Christliche Kunst: Geschichte, Charakteristika Automatische übersetzen
Einführung
Seit seinen Anfängen im ersten Jahrhundert des Römischen Reiches hat sich das Christentum auf der ganzen Welt verbreitet und ist die wichtigste Religion, das wichtigste Wertesystem und die wichtigste gesellschaftliche Agenda der Menschheit geworden. Zumindest bis zum 20. Jahrhundert. Es wurde zuerst von Christus und den Aposteln geleitet und brachte nach und nach seine eigene hierarchische Organisation hervor, die christliche Kirche, die im Laufe der Zeit zum größten und einflussreichsten Mäzen der Künste wurde. In der Tat verwendete die christliche Kirche von Anfang an viele verschiedene Methoden Arten von Kunst um sich selbst eine identität zu schaffen, die macht zu erhöhen und so gläubige anzuziehen. Dabei entwickelte sie eine eigene christliche Ikonographie, die sich stark auf sie stützte die Architektur (Kathedralen, Kirchen, Klöster), Skulptur (Statuen der Heiligen Familie sowie Propheten, Apostel, Heilige), Malerei (Altarbilder, Kirchengemälde), dekorative Kunst (Glasmalerei, Mosaike) und illuminierte Manuskripte (Evangelien, Psalter). Tatsächlich gab die Kirche im frühen 16. Jahrhundert so viel in Auftrag Biblische Kunst – Verwendung von Geldern, die durch höhere Steuern und den "Verkauf" von Wohltaten und Ablässen aufgebracht wurden – was zu weitverbreiteten Protesten führte: Proteste, die zur Reformation verschmolzen, und die Aufteilung der Kirche in römisch-katholische und protestantische. Trotzdem kann man sagen, dass zumindest im Westen die Kunstgeschichte ist die Geschichte der christlichen Kunst.
Historischer Hintergrund
Nach fast drei Jahrhunderten prekärer Existenz (und einer auf Ringe, Siegel und einige Gemälde in den Katakomben beschränkten Kunsttradition) wurde das Christentum 313 schließlich zugelassen. In diesem Jahr erließen die römischen Kaiser Konstantin und Licinius das Edikt von Mailand , das den christlichen Gottesdienst legalisierte. Dann, 380, war die Zukunft des Christentums gesichert, als Kaiser Theodosius I., der letzte römische Kaiser, der über das gesamte Reich herrschte, erklärte, dass es fortan die einzige autorisierte Religion des Reiches sei. Während des 5. Jahrhunderts spaltete sich das Römische Reich unter dem Druck barbarischer Angriffe in zwei Hälften: Ost und West. Die östliche Hälfte, die sich auf Konstantinopel konzentrierte, übernahm die orthodoxe Ostkirche und wurde weltberühmt für ihre Ikonenmalerei und Mosaiken; Die westliche Hälfte blieb in Rom und folgte weiterhin der römischen Kirche. Letzterer blühte unter Karl dem Großen und den Ottonen und etablierte sich mit seiner riesigen Kampagne der Romanik und des Altertums wieder Gotische Kathedralen (c.1000-1350). Später, im Jahre 1517, leitete der niederländische Pastor Luther die als Reformation bekannte religiöse Revolution ein, die in der Bildung einer bescheideneren, weniger hierarchischen Form des Christentums gipfelte, die als Protestantismus bezeichnet wurde , seitdem die römische Kirche als römischer Katholizismus bezeichnet wurde . Die christliche Kunst umfasst sowohl den Katholizismus und den Protestantismus als auch den früheren Ableger, die Ostorthodoxe Kirche.
Frühchristliche Kunst in Rom (um 150-450)
Bis zur Legalisierung des Christentums im Jahr 313 frühchristliche Kunst war relativ selten. Es beinhaltete Freskenmalerei an den Wänden einiger Katakomben (Grabstätten außerhalb der Stadtmauern) und "Hauskirchen" -Treffpunkte; eine Reihe einfacher architektonischer Entwürfe für Bauwerke (Martyrium), die über den Gräbern der Märtyrer errichtet wurden; und eine Reihe von Sarkophagen mit verschiedenen Emblemen oder Reliefs von Jesus, Maria und anderen biblischen Figuren. In diesen frühen Zeiten, als Christen noch verfolgt wurden, am meisten Christlich-römische Kunst blieb (buchstäblich) Teil einer Untergrundkultur. Darüber hinaus entwickelte sich das Christentum (zusammen mit den Bildern, mit denen es symbolisiert oder illustriert wurde) von einer Geheimgesellschaft (deren Bilder nur für die wenigen Eingeweihten verständlich waren) zu einer öffentlichen Organisation (deren Bilder von allen verstanden wurden). Zunächst also christliche Malerei und insbesondere frühchristliche Skulptur verwendete Motive sowohl aus der römischen als auch aus der griechischen Kunst: Das Bild von "Christus in Majestät" leitet sich zum Beispiel sowohl von römischen Kaiserporträts als auch von Darstellungen des griechischen Gottes Zeus ab. Es dauerte Jahrhunderte, bis die christliche Ikonographie vereinheitlicht und mit biblischen Texten in Einklang gebracht wurde.
Sobald das Christentum gesetzlich erlaubt war, war es notwendig für religiöse Kunst schnell zugenommen. Neue Kirchen wurden als Kultstätten nach dem Vorbild der römischen Grundbasilika (die für die Verwaltung und Justiz der Bürger verwendet wird) errichtet. Eine typische Basilikakirche hatte ein Mittelschiff mit einem oder mehreren Seitenschiffen und einer halbkreisförmigen / polygonalen Apsis an einem Ende, die von einer Halbkuppel oder einem Sektionsgewölbe bedeckt war. Die Apsis wurde zum Presbyterium und enthielt eine erhöhte Plattform, auf der der Bischof, seine Priester und auch der Altar saßen. Baptisterien wurden auch für verschiedene Riten entworfen und gebaut, insbesondere für die Taufe, gefolgt von der Salbung mit Öl, da nicht getaufte Menschen die christliche Basilika nicht betreten konnten. Die meisten Innendekorationen dieser neuen Sakralbauten wurden mit Mosaiken ausgeführt, obwohl auch Wandgemälde freigelegt wurden. Die skulpturale Dekoration der Sarkophage wurde komplizierter und illustrierte oft zahlreiche Szenen aus der Bibel. Aber es wurde fast keine Skulptur in der Runde gemacht, aus Angst, heidnische Idole zu erschaffen. Reliefskulptur war daher standard, meistens aber in stein Elfenbein schnitzen war ein weiteres beliebtes Medium. Insgesamt erlebte das 4. Jahrhundert mehr Kunst, die Verwendung reicherer Materialien und die Entwicklung präziser Erzählsequenzen, wie in den Mosaiken von Santa Maria Maggiore in Rom und den späteren Kirchen von Ravenna aus dem 5. Jahrhundert. Im Laufe des 5. Jahrhunderts wurde der religiösen Bedeutung in der christlichen Bildsprache eine größere Bedeutung beigemessen als dem Realismus. So wurden realistische Perspektive, Proportionen, Farbe und Licht zugunsten standardisierter Konventionen und Symbole bei der Darstellung biblischer Figuren und Ereignisse herabgestuft.
