Hellenistisch-römische Kunst Automatische übersetzen

Nach der eigentlichen Epoche der hellenistischen Kunst (323-27 v. Chr.) begann in Rom eine neue Phase des Hellenismus, die bald die lebendigste und originellste Strömung der Zeit wurde. Die Beschreibung „der römischen Kunst“ wird heute auf das angewandt, was in Wirklichkeit eine Verschmelzung von etruskischen, italischen und vor allem hellenistischen Elementen war, die von der römischen Kultur in dem Maße aufgenommen und überarbeitet wurden, wie sie sich den nationalen Bedürfnissen anpassten. Aber vielleicht wäre es näher an der Wahrheit, die antike Kunst dieser Periode, zumindest bis zur späten Kaiserzeit, mit dem Begriff „hellenistisch-römische Kunst“ zu bezeichnen.

Altar des Friedens, Ara Pacis

Die hellenistischen Züge sind tief im bedeutendsten Monument der Zeit des Augustus verwurzelt, demjenigen, das seine Ideale am stärksten verkörpert: der Ara Pacis (Friedensaltar), der am 30. Januar 9 v. Chr. auf dem Campus Martius geweiht wurde. Die figürliche Dekoration des Altars ist fast vollständig verloren, und nur einige Fragmente des Frieses, das den Altartisch umgab und das jährliche suovetaurische Opfer darstellte, sind erhalten geblieben. (Es wurde vor dem Altar durchgeführt und war ein Reinigungsopfer, das aus einem Schwein, einem Schaf und einem Stier bestand).

Der Altar ist von einem Wandschirm mit reicher Verzierung umgeben. An den Innenwänden befindet sich ein großer Fries mit Girlanden und Stierschädeln, die an rituelle Opferungen erinnern. Draußen ist eine feierliche Prozession dargestellt, die an den Tag der Weihe des Altars am 4. Juli 13 v. Chr. erinnert

Dieses Werk ähnelt dem Panathenäenfries des Parthenon, aber hier sind die Teilnehmer an der Prozession viel realistischer gestaltet. Das eine ist eine typische Darstellung des Athen zur Zeit des Perikles, das andere bemüht sich um eine genaue Identifizierung der kaiserlichen Familie sowie der Magistrate, Senatoren und anderen Beamten Roms. Aber letztlich drücken beide den gleichen Glauben an eine siegreiche und glückliche Menschheit aus, die gleiche Illusion einer kontinuierlichen Bewegung in Richtung Ewigkeit.

Andererseits gibt es im hellenistischen Stil nichts Prachtvolleres als die Akanthusspiralen, die die untere Hälfte der heiligen Wand bedecken und sich um alle vier Außenwände winden; es war ein höchst dekoratives Design, das im Mittelalter nachgeahmt wurde. Und selbst die parthenonische Feierlichkeit der Tafel, auf der Aeneas den Penaten opfert, die sich auf der rechten Seite der Frontfassade befindet, scheint sich in eine bukolische, vielleicht fast alexandrinische Szene aufzulösen. Im Übrigen ist nichts alexandrinischer als das berühmteste der Altarreliefs (das berühmteste wegen seiner akademischen Farbgebung, aber nicht das schönste), das an der Rückwand der Bildschirme angebracht ist und somit mit dem Relief des Aeneas korreliert.

Hier wird ein Land dargestellt, das durch die Pax Augusta befriedet, wohlhabend und glücklich geworden ist. Tiere, Vegetation, das Meer, das weiche Gefieder eines Schwans, die schöne weibliche Figur gehören zum hellenistischen Repertoire, auch wenn die weiche alexandrinische Modellierung stellenweise mit einer gewissen Frigidität interpretiert wird. An den kurzen östlichen und westlichen Außenwänden befinden sich vier Reliefs, die alle symbolisch sind - im Gegensatz zu den „historischen“ Reportagen, die an den anderen, längeren Wänden angebracht sind.

Um den Altar herum sind die von Augustus und seinen Ministern Maecenas und Agrippa ausgeführten Arbeiten zu sehen, die Rom ein neues monumentales Aussehen verliehen. "Restitutor aedium sacrarum et operum publicorum, Augustus konnte in der Tat stolz darauf sein, Rom von Terrakotta und Ziegeln in ein Rom aus Marmor verwandelt zu haben" (Becatti).

