Christliche Kunst: Geschichte, Charakteristika Automatische übersetzen

Von seinen Ursprüngen im ersten Jahrhundert im Römischen Reich verbreitete sich das Christentum über die ganze Welt und wurde zur wichtigsten Religion, zum Wertesystem und zur sozialen Agenda der Menschheit: zumindest bis zum 20. Zunächst von Christus und den Aposteln angeführt, entstand nach und nach eine eigene hierarchische Organisation, die christliche Kirche, die im Laufe der Zeit zum größten und einflussreichsten Förderer der Künste wurde.

Von Anfang an bediente sich die christliche Kirche vieler verschiedener Künste, um eine Identität zu schaffen, ihre Macht zu vergrößern und so Gläubige anzuziehen. In diesem Prozess entwickelte sie ihre eigene christliche Ikonographie, die sich stark auf Architektur (Kathedralen, Kirchen, Klöster), Skulptur (Statuen der Heiligen Familie, sowie Propheten, Apostel, Heilige), Malerei (Altarbilder, Kirchengemälde), dekorative Kunst (Glasmalerei, Mosaike) und illuminierte Handschriften (Evangelien, Psalter). Zu Beginn des 16. Jahrhunderts gab die Kirche so viel biblische Kunst in Auftrag - mit Geldern, die durch höhere Steuern und „den Verkauf von“ Almosen und Ablässen aufgebracht wurden -, dass dies zu Massenprotesten führte: Proteste, die sich zur Reformation und zur Spaltung der Kirche in katholisch und protestantisch entwickelten. Dennoch kann man sagen, dass, zumindest im Westen, die Geschichte der Kunst die Geschichte der christlichen Kunst ist.

Historischer Hintergrund

Im Jahr 313, nach fast drei Jahrhunderten prekärer Existenz (und einer Kunsttradition, die sich auf Ringe, Siegel und einige Gemälde in den Katakomben beschränkte), wurde dem Christentum endlich erlaubt zu existieren. In diesem Jahr erließen die römischen Kaiser Konstantin und Licinius das Edikt von Mailand, das den christlichen Kult legalisierte. Im Jahr 380 war die Zukunft des Christentums gesichert, als Kaiser Theodosius I., der letzte römische Kaiser, der das gesamte Reich regierte, erklärte, dass das Christentum von nun an die einzige offizielle Religion des Reiches sei.

Im 5. Jahrhundert spaltete sich das Römische Reich unter dem Ansturm der Barbaren in zwei Hälften: die östliche und die westliche Hälfte. Die östliche Hälfte, die sich in Konstantinopel befand, übernahm die östlich-orthodoxe Kirche und wurde für ihre Ikonenmalerei und Mosaiken weltberühmt, während die westliche Hälfte in Rom blieb und weiterhin der römischen Kirche folgte. Diese erlebte ihre Blütezeit unter Karl dem Großen und den Osmanen und wurde durch den massiven Bau romanischer und gotischer Kathedralen (ca. 1000-1350) vollständig wiederhergestellt. Später, im Jahr 1517, leitete der niederländische Pfarrer Luther die religiöse Revolution ein, die als Reformation bekannt ist und in der Bildung einer schlankeren, weniger hierarchischen Form des Christentums gipfelte, die als Protestantismus (oder Protestantismus) bekannt ist und seither die römische Kirche als römischer Katholizismus bezeichnet wird. Die christliche Kunst umfasst sowohl den Katholizismus und den Protestantismus als auch einen früheren Ableger, die orthodoxe Kirche.

Frühchristliche Kunst in Rom (ca. 150-450)

Vor der Legalisierung des Christentums im Jahr 313 war die frühchristliche Kunst relativ spärlich. Sie bestand aus Fresken an den Wänden einiger Katakomben (Gräber außerhalb der Stadtmauern) und Versammlungsstätten „, Hauskirchen“, einer Reihe einfacher architektonischer Entwürfe für Bauwerke (Märtyrer), die über den Gräbern von Schechiden errichtet wurden, und einer Reihe von Sarkophagen, auf denen verschiedene Embleme oder Reliefs von Jesus, Maria und anderen biblischen Figuren eingemeißelt sind. In jenen frühen Zeiten, als die Christen noch verfolgt wurden, blieb der Großteil der christlichen römischen Kunst (buchstäblich) Teil der Untergrundkultur. Außerdem befand sich das Christentum (zusammen mit den Bildern, die zu seiner Darstellung oder Illustration verwendet wurden) noch im Prozess der Entwicklung von einer Geheimgesellschaft (deren Bilder nur von einigen Eingeweihten verstanden wurden) zu einer sozialen Organisation (deren Bilder von allen verstanden wurden). So bedienten sich die christliche Malerei und insbesondere die frühchristliche Bildhauerei zunächst sowohl der römischen als auch der griechischen Kunst: Die Darstellung „des majestätischen Christus“ ist beispielsweise sowohl von römischen Kaiserporträts als auch von Darstellungen des griechischen Gottes Zeus abgeleitet. Es dauerte Jahrhunderte, bis die christliche Ikonographie vereinheitlicht und mit den biblischen Texten in Einklang gebracht (kanonisiert) wurde.

Als das Christentum gesetzlich zugelassen wurde, stieg der Bedarf an religiöser Kunst rasch an. Neue Kirchen wurden als Zentren der Anbetung gebaut, wobei die architektonische Gestaltung der grundlegenden römischen Basilika (die für die zivile Regierung und Justiz verwendet wurde) verwendet wurde. Die typische Basilika hatte ein Mittelschiff mit einem oder mehreren Seitenschiffen und einer halbkreisförmigen oder polygonalen Apsis an einem Ende, die von einer Halbkuppel oder einem Kreuzgewölbe bedeckt war. Die Apsis wurde zum Presbyterium und enthielt eine erhöhte Plattform, auf der der Bischof und seine Priester saßen, sowie einen Altar. Auch Taufbecken wurden für verschiedene Riten entworfen und gebaut, insbesondere für die Taufe mit anschließender Ölsalbung, da Ungetaufte eine christliche Basilika nicht betreten durften.

Ein Großteil der Innenausstattung dieser neuen religiösen Gebäude bestand aus Mosaiken, aber auch Fresken kamen vor. Die bildhauerische Ausschmückung der Sarkophage wurde immer aufwändiger und illustrierte oft zahlreiche Szenen aus der Bibel. Ganz individuelle Skulpturen wurden jedoch kaum verwendet, da man befürchtete, heidnische Götzen zu schaffen. Daher waren Reliefs Standard, meist aus Stein, Elfenbeinschnitzerei war ein weiteres beliebtes Medium. Insgesamt erlebte das 4. Jahrhundert einen großen Schritt in der Entwicklung der Kunst, die Verwendung reicherer Materialien und die Entwicklung präziser narrativer Sequenzen, wie in den Mosaiken von Santa Maria Maggiore in Rom und den Kirchen von Ravenna im 5. Außerdem begann die christliche Bildsprache im 5. Jahrhundert, die religiöse Bedeutung gegenüber dem Realismus zu betonen. So wurde die Bedeutung von realistischer Perspektive, Proportion, Farbe und Licht zugunsten von standardisierten Konventionen und Symbolen bei der Darstellung von biblischen Figuren und Ereignissen zurückgedrängt.