Byzantinische Kunst: Ikonen, Mosaiken, Architektur (c.450-1450)
Byzantinische Kunst , das ist die Kunst der Ostorthodoxen Kirche – die Form des Christentums, die in Konstantinopel (früher Byzanz, heute Istanbul), dem Sitz des Römischen Reiches im Osten, entstand – war die erste Kategorie christlicher Kunst, die wirklich aufblühte. Ein Ausdruck des theokratischen Staates, den er repräsentiert, Christliche byzantinische Kunst Spezialisiert auf Architektur, Mosaikkunst, Wandmalerei und Ikonenmalerei. Byzantinische Künstler zeichneten sich auch durch Schmuckstücke aus, Goldschmiedekunst und Elfenbein und produzierte das früheste illuminierte Manuskript oder Kodex.
Als die Macht Roms nachließ, wuchs die Konstantinopels. 535 fielen die Armeen des byzantinischen Kaisers Justinian I. (482-565) in Italien ein (meist von Barbaren besetzt) und 540 eroberten Ravenna, das zum Sitz der byzantinischen Regierung in Italien wurde. Von 540 bis 600 initiierte der Exarch von Ravenna ein umfangreiches Kirchenbauprogramm in der Stadt und ihrer Hafenstadt Classe: Dazu gehörten die Basilika San Vitale und die Basilika Sant’Apollinare in Classe. Die Basilika San Vitale kombiniert eine römische Kuppel, Türen und Stufentürme mit einer byzantinischen polygonalen Apsis sowie byzantinischen Hauptstädten und schmalen Ziegeln. Es ist weltberühmt für seine byzantinischen Mosaike, das spektakulärste und am besten erhaltene Mosaik Kunst außerhalb von Konstantinopel. Einzelheiten finden Sie unter: Ravenna Mosaiken (c.400-600).
Die byzantinische Architektur erlangte während des Lebens von Justinian, der in Konstantinopel vier bedeutende Kirchen errichtete, ihre unverwechselbaren Formen: die Basilika der Heiligen Sergius und Bacchus (begonnen 526); die Basilika der Heiligen Irene (begonnen 532); die Basilika der Apostel (536-46) – deren Entwurf in der Markuskathedrale in Venedig nachgebildet wurde – und die größte von allen, die Hagia Sophia (1532-37) (1453 in eine Moschee umgewandelt, heute ein Museum). Die Hagia Sophia wurde von einer massiven Kuppel gekrönt, deren Gewicht von revolutionären, konkaven, dreieckigen Steinabschnitten, sogenannten Pendentives, auf Eckpfeilern getragen wurde. Sie war durchgehend mit goldenen Mosaiken und mehrfarbigem Marmor verziert und war der Höhepunkt der römischen Architektur und eine große Inspiration für spätere Bauten dem Nahen Osten, einschließlich der Sultan-Ahmed-Moschee.
Mosaikkunst war fast tausend Jahre lang das wichtigste Merkmal der byzantinischen Kunst: vergleichbar mit der Skulptur im antiken Griechenland, der bemalten Tafel der nördlichen Renaissance oder dem Altarbild im Venedig des 16. Jahrhunderts. Diese exquisiten Glaspuzzle, die im Kerzenlicht schimmerten und manchmal mit Blattgold verziert waren, unterlagen strengen Regeln in Bezug auf Farbe, Größe und Zusammensetzung. Mosaike hatten zwei Hauptziele: das Haus des Herrn zu verschönern (und den Zuschauer zu überwältigen) und Erziehen Sie Analphabeten in der Evangeliumsgeschichte. Die einzelnen Mosaikstücke ( Tesserae ) wurden oft absichtlich ungleichmäßig gesetzt, um eine Bewegung von Licht und Farbe zu erzeugen.
Der rasche Aufstieg der arabischen Macht im 7. Jahrhundert und die daraus resultierenden wirtschaftlichen Schwierigkeiten des Byzantinischen Reiches führten zu einer Neubewertung der arabischen Kultur und Kultur Islamische Kunst . Während des 8. Jahrhunderts (726-787) und des 9. Jahrhunderts (814-842) gipfelte dies in zwei "Ikonoklasmen", als ein Verbot für alle figurativen Kunstwerke verhängt wurde. Dies ist bei den byzantinischen Mosaikisten sehr schlecht angekommen. Viele wanderten nach Rom aus, die sich entschieden gegen den Bildersturm aussprachen. Andere begaben sich paradoxerweise in arabische Städte, wo sie einige der schönsten jemals erstellten abstrakten Mosaike produzierten. Siehe zum Beispiel die im Islamischen Felsendom (688-91, Jerusalem) und in der Großen Moschee (715, Damaskus).
Ravenna ist nach wie vor die beste Quelle für Mosaike. Dazu gehören: Christus als Mosaik des Guten Hirten (450, Mausoleum von Galla Placidia); Mosaik der Taufe Christi (6. Jahrhundert, Arian Baptisterium); das Mosaik der Königin Theodora (547, Basilica San Vitale); Christus vor Pontius Pilatus Mosaik (550, Sant’Apollinare Nuovo, Classe). Sehen Sie in Istanbul die Bodenmosaike (400-550) im Kaiserpalast; die Mosaiken der South Gallery (um 1260) in der Hagia Sophia; und die Mariä-Entschlafens- Mosaik (1310, Kirche des Chora-Klosters). An anderer Stelle im Byzantinischen Reich finden Sie die Mosaike bei Hagios Demetrios (650) in Saloniki; und die herausragenden Apsismosaiken aus dem frühen 12. Jahrhundert in der Kathedrale von Torcello in Venedig.
Wandmalerei war wesentlich billiger als Mosaike und war daher ärmeren Kirchen vorbehalten. Später jedoch, als die wirtschaftlichen Schwierigkeiten zunahmen, wurde es eine weiter verbreitete Alternative. Es zeichnete sich durch groß angelegte ’architektonische’ Kompositionen aus – byzantinische Wandmaler verwendeten typischerweise eine ganze Wand als ’Leinwand’ -, die in der Regel ohne Rücksicht auf Zeit- und Ortsprinzipien mit erzählerischen Details gefüllt waren. Zu den berühmten erhaltenen byzantinischen christlichen Wandgemälden gehören: die in der Grabkammer (450-500) in Nicäa (Iznik); der weinende Christus (1164, Kirche St. Panteleimon, Nerezi, Skopje, Mazedonien); die Kreuzigung (1209, Kirche St. Joachim und St. Anna, Studenica, Serbien).
Angesichts seiner theokratischen Natur ist es vielleicht nicht verwunderlich, dass die byzantinische Kultur eher für ihre Ikonen als für ihre Wandgemälde bekannt ist. Diese kleinen Andachten tauchten zum ersten Mal im frühen 4. Jahrhundert auf Diptychon Tafelbilder (manchmal auch "reisende Ikonen" genannt) von Jesus Christus, der Jungfrau Maria oder Heiligen erwiesen sich als äußerst beliebt. Kirchenbildschirme ( Ikonostasen ) wurden mit ihnen gefüllt, ebenso wie Privathäuser. Nach dem Sieg der pro-figurativen Ikonodulen über die Ikonoklasten im Jahr 842 nahm die Produktion von Ikonen dramatisch zu, und die Techniken der Ikonenmalerei verbreiteten sich in Griechenland und Russland, insbesondere in Kiew, Nowgorod und Moskau. Berühmte Beispiele für byzantinische Ikonenmalereien sind: Die Jungfrau Hodegetria (Mitte des 5. Jahrhunderts, Kloster Hodegon, Konstantinopel: heute verloren); St. Peter (ca. 550, Kloster der Heiligen Katharina, Berg Sinai); St. Michael (ca. 950-1000, Tesoro di San Marco, Venedig); die Heilige Jungfrau von Wladimir (um 113, Tretjakow-Galerie, Moskau); Madonna von Don Icon (um 1380, Tretjakow-Galerie, Moskau) von Theophanes dem Griechen, Gründer der Nowgoroder Schule der Ikonenmalerei (c.1100-1500); und Muttergottes Hodigitria (1502-3) von Dionysius, einem frühen Meister der Moskauer Malschule (c.1500-1700).
