Avantgarde Kunst:
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In der bildenden Kunst wird der Begriff „Avantgarde“ (aus dem Französischen „avant-garde“) traditionell verwendet, um jeden Künstler, jede Gruppe oder jeden Stil zu beschreiben, der/die in seiner/ihrer Technik, seinem/ihrem Thema oder seiner/ihrer Anwendung als der Mehrheit deutlich voraus angesehen wird. Dies ist eine sehr lose Definition, nicht zuletzt deshalb, weil es keinen klaren Konsens darüber gibt, WER entscheidet, ob ein Künstler seiner Zeit voraus ist, oder WAS mit "voraus" gemeint ist. Mit anderen Worten: Avantgarde bedeutet, neue künstlerische Methoden zu erforschen oder mit neuen Techniken zu experimentieren, um bessere Kunst zu schaffen. Die Betonung liegt hier auf Absicht und nicht auf Zufall, denn es ist zweifelhaft, dass ein Maler oder Bildhauer durch Zufall Avantgarde werden kann. Was aber ist „die beste“ Kunst? Bedeutet es zum Beispiel, dass die Malerei ästhetisch ansprechender ist? Oder aussagekräftiger? Oder die lebendigeren Farben? Die Fragen gehen weiter und weiter.

Vielleicht lässt sich die Bedeutung der Avantgarde-Kunst am besten mit einer Analogie zur Medizin erklären. Die große Mehrheit der Ärzte hält sich bei der Behandlung ihrer Patienten an die konventionellen Regeln. (Eine sehr kleine Gruppe von Ärzten und Forschern experimentiert jedoch mit radikal neuen Methoden. (Diese Gruppe entspricht den Avantgarde-Künstlern.) Die meisten dieser neuen Methoden führen zu nichts, aber einige verändern den Kurs der Medizin für immer. Der Kubismus von Picasso und Braque hatte einen ähnlichen Einfluss auf die Kunst).

Radikal, sogar subversiv

Der Begriff wurde Berichten zufolge erstmals im frühen 19. Jahrhundert von dem französischen politischen Schriftsteller Henri de Saint-Simon auf die bildenden Künste angewandt, der argumentierte, dass die Künstler in der allgemeinen Bewegung des sozialen Fortschritts die Vorhut bilden, noch vor den Wissenschaftlern und anderen Klassen.

Seit dem frühen 20. Jahrhundert hat der Begriff jedoch einen Hauch von Radikalität behalten und impliziert, dass Künstler, um wirklich Avantgarde zu sein, den künstlerischen Status quo in Frage stellen müssen - d. h. seine Ästhetik, intellektuellen oder künstlerischen Konventionen oder Produktionsmethoden - bis hin zur Subversion. Nach dieser Interpretation ist Dada (1916-24) wahrscheinlich das endgültige Beispiel für die visuelle Avantgardekunst, weil es die meisten Grundlagen der westlichen Zivilisation in Frage stellte.

Geschichte der Avantgardekunst

Die italienische Renaissance war wahrscheinlich die avantgardistischste Epoche in der Geschichte der Malerei und Bildhauerei. Die Figuren der biblischen Heiligen Familie wurden in völlig natürlicher Weise dargestellt - eine radikale Abkehr von byzantinischen und sogar gotischen Kunstwerken. Darüber hinaus wurde die Nacktheit nicht nur akzeptabel, sondern auch die edelste Art der figürlichen Darstellung - siehe „Verbannung aus dem Garten Eden“ von Mazaccio (1426, Brancacci-Kapelle, Florenz) und die hypermoderne Bronzeskulptur „„David“ von Donatello (um 1440, Bargello-Museum, Florenz).

Trotz der kurzen Blütezeit von Caravaggio, der die humanistische Bewegung in der Malerei mit seinen bäuerlichen Darstellungen von Christus und anderen Mitgliedern der Heiligen Familie wiederbelebte (und Giuseppe Arcimboldo mit seinen Porträts von Obst und Gemüse), wurden die hypermodernen Traditionen der Renaissance allmählich durch Wiederholung, Nachahmung und totale Konformität ersetzt.

Die großen europäischen Kunstakademien, die von der katholischen Kirche unterstützt wurden, legten eine Reihe unnachgiebiger Regeln und Konventionen fest, die von den Künstlern auf eigene Gefahr ignoriert wurden - Abweichlern wurde der Zutritt zu den Salons und anderen offiziellen Ausstellungen verweigert. Vielleicht gab es nur in Holland einen echten künstlerischen Forschergeist, vor allem in Form von Rembrandts ausdrucksstarken Porträts und der neuen Art der Genremalerei, die Jan Vermeer und andere vorzüglich darstellten.