Byzantinische Kunst: Ikonen, Mosaike, Architektur (ca. 450-1450)

Die byzantinische Kunst, d. h. die Kunst der orthodoxen Ostkirche, einer Form des Christentums, die in Konstantinopel (früher Byzanz, heute Istanbul), dem Hauptsitz des Römischen Reiches im Osten, ihren Ursprung hat, war die erste Kategorie der christlichen Kunst, die wirklich blühte. Als Ausdruck des theokratischen Staates, den sie repräsentierte, spezialisierte sich die christlich-byzantinische Kunst auf Architektur, Mosaike, Wandmalereien und Ikonographie. Byzantinische Künstler zeichneten sich auch in der Schmuckherstellung, Schmuck und Elfenbeinarbeiten aus und produzierten das früheste illuminierte Manuskript (Codex).

Während die Macht Roms schwand, wuchs die Macht Konstantinopels. Im Jahr 535 fielen die Armeen von Justinian I. (482-565), byzantinischer Kaiser von 527 bis 565, in Italien ein (das größtenteils von Barbaren besetzt war) und eroberten im Jahr 540 Ravenna, das zum Sitz der byzantinischen Regierung in Italien wurde. Von 540 bis 600 initiierte der Exarch von Ravenna ein umfangreiches Kirchenbauprogramm in der Stadt und ihrem Hafenvorort Classe: Dazu gehörten die Basilika von San Vitale und die Basilika von Sant’Apollinare-in-Class. Die Basilica di San Vitale verbindet eine römische Kuppel, Portale und Treppentürme mit einer byzantinischen polygonalen Apsis und byzantinischen Kapitellen und schmalen Blöcken. Sie ist weltberühmt für ihre byzantinischen Mosaike und das am besten erhaltene Mosaik außerhalb Konstantinopels. Für weitere Einzelheiten siehe: Mosaiken von Ravenna. (c. 400-600).

Wie dem auch sei, die byzantinische Architektur erreichte ihre charakteristischen Formen zu Lebzeiten Justinians, unter dem vier große Kirchen in Konstantinopel gebaut wurden, darunter: Basilika der Heiligen Sergius und Bacchus (begonnen 526); Basilika der Heiligen Irene (begonnen 532); Apostelbasilika (536-46), deren Entwurf in der Markuskathedrale in Venedig nachgebaut wurde, und die größte dieser Kirchen, die Sophienbasilika (1532-37) (1453 in eine Moschee umgewandelt, heute ein Museum). Gekrönt von einer massiven Kuppel, deren Gewicht von revolutionären konkaven dreieckigen Steinabschnitten, den so genannten Pendentiven, auf den Eckstützen getragen wurde, und durchgehend mit Goldmosaiken und vielfarbigem Marmor verziert, war die Hagia Sophia der Höhepunkt der römischen Architektur und eine wichtige Inspirationsquelle für spätere Bauten im Nahen Osten, darunter die Sultan-Ahmed-Moschee.

Die Mosaikkunst war fast tausend Jahre lang das wichtigste Merkmal der byzantinischen Kunst: Sie ist vergleichbar mit der Bildhauerei im antiken Griechenland, der Tafelmalerei der nördlichen Renaissance oder dem Altarbild im Venedig des 16. Die im Kerzenlicht schimmernden und manchmal mit Blattgold verzierten Glaselemente unterlagen strengen Regeln in Bezug auf Farbe, Größe und Komposition. Mosaike hatten zwei Hauptzwecke: das Haus des Herrn zu schmücken (und den Betrachter zu erfreuen) und Analphabeten das Evangelium zu vermitteln. Einzelne Mosaikstücke ) tesserae) wurden oft absichtlich ungleichmäßig angeordnet, um eine Bewegung von Licht und Farbe zu erzeugen.

Das rasche Wachstum der arabischen Macht im 7. Jahrhundert und die damit verbundenen wirtschaftlichen Schwierigkeiten des byzantinischen Reiches führten zu einer Neubewertung der arabischen Kultur und der islamischen Kunst . Im 8. (726-787) und 9. Jahrhundert (814-842) gipfelte dies im „Ikonoklasmus“, als ein Verbot aller gegenständlichen Kunstwerke verhängt wurde. Dies missfiel den byzantinischen Mosaikmeistern sehr. Viele, die den Ikonoklasmus entschieden ablehnten, emigrierten nach Rom. Andere reisten paradoxerweise in arabische Städte, wo sie einige der schönsten abstrakten Mosaike schufen. Siehe z. B. die Tempel im islamischen Felsendom (688-91, Jerusalem) und in der Großen Moschee (715, Damaskus).

Ravenna ist heute die beste und fast einzige Quelle für erhaltene Mosaike. Dazu gehören: Mosaik Christus als guter Hirte (450, Mausoleum der Galla Placidia); Mosaik Taufe Christi (6. Jahrhundert, Arianisches Baptisterium); Königin Theodora (547, Basilika San Vitale); Mosaik Christus vor Pontius Pilatus (550, Sant’Apollinare Nuovo, Classe). In Istanbul sind die Bodenmosaike (400-550) im Kaiserpalast zu sehen; die Mosaike der Südgalerie (ca. 1260) in der Kathedrale Hagia Sophia; das Mosaik der Himmelfahrt der Jungfrau (1310, Kirche des Klosters von Chora). Anderswo im Byzantinischen Reich, in Thessaloniki, sind die Mosaiken in Hagios Demetrios (650) zu sehen; und die herausragenden Mosaiken der Apsis des frühen zwölften Jahrhunderts in der Kathedrale von Torcello in Venedig.

Wandmalereien waren wesentlich billiger als Mosaike und daher ärmeren Kirchen vorbehalten. Später jedoch, mit zunehmender wirtschaftlicher Not, wurde diese Alternative immer häufiger verwendet. Kennzeichnend für die Gemälde sind großformatige „architektonische“ Kompositionen - byzantinische Wandmaler nutzten in der Regel die gesamte Wand als „Leinwand“ -, die in der Regel mit erzählerischen Details gefüllt sind, ohne Rücksicht auf die Prinzipien von Zeit und Ort. Zu den bekannten erhaltenen byzantinischen christlichen Fresken gehören: Gemälde in der Grabkammer (450-500) in Nizäa (Iznik); Die Klage Christi (1164, Kirche des Panteleimon, Nerezi, Skopje, Mazedonien); Die Kreuzigung (1209, Kirche des Heiligen Joachim und der Heiligen Anna, Studenica, Serbien).

Angesichts des theokratischen Charakters der byzantinischen Kultur ist es vielleicht nicht überraschend, dass sie eher für ihre Ikonen als für ihre Fresken bekannt ist. Diese kleinen religiösen Pan- diptychen (manchmal auch als „reisende Ikonen“ bezeichnet), die Jesus Christus, die Jungfrau Maria oder die Heiligen darstellen, tauchten erstmals im frühen 4. Kirchenwände ) Ikonostasen) und Privathäuser wurden mit ihnen gefüllt. Nach dem Sieg der Ikonographen über die Ikonoklasten im Jahr 842 nahm die Produktion von Ikonen dramatisch zu, und die Technik der Ikonenmalerei verbreitete sich in Griechenland und Russland, insbesondere in Kiew, Nowgorod und Moskau. Zu den berühmten Beispielen byzantinischer Ikonen gehören Die Jungfrau Hodigitria (Mitte des 5. Jahrhunderts, Hodegon-Kloster, Konstantinopel, heute verschollen); St. Peter (um 550, Katharinenkloster, Berg Sinai); St. Michael (um 950-1000, Thesoro); St. Michael (um 950-1000, Thesoro). 950-1000, Tesoro di San Marco, Venedig); Unsere Liebe Frau von Wladimir (um 1131, Tretjakow-Galerie, Moskau); Ikone „Madonna vom Don“ (um 1380, Tretjakow-Galerie, Moskau) von Theophanes dem Griechen, Begründer der Nowgoroder Schule der Ikonenmalerei (um 1100-1500); und „Theophanes der Grieche, Begründer der Nowgoroder Schule der Ikonenmalerei (um 1100-1500). 1100-1500); und Unsere Liebe Frau von Hodegetria (1502-1503) von Dionisy, einem der ersten Meister der Moskauer Schule der Malerei (ca. 1500-1700).