Byzantinischer Christ Buchillustration scheint im späten 5. Jahrhundert begonnen zu haben Garima-Evangelien (vor kurzem mit Kohlenstoff auf 390-660 datiert). Andere antike christliche Illuminationen sind die Rabbula-Evangelien (c.586, Laurentian Library, Florence). Beide Manuskripte wurden wahrscheinlich in einem syrischen oder Jerusalemer Kloster angefertigt.
Christliche Kunst des Mittelalters: Bilderhandschriften (450-1200)
Mit dem Fall Roms und dem Zerfall des Römischen Reiches trat Westeuropa in das dunkle Zeitalter (400-800) ein, eine Zeit politischer Unsicherheit und kultureller Stagnation. Die einzig mögliche einigende Kraft war das Christentum, aber als Rom geplündert und die römische Kirche unter Druck gesetzt wurde, war ihr Einfluss begrenzt. Nur in Irland, einem vom europäischen Festland abgeschnittenen Land, blühte das Christentum auf. Eigentlich, Irische Klosterkunst und Kultur war entscheidend, um die Ideen von am Leben zu erhalten Antike sowie die Botschaft der Bibel. Früh Mittelalterliche Kunst In Irland dominierte die Herstellung von illuminierten Manuskripten, insbesondere der Cathach von St. Columba (c.610), das Book of Durrow (c.650-80), die Lichfield-Evangelien (c.730), die Echternach-Evangelien (690-715), die Lindisfarne-Evangelien (698) und das Atemberaubende Buch von Kells (800). Wegen der anhaltenden Tradition des Landes von Keltische Kunst In den meisten irischen Manuskriptillustratoren wurden abstrakte keltische Motive verwendet, anstatt von kontinentalen Künstlern bevorzugte bildliche Darstellungen.
Verwenden von Fähigkeiten aus früheren Traditionen von Keltische Metallkunst Die irischen Klöster waren auch für hochwertige kirchliche Schiffe verantwortlich, wie die Ardagh Kelch (8./9. Jahrhundert, National Museum of Ireland), dekoriert im La Tene-Kunststil.
Eine dritte Art christlicher Kunst, die im Mittelalter in Irland auftauchte, war Hohe Kreuzskulptur (c.750-1150 CE). Bestehend aus unterschiedlich großen Monumenten, die alle auf dem Standarddesign des Keltenkreuzes basieren. Entweder mit abstrakten Mustern oder mit Erzählszenen aus der Bibel verziert (selten beides), bilden diese Denkmäler die wichtigste freistehende Skulptur, die zwischen dem Fall Roms (ca. 450) und dem Beginn der italienischen Renaissance (ca. 400) entstanden ist).
Mittelalterliche christliche Kunst auf dem Kontinent folgten ähnliche Wege, wenn auch etwas später. Karolingische Kunst (um 750-900) zum Beispiel (die Kultur des fränkischen Königreichs Karl I.) wurde eher von byzantinischen als von irischen Vorbildern inspiriert. Klösterliche scriptoria in Aachen, Paris, Reims, Metz und Tours produzierte schöne Beispiele von mittelalterliche Malerei wie der Godescalc Evangelistary (ca. 783), der Utrecht Psalter (ca. 830) und die Grandval Bible (ca. 840). Karolinger cuture wurde gefolgt von Ottonische Kunst , unter den Heiligen Römischen Kaisern Otto I., II. und III. (900-1050). Inspiriert von karolingischen Techniken sowie byzantinischen Elementen – wie der Verwendung von Blattgold – war die ottonische Kunst berühmt für ihre reich verzierten Manuskripte, darunter das Perikpenbuch Heinrichs II. (Um 1010), die Bamberger Apokalypse (um 1020) und die Hitda -Codex (um 1025) und der Codex Aureus Epternacensis (um 1053). Siehe auch: Deutsche mittelalterliche Kunst (c.800-1250).
Neue christliche Architektur wurde auch unter Karl dem Großen gesehen – siehe zum Beispiel das Torhaus des Lorscher Klosters (792-805) und die Pfälzische Kapelle (800, Aachen) – und unter den Ottos – die Kirche St. Cyriakus in Gernrode (961)), Bamberger Dom (begonnen 1004).
Darüber hinaus Goldschmiedekunst und kostbar Metallarbeiten auf dem Kontinent wieder aufgetaucht, ebenso wie die Bildhauerei, obwohl die mittelalterliche Skulptur (Zumindest unter den Ottos) konzentrierten sich die Arbeiten eher auf die Einrichtung von Kirchen – Altäre, Gräber, Türen, Leuchter und Gräber – als auf die Verschönerung der Kirchenarchitektur. Es wurden auch einige Wandgemälde hergestellt, wie die Auferweckung von Jairus ’Tochter und die Heilung der blutenden Frau (um 1980, Georgskirche, Reichenau).
Romanische Kirchenarchitektur (um 1000-1150)
Die ottonische Architektur und Kultur überschneidet sich erheblich mit Romanische Kunst , ein Begriff, der in der Praxis einen neuen europaweiten Stil christlicher Architektur beschreibt. Es war die erste große Kampagne zum Kirchenbau, die von Rom und den neuen christlichen Mönchsorden initiiert wurde, zu denen Kathedralen, Abteien und Pfarrkirchen gehörten. (In Großbritannien ist Romanik als normannische Architektur bekannt.) Romanische Architektur wurde weitgehend von klassischen römischen Mustern inspiriert und zeichnete sich durch eine neue Monumentalität aus, die die wachsende Stabilität des Zeitalters und die Renaissance der europäischen christlichen Kultur nach vier Jahrhunderten der Dunkelheit kennzeichnete.
Die berühmtesten romanischen Kirchen und religiösen Gebäude sind: Cluny Church II (981, Burgund); Klosterkirche von S. Pedro de Roda (1022, Katalonien); Abteikirche St. Michael, Hildesheim (1033, Deutschland); Kathedrale von Ely (1080, England); Kathedrale von Pisa (nach 1083, Italien); Abtei von La Grand Chartreuse (1084, Grenoble); Durham Cathedral (nach 1093, England); Dom zu Speyer (1106, Deutschland); Abteikirche von Sainte-Foy (1120, Frankreich); Baptisterium von St. Giovanni, Florenz (1128, Italien); Cluny Church III (1130, Frankreich); Mainzer Dom (1137, Deutschland); Krak des Chevaliers (nach 1142, Homs, Syrien); Abteikirche von Fontenay (1147, Frankreich); Wormser Dom (1200, Deutschland); und die Kirche der Madeleine (1215, Vezelay).
Die romanische Architektur musste mit der wachsenden Zahl von Pilgern fertig werden, die die Stätten heiliger Relikte in ganz Europa besuchten. In Frankreich / Spanien wurden zum Beispiel massive Torbögen gebaut, um der großen Menge von Gläubigen auf dem Jakobsweg, dem Pilgerweg zur Kathedrale von Santiago de Compostela (1075-1211) in Galizien im Nordwesten Spaniens, gerecht zu werden des Apostels Jakobus sollen beigesetzt sein. Weitere romanische Kirchen auf der Strecke waren die Wallfahrtskirche Saint-Étienne (1063, Nevers) und die Wallfahrtskirche Saint-Sernin (1120, Toulouse).
