Klassizismus in der Kunst:
Definition, Geschichte, Beispiele Automatische übersetzen

Was ist Klassizismus? Was ist Neoklassizismus?

In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff „Klassizismus“ (Adjektiv: Klassizist) gewöhnlich auf die Nachahmung der Kunst des klassischen Altertums (ca. 1000 v. Chr. - 450 n. Chr.), insbesondere die Nachahmung „der griechischen Kunst“ und „der römischen Kunst“, sowie früherer Vorbilder wie „der ägäischen Kunst“ (ca. 2500-1100 v. Chr.) und „der etruskischen Kunst“ (ca. 700-100 v. Chr.). So ist zum Beispiel jede Architektur, Malerei oder Skulptur, die im Mittelalter oder später entstanden ist und von der Kunst des antiken Griechenlands oder Roms inspiriert wurde, ein Beispiel für den Klassizismus (oder kann als Klassizismus betrachtet werden).

Es ist recht merkwürdig, dass „Klassizismus“ oft austauschbar mit dem Wort „Neoklassizismus“ verwendet wird. So kann man zum Beispiel den architektonischen Stil des Kapitols der Vereinigten Staaten als „klassizistisch“ oder „neoklassizistisch“ bezeichnen; ebenso kann man Michelangelos David-Statue als Beispiel für „Klassizismus“ oder „Neoklassizismus“ bezeichnen.

Der Begriff „Neoklassizismus“ wird jedoch am häufigsten verwendet, um die besondere Wiederbelebung der griechischen und römischen Kunst zu beschreiben, die in Europa und Amerika zwischen 1750 und 1860 nach Christus stattfand. Das US-Kapitolgebäude (erbaut 1793-1829) und die Statue von Michelangelo, die als „neoklassizistisch“ bezeichnet wird, ist daher wahrscheinlich am besten als Beispiel für „Klassizismus“ zu beschreiben.

ANMERKUNG: Griechische Bildhauerei und Griechische Keramik und Griechische Malerei werden allgemein als der römischen überlegen anerkannt. Die griechische Architektur ist auch die Grundlage für die römische Architektur, obwohl die römischen Ingenieure bedeutende Fortschritte bei der Verwendung griechischer Materialien und Methoden machten. Dennoch ist uns ein großer Teil der griechischen Skulpturen und anderer Werke nur durch römische Kopien bekannt, und auch die römischen Bauwerke haben die griechischen weit überlebt. Wer die römische Kunst kennt, weiß eine Menge über die griechische Kunst.

Merkmale des Klassischen Stils

Obwohl sie sich von Genre zu Genre unterscheidet, ist die klassische Kunst bekannt für ihre Harmonie, ihr Gleichgewicht und ihren Sinn für Proportionen. In der Malerei und Bildhauerei verwendet sie idealisierte Figuren und behandelt ihre Themen auf eine nicht anekdotische, gefühlsneutrale Weise. Die Farbe ist stets der Linie und der Komposition untergeordnet. Sie ist im Allgemeinen zurückhaltend - die Behandlung ist unpersönlich bis hin zur Anonymität - und neigt dazu, eine harmonische und kontemplative Wirkung zu erzielen. Die klassische Architektur wird streng von mathematischen Proportionen bestimmt. Die griechischen Konstrukteure beispielsweise verwendeten genaue mathematische Berechnungen, um die Höhe, Breite und andere Merkmale der architektonischen Elemente zu bestimmen. Darüber hinaus wurden diese Proportionen geringfügig verändert - zum Beispiel wurden einige Elemente (Säulen, Kapitelle, Sockelplattform) verschmälert -, um eine optimale visuelle Wirkung zu erzielen und nicht um eine Skulptur zu schaffen. Zu den größten Vertretern des Klassizismus gehören: (1) Architektur : Donato Bramante und Andrea Palladio; (2) Malerei : Raffael, Jacques-Louis David, Jean Auguste Dominique Engr; (3) Bildhauerei : Michelangelo und Antonio Canova.

Geschichte des Klassizismus

Mittelalterlicher Klassizismus (800-1400 n. Chr.)