Die byzantinische christliche Buchillustration scheint im späten 5. Jahrhundert mit den Garim-Evangelien (kürzlich auf 390-660 datiert) begonnen zu haben. Zu den anderen altchristlichen Illustrationen gehört das Rabbula-Evangelium (ca. 586, Laurentianische Bibliothek, Florenz). Beide Manuskripte stammen wahrscheinlich aus einem syrischen oder Jerusalemer Kloster.

Christliche Kunst des Mittelalters: illuminierte Handschriften (450-1200)

Mit dem Fall Roms und dem Zerfall des Römischen Reiches begann für Westeuropa das Mittelalter (400-800), eine Zeit der politischen Unsicherheit und kulturellen Stagnation. Die einzige mögliche einigende Kraft war das Christentum, doch nach der Plünderung Roms und dem Druck auf die römische Kirche war sein Einfluss begrenzt. Nur in Irland, einem vom europäischen Festland abgeschnittenen Land, blühte das Christentum weiter auf. Tatsächlich spielten die Kunst und Kultur der irischen Klöster eine entscheidende Rolle bei der Aufrechterhaltung der Ideen des klassischen Altertums sowie der Botschaft der Bibel. Die frühe mittelalterliche Kunst Irlands wurde von der Herstellung illuminierter Handschriften wie dem Cathach of St Columba (um 610), dem Book of Darrow (um 650-80), dem Lichfield Gospels (um 730), dem Echternach Gospels (690-715), dem Lindisfarne Gospels (698) und dem atemberaubenden Book of Kells (800) beherrscht. Aufgrund der anhaltenden Tradition der keltischen Kunst im Land verwendeten die meisten irischen Manuskriptillustratoren eher abstrakte keltische Zeichnungen als die von kontinentalen Künstlern bevorzugten figurativen Bilder.

Unter Verwendung von Fertigkeiten, die von früheren Traditionen der keltischen Metallverarbeitung abgeleitet waren, stellten irische Klöster auch hochwertige kirchliche Gefäße her, wie den Kelch von Ard (8./9. Jahrhundert, National Museum of Ireland), der im Stil der latenischen Kunst verziert war.

Eine dritte Art der christlichen Kunst, die im Mittelalter in Irland auftauchte, war die Skulptur des Hochkreuzes (ca. 750-1150 n. Chr.). Sie besteht aus Monumenten unterschiedlicher Größe, die auf dem Standarddesign des keltischen Kreuzes basieren. Diese Denkmäler, die mit abstrakten Mustern oder erzählenden Szenen aus der Bibel (selten beides) verziert sind, stellen die wichtigste Gruppe freistehender Skulpturen dar, die zwischen dem Fall Roms (ca. 450 n. Chr.) und dem Beginn der italienischen Renaissance (ca. 1400 n. Chr.) geschaffen wurden.

Die christliche Kunst des Mittelalters auf dem Kontinent folgte einem ähnlichen Weg, wenn auch etwas später. Die karolingische Kunst (ca. 750-900) zum Beispiel (die Kultur des fränkischen Königreichs von Karl I.) wurde eher von byzantinischen als von irischen Vorbildern inspiriert. Die Klosterskriptorien in Aachen, Paris, Reims, Metz und Tours brachten schöne Beispiele mittelalterlicher Malerei hervor, wie „die Godescalc-Evangelisation“ (um 783), „den Utrechter Psalter“ (um 830) und „die Große Bibel“ (um 840). Der karolingische Einfluss wurde unter den Heiligen Römischen Kaisern Otto I., II. und III. (900-1050) durch die osmanische Kunst ersetzt . Inspiriert von karolingischen Techniken sowie byzantinischen Elementen wie der Verwendung von Blattgold, war die ottonische Kunst für ihre reich verzierten Handschriften bekannt, darunter „das Perikopenbuch Heinrichs II.“ (um 1010), „die Bamberger Apokalypse“ (um 1020), „der Codex Heathd“ (um 1025) und „Codex Aureus Epternacensis“ („Das leuchtende Buch der Evangelien“, ca. 1053). Siehe auch: Deutsche Kunst des Mittelalters (ca. 800-1250).

Neue christliche Architektur gab es auch unter Karl dem Großen - siehe z. B. das Torhaus des Klosters Lorsch (792-805) und die Pfalzkapelle (800, Aachen) - und unter Ottos - siehe die Cyriakuskirche in Gernrode (961), Bamberger Dom (begonnen 1004).

Darüber hinaus tauchen auf dem Kontinent Schmuck und Edelmetallarbeiten sowie die Bildhauerei wieder auf, obwohl sich die mittelalterliche Bildhauerei (zumindest unter den Ottonen) eher auf die Ausstattung von Kirchen - Altäre, Gräber, Türen, Leuchter und Gräber - als auf die Ausschmückung der Kirchenarchitektur konzentrierte. Es wurden auch einige Fresken geschaffen, wie „Auferstehung der Tochter des Jairus“ und „Heilung der blutenden Frau“ (um 980, Kirche St. Georg, Reichenau).

Romanische Kirchenarchitektur (ca. 1000-1150)

Die osmanische Architektur und Kultur überschneidet sich erheblich mit der romanischen Kunst, einem Begriff, der in der Praxis einen neuen gesamteuropäischen Stil der christlichen Architektur beschreibt. Es war die erste große Kirchenbaukampagne, die von Rom und den neuen christlichen Mönchsorden initiiert wurde und Kathedralen, Abteien und Pfarrkirchen umfasste. (In Großbritannien ist der romanische Stil als normannische Architektur bekannt.) Die romanische Architektur war weitgehend vom klassischen römischen Design inspiriert und zeichnete sich durch eine neue Monumentalität aus, die die wachsende Stabilität des Zeitalters und die Wiederbelebung der europäischen christlichen Kultur nach vier Jahrhunderten der Finsternis kennzeichnete.

Zu den berühmtesten romanischen Kirchen und Sakralbauten gehören: die Kirche von Cluny II (981, Burgund); die Klosterkirche San Pedro de Roda (1022, Katalonien); die Abteikirche St. Michael in Hildesheim (1033, Deutschland); die Kathedrale von Ely (1080, England); der Dom von Pisa (nach 1083, Italien); die Abtei Grande Chartreuse (1084, Grenoble); die Kathedrale von Durham (nach 1093, England); Dom zu Speyer (1106, Deutschland); Kirche der Abtei von Sainte-Foy (1120, Frankreich); Baptisterium von St. Giovanni, Florenz (1128, Italien); Kirche von Cluny III (1130, Frankreich); Mainzer Dom (1137, Deutschland); Crac de Chevalier (nach 1142, Homs, Syrien); Kirche der Abtei Fontenay (1147, Frankreich); Wormser Dom (1200, Deutschland); Kirche der Madeleine (1215, Wesel).

