Konzeptkunst:
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Die Form der zeitgenössischen Kunst, bei der die Idee im Vordergrund steht, die durch visuelle Medien dargestellt wird, die selbst der Idee untergeordnet sind. Konzeptkunst hat zwar keinen finanziellen Wert an sich, kann aber eine starke Botschaft vermitteln und dient daher als Vehikel für gesellschaftspolitische Kommentare und stellt die Tradition in Frage, dass „ein Kunstwerk“ ein geschaffenes, einzigartiges Objekt ist. Einige Konzeptkünstler sind sogar der Meinung, dass die Kunst vom Betrachter und nicht vom Künstler oder dem Werk selbst geschaffen wird. Aufgrund der Überschneidungen von Konzeptkunst, Installation und Performance arbeiten viele Künstler in allen drei Genres.

Ursprünge

Die Ideen, die dieser Form der visuellen Kunst zugrunde liegen, wurden von Marcel Duchamp (1887-1968), dem so genannten Vater der Konzeptkunst, erforscht, obwohl der Begriff selbst erstmals von Edward Kingholtz (1927-1994) in den späten 1950er Jahren verwendet wurde. Duchamp, der zu einem Liebling der radikalen Dada -Bewegung (gegründet von Tristan Tzara) wurde, schuf viele komplexe Werke wie seine „Readymades“ Serie von gefundenen Objekten, von denen das berühmteste „Fountain“ (1917) ist, ein Standardurinal, das Duchamp für die jährliche Ausstellung der Society of Independent Artists in New York einreichte. (Es wurde abgelehnt). Der Surrealismus war eine weitere Quelle des frühen Konzeptualismus. Zu den späteren prototypischen konzeptuellen Werken gehörte 4-33, eine umstrittene musikalische Komposition von John Cage (1912-1992), deren drei Sätze keinen einzigen musikalischen Klang oder Ton enthalten.

Damit war die Konzeptkunst zum Teil eine Reaktion auf die Lehren „des Formalismus“, die von dem scharfen New Yorker Kunstkritiker Clement Greenberg (1909-1994) formuliert wurden. Der Formalismus geht davon aus, dass die formalen Qualitäten eines Werks - wie Linie, Form und Farbe - für seine Bewertung ausreichen und dass alle anderen Überlegungen - wie repräsentative, ethische oder soziale Aspekte - zweitrangig oder überflüssig sind.

Grundlegende Merkmale

Konzeptuelle Kunst ist „Ideen und Bedeutungen“, nicht „Kunstwerke“ (Gemälde, Skulpturen, andere wertvolle Objekte). Sie zeichnet sich durch die Verwendung von Text und Bildern aus, zusammen mit einer Vielzahl von flüchtigen, meist alltäglichen Materialien und „gefundenen Objekten“. Typisch ist auch der Einsatz von Fotografie und Video sowie anderer zeitgenössischer Medien wie Computer, Performance, Projektionen, Installationen und Ton. Man könnte sagen, dass es sich um eine künstlerische Revolte gegen die zunehmende Kommerzialisierung der Kunst und/oder die kreativen Zwänge handelt, die von der zeitgenössischen Kunst auferlegt werden, die an traditionellen Veranstaltungsorten unterrichtet wird.

Die erste Quintessenz der Konzeptkunst war „De Kooning’s Erased Drawing“ (1953) von Robert Rauschenberg (1925-2008), bei dem es sich, wie der Titel vermuten lässt, um eine Zeichnung des abstrakten Expressionisten Willem de Kooning (1904-1997) handelt, die Rauschenberg ausradiert hat. Dieses Werk wirft interessante Fragen über die Bedeutung der Kunst auf. Ist das Ausradieren des Werks eines anderen Künstlers ein kreativer Akt? Ist das fertige Produkt genauso wichtig oder wichtiger als die Idee, die ihm zugrunde liegt? Und so weiter. Das Werk selbst befindet sich heute im San Francisco Museum of Modern Art.

