen Kunst in christlichen Klöstern hergestellt. In den nächsten dreihundert Jahren widmete sich die christliche Kirche vor allem einer Reihe von Programmen zum Bau von Kathedralen und Kirchen. Es begann mit der Übernahme des Stils von Romanische Architektur (c.1000-1150), die die Rundbögen, Wandmassen und Tonnengewölbe der Römer wiederverwendete, aber viele der architektonischen Elemente der klassischen Antike schnell aufgaben, ein Trend, der in der folgenden Ära von beschleunigt wurde gotische Architektur (c.1120-1400).
Renaissance-Klassizismus (1400-1600)
Es überrascht nicht, dass Italien das Herz des Römischen Reiches ist und viele griechische Kolonien mit ihren Traditionen beherbergt Hellenistische Kunst – erlebte die größte aller klassischen Wiederbelebungen in Europa, ein Prozess, der in Florenz zum ersten Mal Anfang des Jahres stattfand quattrocento (15. Jahrhundert). Bekannt als Italienische Renaissance – oder vielleicht genauer als die Florentiner Renaissance – Es wurde ursprünglich vom Architekten geführt Filippo Brunelleschi (1377–1446), der Kunsttheoretiker Leon Battista Alberti (1404–1472), der Bildhauer Donatello (1386–1466) und der Maler Masaccio (1401–1428). Brunelleschi interessierte sich besonders für die mathematischen Proportionen antiker römischer Gebäude, die er verehrte. Alberti, der glaubte, Klassizismus sei gleichbedeutend mit Schönheit, war berühmt für seine Abhandlungen De Statua und Della Pittura (1435) und De Re Aedificatoria (1452) Perspektive zugänglich für einen breiten Kreis von Künstlern, die diese neue Technik erlernen wollten. Donatello verwendete dieselben Prinzipien, um das Griechische nachzuahmen Statuen Während Masaccio klassische Elemente in den Inhalt seiner Gemälde einbezog, einschließlich seiner eigenen Perspektive-Technik. Der Klassizismus dominierte weiterhin Renaissancekunst in Rom – bekannt als Hohe Renaissance – Inbegriff der klassisch proportionierten Sixtinischen Madonna (1513-14) von Raphael (1483–1520); und The Vitruvian Man (1492), eine Studie von Leonardo da Vinci der Proportionen des (männlichen) menschlichen Körpers, wie vom römischen Architekten beschrieben Vitruvius (c.78-10 BCE). Renaissancekunst in Venedig wurde auch stark von der klassischen Antike beeinflusst, da die Stadt eng mit Konstantinopel (Byzanz) verbunden war, dem ehemaligen Sitz der oströmischen Kaiser, und immer noch ein Zentrum der antiken griechischen Kultur ist. Byzantinischer Stil Mosaikkunst war eine besondere Spezialität. Venezianische Renaissance-Architektur wurde auch von klassischen Beispielen inspiriert – siehe insbesondere den klassizistischen Architekten Andrea Palladio (1508-80), deren Entwürfe sich an den Werten der klassischen Architektur orientierten, wie sie von Vitruv und anderen skizziert wurden.
Die klassischen Gründungsprinzipien der italienischen Renaissance breiteten sich nach Westen in Frankreich und Spanien und nach Norden in Deutschland und den Niederlanden aus. Und mit dem Erscheinen relativ billiger gedruckter Bücher verbreitete sich das Studium der klassischen Literatur, bis es im späten 16. Jahrhundert in den meisten Lehrplänen der Universitäten zur Norm wurde.
Barockklassizismus (1600-1700)
Die Harmonie und ausgewogenen Proportionen des Klassikers Renaissance-Kunst erwies sich schließlich als unzureichend für die kreativen Impulse des frühen 17. Jahrhunderts, und es wurde ersetzt durch Barocke Kunst , ein weitaus komplexeres und dramatischeres Idiom, zu dessen größten Meistern auch gehörte Caravaggio (1573-1610) und Andrea Pozzo (1642 & ndash; 1709). Aber ein oder zwei Stränge des Klassizismus sind geblieben. Annibale Carracci und sein Bologneser Schule Zum Beispiel war besonders einflussreich – siehe: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts – wie auch Nicolas Poussin (1594-1665) und Claude Lorrain (1600-82). Tatsächlich wurden die klassischen Traditionen im späten 17. Jahrhundert durch die Eröffnung einer Reihe offizieller "Akademien" mit Lehrplänen, die den Schülern die klassischen Prinzipien der italienischen Renaissance vermitteln sollten, zu einem festen Bestandteil der westlichen Kunst.