Die romanische Architektur musste sich auf die wachsende Zahl von Pilgern einstellen, die die Stätten heiliger Reliquien in ganz Europa besuchten. In Frankreich und Spanien zum Beispiel wurden massive Gewölbe gebaut, um den großen Andrang auf dem Jakobsweg zu bewältigen, dem Pilgerweg zur Kathedrale von Santiago de Compostela (1075-1211) in Galicien, Nordwestspanien, wo sich die Überreste des Apostels Jakobus befinden. Weitere romanische Kirchen am Jakobsweg waren die Wallfahrtskirche St. Etienne (1063, Nevers) und die Wallfahrtskirche St. Sernin (1120, Toulouse).

Die romanischen Architekten schmückten ihre Kirchen mit Glasmalerei, Fresken und Skulpturen.

Die Herstellung von Glasmalerei konzentrierte sich auf Zentren wie das Rheinland (Deutschland), die Ile-de-France und Poitiers. Die Entwürfe, die zunächst in Blei eingefasst wurden, basierten auf starken Farbkontrasten (Blau, Tiefrot, Gelb). (Siehe auch: Glasfenster: Materialien, Methoden .) Berühmte Beispiele für Glasfenster sind Der Prophet Hosea (1130, Südwand des Augsburger Doms) und Die Kreuzigung Christi (1165, Dom von Poitiers). Wie in den byzantinischen Kirchen dienten die Fresken dazu, die Analphabeten unter den Gemeindemitgliedern zu unterrichten. Der Stil war eher dynamisch und lebendig, und spanische Künstler schufen Fresken im romanischen Stil mit einer Mischung aus spanischer und islamischer Kunst. Die Bildhauerkunst findet sich vor allem an der Außenseite der Kirchen, in einem eher statischen oder hölzernen Stil. Der berühmteste romanische Künstler war wahrscheinlich der Bildhauer Guislebert (1120-1135), der für seine Reliefs an den Portalen der Kathedrale St. Lazare in Othen bekannt ist.

Gotische Architektur, Buchmalerei (ca. 1150-1375)

Die gotische Kunst wurde auch mit der christlichen Architektur und der Wiederbelebung von Wissenschaft und Mathematik, insbesondere der euklidischen Geometrie, in Verbindung gebracht. Während der romanische Stil für seine Massivität, die dicken Mauern, die schmalen Fenster und die düsteren Innenräume bekannt war, zeichnete sich die gotische Architektur durch hohe Gewölbe, große Glasfenster und geräumige, gut beleuchtete Räume aus. Die Verwendung von Spitzbögen, um das Gewicht der Decke zu verteilen, und von revolutionären Bogenpfeilern, um die Wände zu stützen, ermöglichte es den Architekten, eine Kirche zu schaffen, die die Herrlichkeit Gottes vollständig widerspiegelte. Der gotische Stil trat erstmals in der Kirche der Abtei Saint-Denis in der Nähe von Paris auf (Anfang 1140) und revolutionierte in weniger als einem Jahrhundert die Gestaltung von Kathedralen in ganz Europa. Für den höchsten Ausdruck der religiösen gotischen Architektur siehe: St. Chapelle (1241-48) in Paris.

Andere berühmte gotische Gebäude sind die Kathedrale von Laon (1160), Notre Dame de Paris (1160), Chartres (1194), Bourget (1195), Reims (1211), Amiens (1220), Salisbury (1220), Burgos (1220.), Westminster Abbey, Lincoln (1230), (1245), Köln (1248), Freiburg (1275), York Cathedral (1280), Rouen (1281), Siena (ca. 1290), Barcelona (1298), Orvieto (1330), Mailand (1386), Sevilla (1402), etc.)

Die architektonische Bildhauerei war ein weiteres wichtiges Element. Säulenstatuen und Reliefs mit Figuren aus dem Alten Testament sowie Darstellungen von Christus und anderen Mitgliedern der Heiligen Familie waren üblich. Die gotische Bildhauerei entwickelte sich in einer Reihe von kleinen kreativen Schritten. Zunächst entstand ein gesteigerter Realismus, der in deutlichem Kontrast zum eher hölzernen Erscheinungsbild der Romanik stand; dann sehen wir anmutigere Figuren mit weichen Faltenwürfen; dann Figuren mit einer festen, aufrechten Erscheinung, mit zurückhaltenderen Gesten. Schließlich gibt es Figuren in anmutigen Posen und mit dicken Draperien, die in langen V-förmigen Falten hängen. Zu den größten Bildhauern gehören Nicola Pisano (ca. 1206-1278) und Arnolfo di Cambio (ca. 1240-1310).

Spätgotische Bildhauer, die im 15. und frühen 16. Jahrhundert in Deutschland lebten, schufen eine Reihe von prächtigen triptychonalen Standbildern, die seither in der feinen christlichen Holzschnitzerei unübertroffen sind. Zu diesen Meisterschnitzern gehörten Michael Pacher (1435-1498), White Stoss (1447-1533), Tilman Riemenschneider (1460-1531) und Gregor Ehrhart (1460-1540), die für die Emotion ihrer ausdrucksstarken Figuren bekannt waren. Siehe: Deutsche Gotik (ca. 1200-1450).

Stark von der Bildhauerei beeinflusst, schufen die Künstler der Gotik auch Werke der religiösen Kunst, allerdings nicht in Kirchen, wo riesige Glasfenster nun die Farben und biblischen Illustrationen lieferten, die zuvor von Fresken dargestellt wurden. Siehe zum Beispiel die durchsichtigen Glasfenster in der Kathedrale von Chartres (ca. 1194-1250). Die gotischen Künstler konzentrierten sich stattdessen auf illuminierte Handschriften, wie die Französischen Moralischen Bibeln (1230-40), Le Somme le Roi (1290), Manesse Codex (1310), Heures de Jeanne d’Evreux (1328), Psalter von Bonn Luxembourg (1349.), der englische Psalter von Amesbury (1240), der Psalter von Königin Maria (1330), und die Psalter von Arundel und Lattrell (1340). Dies sind nur einige der vielen Stundenbücher, Missale, Psalter, Apokalypsen, Bibeln und anderen illustrierten Evangelientexte, die aus den klösterlichen Skriptorien dieser Zeit stammen. Siehe insbesondere die Werke von Jean Pucelle (1290-1334). Für weitere Einzelheiten siehe: Geschichte der illustrierten Manuskripte (600-1200).

Gegen Ende der Gotik entwickelte sich an den europäischen Königshöfen ein reicher Kunststil, der eine Art Brücke zwischen der gotischen und der Renaissance-Kultur bildete. Dieser als Internationale Gotik (ca. 1375-1450) bekannte Stil wurde durch eine Reihe von christlichen Illuminationen veranschaulicht, die ihren Höhepunkt in Werken wie Die prächtige Kapelle des Herzogs von Berry (1416) von den Brüdern Limburg (alle starben 1416 an der Pest); die Kapelle des Marschalls Boucicault Jacquemus de Esden (ca. 1355-1414); die Kapelle des Herzogs von Berry (1416) von den Brüdern Limburg (alle starben 1416 an der Pest); die Kapelle des Marschalls Boucicault Jacquemus de Esden (ca.) und „das Missale von Jean de Martin“ von Engerrand de Charenton (Quarton) (ca. 1410-1466).