Die Konzeptkunst entstand als internationale Kunstform in einer Zeit des sozialen und kulturellen Umbruchs in den 1960er und 1970er Jahren, die mit der Ära der Pop Art und der italienischen Bewegung Arte Povera zusammenfiel. Die 1970 vom New Yorker Kulturzentrum organisierte Ausstellung „Conceptual Art and Conceptual Aspects“, die erste Ausstellung in Amerika, die ausschließlich dem Konzeptualismus gewidmet war, trug wesentlich zu seiner Verbreitung bei.

Zu den Teilnehmern gehörten Sol LeWitt (geb. 1928) und Joseph Kosuth (geb. 1945), die beide die konzeptuelle Auffassung vertraten, dass wahre Kunst nicht ein einzigartiges oder wertvolles physisches Objekt ist, das durch die physischen Fähigkeiten des Künstlers geschaffen wurde - wie eine Zeichnung, ein Gemälde oder eine Skulptur -, sondern ein Konzept oder eine Idee. Sol LeWitt, der Hohepriester des Konzeptualismus, legte großen Wert auf den Vorrang „der Idee“ und erkannte in seinen „Paragraphen zur Konzeptkunst“ (1967), dass "alle Planung und Entscheidungen im Voraus getroffen werden und die Ausführung eine oberflächliche Angelegenheit ist. Die Idee wird zur Maschine, die Kunst macht."

Seine Position kann durch die Tatsache veranschaulicht werden, dass viele seiner Werke von jedem gebaut werden können, der seinen schriftlichen Anweisungen folgt. Weitere einflussreiche Pioniere der Konzeptkunst sind der Performance-Künstler Allan Kaprow (1927-2006), der für seine „Happenings“ bekannt ist, und Andy Warhol (1928-1987), der sich des Konzeptualismus in verschiedenen Formen bediente. Zu den neueren Beispielen des Konzeptualismus gehören die Wortkunst, die von Barbara Kruger (geb. 1945) und Christopher Wool (geb. 1955) praktiziert wird, und die Körperkunst von Marina Abramović (geb. 1946).

Einige traditionalistische Kunstkritiker bezweifeln, dass Konzeptkunst am besten als „visuelle Kunst „klassifiziert werden sollte, weil die „Kunstwerke“, die „produziert werden, nicht besonders „visuell“ sein müssen und weil sie von den Konzeptkünstlern selbst nicht besonders hoch geschätzt werden.

Junge britische Künstler

In den 1990er Jahren entstand die zeitgenössische Kunstgruppe der YBAs ) Young British Artists), deren Ansatz durch die konzeptuellen Werke des Turner-Preisträgers Damien Hirst (geb. 1965))), wie „The physical impossibility of death in the mind of the living“ (1991), (sein Hai) und „Away from the herd“ (1994). Streng genommen ist der YBA-Stil jedoch nicht konzeptionell, da er sich in seiner Wirkung stark auf das Kunstobjekt selbst stützt, obwohl es ihm an Kunstfertigkeit oder Handwerkskunst mangelt. (Siehe auch Turner-Preisträger 1984-2009)).

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Berühmte Konzeptkünstler

Andere berühmte Künstler, die sich an der Konzeptkunst beteiligt haben, sind (in chronologischer Reihenfolge):

Yves Klein, zu dessen Werken Aerostatic Sculpture (1957, Paris) gehörte, bei der 1.001 blaue Ballons von der Galerie Iris Clert in den Himmel gelassen wurden. Im darauffolgenden Jahr behauptete Klein, dass seine Bilder nun unsichtbar seien, und demonstrierte dies mit der Ausstellung eines leeren Raums (Le Vide, Void), einem frühen Beispiel für Installationskunst. (Siehe auch: Die postmoderne Kunst von Yves Klein 1956-62). Eine andere seiner konzeptuellen Aktionen (1962) bestand darin, seine „malerische Sensibilität“ (keine Definition angegeben) im Tausch gegen Gold zu verkaufen. Die Käufer (es waren 7) erhielten ein Zertifikat, das die „Übertragung von“ bescheinigte. Anschließend vernichteten sie die Urkunde und Klein warf das Gold in die Seine. Für weitere Einzelheiten siehe: Neuer Realismus (ca. 1960-70).