Erst als sich nach der Französischen Revolution der Staub gelegt hatte, begannen die Künstler wieder zu experimentieren. Dies begann mit der Landschaftsmalerei . Corot und andere Vertreter der Schule von Barbizon begründeten eine neue Tradition der Pleinairmalerei; der deutsche symbolistische Maler Caspar David Friedrich verlieh seinen Landschaften eine neue Form der Romantik; und das englische Genie William Turner führte das Genre auf eine noch höhere und ungewöhnlichere Ebene. Auch die Historienmalerei wurde durch Werke wie „Goyas Dritter Mai 1808“, (1814, Prado, Madrid), das keine Helden und keine erbauliche Botschaft hat, zur Avantgarde.

Die nächste wirklich avantgardistische Schule war der Impressionismus, - die erste große Bewegung der modernen Kunst -, die die Vorstellungen von Farbe auf den Kopf stellte. Plötzlich konnte sich Gras rot und Heuhaufen blau färben, je nachdem, wie der Künstler die Wirkung des Sonnenlichts gerade wahrnahm. Heute mag der Impressionismus als Mainstream gelten, aber in den 1870er Jahren waren sowohl die Öffentlichkeit als auch die Kunsthierarchie schockiert. In ihrer Vorstellung war das Gras grün und die Heuhaufen gelb - und das war’s.

Avantgardistische Kunst des frühen 20. Jahrhunderts

Die ersten drei Jahrzehnte der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts brachten eine Welle revolutionärer Bewegungen und Stile hervor. Zuerst kam der Fauvismus (1905-8), dessen Farbschemata so dramatisch und antinatürlich waren, dass seine Vertreter den Spitznamen „Wilde Tiere“ erhielten. Dann der analytische Kubismus (1908-12) - die wohl intellektuellste aller Avantgarde-Bewegungen -, der die traditionelle Idee der linearen Perspektive zugunsten einer stärkeren Betonung der zweidimensionalen Bildebene ablehnte und damit die Kunstakademien Europas - ebenso wie die Besucher des Pariser Salon des Indépendants und der New Yorker Armory-Ausstellung (1913) - skandalisierte. In Dresden, München und Berlin war der deutsche Expressionismus mit den Ausstellungen Die Brucke (1905-13) und Der Blaue Reiter (1911-14) auf dem Vormarsch, während in Mailand der Futurismus seine einzigartige Kombination aus Bewegung und Modernität präsentierte.

Fünf wichtige Händler der Avantgarde-Kunst in Paris zwischen 1900-30 sind Solomon Guggenheim (1861-1949), Ambroise Vollard (1866-1939), Daniel-Henrich Kahnweiler (1884-1979), Paul Guillaume (1891-1934) und Peggy Guggenheim (1898-1979). In Deutschland war das große Zentrum der expressionistischen Avantgarde die Walden Gallery Sturm .

Aber die ikonoklastischste Bewegung aller Zeiten ist vielleicht Dada, gegründet von Tristan Tzara (1896-1963), die 1916 in Zürich ausbrach und sich dann in Paris, Berlin und New York verbreitete. Die Dadaisten lehnten die meisten, wenn nicht sogar alle bürgerlichen Werte der bildenden Künste ab und bevorzugten eine berauschende Mischung aus Anarchismus und hypermoderner Innovation.

Zu letzteren gehörten eine Reihe subversiver Ideen, die heute als relativ gängig gelten, wie die Schaffung von Trödelkunst aus „gefundenen Gegenständen“ (Duchamp hatte „Readymades“) und die Einführung der dreidimensionalen Collage (Merzbau Schwitters). Man könnte auch sagen, dass die Dada-Künstler die Kunst der Performance und des Heppens sowie die Konzeptkunst erfunden haben, mehr als fünfzig Jahre vor ihren postmodernen Nachfolgern. Dada’s weniger unerbittlicher Nachfolger war der Surrealismus, der zwar unterhaltsam war, aber letztlich den Impuls zur Veränderung nicht aufrechterhalten konnte.

Nach Dada war vielleicht nur der niederländische Maler Piet Mondrian mit seiner geometrischen Abstraktion im Stil von De Stijl (Neo-Plastizismus) wirklich experimentell. In der bildenden Kunst wurde die Avantgarde durch den Modernisten Constantin Brancusi, den Futuristen Umberto Boccioni, den kinetischen Maler Alexander Calder und die Bildhauerin Barbara Hepworth aus Yorkshire, die 1931 mit ihrem berühmten Werk „Pierced Form“ das „Loch“ in die Bildhauerkunst einführte, gekonnt vertreten.