Italienische Renaissance

Die christliche Kunst des vierzehnten Jahrhunderts, vor der Renaissance, wurde von Giotto - siehe Fresken der Scrovegni-Kapelle (Arena) (ca. 1303-10) - und Duccio de Buoninsegna (1255-1318) - siehe das berühmte Polyptychon von Siena, die Kathedrale bekannt als Altarbild von Maestas (1308-11) - beherrscht. Danach folgte die Frührenaissance in Florenz, für die die Kathedrale der Stadt beispielhaft ist - für Details siehe: Der Dom von Florenz, Brunelleschi und die Renaissance (1420-36) - Mazaccio (Fresken der Brancacci-Kapelle) und Donatello (David-Statue). Während die christliche Kunst des 15. Jahrhunderts von Florenz dominiert wurde, war das Zentrum der christlichen Kunst des 16. Jahrhunderts Rom, wo die größten Förderer Papst Sixtus IV. (1471-1484), Papst Julius II. (1503-13), Papst Leo X. (1513-1521) und Papst Paul III.

Das 16. Jahrhundert erlebte auch das Goldene Zeitalter der Kunst in Venedig: siehe Venezianische Altarbilder (1500-1600) und Venezianische Malerei .

Unsterbliche religiöse Gemälde der Renaissance: „Die Geißelung Christi“ (1460.) Piero della Francesca; „Das letzte Abendmahl“ (1495-98) und „Madonna in den Felsen“ (1484) von Leonardo da Vinci; Die Beweinung des toten Christus (um 1490) von Andrea Mantegna. 1490) Andrea Mantegna; Sixtinische Madonna (1513) und Verklärung (1518-20) Raffael; Himmelfahrt der Jungfrau (1516-8) Tizian; Himmelfahrt der Jungfrau (Kathedrale von Parma, 1524-30) an der Decke der Kuppel, Correggio; Hochzeitsmahl zu Kana (1563.) und Fest im Haus des Levi (1573) von Paolo Veronese; „Kreuzigung“ (1565) von Tintoretto. Zu den größten christlichen Skulpturen der Renaissance : „Die Paradiespforte“ (1425-52, Baptisterium von Florenz) von Lorenzo Ghiberti; Der Unglaube des Heiligen Thomas (1467) von Andrea Verrocchio; zahlreiche religiöse Terrakotta-Skulpturen der Florentiner Familie Della Robbia; Pieta (1500), David (1504) und das Grabmal von Papst Julius II. (1505-1545) von Michelangelo. Die bei weitem ikonischste christliche Kunst des 16. Jahrhunderts sind jedoch die Fresken der Sixtinischen Kapelle, gemalt von Michelangelo. Dazu gehören Genesis (1508-12), insbesondere die Erschaffung Adams .

Für Analysen vieler der oben genannten Meisterwerke siehe: Analyse berühmter Gemälde .

Ironischerweise basierte die Architektur der christlichen Renaissance auf Beispielen der heidnischen griechischen Architektur und machte ausgiebigen Gebrauch von dorischen, ionischen und korinthischen Ordnungen. Prominente Beispiele: Die Kuppel des Doms von Florenz (1420-36) und die Kirche San Lorenzo (1420-1469), entworfen von Brunelleschi; die Kirche Santa Maria delle Carceri (1485-1506) von Giuliano da Sangallo; der Petersdom (1506-1626) von Bramante, Raffael, Michelangelo, Giacomo della Porta, Carlo Maderno und Bernini; die Kirche San Giorgio Maggiore (1562.) von Palladio.

Christliche Kunst der nördlichen Renaissance

Die Kunst der so genannten nördlichen Renaissance (ca. 1430-1580) wurde von der flämischen Schule der Malerei beherrscht, die Teil der breiteren niederländischen Renaissancebewegung war. Einfach ausgedrückt: Die nördliche Renaissance begann mit einem Paukenschlag, etablierte sich schnell als führende Schule der Ölmalerei und ging dann allmählich zurück. Verbotene Kunst von Künstlern wie Jan van Eyck (siehe sein Genter Altarbild, 1432) und Rogier van der Weyden ) Kreuzabnahme, 1440), sowie die unglaublich komplexen Werke von Hugo van der Goos ) Altarbild der Portinari, 1475) - es gibt wenig Vergleichbares, mit Ausnahme der außergewöhnlichen Fantasiegemälde von Hieronymus Bosch - siehe Der Garten der Erde. Garten der Lüste und Triptychon des Heus - (vom streng katholischen Monarchen von Spanien, Philipp II., eifrig gesammelt) und den komplexen Genrebildern von Pieter Bruegel dem Älteren ) Die Zählung von Bethlehem, 1566; Massaker an den Kindern, 1564; Gleichnis der Blinden, 1568).

Anmerkung: Die religiöse Malerei des 15. Jahrhunderts in Frankreich wurde von dem provenzalischen Maler Engerrand de Cuarton (1410-1466), berühmt für seine Pieta von Avignon (um 1455, Louvre), und dem Hofmaler Jean Fouquet (1420-1481), bekannt für Werke wie das Diptychon von Melun (um 1450-55), angeführt.

Der flämische Realismus und die flämische Präzision zeigen sich auch in den Werken deutscher Künstler wie Stephan Lochner ) Das Jüngste Gericht, 1440er Jahre), Lucas Cranach der Ältere ) Adam und Eva, 1528.), Hans Baldung Grin ) Altarbild der Jungfrau Maria, Freiburger Altarbild, 1514) und Hans Holbein der Ältere ) Szenen aus der Passion Christi, Kasheimer Altarbild, 1502). Zu den anderen deutschen Meistern gehören der Expressionist Matthias Grünewald ) Isenheimer Altarbild, 1510-15), der vielseitige Grafiker und Maler Albrecht Dürer („Vier Reiter der Apokalypse“, 1498, Holzstich) und Martin Schongauer („Madonna im Rosengarten“, 1473).

Historische Anmerkung: die protestantische Reformation
Im Jahr 1517 startete der niederländische Priester Luther - zweifellos beeinflusst durch die frühere Revolte von Savonarola (1452-98) in Florenz - eine religiöse Revolte gegen die Korruption der römischen Kirche, die zu einer Spaltung der christlichen Bewegung führte. Die Protestanten wurden als Protestanten bezeichnet, während sich diejenigen, die weiterhin an der traditionellen Kirche festhielten, als Katholiken bezeichneten. Der Protestantismus (der wiederum in vier Arten unterteilt wird: lutherisch, calvinistisch, anglikanisch und täuferisch) fasste in nordeuropäischen Ländern wie Holland, Deutschland (außer Bayern) und Großbritannien Fuß, während südeuropäische Länder wie Frankreich, Italien und Spanien (sowie die spanische Kolonie Flandern) katholisch blieben.

Kunst der Reformation

Ab etwa 1520, als die nördliche Renaissance die Auswirkungen von Luthers Aufstand gegen die korrupten Praktiken der römischen Kirche spürte, etablierte sich eine neue Ästhetik in Form der protestantischen Reformationskunst, die das christliche Programm der protestantischen Bewegung widerspiegelte, die humanistische Kunst und Ideologie der Hochrenaissance ablehnte und eine strengere religiöse Erfahrung mit minimaler Dekoration feierte. Infolgedessen ging die Zahl der von den protestantischen Kirchenbehörden in Auftrag gegebenen religiösen Kunstwerke stark zurück, und die Künstler in den protestantischen Ländern waren gezwungen, sich weltlichen Formen wie der Genremalerei, dem Porträt, der Landschaftsmalerei und dem Stillleben zuzuwenden.