Die mittelalterliche Kunst erlebte mehrere Wellen des Klassizismus. Die erste Welle wird als „karolingische Renaissance“ (ca. 750-900) bezeichnet, die während der Herrschaft von König Karl dem Großen (reg. 768-814) begann. Der kulturelle Klassizismus der Karolingerzeit führte zur Architektur der Pfalzkapelle in Aachen (792-805), die vom achteckigen Stil der Kirche San Vitale in Ravenna aus dem 6. Jahrhundert inspiriert wurde, sowie zu zahlreichen Handschriften mit lateinischer Buchmalerei. Dazu gehören: Lorschs Evangelium, Utrechter Psalter und Evangelisches Godescalk . Eine zweite Wiederbelebung des Klassizismus, die Epoche der osmanischen Kunst (ca. 900-1050), erlebte ihre Blütezeit im ottonischen Reich unter Otto dem Großen, der 962 in Rom zum römischen Kaiser gekrönt wurde. Sie wurde insbesondere durch das karolingische Erbe und das erneute Interesse an der norditalienischen Kunst sowie durch die zunehmenden Kontakte mit der byzantinischen Kunst des Oströmischen Reiches beeinflusst. Bis 1050 wurden die meisten Werke des Klassizismus in christlichen Klöstern geschaffen. In den folgenden dreihundert Jahren konzentrierte sich die christliche Kirche auf eine Reihe von Kathedralen- und Tempelbauprogrammen. Dies begann mit der Übernahme des Stils der romanischen Architektur (ca. 1000-1150), bei der römische Rundbögen, massive Mauern und Gewölbe wiederverwendet wurden, aber viele architektonische Elemente der klassischen Antike gerieten schnell in Vergessenheit. Diese Tendenzen beschleunigten sich während der nachfolgenden Epoche der gotischen Architektur (ca. 1120-1400).

Der Klassizismus der Renaissancezeit (1400-1600)

Es ist nicht verwunderlich, dass Italien - das Herz des Römischen Reiches, das viele griechische Kolonien mit ihren Traditionen der hellenistischen Kunst aufgenommen hatte - Zeuge des größten aller klassischen Revivals in Europa wurde. Ein Prozess, der in Florenz während des frühen „vierhundert“ (15. Jahrhunderts) begann, bekannt als italienische Renaissance - oder vielleicht genauer, als Florentiner Renaissance - wurde zunächst von dem Architekten Filippo Brunelleschi (1377-1446), dem Kunsttheoretiker Leon Battista Alberti (1404-1472), dem Bildhauer Donatello (1386-1466) und dem Maler Masaccio (1401-1428) geleitet. Brunelleschi interessierte sich besonders für die mathematischen Proportionen der antiken römischen Bauwerke, die er verehrte. Alberti, der den Klassizismus als Synonym für Schönheit betrachtete, wurde durch seine Abhandlungen „De Statua“, „Della Pittura“ (1435) und „De Re Aedificatoria“ (1452) berühmt und bemühte sich, die Prinzipien der Perspektive einem breiten Spektrum von Künstlern zugänglich zu machen, die diese neue Technik erlernen wollten. Donatello nutzte dieselben Prinzipien, um griechische Statuen zu imitieren, während Masaccio klassische Elemente, einschließlich seiner eigenen perspektivischen Technik, in den Inhalt seiner Gemälde integrierte. Der Klassizismus dominierte weiterhin die Kunst der Renaissance in Rom, bekannt als Hochrenaissance, - verkörpert durch die klassischen Proportionen der Sixtinischen Madonna (1513-1514) Raffael (1483-1520); und Vitruvianischer Mensch (1492), Leonardo da Vinci, in den Proportionen des (männlichen) menschlichen Körpers, die einst von dem römischen Architekten Vitruv (c. 78-10 V. CHR.). Die Kunst der Renaissance in Venedig wurde auch stark von der klassischen Antike beeinflusst, da die Stadt eng mit Konstantinopel (Byzanz) verbunden war, dem ehemaligen Sitz der oströmischen Kaiser und immer noch ein Zentrum der griechischen Kultur. Mosaike im byzantinischen Stil wurden besonders verehrt. Die Architektur der venezianischen Renaissance wurde auch von klassischen Vorbildern inspiriert - siehe insbesondere den klassizistischen Architekten Andrea Palladio (1508-1580), dessen Entwürfe auf den von Vitruv und anderen dargelegten Werten der klassischen Architektur beruhten.

Die klassischen Grundprinzipien der italienischen Renaissance verbreiteten sich nach Westen, nach Frankreich und Spanien, und nach Norden, nach Deutschland und „in die Niederungen“. Und mit dem Aufkommen relativ billiger gedruckter Bücher wurde das Studium der klassischen Literatur immer üblicher, und gegen Ende des 16.

Barocker Klassizismus (1600-1700)

Die Harmonie und die ausgewogenen Proportionen der klassischen Kunst der Renaissance erwiesen sich schließlich als unzureichend für die kreativen Impulse des frühen 17. Jahrhunderts, und sie wurde durch die Kunst des Barock ersetzt, eine viel komplexere und dramatischere Ausdrucksweise, deren größte Meister zum Beispiel Caravaggio (1573-1610) und Andrea Pozzo (1642-1709) waren. Aber ein oder zwei Stränge des Klassizismus blieben erhalten. Annibale Carracci und seine Bologneser Schule zum Beispiel waren besonders einflussreich - siehe: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts, Nicolas Poussin (1594-1665) und Claude Lorrain (1600-1682). Tatsächlich wurde die klassische Tradition im späten 17. Jahrhundert zu einem integralen Bestandteil der westlichen Kunst, als eine Reihe offizieller „Akademien“ eröffnet wurden, deren Lehrpläne darauf ausgerichtet waren, den Studenten die klassischen Prinzipien zu vermitteln, die von den Meistern der italienischen Renaissance vertreten wurden.