Avantgardistische Kunst in der Mitte des 20. Jahrhunderts

Der Avantgardismus entstand in den 1940er Jahren und darüber hinaus auf diskontinuierliche Weise. Das liegt zum Teil daran, dass die abstrakte Kunst dominierte und es in der Abstraktion nur sehr wenig grundlegend Neues gab. In Amerika hat Jackson Pollock (1912-1956) zwar das Action Painting erfunden; Mark Rothko (1903-1970) hat seine abstrakten Kompositionen mit farbenfrohen Emotionen ausgestattet, und Robert Motherwell und Barnett Newman mit Erzählungen; aber Mitte der 60er Jahre war die Abstraktion überholt.

Der Minimalismus straffte sie und versuchte, ihr eine stärkere Botschaft zu geben, aber das Publikum war nicht interessiert. Sie bevorzugten die Pop Art - die neue Ästhetik der 60er Jahre, die die Kunst plötzlich wieder zugänglich machte. Mit Ausnahme einiger außergewöhnlicher Multimediakünstler wie Robert Rauschenberg und Andy Warhol und vielleicht des Bildhauers Claes Oldenburg blieb die Pop Art jedoch modisch, aber berechenbar. (Für weitere Einzelheiten siehe Andy Warhols Pop Art der sechziger und siebziger Jahre).

Im Italien der späten 1960er Jahre verstärkten die bescheidenen Rohstoffe, die in Assemblagen, Installationen und Performances der Arte Povera verwendet wurden, den experimentellen Charakter der Bewegung, und in Amerika trugen die hölzerne Assemblagekunst von Louise Nevelson (1899-1988) und die „Assemblagen“ von Arman (1928-2005) zur Popkultur bei. Zur gleichen Zeit, in Europa in den 1950er und frühen 1960er Jahren, die experimentellen Künstler Jean Dubuffet (siehe Art Brut) und Yves Klein, sowie der Schweizer Bildhauer Jean Tinguely (1925-1991), der mit Alexander Calder Kinetische Kunst entwickelte.

Eine einflussreiche Figur der amerikanischen Avantgardekunst der 1940er und 50er Jahre war John Cage (1912-1992), Komponist und Grafiker. Berühmt für seine revolutionäre Musikkomposition 4 Minuten 33 Sekunden (die keine einzige Musiknote enthielt!), lehrte Cage am Black Mountain College und beeinflusste Künstler wie Robert Rauschenberg und Jasper Johns.

Avantgarde-Kunst des späten 20. Jahrhunderts

Die postmoderne Kunst entstand in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren. Sie brachte völlig neue Formen tatsächlicher Kunst hervor, von denen ein Großteil fast schon per Definition Avantgarde war. Zu diesen neuen Kunstformen gehören die feministische Kunst, die von Judy Chicago (geb. 1939) und Carol Schneemann (geb. 1939) popularisiert wurde; die Kunstfotografie, die von Robert Mapplethorpe (1946-1989) und Nan Goldin (geb. 1953); und Kunstfotografie, am Beispiel von Robert Mapplethorpe (1946-1989) und Nan Goldin (geb.1953).); außerdem Installationskunst, am Beispiel von Joseph Beuys (1921-1986), Bruce Nauman (geb.1941), Christian Boltanski (geb.1944), Richard Wilson (geb.1944) und Richard Wilson (geb.1944).), Richard Wilson (geb. 1953) und Martin Creed (geb. 1968); Videokunst von Bill Viola (geb. 1951) und anderen; Konzeptkunst, verkörpert durch die Arbeiten von Sol LeWitt (geb. 1928), Eva Hesse (1937-1970) und Joseph Kosuth (geb. 1945); Performance Art und der verwandte Stil Happening, exemplifiziert durch Allan Kaprow (geb. 1927), Eve Klein (1927), etc.), Eve Klein (1928-1962), Wolf Vostell (1932-1998), Günter Brus (geb. 1938), Hermann Nitsch (geb. 1938), Gilbert und George und die Fluxus-Bewegung . Zur nicht-kommerziellen Form der zeitgenössischen Kunst siehe: Eisskulptur - vielleicht das letzte Wort in „Fundstücke“. Eine der neuesten kreativen Moden ist die extreme Form der Body Art, die durch die riskanten Performances der serbischen Künstlerin Marina Abramović (geb. 1946) veranschaulicht wird.

Informationen über die besten Ausstellungsorte für Avantgarde-Kunst in der ganzen Welt finden Sie unter: Die besten Galerien für zeitgenössische Kunst .