Protestantische Kunst

Der Protestantismus lehrte eine zurückhaltende, persönliche Form der Anbetung, die sich auf eine direkte Beziehung zwischen Gott und Mensch konzentrierte, ohne das Getue von Vermittlern wie Päpsten, Bischöfen und anderen Kirchenvertretern. Auch den dekorativen oder zeremoniellen Aspekten der Religion wurde keine große Bedeutung beigemessen. Aus diesem Grund bevorzugte die protestantische Kunst zurückhaltende moralische Darstellungen des täglichen Lebens oder einfache erzählende Szenen aus der Bibel gegenüber dramatischen theologischen Szenen, die sich auf die Passion, Kreuzigung und Auferstehung Christi bezogen. Andere akzeptable Szenen waren Darstellungen von Sündern, denen Christus vergibt, was der protestantischen Auffassung entsprach, dass Erlösung nur durch die Gnade Gottes möglich ist. Die protestantische Kunst war auch kleiner als die katholische und spiegelte eine bescheidenere, persönlichere Einstellung zur Religion wider. Aus demselben Grund erfreuten sich Buchillustrationen und Drucke größerer Beliebtheit, während katholische Gemälde und Skulpturen zur Zielscheibe physischer Angriffe von Ikonoklasten wurden, wie der Ikonoklastenaufstand zeigte, der 1556 ausbrach. Aber auch die protestantischen Kirchenbehörden waren sich der Macht der Kunst bewusst, die Gemeindemitglieder zu erziehen und zu beeinflussen. Infolgedessen machten sie maximalen Gebrauch von verschiedenen Formen des Drucks, die Bilder für die Öffentlichkeit zu sehr geringen Kosten zugänglich machten.

Die protestantische Ästhetik erreichte ihren Höhepunkt während des niederländischen Barocks (ca. 1600-80). Diese als Goldenes Zeitalter der holländischen Kunst bezeichnete Epoche war Zeuge der endgültigen Entwicklung des Realismus, der zuvor von flämischen Künstlern übernommen worden war. Obwohl auch Porträts und Landschaften beliebt waren, ist diese Periode vor allem als Höhepunkt der niederländischen realistischen Genremalerei und der Stilllebenmalerei bekannt. Die führenden Genremaler der protestantischen Reformation kamen aus den unterschiedlichsten Schulen. Adrian van Ostade und der katholische Maler Jan Sten vertraten die Haarlemer Schule; Jan Vermeer und Pieter de Hoch vertraten die Delfter Schule; Hendrik Terbruggen und Gerrit van Honthorst gehörten zur Utrechter Schule; Gerrit Dawe vertrat die Leidener Schule; Samuel van Hoogstraten und Nicolaes Maes waren Mitglieder der Dordrechter Schule; Karel Fabricius, Gerard Terborch und Gabriel Metsu gehörten zur Amsterdamer Schule.

Viele dieser Genrebilder enthalten subtile moralische Botschaften darüber, wie das christliche Leben gelebt werden sollte, aber auch nicht so subtile Botschaften über die Gefahren des Lasters. Diese zurückhaltende protestantische Ikonographie stand in völligem Gegensatz zu den lebhaften biblischen Szenen, wie der Kreuzigung und der Trauer, die von der katholischen Kunst bevorzugt wurden. Stillleben sind ein weiteres Beispiel für diese moralistische Kunst. Das als Vanitas bekannte Genre bestand aus Arrangements von Speisen und anderen Gegenständen, die auf einem Tisch ausgebreitet waren, mit symbolischen Botschaften, die Völlerei und sinnliche Vergnügungen verurteilten. Es gab zwei Arten von Vanitasbildern: „Bankettstücke“ ) pronkstilleven) oder „Frühstücksstücke“ ) ontbijtjes). Vertreter der pronkstilleven : Harmen van Stenvik (1612-1656), Jan Davids de Hem (1606-1684) und Willem Kalf (1622-1693). Die führenden Praktiker der Ontbeitis waren Willem Claes Heda (1594-1680) und Pieter Claes (1597-1660).

Aber auch im protestantischen Amsterdam blieb die Nachfrage nach religiösen Gemälden bescheiden. Einer der wichtigsten Aufträge, die der junge Rembrandt erhielt, waren fünf Gemälde für Prinz Friedrich Heinrich von Oranien - ein führender Soldat in den niederländischen Kriegen gegen das katholische Spanien - zum Thema der Passion Christi. Neben seinen Fähigkeiten als Porträtmaler wurde Rembrandt zum größten religiösen Maler des niederländischen Protestantismus, bekannt für Werke wie Die Blendung Samsons (1636), Die Opferung Isaaks (1636), Susanna und die Ältesten (1647), Bathseba hält König Davids Brief (1654.), Jakob segnet Josephs Kinder (1656), und Rückkehr des verlorenen Sohnes (1666-69).

Katholische Kunst der Gegenreformation

Die römisch-katholische Kirche antwortet auf die protestantische Reformation mit der Gegenreformation. Die katholische Kunst der Gegenreformation sollte die unverwechselbaren Prinzipien der katholischen Liturgie und des Glaubens vermitteln, um die Popularität des Katholizismus zu stärken. Sie wurde zur gleichen Zeit eingeführt, als der Manierismus in Italien an Popularität gewann, ein sehr ausdrucksstarker Stil, der sich der Verzerrung bediente, wie in Parmigianinos Gemälde Madonna mit dem langen Hals zu sehen ist. (1535, Uffizien). Aus Sorge, dass die katholische Kunst zu viel Wert auf dekorative Qualitäten und zu wenig auf religiöse Werte legte, was ihre erzieherische Wirkung auf die Gemeindemitglieder zunichte machte, ordneten die katholischen Autoritäten an, dass die biblische Kunst in ihrer Erzählung direkt und überzeugend sein sollte, dass sie eher akkurat als fiktiv sein sollte und dass sie vor allem die Frömmigkeit fördern sollte. Nacktheit und andere unangemessene Darstellungen waren untersagt. Ein Beispiel für einen frommen Maler des Manierismus, der seinen Stil an die Lehren der Kirche anpasste, ist Federico Barocci (1526-1612).

Kurz gesagt, der einzige Zweck der gegenreformatorischen Kunst war es, Gott und die katholische Tradition zu verherrlichen und die Sakramente und Heiligen zu fördern. So wurde Michelangelos „Fresko Das Jüngste Gericht“ in der Sixtinischen Kapelle wegen seiner Nacktheit, der Darstellung Jesu ohne Bart und der Einbeziehung der heidnischen Figur Charon stark kritisiert. Paolo Veroneses Gemälde „Das letzte Abendmahl“ wurde (nicht zu Unrecht) angegriffen, weil es extravagante Kostüme, betrunkene Deutsche und Zwerge zusammen mit einer riesigen Menschenmenge zeigt. Tatsächlich wich Veronese dem Problem einfach aus, indem er das Gemälde in „Das Fest im Hause Levi“ umbenannte.

Die katholische Kirche begann die Gegenreformation, um um die Herzen und Köpfe der Christen zu kämpfen, die „zum Protestantismus übergetreten waren“. Zu diesem Zweck wurde die Gesellschaft Jesu ) Societas Jesu), die vom heiligen Ignatius Loyola gegründet wurde und gemeinhin als Jesuiten bekannt ist, 1540 von Papst Paul III. formell als wichtiges Lehrorgan und Missionsorden gegründet. Die Kunst der Jesuiten war sehr inspirierend. Zunächst wurde der Architekt Giacomo Barozzi (Vignola) beauftragt, eine Kirche des neuen Ordens zu entwerfen, die Kirche des Heiligen Namens Jesu ) Il Gesu) (1568-73), für die der Barockkünstler Giovanni Battista Gaulli fabelhafte Deckenfresken trompe-l’œil malte. In einer anderen Jesuitenkirche, San Ignazio, entstand das vielleicht beste Beispiel für Quadraturmalerei, das je geschaffen wurde: „Triumph und Apotheose des Heiligen Ignatius von Loyola“ (1691-4) von Andrea Pozzo. Es gibt kein besseres Beispiel für die Malerei der Gegenreformation und kein besseres Beispiel für die Unterschiede zwischen protestantischer und katholischer Kunst.