Bei der Dekoration ihrer Kirchen stützten sich romanische Architekten auf Glasmalereien, Wandmalereien und Skulpturen.
Die Glasmalereiproduktion konzentrierte sich auf Zentren wie das Rheinland (Deutschland) sowie die Ile de France und Poitiers. Zum ersten Mal in Blei gerahmt, basierten die Designs auf starken Farbkontrasten (blau, intensiv rot, gelb). (Siehe auch: Glasmalerei: Materialien, Methoden .) Berühmte Beispiele sind Glasfenster wie: Der Prophet Hosea (1130, Südwand des Augsburger Doms); und die Kreuzigung Christi (1165, Kathedrale von Poitiers). Wie in den byzantinischen Kirchen wurden Wandgemälde verwendet, um den ungebildeten Kirchenbesucher aufzuklären. Stile waren in der Regel dynamisch und animiert, während spanische Künstler romanische Wandgemälde mit einer Mischung aus spanischer und islamischer Kunst schufen. Die Skulptur erschien größtenteils außerhalb der Kirchen in einem eher statischen oder hölzernen Stil. Der berühmteste romanische Künstler war wahrscheinlich der Bildhauer Gislebertus (1120-1135), bekannt für seine Reliefarbeiten an den Portalen von
Kathedrale des Heiligen Lazare, Autun.
Gotische Architektur, Buchmalerei (um 1150-1375)
Gotische Kunst Auch hier drehte sich alles um christliche Architektur. Es war einer Wiederbelebung von Wissenschaft und Mathematik, insbesondere der euklidischen Geometrie, zu verdanken. Während die Romanik für ihre massive Größe, dicke Wände, schmale Fenster und dunkle Innenräume bekannt war, gotische Architektur geblendet von hohen Gewölben, riesigen Buntglasfenstern und geräumigen, gut beleuchteten Innenräumen. Mithilfe von Spitzbögen, um das Gewicht der Decke zu verteilen, und revolutionären Strebepfeilern, um die Wände zu stützen, konnten Architekten eine Kirche schaffen, die die Herrlichkeit Gottes voll und ganz widerspiegelte. Das Gothic Style erschien erstmals in der Abteikirche von Saint-Denis in der Nähe von Paris (seit 1140) und hatte innerhalb von weniger als einem Jahrhundert das Design der Kathedrale in ganz Europa revolutioniert. Für den ultimativen Ausdruck religiöser gotischer Architektur siehe: Sainte Chapelle (1241-48) in Paris.
Weitere berühmte gotische Bauwerke waren die Kathedralen von Laon (1160), Notre Dame de Paris (1160), Chartres (1194), Bourges (1195), Reims (1211), Amiens (1220), Salisbury (1220), Burgos (1220)., Westminster Abbey, Lincoln (1230), (1245), Köln (1248), Freiburg (1275), York Minster (1280), Rouen (1281), Siena (um 1290), Barcelona (1298), Orvieto (1330), Mailand (1386), Sevilla (1402) und andere.
Die Architekturskulptur war ein weiteres wichtiges Merkmal. Säulenstatuen und Reliefs von Figuren aus dem Alten Testament sowie Darstellungen von Christus und anderen Mitgliedern der Heiligen Familie waren an der Tagesordnung. Gotische Skulptur in einer Reihe von kleinen kreativen Schritten entwickelt. Zuerst trat ein gesteigerter Realismus ein, der sich sichtbar von dem eher hölzernen Aussehen der romanischen Redewendung unterschied; dann sehen wir anmutigere Figuren mit weichen Gewändern; dann Figuren mit einem soliden, aufrechten Aussehen, mit zurückhaltenderen Gesten. Schließlich kamen Figuren mit zierlichen Haltungen und dicken Gewändern, die in langen V-förmigen Falten hingen. Zu den größten Bildhauern gehörten Nicola Pisano (ca. 1206-1278) und Arnolfo di Cambio (ca. 1200-1310).
Spätgotische Bildhauer, die im 15. und frühen 16. Jahrhundert in Deutschland ansässig waren, brachten eine Reihe exquisiter Christen hervor Holzschnitzen in einer Reihe von spektakulären Triptychon Altarbilder, die seitdem nicht mehr erreicht wurden. Bekannt für die Emotionen ihrer expressionistischen Figuren waren unter anderem Michael Pacher (1435-98), Veit Stoss (um 1447-1533), Tilman Riemenschneider (um 1460-1531) und Gregor Erhart (um 1460-1540).. Sehen: Deutsche Gotik (c.1200-1450).
Die gotischen Maler, die stark von der Skulptur beeinflusst waren, waren auch damit beschäftigt, Werke religiöser Kunst zu schaffen, aber nicht in Kirchen, wo riesige Buntglasfenster jetzt die Farbe und die biblische Illustration lieferten, die zuvor von Wandgemälden geliefert wurden: siehe zum Beispiel die durchscheinenden Glasmalerei Kunst Innerhalb Kathedrale von Chartres (c.1194-1250). Stattdessen konzentrierten sich gotische Maler auf illuminierte Manuskripte wie die französischen Bibeln Moralisees (um 1230-40), Le Somme le Roi (1290), den Manesse-Kodex (1310), Heures de Jeanne d’Evreux (1328) und den Psaltar von Bonne von Luxemburg (1349), dem englischen Amesbury Psalter (1240), Queen Mary Psalter (1330) und den Arundel und Luttrell Psalters (1340). Dies sind nur einige der vielen Bücher über Stunden, Missale, Psalter, Apokalypsen, Bibeln und andere beleuchtete Evangelientexte, die aus den Klöstern der damaligen Zeit stammen. Siehe insbesondere Werke von Jean Pucelle (1290-1334). Weitere Informationen finden Sie unter: Geschichte der illustrierten Handschriften (600-1200).
Gegen Ende der Gotik entstand unter den königlichen Höfen Europas ein reicher Kunststil, der als eine Art Brücke zwischen der Gotik- und der Renaissancekultur fungierte. Bekannt als Internationale Gotik (um 1375-1450) wurde dieser Stil durch eine Reihe christlicher Illuminationen veranschaulicht, die in Werken wie Les Tres Riches Heures du Duc de Berry (1416) von den Brüdern Limburg (alle starben an der Pest, 1416); die Stunden des Marschalls von Boucicaut von Jacquemart de Hesdin (um 135–1414) und das Messbuch von Jean des Martins von Enguerrand de Charenton (Quarton) (um 1410–1466).
Italienische Renaissance
Die christliche Kunst des 14. Jahrhunderts, der Zeit vor der Renaissance, wurde von Giotto beherrscht – siehe das Kapellen-Fresken Scrovegni (Arena) (c.1303-10) – und Duccio de Buoninsegna (1255-1318) – sehen Sie das gefeierte polyptych für die Kathedrale von Siena, bekannt als Maesta-Altarbild (1308 & ndash; 11). Danach kam der Frühe Renaissance in Florenz am Beispiel des Doms der Stadt – mehr dazu: Dom von Florenz, Brunelleschi und die Renaissance (1420-36) – Masaccio (Fresken der Brancacci-Kapelle) und Donatello (Statue von David). Wenn die christliche Kunst des 15. Jahrhunderts von Florenz dominiert wurde, war das Zentrum der christlichen Kunst des 16. Jahrhunderts Rom, wo Papst Sixtus IV. (1471-84) die größten Gönner waren. Papst Julius II (1503-13), Papst Leo X. (1513-21) und Papst Paul III. (1534-49).