In den späten 1980er und 1990er Jahren entstand im Vereinigten Königreich eine Avantgarde-Gruppe, die als Young British Artists (YBAs) bekannt wurde und zu deren Mitgliedern die Turner-Preisträger Mark Wallinger (geb. 1959), Rachel Whiteread (geb. 1959) u. a.), Rachel Whiteread (geb. 1963), Gillian Wearing (geb.1963), Damien Hirst (geb.1965), Douglas Gordon (geb.1966), Chris Ofili (geb.1968) und Steve McQueen (geb.1969).

Ein weiteres umstrittenes Mitglied der Gruppe war Tracey Emin (geb. 1963). Diese jungen postmodernen Künstler lösten mit ihrer trotzigen, ja subversiven Herangehensweise an Themen und die Verwendung von Materialien (Elefantenkot, Maden, toter Hai, menschliches Blut) eine enorme Kontroverse aus, die Kunstkritiker und Publikum gleichermaßen schockierte. Trotzdem belebte ihr avantgardistischer Ansatz die britische Kunst und verschaffte ihnen eine große Fangemeinde, zu der auch die Schirmherrschaft von Charles Saatchi, Großbritanniens führendem Sammler zeitgenössischer Kunst, sowie zahlreiche Ausstellungen in der berühmten Saatchi Gallery und die Sensation Ausstellung (1997) in der Royal Academy in London gehörten.

Für weitere Ausstellungen postmoderner Werke in der ganzen Welt siehe: Die besten Festivals für zeitgenössische Kunst .

Wer ist der avantgardistischste Künstler der Welt?

Es ist unmöglich, diese Frage zu beantworten, also nenne ich Ihnen einfach unsere Top-Kandidaten. Dazu gehören: Joseph Mallord Turner (ein Künstler, der seiner Zeit 50 Jahre voraus war); Claude Monet (der erste Revolutionär der modernen Malerei); Ilja Repin (der erste Künstler, der authentische Details des Lebens in Russland wiedergab); Picasso (für seine Beherrschung der figurativen und abstrakten Kunst in fast allen Medien); Marcel Duchamp (Pionier des Dadaismus und der Objektkunst, aus der die Konzeptkunst hervorging); das Ehepaar Christo und Jeanne-Claude ) empaquetage, oder Verpackung); Andy Warhol (der erste und wohl größte Postmodernist); Gilbert und George (lebende Skulpturen); Damien Hirst (der größte Selbstdarsteller in der Kunst); und natürlich der Graffiti-Terrorist Banksy .

Im Bereich der Architektur gehören zu den Spitzenkandidaten Le Corbusier (Charles-Edouard Jeanneret) (1887-1965), utopischer funktionalistischer Architekt und Pionier des Brutalismus; und Frank O. Gehry (geb. 1929), Verfechter des Dekonstruktivismus in Amerika und Europa.

Welches sind die avantgardistischsten Gemälde des 20. Jahrhunderts?

Hier sind unsere Vorschläge in chronologischer Reihenfolge:

- Die Jungfrauen von Avignon (1907) Pablo Picasso
- Harmonie in Rot (1908) Henri Matisse
- Akt, absteigende Treppe Nr. 2 (1912) Marcel Duchamp
- Schwarzer Kreis (1913), Kasimir Malewitsch
- Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen (1936) Salvador Dalí
- Broadway Boogie Woogie (1942- 3) Piet Mondrian
- Number 6 (1948) Jackson Pollock
- Yellow and Gold (1956) Mark Rothko
- Blue Monochrome (1961) Yves Klein

Welches sind die avantgardistischsten Skulpturen des 20. Jahrhunderts?

Hier sind unsere Vorschläge:

- Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum (Bronze) (1913) von Umberto Boccioni
- Brunnen (Urinal) (1917) Marcel Duchamp
- Vogel im Raum (Bronze) (1923) Constantin Brancusi
- Merzbau (3D-Collage) (c. 1930-43) Kurt Schwitters
- Piercing Form (1931) Barbara Hepworth
- Fur Cup (1936) Meret Oppenheim
- Presidential Portraits, Mount Rushmore (1941) Gutzon Borglum
- Pferd (Bronze) (1950) Marino Marini
- Himmel, Kathedrale (bemaltes Holz) (1958) Louise Nevelson
- Widmung an New York (Explosion) (1958) York (explodierendes Muster) (1960) Jean Tingley
- Ohne Titel (Stapel) (lackiertes Eisen) (1967) Donald Judd
- Tausend Jahre (Installation) (1990) von Damien Hirst
- Apfel, Kerne (1992) von Claes Oldenburg
- Puppy (Pflanzen, Holz, Erde) (1992) von Jeff Koons
- My Bed (Installation) (1999) Tracey Yemin
- 227: Lights go on and off (Konzeptkunst) (2001) Martin Creed
- Controller of the Universe (Werkzeuge und Draht) (2007) Damian Ortega