Rubens (1577-1640)

Der flämische Maler Peter Paul Rubens, ein gläubiger Katholik, wurde zum einflussreichsten Vertreter der gegenreformatorischen Malerei in Nordeuropa. Bekannt für seine großformatigen religiösen und historischen Gemälde voller sinnlicher Farben und Dramatik, wurde er als Künstler und Diplomat in den führenden Kreisen der europäischen Gesellschaft sozialisiert. Trotz der Distanz, die Rubens vom durchschnittlichen Kirchenbesucher trennt, sind einige seiner katholischen Gemälde, wie das berühmte Triptychon „Die Kreuzabnahme“ (1612), sehr bewegend, und sein Einfluss auf spätere Künstler war immens. Siehe auch Samson und Dalila (1610).

Caravaggio (1571-1610)

Italienischer Maler des Frühbarock Caravaggio war einer der Helden der katholischen Kunstkampagne der Gegenreformation. Nicht wegen seiner Frömmigkeit, sondern weil er Christus, die Jungfrau Maria, die Apostel und die Heiligen mit einem so unglaublichen Naturalismus malte. Caravaggios makelloser Realismus war der perfekte Stil für die Botschaft der Kirche. Er gab den biblischen Schlüsselereignissen eine Unmittelbarkeit, die kein anderer Künstler erreichen konnte. Er lehnte die stilistischen Anmaßungen des späten Manierismus ab, ein Stil, der nur von einer gebildeten Minderheit verstanden wurde, und hatte die unmittelbare inspirierende Wirkung, die das Konzil von Trient forderte. Zu seinen bedeutendsten Werken gehören „Die Berufung des heiligen Matthäus“ (1600), „Das Martyrium des heiligen Matthäus“ (1600), „Die Bekehrung auf der Straße nach Damaskus“ (1601.), Das Abendessen in Emmaus (1602), Das Begräbnis Christi (1601-1603), Die Kreuzigung des Heiligen Petrus (1601) und Der Tod der Jungfrau (1601-06). Seine dramatische Verwendung von Licht und Schatten wurde nach seinem Tod von seinen Nachfolgern im so genannten Caravaggischen Stil fortgesetzt.

El Greco (1541-1614) und die Spanische Schule

Spanien war der einzige europäische Staat, der aus dem Religionskampf zwischen Christentum und Islam hervorging (die muslimische Herrschaft über einen Großteil der Iberischen Halbinsel dauerte von 718 bis 1492). Es ist daher nicht verwunderlich, dass die Schule der spanischen Malerei eine Form der christlichen Kunst hervorbrachte, die der kompromisslosen Hingabe des Landes an die katholische Sache entsprach. Ihr größter Vertreter war Domenikos Theotokopoulos, bekannt als El Greco. . Nach einer Ausbildung in byzantinischer Ikonographie arbeitete er in Venedig, bevor er sich in Spanien niederließ. Hier schuf er eine Reihe ekstatischer Porträts von Christus und den Heiligen, deren Ausdrucksintensität die geistigen Sinne des Betrachters direkt ansprach. Diese kraftvollen sakralen Gemälde mit ihren langgestreckten Figuren, der verzerrten Perspektive und der unnatürlichen Farbgebung machten El Greco zum Vater der gegenreformatorischen Kunst in Spanien. Seine bekanntesten katholischen Gemälde sind Dreifaltigkeit (1577-79); Enthüllung Christi (1579); Das Begräbnis des Grafen von Orgaz (1586.); Christus, der die Händler aus dem Tempel vertreibt (1600); Die Auferstehung (1600), und Die Öffnung des fünften Siegels der Apokalypse (1608). Obwohl sie nichts von Caravaggios Naturalismus enthielten, waren diese Gemälde spirituelle Meisterwerke und entsprachen somit voll und ganz den lehrmäßigen Anforderungen des Vatikans.

Nach El Greco kam Francisco de Zurbarán (1598-1664), ein stark vom spanischen Quietismus beeinflusster Maler, der sich auf großformatige sakrale Gemälde religiöser Orden wie der Kartäuser, Kapuziner, Dominikaner und anderer spezialisiert hatte. Giuseppe Ribera (1591-1652), ein Zeitgenosse Surbarans, war eine Schlüsselfigur der neapolitanischen Schule der Malerei (1600-56) und einer der frühesten Anhänger Caravaggios. Die Werke beider Künstler sind bekannt für ihre visuelle Wahrhaftigkeit, ihre kühne Leuchtkraft und ihren Tenebrismus, der ihnen Dramatik und Intensität verleiht. Siehe auch Der gekreuzigte Christus (1632) von Diego Velázquez.

Die spirituelle Intensität, die spanische Künstler erreichten, zeigte sich auch in den Werken spanischer Bildhauer wie Alonso Berruguete (ca. 1486-1561), dem größten Bildhauer der Renaissance in Spanien, zu dessen Meisterwerken der Altar des Klosters La Mejorada Valladolid (1526) und das Chorgestühl in der Kathedrale von Toledo (1539-43.); Juan de Juni (1507-1577), bekannt für seinen emotionalen Ausdruck, wie in zwei seiner Gruppen „Das Begräbnis Christi“ (1544 und 1571), Juan Martínez Montañez („Gott aus Holz“), bekannt für seine hölzernen Kruzifixe und religiösen Figuren wie „Barmherziger Christus“ (1603.) und Altarbild von Santiponce (1613) und Alonso Cano („Spanischer Michelangelo“), dessen Meisterwerk „Unbefleckte Empfängnis“ (1655) ist.

Bernini (1598-1680) und die italienische Schule

Kein anderer italienischer Künstler verkörperte die katholische Barockkunst besser als Gianlorenzo Bernini, zu dessen Werken der religiösen Kunst das bildhauerische Meisterwerk Ekstase der heiligen Teresa (1645-1652) in der eigens dafür entworfenen Cornaro-Kapelle der Kirche Santa Maria della Vittoria gehört. Die barocke Formensprache führte zu einem melodramatischen Architekturstil, für den Berninis Entwurf für den Petersplatz (1656-67) und die Zugänge zum Petersdom in Rom beispielhaft ist. Ein Günstling Urbans VIII. und Rivale von François Duquesnoy (1594-1643) und Alessandro Algardi (1598-1654) in Bezug auf Berninis Stellung in Rom (wenn auch nicht in Bezug auf sein Werk) war der in Frankreich geborene Nicolas Poussin (1594- 1665), der Begründer des französischen Klassizismus, zu dessen religiösen Gemälden Das Martyrium des heiligen Erasmus (1628.), Die Pest in Aschdod (1630), Ein Israelit, der in der Wüste Manna sammelt (1639), Der Knabe Moses, der die Krone des Pharao zertritt (1645), und Die Heilige Familie auf der Treppe (1648).

Anmerkung. Auch die deutsche Barockplastik kann beeindruckend sein. Siehe zum Beispiel den außergewöhnlichen Hochaltar der Jungfrau Maria (1613-16) in der Kirche St. Nikolaus in Überlingen, ein Werk des Bildhauermeisters Jörg Zurn (1583-1638).