Neoklassizismus (um 180-1850)
Während des frühen / mittleren 18. Jahrhunderts gab die Barockkunst dem dekadenten, wunderlichen Platz Rokoko . Später, um 1780, wurde dieser frivole Stil durch die nächste große Wiederbelebung der klassischen Kunst abgelöst, die als Neoklassizismus bekannt ist. Verfochten vom Gelehrten Johann Winckelmann (1717-68) wird dieser neue Stil am Beispiel der neoklassizistische Malerei von Jacques-Louis David (1748 & ndash; 1825); die Bilder seines Nachfolgers JAD Ingres (1780 & ndash; 1867); das neoklassizistische Skulptur von Antonio Canova (1757 & ndash; 1822); und die Architektur von Designern mögen Jacques Soufflot (1713–80), Thomas Jefferson (1743-1826) und andere.
Klassizismus des 19./20. Jahrhunderts
Der Klassizismus setzte sich für die Errungenschaften des antiken Griechenlands und Roms ein – das klassische Ideal – als Maßstab, an dem sich die heutige Gesellschaft messen lässt. Beginnend als elitäre wissenschaftliche und klösterliche Bewegung, wurde sie schrittweise auf alle Aspekte des Lebens angewendet, einschließlich visueller Kunst und Architektur. Ab dem 18. Jahrhundert offenbarten die Entdeckungen der modernen Wissenschaft sowie die Entwicklungen in der sozialen und politischen Theorie jedoch langsam, wie viel die Griechen und Römer nicht gewusst hatten. Als Ergebnis – mit Ausnahme des klassischen Stils von akademische Kunst , wie von der Französische Akademie ; und das Präraffaelitische Bruderschaft (1848-55) – Der Klassizismus war im 19. und 20. Jahrhundert in der Kunst und in anderen Bereichen noch nie so verbreitet wie zuvor.
Den neuesten klassizistischen Impuls finden Sie im Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst (c.1900-30). Diese Rückkehr zur klassischen Bildsprache beinhaltete Beiträge von Picasso (1881-1973) – siehe auch Neoklassische Figurenbilder von Picasso – sowie so unterschiedliche Künstler wie Andre Derain (1880-1954), Matisse (1869-1954), Fernand Leger (1881-1955), Giorgio de Chirico (1888-1978) und Giorgio Morandi (1890-1964), um nur einige zu nennen.
BEMERKUNG: Alle Epochen des Klassizismus teilen eine gewisse Verehrung für die künstlerischen Werte der Antike, obwohl sie je nach Epoche und Genre (Architektur, Malerei, Skulptur) in ihrer Interpretation erheblich variieren. Darüber hinaus bewundern einige moderne Klassiker weniger die materiellen Formen der Antike als vielmehr deren Wesen . Kubismus Beispielsweise wird es aufgrund seiner Betonung von Struktur und Form, seiner Grundlage in der Geometrie, als klassizistische Redewendung angesehen. und seine begehrte Wirkung, die typisch harmonisch und kontemplativ ist.
Berühmte Beispiele klassizistischer Kunst
MALEREI
Eid der Horatii (1784) von Jacques-Louis David.
Louvre, Paris.
Tod von Marat (1793) von Jacques-Louis David.
Louvre, Paris.
Der Valpincon-Badende (1808) von JAD Ingres.
Louvre, Paris.
La Grande Odalisque (1814) von JAD Ingres.
Louvre, Paris.
Die großen Badenden (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905) von Cezanne.
National Gallery, London; Kunstmuseum, Philadelphia; Barnes Foundation, Merion, PA.
Junge Italienerin, die auf ihrem Ellbogen sich lehnt (1900) von Cezanne.
J. Paul Getty Museum.
Zwei Akte (1906) von Picasso.
Museum of Modern Art, New York.
Die Unsicherheit des Dichters (1913) von De Chirico.
Tate Collection, London.
Lied der Liebe (1914) von De Chirico.
Museum of Modern Art, New York.
Das Geheimnis und die Melancholie einer Straße (1914) von De Chirico.
Privatsammlung.
Der betrunkene Gentleman (1916) von Carlo Carra.
Privatsammlung.
Sitzende Frau (Picasso) (1920)
Musee Picasso, Paris.
Großer Badender (1921) von Picasso.
Musee de l’Orangerie, Paris.
Zwei Frauen laufen am Strand (The Race) (1922) von Picasso.
Musee Picasso, Paris.
Der Mechaniker (1920) von Fernand Leger.
Nationalgalerie von Kanada.
Drei Frauen (Le Grand Dejeuner) (1921) von Fernand Leger.
Museum of Modern Art, New York.
Akt vor einem roten Hintergrund (1923) von Fernand Leger.
Kunstmuseum, Basel.
Zwei Schwestern (1935) von Fernand Leger.
Gemäldegalerie SMPK, Berlin.
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