Stanley Brown, berühmt für seine künstlerische Aussage im Jahr 1960, dass alle Schuhgeschäfte in Amsterdam eine Ausstellung seiner Werke seien.

Piero Manzoni, der 1961 die Kunstwelt skandalisierte, indem er Gläser mit seinen eigenen Fäkalien ausstellte. Er stellte auch Luftballons mit seinem eigenen Atem aus. Eine weitere seiner Techniken bestand darin, die Körper seiner Kunden mit seiner Unterschrift zu versehen und sie so in lebende Kunstwerke zu verwandeln.

Christo und Jeanne Claude Yavacheff (*1935), bulgarischer Bildhauer und Konzeptualist, bekannt für sein Werk von 1962 mit dem Titel Eiserner Vorhang . Es stellte eine Barriere aus Ölfässern dar, die auf einer engen Pariser Straße errichtet wurde und den Verkehr behinderte. Er erklärte, dass „die Kunst von“ nicht in der Barrikade selbst, sondern in dem dadurch verursachten Stau lag.

Yoko Ono, die spätere Frau von Beatle John Lennon, veröffentlicht Grapefruit (1964): A Book of Instructions and Drawings, in dem beschrieben wird, wie man durch das Schneiden und Essen von Grapefruits eine ästhetische Erfahrung machen kann.

John Baldessari, berühmt für seinen Film von 1970, in dem eine Reihe von intellektuell wichtigen Beobachtungen über Sol Lewitts Konzeptkunst von den populären Melodien „Some Enchanted Evening“ und „Camptown Races“ begleitet werden.

Douglas Huebler, berühmt für seine Ausstellung von 1970 mit 12 Fotografien, die alle zwei Minuten aufgenommen wurden, während ein Auto 24 Minuten lang die Straße entlangfuhr.

Judy Chicago, eine führende feministische Künstlerin der 1970er Jahre, deren Hauptwerk die konzeptionelle Installation „Dinner Party“ (1974-9, Elizabeth A. Sackler Centre for Feminist Art, Brooklyn Museum, New York) war. Sie bestand aus einer dreieckigen Banketttafel mit 39 Sitzplätzen für wichtige Frauengestalten der Geschichte. Die Namen von weiteren 999 bedeutenden Frauen waren in die Bodenfliesen unter dem Tisch eingemeißelt.

Walter De Maria, der 1977 in Norddeutschland einen kilometerlangen Messingstab in den Boden stieß und das Ergebnis den „Vertikalen Erdkilometer“ nannte. Ihrer Meinung nach existierte die „Kunst“ also in den Köpfen der Menschen.

Christopher Williams, berühmt für sein Werk von 1989, Angola - Vietnam . Es handelte sich um eine Reihe von Schwarzweißfotografien von in Glas eingeschlossenen Exemplaren aus dem Harvard Botanical Museum, die anhand einer Liste von sechsunddreißig Ländern ausgewählt worden waren, die 1985 von politischem Verschwinden betroffen waren.

Tracey Emin, eine populäre Vertreterin der postmodernen Kunst, deren 1999 mit dem Turner-Preis ausgezeichnete Ausstellung „My Bed“ eine Installation war, die aus einem unaufgeräumten Bett bestand, das mit persönlichen Gegenständen wie Kondomen, blutigen Unterhosen, Flaschen und Hausschuhen übersät war.

Andere postmoderne Künstler, die den Konzeptualismus in ihrem Werk verwendeten, sind: Giovanni Anselmo (*1934), Daniel Buren (*1938), Michael Craig-Martin (*1941), Gilbert und George (*1943; *1942), On Kawara (*1932), Giuseppe Penone (*1947), Cindy Sherman (*1954) und Martin Creed (*1968).