Das 16. Jahrhundert war auch Zeuge eines goldenen Kunstzeitalters in Venedig Venezianische Altarbilder (1500-1600) und Venezianische Malerei .
Unsterblich religiöse Gemälde aus der Renaissance gehören: Die Geißelung Christi (1460) von Piero della Francesca; Das letzte Abendmahl (1495-98) und Die Jungfrau der Felsen (1484) von Leonardo da Vinci; Klage über den toten Christus (um 1490) von Andrea Mantegna; Das Sixtinische Madonna (1513) und Die Verklärung (1518-20) von Raphael; Mariä Himmelfahrt (1516-8) von Tizian; das Mariä Himmelfahrt (Kathedrale von Parma) (1524-30) an der Decke der Kuppel der Kathedrale von Parma von Correggio; Das Hochzeitsfest in Cana (1563) und Fest im Hause Levi (1573) von Paolo Veronese; und Die Kreuzigung (1565) von Tintoretto. Der größte Christ Renaissance-Skulptur enthalten: Die Tore des Paradieses (1425-52, Baptisterium von Florenz) von Lorenzo Ghiberti; Die Ungläubigkeit des heiligen Thomas (1467) von Andrea Verrocchio; zahlreiche Andachtsgegenstände Terrakotta-Skulptur von der florentinischen Familie Della Robbia; Pieta (1500), David (1504) und das Grab von Papst Julius II. (1505-45) von Michelangelo. Aber die ikonischste christliche Kunst des 16. Jahrhunderts muss sicherlich die sein Fresken der Sixtinischen Kapelle , gemalt von Michelangelo. Dazu gehören die Genesis Fresco (1508-12) – siehe insbesondere The Erschaffung Adams (Gott übergibt den Funken des Lebens).
Zur Analyse vieler der oben genannten Punkte siehe: Berühmte Gemälde analysiert .
Ironischerweise Christian Renaissance-Architektur basierte auf Entwürfen heidnischer griechischer Architektur und bediente sich liberaler dorischer, ionischer und korinthischer Ordnungen. Hervorragende Beispiele sind: die von Brunelleschi entworfene Kuppel der Kathedrale von Florenz (1420-36) und die Kirche San Lorenzo (1420-69); Kirche Santa Maria delle Carceri (1485-1506) von Giuliano da Sangallo; Petersdom (1506-1626) von Bramante, Raffael, Michelangelo, Giacomo della Porta, Carlo Maderno und Bernini; Kirche San Giorgio Maggiore (1562) von Palladio.
Christliche Kunst der nördlichen Renaissance
Sogenannt Kunst der nördlichen Renaissance (um 1430-1580) wurde von der Schule der flämischen Malerei dominiert, die Teil der breiteren Bewegung der niederländischen Renaissance war. Einfach ausgedrückt, begann die Renaissance des Nordens mit einem Knall, der sich schnell als wichtigste Schule der Ölmalerei etablierte und danach allmählich abnahm. Das Altarbild Kunst von Malern wie Jan van Eyck (siehe seine Gent Altarbild , 1432) und Roger van der Weyden ( Abstieg vom Kreuz , 1440), sowie die unglaublich komplizierten Werke von Hugo van der Goes ( Portinari-Altarbild , 1475), wurden nur selten erreicht, außer durch die außergewöhnlichen visionären Bilder von Hieronymus Bosch – siehe Garten der irdischen Freuden und Haywain-Triptychon – (eifrig vom strengen katholischen Monarchen Philipp II. von Spanien gesammelt) und die komplexen Genrebilder von Pieter Bruegel the Elder ( Volkszählung von Bethlehem , 1566; Massaker an den Unschuldigen , 1564; Gleichnis vom Blinden , 1568).
HINWEIS: Die religiöse Malerei des 15. Jahrhunderts in Frankreich wurde vom provenzalischen Künstler Enguerrand de Quarton (1410-66) angeführt – gefeiert für seinen Avignon Pieta (c.1455, Louvre) – und der Hofmaler Jean Fouquet (1420-81) notiert für sein Melun Diptychon (c.1450-55).
Flämischer Realismus und Präzision zeigen sich auch bei deutschen Malern wie Stephan Lochner ( Das Jüngste Gericht , 1440er Jahre), Lucas Cranach d. Ä. ( Adam und Eva , 1528) und Hans Baldung Grien ( Altar der Jungfrau Maria [Das Freiburger Altarbild] ], 1514) und Hans Holbein der Ältere ( Szenen aus der Passion Christi [Der Kasheimer Altar], 1502). Andere deutsche Meister sind der Expressionist Matthias Grunewald ( Isenheimer Altar 1510-15) und der vielseitige Grafiker und Maler Albrecht Dürer ( Die vier apokalyptischen Reiter , 1498, Holzschnitt) und Martin Schongauer ( Madonna im Rosengarten , 1473).
Historische Anmerkung: Die protestantische Reformation
Luther, ein niederländischer Priester, wurde 1517 – ohne Zweifel von der früheren Revolte von Savonarola (1452-98) in Florenz – begann eine religiöse Revolte gegen die korrupten Praktiken der Kirche von Rom, die zu einer Spaltung der christlichen Bewegung führte. Die Protestierenden wurden als Protestanten bekannt, während sich diejenigen, die der traditionellen Kirche folgten, als römisch-katholisch bezeichneten. Der Protestantismus (der sich in vier Typen aufteilt: Lutheraner, Calvinisten, Anglikaner und Täufer) setzte sich in nordeuropäischen Ländern wie Holland, Deutschland (außer Bayern) und Großbritannien durch, während südeuropäische Länder wie Frankreich, Italien und Spanien (zusammen mit der spanischen Kolonie von Flandern), blieb katholisch.
Reformation Art
Ab etwa 1520, als die nördliche Renaissance die Auswirkungen des Aufstands Luthers gegen die korrupten Praktiken der römischen Kirche spürte, stellte sich ein neuer Satz ein Ästhetik ergriff, in Form von Evangelische Reformation Art Dies spiegelte die christliche Agenda der protestantischen Bewegung wider, die die humanistische Kunst und Ideologie der Hochrenaissance ablehnte und eine strengere religiöse Erfahrung mit minimaler Dekoration feierte. Infolgedessen wurde der Anteil der religiösen Kunst, die von den Behörden der protestantischen Kirche in Auftrag gegeben wurde, enorm reduziert, und Künstler in protestantischen Ländern mussten auf weltliche Formen wie Genremalerei, Porträtkunst, Landschaftsmalerei und Stillleben umsteigen.