Kirchengemälde (Quadratura)

Die wohl spektakulärste Form der christlichen Kirchenmalerei waren die Deckenfresken (sogenannte Quadratura), die oft mit Elementen der Täuschung des Blicks ausgeführt wurden. Diese Dekoration von gewölbten oder kuppelförmigen Kirchendecken begann während der Renaissance in Italien. Beispiele aus der Renaissance sind das Fresko Sala delle Prospettive (ca. 1517, Villa Farnesina) von Baldassare Peruzzi und Mariä Himmelfahrt (1524-30) von Correggio, das die Kuppeldecke des Doms von Parma schmückte.

Zu den barocken Fresken gehört das berühmte Fresko „Aurora“ (1621-1616, Villa Ludovisi, Rom) von Guercino und Agostino Tassi; Himmelfahrt der Heiligen Jungfrau (1625-27) auf der Kuppel der Kirche Sant’Andrea della Valle von Giovanni Lanfranco (1582-1647); Fresken des Palazzo Barberini von Pietro da Cortona, darunter Allegorie der göttlichen Vorsehung (1633-39) und Apotheose des hl. Ignatius (1688-94, Sant’Ignazio, Rom) von Andrea Pozzo.

Bemerkenswerte Fresken des Rokoko stammen alle von Giambattista Tiepolo. Dazu gehören zum Beispiel die Fresken Palazzo Labia (ca. 1745) in Venedig; in der Residenz Würzburg (1750-3) in Deutschland; und das Fresko „Apotheose Spaniens“ (1763-1776) im Königspalast von Madrid.

Architektonische Gemälde von Kirchen

Ein interessantes Merkmal der christlichen Grafik der Barockzeit waren Architekturzeichnungen, Stiche und Gemälde von Kircheninnenräumen. Die drei führenden Vertreter dieses Genres waren: der Harlemer Maler Pieter Saenredam, bekannt für seine architektonische Präzision und seine Darstellungen von weiß getünchten Kircheninnenräumen ) Innenraum der Bürkerk, Utrecht, 1645); Emanuel de Witte, der weniger an technischer Präzision als vielmehr an der Atmosphäre der Kirche interessiert war ) Innenraum der portugiesischen Synagoge in Amsterdam, 1680); italienischer Maler ) Vedutista) Giovanni Paolo Panini ) Innenraum des Petersdoms in Rom, 1731).

Barocke Kirchenarchitektur

Die Barockarchitektur gab die ausgewogene Symmetrie der Renaissance-Entwürfe zugunsten dramatisch geschwungener Linien und Flächen auf, die Kunst und Architektur zu einem dynamischen Ganzen vereinten und illusorische Effekte von Licht, Farbe und Textur erzeugten. Barocke Kirchen zeichnen sich durch eine Kombination von Kuppeln, verzierten Kapellen, Fresken , quadratischen Formen und anderen Verzierungen aus, die durch diese vier Bauwerke veranschaulicht werden.

Petersdom (Rom) (1506-1626)
Der Petersdom, der zur Zeit von Kaiser Konstantin I. auf der Grabstätte des heiligen Petrus erbaut wurde, ist eine der heiligsten katholischen Stätten. Das heutige Gebäude wurde von Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno und Bernini entworfen und verkörpert den künstlerischen Übergang von der Renaissance zum Barock. Er wird von einer 132 Meter hohen Kuppel gekrönt und beherbergt unschätzbare Kunstwerke, darunter Michelangelos Marmorskulptur „Pietà“ (1500), die der Künstler im Alter von 25 Jahren aus einem massiven Block Carrara-Marmor gehauen hat. Der Petersdom ist fest mit der frühen christlichen Kirche, dem Papsttum und der Gegenreformation verbunden und gilt als das schönste Bauwerk seiner Zeit.

Mitte des 18. Jahrhunderts waren die katholischen Länder überfüllt mit Kathedralen, Kirchen, Abteien, Klöstern und Nonnenklöstern - in einigen Städten wie Neapel war dies geradezu absurd. Infolgedessen begannen die kirchlichen Aufträge zu versiegen. Gleichzeitig wich die europäische christliche Kirche mit dem Aufkommen der Aufklärung im 18. Jahrhundert, der industriellen Revolution und politischen Umwälzungen wie der französischen Revolution von 1789 dem Nationalismus, dem Sozialismus und anderen Wertesystemen. Außerdem hatte die Kirche nun weniger Geld, das sie für religiöse Statuen oder andere Formen kirchlicher Kunst ausgeben konnte. Im 19. Jahrhundert war die Kirche ein weniger wichtiger Mäzen als Könige und Adlige, während die Nachfrage des Bürgertums nach Porträts, topografischen Landschaften und anderen weltlichen Werken rapide anstieg. Künstler konnten eine erfolgreiche Karriere machen, indem sie sich einfach auf Porträts oder verschiedene Arten der Landschaftsmalerei konzentrierten, ohne ein religiöses Thema zu verwenden - etwas, das in katholischen Ländern immer noch unbekannt war, in protestantischen Ländern jedoch lange Zeit als normal galt.

Allein in der Neuen Welt wurde eine beträchtliche Anzahl von neuen Kirchen errichtet. Die gewählte Art der Architektur war hauptsächlich die der Renaissance: siehe, siehe z. B. die neoklassizistische Baltimore Basilica (1806-21), die erste römisch-katholische Kathedrale in den Vereinigten Staaten, entworfen von Benjamin Henry Latrobe; die St. Patrick’s Cathedral, New York (1858-79), im gotischen Stil, entworfen von James Renwick; Richard Upjohns Trinity Church, New York (1841-1818), ein weiteres Meisterwerk.), ein weiteres Meisterwerk des Gothic Revival; Trinity Church, Boston (1872-77), entworfen von Henry Hobson Richardson im romanischen Revival-Stil.

Im 19. Jahrhundert wurde in Europa nur ein einziges bedeutendes, bahnbrechendes Beispiel christlicher Kirchenarchitektur errichtet, die Sagrada Familia in Barcelona ) Sagrada Familia, 1883), die von Antoni Gaudí in einem äußerst dekorativen neugotischen Stil entworfen wurde. Diese ungewöhnliche, von Bäumen überwölbte Kirche, die die Heilige Familie und die Geheimnisse des katholischen Glaubens verherrlicht, umfasst fünf Türme und zwölf Glockentürme. Das aus Stein und Beton errichtete Bauwerk ist teilweise mit Keramikfliesen, Pomponverzierungen und zahlreichen Skulpturen verziert, aber noch unvollendet. Gaudí selbst ließ sich von der Arts-and-Crafts-Bewegung inspirieren und wurde mit der Schule des katalanischen Modernismus in Verbindung gebracht.

Weniger neue Kirchen bedeuteten weniger Bildhauerei und Kirchenschmuck. Dennoch entstanden einige neue Werke, wie Christus der Erlöser (1926-31), eine riesige Statue aus Speckstein, die Rio de Janeiro in Brasilien überragt. Es handelt sich um die größte Art-déco-Statue der Welt, die von Eitor da Silva Costa entworfen und von Paul Landowski geformt wurde. Weitere bemerkenswerte Werke der modernen christlichen Bildhauerei sind Tarcisius, Christian Martyr (1868, Musée d’Orsay, Marmor), geschnitzt von Jean-Alexandre-Joseph Falguier; Genesis (1929-31, Whitworth Art Gallery, Manchester) und Adam (1938, Hare