Neoklassizismus (ca. 1780-1850)

Zu Beginn und in der Mitte des 18. Jahrhunderts wurde die Barockkunst durch das dekadente, phantasievolle Rokoko ersetzt. Später, um 1780, wurde dieser frivole Stil von der nächsten großen Wiederbelebung der klassischen Kunst, dem Neoklassizismus, abgelöst. Dieser von dem Gelehrten Johann Winckelmann (1717-1768) verteidigte neue Stil wird durch die neoklassizistische Malerei von Jacques-Louis David (1748-1825) veranschaulicht; durch die Werke seines Nachfolgers Jean Dominique Engré (1780-1867); die neoklassizistische Skulptur von Antonio Canova (1757-1822); und die Architektur von Designern wie Jacques Soufflot (1713-1880), Thomas Jefferson (1743-1826) und anderen.

Klassizismus des 19. und 20. Jahrhunderts

Der Klassizismus hielt die Errungenschaften des antiken Griechenlands und Roms - das klassische Ideal - als Maßstab für die Beurteilung der modernen Gesellschaft hoch. Was als elitäre wissenschaftliche und klösterliche Bewegung begann, wurde nach und nach auf alle Aspekte des Lebens angewandt, nicht nur auf die bildenden Künste und die Architektur. Jahrhundert begannen die Entdeckungen der modernen Wissenschaft sowie die Fortschritte in der sozialen und politischen Theorie allmählich zu enthüllen, was die Griechen und Römer nicht wissen konnten. Infolgedessen war der Klassizismus - mit Ausnahme des klassischen Stils der akademischen Kunst, der von der Französischen Akademie und von der Präraffaelitischen Bruderschaft (1848-1855) gebilligt wurde - in der Kunst und anderen Bereichen im 19. und 20.

Für den letzten Impuls des Klassizismus siehe Klassisches Revival in der modernen Kunst (ca. 1900-1930). Diese Rückkehr zur klassizistischen Bildsprache schloss das Werk von Picasso (1881-1973) ein. siehe Picasso (1881-1973). siehe Picasso (1881-1973). Auch Picassos neoklassische Zeichnungen - sowie von so unterschiedlichen Künstlern wie André Doeren (1880-1954), Henri Matisse (1869-1954), Fernand Léger (1881-1955), Giorgio de Chirico (1888-1978) und Giorgio Morandi (1890-1964), um nur einige zu nennen.

ANMERKUNG: Allen Epochen des Klassizismus ist eine gewisse Ehrfurcht vor den künstlerischen Werten der Antike gemeinsam, auch wenn sie diese Werte je nach Epoche und Genre (Architektur, Malerei, Bildhauerei) sehr unterschiedlich interpretieren. Darüber hinaus bewundern einige moderne Klassizisten die materiellen Formen der Antike weniger und bewundern ihr Wesen viel mehr . So wird zum Beispiel der Kubismus wegen seiner Betonung von Struktur und Form, seiner Grundlage in der Geometrie und seiner angestrebten Wirkung, die in der Regel harmonisch und kontemplativ ist, als eine klassizistische Ausdrucksweise angesehen.

Berühmte Beispiele der klassischen Kunst

Malerei

Der Schwur des Horaz (1784) Jacques-Louis David.
Louvre, Paris.

Tod von Marat (1793) Jacques-Louis David.
Louvre, Paris.

Das badende Mädchen von Valpincon (1808) von Jean Dominique Engr.
Louvre, Paris.

Große Odaliske (1814) von Jean Dominique Engr.
Louvre, Paris.

Les Grandes Baigneuses (1894-1905) von Cézanne.
National Gallery, London; Museum of Art, Philadelphia; Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania.

Junge italienische Frau, die sich auf ihren Ellbogen stützt (1900) Cézanne.
Paul-Getty-Museum.

Zwei Akte (1906) Picasso.
Museum of Modern Art, New York.

Die Ungewissheit des Dichters (1913) de Chirico.
Sammlung Tate, London.

Liebeslied (1914) de Chirico.
Museum für Moderne Kunst, New York.

Das Geheimnis und die Sehnsucht der Straße (1914) De Chirico.
Privatsammlung.

Der betrunkene Herr (1916) Carlo Carra.
Privatsammlung.

Sitzende Frau (1920) Picasso
Picasso-Museum, Paris.

Große Badende (1921) Picasso.
Musée de l’Orangerie, Paris.

Zwei Frauen, die am Strand laufen (Rennen) (1922) Picasso.
Picasso-Museum, Paris.

Der Mechaniker (1920) Fernand Léger.
Nationale Galerie von Kanada.

Drei Frauen (Le Grand Dejeuner) (1921) Fernand Léger.
Museum of Modern Art, New York.

Akt auf rotem Grund (1923) Fernand Léger.
Kunstmuseum, Basel.

Zwei Schwestern (1935) Fernand Léger.
Galerie Alte Meister, Berlin.