Protestantische Kunst
Der Protestantismus lehrte eine zurückhaltende, persönliche Form der Anbetung, die sich auf die direkte Beziehung zwischen Gott und dem Menschen konzentrierte, ohne sich um Zwischenfälle wie Päpste, Bischöfe und andere Angestellte der Kirche zu sorgen. Es legte auch wenig oder gar keine Bedeutung auf dekorative oder zeremonielle Aspekte der Religion. Aus diesem Grund bevorzugte die protestantische Kunst zurückhaltende moralistische Darstellungen des alltäglichen Lebens oder einfache Erzählszenen aus der Bibel anstelle dramatischer theologischer Szenen, die die Passion, Kreuzigung und Auferstehung Christi betrafen. Andere akzeptable Szenen waren Darstellungen von Sündern, denen von Christus vergeben wurde, in Übereinstimmung mit der protestantischen Ansicht, dass Erlösung nur durch die Gnade Gottes möglich ist. Die protestantische Kunst war tendenziell auch kleiner als die katholische Kunst, was eine bescheidenere, persönlichere Herangehensweise an die Religion widerspiegelte. Aus dem gleichen Grund wurden Buchillustrationen und Druckgrafiken immer beliebter, während katholische Gemälde und Skulpturen Gegenstand physischer ikonklastischer Angriffe wurden, wie der Beeldensturm , eine Episode der Mobzerstörung , die 1556 ausbrach. Die protestantischen Kirchenbehörden waren sich jedoch ebenso bewusst der Kraft der Kunst, Anbeter zu erziehen und zu beeinflussen. Als Ergebnis machten sie maximalen Gebrauch von verschiedenen Formen von Druckgrafik Dies ermöglichte es, der Öffentlichkeit Bilder zu sehr geringen Kosten zur Verfügung zu stellen.
Einen Höhepunkt erreichte die protestantische Ästhetik im Niederländische Barockzeit (c.1600-80). Diese Periode, bekannt als das Goldene Zeitalter der niederländischen Kunst, war Zeuge der endgültigen Entwicklung des realistischen Stils, den die flämischen Maler früher angenommen hatten. Obwohl auch Porträts und Landschaften beliebt waren, ist die Zeit am bekanntesten als der Höhepunkt von Niederländische realistische Genremalerei und was ist bekannt als Stillleben malen (arrangierte Bilder). Führende Genremaler der protestantischen Reformation kamen aus verschiedenen Schulen. Adriaen van Ostade und der katholische Künstler Jan Steen vertraten die Haarlemer Schule; Jan Vermeer und Pieter de Hooch vertraten die Delfter Schule; Hendrik Terbrugghen und Gerrit van Honthorst gehörten der Utrecht-Schule an; Gerrit Dou vertrat die Leidener Schule; Samuel van Hoogstraten und Nicolaes Maes waren Mitglieder der Dordrecht-Schule; und Carel Fabritius, Gerard Terborch und Gabriel Metsu gehörten zur Amsterdamer Schule.
Viele dieser Genrebilder enthielten subtile moralische Botschaften darüber, wie man ein christliches Leben führt, sowie nicht so subtile Botschaften über die Gefahren von Laster. Diese zurückhaltende protestantische Ikonographie war ein vollständiger Kontrast zu den intensiven biblischen Szenen wie der Kreuzigung und der Klage, die von der katholischen Kunst favorisiert wurden. Stillleben waren ein weiteres Beispiel für diese moralistische Kunst. Bekannt als Vanitas Malerei Dieses Genre bestand aus Arrangements von Lebensmitteln und anderen Gegenständen, die auf einem Tisch ausgelegt waren und symbolische Botschaften enthielten, die auf Völlerei und sinnlichen Genuss hinwiesen. Es gab zwei Arten von Vanitas-Gemälden: "Bankettstücke" ( pronkstilleven ) oder "Frühstücksstücke" ( ontbijtjes ). Exponenten von pronkstilleven enthalten: Harmen van Steenwyck (1612–56), Jan Davidsz de Heem (1606-84) und Willem Kalf (1622 & ndash; 93). Zu den führenden Praktizierenden von ontbijtjes gehörten: Willem Claesz Heda (1594-1680) und Pieter Claesz (1597 & ndash; 1660).
Sogar im protestantischen Amsterdam gab es jedoch eine bescheidene Nachfrage nach religiösen Gemälden. Einer der wichtigsten Aufträge, den der junge Rembrandt erhielt, waren fünf Gemälde für Prinz Friedrich Heinrich von Oranien – den führenden Soldaten in den niederländischen Kriegen gegen das katholische Spanien – zum Thema der Passion Christi. Neben seiner Fähigkeit als Porträtist wurde Rembrandt der größte religiöse Maler des niederländischen Protestantismus, bekannt für Werke wie: The Blinding of Samson (1636), The Sacrifice of Isaac (1636), Susanna and the Elders (1647), Bathseba hält den Brief von König David (1654), Jakob segnet die Kinder Josephs (1656) und Rückkehr des verlorenen Sohnes (1666 & ndash; 69).
Katholische Gegenreformation Art
Die römisch-katholische Kirche reagierte auf die protestantische Reformation mit der Gegenreformation. Die katholische Gegenreformationskunst sollte die charakteristischen Grundsätze der katholischen Liturgie und des katholischen Glaubens vermitteln, um die Popularität des Katholizismus zu stärken. Es wurde zur gleichen Zeit ins Leben gerufen, als die manieristische Malerei in Italien Einzug hielt – ein ausdrucksstarker Stil, bei dem Verzerrungen für die Wirkung verwendet wurden, wie in Parmigianinos Bild „ Madonna mit dem langen Hals“ gezeigt (1535, Uffizien). Die katholischen Behörden waren besorgt darüber, dass die katholische Kunst zu viel Wert auf dekorative Qualitäten legt und nicht genug auf religiöse Werte – was ihre erzieherischen Auswirkungen auf die Kirchgänger zunichte macht – eher genau als phantasievoll und sollte vor allem die Frömmigkeit fördern. Nacktheit und andere unangemessene Bilder wurden verboten. Ein Beispiel für einen frommen manieristischen Künstler, der seinen Stil an die Lehre der Kirche anpasste: Federico Barocci (1526 & ndash; 1612).
Kurz gesagt, der einzige Zweck der Kunst der Gegenreformation bestand darin, Gott und die katholischen Traditionen zu verherrlichen und die Sakramente und Heiligen zu fördern. So wurde Michelangelos Fresko des Jüngsten Gerichts in der Sixtinischen Kapelle heftig kritisiert, weil es nackt war, Jesus ohne Bart zeigte und den heidnischen Charakter von Charon beinhaltete. Paolo Veroneses Gemälde Das Abendmahl wurde (nicht unangemessen) angegriffen, weil es sich um extravagante Kostüme, betrunkene Deutsche und Zwerge sowie eine riesige Menschenmenge handelte. Tatsächlich hat Veronese die Frage einfach umgangen, indem er das Bild Fest im Hause Levi umbenannt hat .
Die katholische Kirche startete die Gegenreformation, um für das Herz und den Verstand derjenigen Christen zu kämpfen, die zum Protestantismus übergegangen waren. Zu diesem Zweck wurde die von S. Ignatius Loyola gegründete und allgemein als Jesuiten bekannte Gesellschaft Jesu ( Societas Jesu ) 1540 von Papst Paul III. Als wichtiges Lehr- und Missionsorgan gegründet. Jesuitenkunst war angemessen inspirierend. Zunächst wurde der Architekt Giacomo Barozzi (Vignola) beauftragt, eine Kirche für die neue Ordnung – die Kirche des Heiligen Namens Jesu ( Il Gesu ) (1568-73) – zu entwerfen, für die der Barockmaler Giovanni Battista Gaulli die sagenhafte Trompe malte l’oeil Deckenfresken. Eine andere Jesuitenkirche, der San Ignazio, war Schauplatz des wohl größten Exemplars der Quadraturmalerei, das jemals geschaffen wurde – Der Triumph und die Apotheose des heiligen Ignatius von Loyola (1691-4) von Andrea Pozzo. Es gibt kein besseres Beispiel für die Malerei der Gegenreformation und kein besseres Beispiel für die Unterschiede zwischen protestantischer und katholischer Kunst.
Rubens (1577-1640)
Ein frommer Katholik, der flämische Künstler Peter Paul Rubens wurde zum einflussreichsten Vertreter der Malerei der Gegenreformation in Nordeuropa. Berühmt für seine großformatigen religiösen und geschichtlichen Gemälde voller sinnlicher Farben und Dramen, trat er als Künstler und Diplomat in den führenden Kreisen der europäischen Gesellschaft auf. Trotz der Distanz, die Rubens vom gewöhnlichen Kirchgänger trennt, mögen einige seiner katholischen Bilder das berühmte Triptychon Abstieg vom Kreuz (Rubens) (1612) bewegen sich intensiv und sein Einfluss auf spätere Maler war enorm. Siehe auch: Samson und Delilah (1610).
Caravaggio (1571-1610)
Der italienische frühbarocke Maler Caravaggio war einer der Helden der katholischen Kampagne gegen die Reformation. Nicht wegen seiner Frömmigkeit, sondern weil er Christus, die Jungfrau Maria, die Apostel und die Heiligen mit solch einem unglaublichen Naturalismus gemalt hat. Caravaggios unverfälschter Realismus war der perfekte Stil für die Botschaft der Kirche. Es gab biblischen Schlüsselereignissen eine Unmittelbarkeit, die kein anderer Maler erreicht hatte. Indem er die stilistischen Ansprüche des Spätmanierismus aufgab – ein Stil, der nur von einer gebildeten Minderheit verstanden wurde -, lieferte er die vom Konzil von Trient geforderte sofortige inspirierende Wirkung. Seine größten Werke sind: Die Berufung des heiligen Matthäus (1600), Das Martyrium des heiligen Matthäus (1600), Bekehrung auf dem Weg nach Damaskus (1601), Abendessen in Emmaus (1602) Die Grablegung Christi (1601-3), Die Kreuzigung des heiligen Petrus (1601) und Der Tod der Jungfrau (1601 & ndash; 6). Sein dramatischer Einsatz von Licht und Schatten wurde nach seinem Tod von Anhängern des sogenannten Karawaggismus fortgesetzt.
El Greco (1541-1614) und die spanische Schule
Spanien ist der einzige europäische Staat, der aus einem religiösen Kampf zwischen Christentum und Islam hervorgegangen ist (die muslimische Herrschaft über den größten Teil der iberischen Halbinsel dauerte 718-1492). Daher überrascht es nicht, dass die Schule für spanische Malerei eine Form christlicher Kunst hervorbrachte, die mit der kompromisslosen Hingabe des Landes an die katholische Sache vereinbar war. Sein größter Exponent war Domenikos Theotokopoulos, genannt El Greco . Nach seiner Ausbildung in byzantinischer Ikonenmalerei arbeitete er in Venedig, bevor er sich in Spanien niederließ. Hier schuf er eine Reihe von ekstatischen Porträts von Christus und den Heiligen, deren Ausdrucksstärke die spirituellen Gefühle des Zuschauers direkt ansprach. Diese kraftvollen heiligen Gemälde mit ihren länglichen Figuren, der verzerrten Perspektive und den nicht natürlichen Farbschemata machten El Greco zum Vater der Kunst der Gegenreformation in Spanien. Zu seinen bekanntesten katholischen Gemälden gehören: The Trinity (1577-9); Die Entkleidung Christi (1579); Das Begräbnis des Grafen Orgaz (1586); Christus vertreibt die Händler aus dem Tempel (1600); die Auferstehung (1600) und die Eröffnung des fünften Siegels der Apokalypse (1608). Obwohl sie keinen von Caravaggios Naturalismus besaßen, waren diese Bilder spirituelle Meisterwerke und entsprachen ganz den Lehranforderungen des Vatikans.
Nach El Greco kam Francisco de Zurbaran (1598-1664), ein Künstler, der stark vom spanischen Quietismus geprägt war und sich auf großformatige Sakralgemälde für Ordensgemeinschaften wie Kartäuser, Kapuziner, Dominikaner und andere spezialisierte. Zurburans Zeitgenosse Jusepe Ribera (1591-1652) war eine Schlüsselfigur der neapolitanischen Malschule (1600-56) und ein früher Anhänger von Caravaggio. Die Werke dieser beiden Maler sind bekannt für ihre visuelle Wahrhaftigkeit, das kühne Hell-Dunkel und den Tenebrismus, die ihnen ein großes Drama und eine große Intensität verliehen. Siehe auch: Christus gekreuzigt (1632) von Diego Velazquez.
Die spirituelle Intensität spanischer Maler zeigte sich auch in den Werken spanischer Bildhauer wie Alonso Berruguete (um 1486-1561), dem größten aller spanischen Renaissance-Bildhauer. Zu seinen Meisterwerken gehört: das Altarbild für das Kloster La Mejorada Valladolid (1526) und die Chorstände in der Kathedrale von Toledo (1539-43); Juan de Juni (1507-1577), bekannt für seine emotionale Ausdruckskraft, wie in seinen beiden Gruppen der Grablegung Christi (1544 und 1571). Juan Martinez Montanes (der "Gott des Holzes"), berühmt für seine hölzernen Kruzifixe und religiösen Figuren, wie der barmherzige Christus (1603) und das Santiponce-Altarbild (1613); und Alonso Cano (der "spanische Michelangelo"), dessen Meisterwerk die Unbefleckte Empfängnis ist (1655).
Bernini (1598-1680) und die italienische Schule
Kein anderer italienischer Künstler verkörperte Katholiken Barocke Kunst besser als Gianlorenzo Bernini , deren religiöses Schaffen das skulpturale Meisterwerk The Ecstasy of St.Teresa (1645–52) in der eigens gestalteten Cornaro-Kapelle der Kirche Santa Maria della Vittoria umfasst. Die Barocksprache brachte einen melodramatischen Architekturstil hervor, der durch Berninis Entwurf für den Petersplatz (1656-67) und die Annäherung an den Petersdom in Rom veranschaulicht wurde. Als Favorit von Urban VIII und Rivale von Francois Duquesnoy (1594-1643) und Alessandro Algardi (1598-1654) wurde Berninis Statur in Rom (wenn auch nicht seine Kreativität) mit der des in Frankreich geborenen Nicolas Poussin (1594-1654) verglichen. 1665), der Begründer des französischen Klassizismus, zu dessen religiösen Gemälden das Martyrium des hl. Erasmus (1628), Die Pest auf Aschdod (1630) gehörte, Die Israeliten sammeln Manna in der Wüste (1639), Der Junge Moses zertrampelt die Krone des Pharaos (1645) und Die Heilige Familie auf der Treppe (1648).
HINWEIS: Auch die deutsche Barockskulptur kann beeindruckend sein. Sehen Sie zum Beispiel den außergewöhnlichen Hochaltar der Jungfrau Maria (1613-16) in der Nikolaikirche zu Überlingen, der vom Bildhauermeister Jörg Zurn (1583-1638) gemeißelt wurde.
Kirchengemälde (Quadratura)
Die wohl spektakulärste Form der christlichen Malerei war die Kirchendecke Wandmalerei (genannt quadratura ), ausgeführt oft mit Trompe – l’oeil – illusionistischen Effekten. Diese Dekoration der gewölbten / gewölbten Decken der Kirchen begann während der Renaissance in Italien. Beispiele aus der Renaissance: das Fresko Sala delle Prospettive (um 1517, Villa Farnesina) von Baldessare Peruzzi; und die Himmelfahrt der Jungfrau (1524-30) von Correggio, die die Kuppeldecke der Kathedrale von Parma schmückte.
Zu den barocken Wandgemälden zählen das berühmte Aurora-Fresko (1621-3, Villa Ludovisi, Rom) von Guercino und Agostino Tassi; die Annahme der Jungfrau (1625-7) auf dem Dom von der Kirche S. Andrea della Valle, von Giovanni Lanfranco (1582-1647); die Fresken des Palazzo Barberini von Pietro da Cortona, einschließlich Allegorie der göttlichen Vorsehung (1633-9); und das Apotheose des heiligen Ignatius (1688-94, Sant’Ignazio, Rom) von Andrea Pozzo.
Zu den bemerkenswerten christlichen Rokoko-Wandgemälden – alle von Giambattista Tiepolo – zählen die Fresken des Palazzo Labia (um 1745) in Venedig; die Würzburger Rezidenz- Fresken (1750-3) in Deutschland; und die Apotheose von Spanien Fresko (1763-6) im Königspalast von Madrid.
Architekturmalereien von Kirchen
Ein interessantes Merkmal von Christian Zeichnung Aus der Barockzeit stammten die Bauzeichnungen, Druckgrafiken und Gemälde der Kircheninnenräume. Drei der führenden Vertreter dieses Genres waren: der Haarlemer Künstler Pieter Saenredam, bekannt für seine architektonische Genauigkeit und seine Bilder von weiß getünchten Kircheninterieurs ( Interior of the Buurkerk, Utrecht , 1645); Emanuel de Witte , der weniger auf technische Genauigkeit bedacht war und sich mehr für die Atmosphäre der Kirche interessierte ( Innenraum der portugiesischen Synagoge in Amsterdam , 1680); und der italienische Maler ( vedutista ) Giovanni Paolo Panini ( Innenraum des Petersdoms, Rom , 1731).
Kirchenarchitektur des Barock
Barocke Architektur Die ausgewogene Symmetrie des Renaissance-Designs wurde zugunsten dramatischer geschwungener Linien und Oberflächen aufgegeben, die Kunst und Architektur zu einer dynamischen Einheit verbanden und illusionäre Effekte von Licht, Farbe und Textur erzeugten. Die barocken Kirchen zeichnen sich durch eine Kombination aus Kuppeln, verzierten Kapellen, Quadratur- Fresken und anderen Verzierungen aus, wie diese vier Strukturen veranschaulichen.
Petersdom (Rom) (1506-1626) Zur
Zeit von Kaiser Konstantin I. wurde der Petersdom erstmals über der legendären Grabstätte errichtet. Petersdom gehört zu den heiligsten aller katholischen Stätten. Das heutige Gebäude wurde größtenteils von Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno und Bernini entworfen und verkörpert den künstlerischen Übergang von der Renaissance zum Barock. Gekrönt von einer 433 Fuß hohen Kuppel, ist es voll mit Kunstwerken von unschätzbarem Wert, darunter Michelangelos Marmorskulptur Pieta (1500), die der Künstler im Alter von 25 Jahren aus einem einzigen Block Carrara-Marmor geschnitzt hat. St. Peter ist eng verbunden mit der frühchristlichen Kirche, dem Papsttum, der Gegenreformation und gilt als das schönste Bauwerk seiner Zeit.
Basilika Santa Maria della Salute, Venedig (1631-87)
Diese Basilika mit zwei Kuppeln auf der Halbinsel zwischen dem Kanal wurde vom italienischen Architekten Baldassarre Longhena als Dankeschön an die Jungfrau Maria für die Befreiung der Stadt von der Pest entworfen Grande und das Zattere in Venedig vereinen griechische, islamische und klassische Barockmerkmale. Es ist eines der bekanntesten Wahrzeichen der Stadt.
St Paul’s Cathedral, London (1674-1710)
Die von Sir Christopher Wren entworfene St Paul’s Cathedral ist eine Kathedrale der Church of England, die an der Stelle der ursprünglichen Kirche steht, die im Jahr 604 gegründet wurde. Die Kathedrale wurde als Sitz des Bischofs von London errichtet als Teil des großen Wiederaufbauprogramms, das Wren nach dem Großen Feuer von London betreut. Die 36 Meter hohe Kuppel ist eine der bekanntesten Sehenswürdigkeiten Londons.
Stift Melk, Österreich (1702-36)
Entworfen und gebaut vom österreichischen Architekten und Maurermeister Jakob Prandtauer, verbindet es italienische Barockelemente mit traditionellem österreichischen Design. Auf hohen Klippen mit Blick auf die Donau erwartet Sie die Abteikirche mit einer hohen Kuppel und Zwillingstürmen. Das Äußere der Abtei besteht aus einer Masse welliger Oberflächen und hoch aufragender Türme und Türme, während die Innenräume und Flure von vielen führenden österreichischen Künstlern dekoriert wurden. Es beherbergt mehrere berühmte Sehenswürdigkeiten, darunter den Marmorsaal, die Kaisertreppe und eine Bibliothek mit einer umfangreichen Sammlung seltener mittelalterlicher Texte.
Christliche Kunst in der Neuzeit (1750-2000)
Mitte des 18. Jahrhunderts waren die katholischen Länder mit Kathedralen, Kirchen, Abteien, Klöstern und Klöstern überfüllt – bei bestimmten Städten wie Neapel fast absurd. Infolgedessen begannen die kirchlichen Kommissionen auszutrocknen. Gleichzeitig verlor die europäische christliche Kirche mit dem Aufkommen der Aufklärung des 18. Jahrhunderts, der industriellen Revolution und politischen Umwälzungen wie der Französischen Revolution von 1789 an Boden gegenüber Nationalismus, Sozialismus und anderen Wertesystemen. Darüber hinaus wurde weniger Geld für religiöse Statuen oder andere Formen der Kirchenkunst aufgebracht. Im 19. Jahrhundert war die Kirche als Förderer der Künste weniger wichtig als Könige und Adlige, während die Nachfrage der Mittelschicht nach Porträts, topografischen Landschaften und anderen weltlichen Werken rapide zunahm.Maler konnten eine erfolgreiche Karriere genießen, indem sie sich einfach darauf konzentrierten Porträtkunst oder verschiedene Arten von Landschaftsmalerei ohne jemals ein religiöses Thema zu malen – etwas, das in katholischen Ländern bisher unbekannt war, obwohl es in protestantischen Ländern lange Zeit als normal galt.
Nur in der Neuen Welt wurde eine bedeutende Anzahl neuer Kirchen errichtet. Die gewählte Art der Architektur war im Allgemeinen wiederbelebend: siehe zum Beispiel die neoklassizistische Baltimore-Basilika (1806-21), die erste römisch-katholische Kathedrale in den Vereinigten Staaten, die von Benjamin Henry Latrobe entworfen wurde; die dekorierte St. Patrick’s Kathedrale im gotischen Stil in New York (1858-79), entworfen von James Renwick; Richard Upjohns Trinity Church, New York (1841-6), ein weiteres Meisterwerk des gotischen Wiederbelebens; und Trinity Church, Boston (1872-77), entworfen von Henry Hobson Richardson in einem romanischen Stil der Wiedergeburt.
Im 19. Jahrhundert wurde in Europa nur ein bedeutendes innovatives Beispiel christlicher Kirchenarchitektur errichtet &nd
Adblock bitte ausschalten!
Wenn Sie einen grammatikalischen oder semantischen Fehler im Text bemerken, geben Sie diesen im Kommentar an. Vielen Dank!
Sie können nicht kommentieren Warum?