Die wichtigsten Episoden des Bauprogramms des Fürstentums waren die Fertigstellung des Forums von Caesar, der Bau des Forums von Augustus und die Errichtung des Pantheons. Letzteres wurde durch einen Brand zerstört und unter Hadrian wieder aufgebaut. Unter der riesigen Kuppel dieses Tempels, der den sieben Planetengöttern geweiht war, entstand eine neue und umfassende Vorstellung von der kosmischen Einheit: In der Tat sind wir noch sehr weit von den „menschlichen Maßstäben“ der Architektur und Skulptur des Parthenon entfernt. (Zu den architektonischen Stilen und der Gestaltung des antiken Griechenlands und des antiken Roms siehe: Römische Architektur)

Augustinische römische Bildhauerei

Der Klassizismus, der in der offiziellen Bildhauerei des Augustus vorherrschte und der sich in der idealisierten Jugend der zahlreichen Kaiserporträts deutlich manifestierte, prägte auch die nachfolgenden Epochen. Die realistische Tendenz, die zuerst unter Claudius und dann unter Nero aufkam, gewann wieder an Stärke, aber nun in einem weniger offiziellen Bereich, in der privaten und volkstümlichen Kunst.

So findet man neben dem berühmten Porträt des Norbanus Sorex oder dem Porträt des pompejanischen Ehepaars, das fast die Porträts der Mumien von Fayum vorwegzunehmen scheint , eine Reihe von „kleinen“ Skulpturen, die sich mit Aspekten des täglichen Lebens und der Berufe von Kaufleuten und Ladenbesitzern befassen und auf ihren verschiedenen Schildern dargestellt werden.

Die Malerei, die die römischen Häuser schmückte, war dekorativ. Sie erfüllten dieselbe dekorative Funktion wie die griechischen Statuen, die zu dieser Zeit so begehrt waren, sowohl als Kopien als auch als Originale. Der dekorative Stil in Pompeji entwickelte sich mehr oder weniger unabhängig, und es ist heute üblich, vier Hauptstile der pompejanischen Malerei zu unterscheiden.

Der älteste, aus dem 2. Jahrhundert v. Chr. stammende Stil ist der sogenannte Inkrustationsstil, der aus einfachen Tafelbildern aus farbigem Stuck oder Fresken besteht. Der zweite Stil (architektonische Perspektive) stammt aus dem frühen 1. Jahrhundert v. Chr. und ist, wie die meisten römischen Gemälde, eindeutig hellenistischen Ursprungs.

Der Ansatz der Wandmalerei mit ihrer Nachahmung architektonischer Merkmale wurde komplexer. Die Absicht bestand darin, den tatsächlichen Wandraum illusorisch zu vergrößern, ähnlich wie bei einer Theaterkulisse. Der dritte Stil fällt mit dem Ende des zweiten Stils zusammen. Er ist nüchterner und tendiert zum Dekorativen, dem es an Tiefe fehlt. Gemälde, fast wie Miniaturen, heben sich auf einem einzigen dunklen Hintergrund ab: "in der Regel warme Töne - Rot, Gelb, leuchtendes Schwarz, aber auch weiche - grünlich-blau". Und "ein paar leichte Pinselstriche….. kleine reizvolle lineare oder florale Dekorationen…. Kompositionen von Figuren, Landschaften oder sogar echten Gemälden" (Bianchi Bandinelli).

Aus dem Zweiten Stil entwickelte sich die überschwängliche Phantasie und der dekorative Reichtum des Vierten Stils; hier wurden die architektonischen Motive des früheren Stils stärker betont. Der hellenistische Ursprung all dieser dekorativen Stile ist offensichtlich genug, aber sie waren nicht alle gleich erfolgreich. Wenn wir die große Beständigkeit des dritten Stils anerkennen, ist es nicht verwunderlich, dass seine Elemente die dekorativen Formen des zweiten Jahrhunderts n. Chr. dominieren, nachdem die Phantasmagorie der Wände des vierten Stils am Ende des vorherigen Jahrhunderts erschöpft war.

"Im Zeitalter Hadrians wurden diese Formen zurückhaltender und linearer und liefen Gefahr, ganz erstarrt und statisch zu werden. In der Antoninischen Ära wurden sie dann wärmer, es gab eine gewisse Erneuerung der perspektivischen Elemente…. bis zum Auftauchen schlanker architektonischer Formen, von denen nach 180 n. Chr. alle Spuren des Illusionismus verschwanden und alles absolut schematisch wurde, was zu einem linearen Stil in roten und grünen Farben auf weißem Grund führte. Von da an überzog dieser Stil die Wände und Gewölbe von Häusern und Grabkammern, auch in den christlichen Katakomben, mit überraschender Einheitlichkeit" (Bianchi Bandinelli).

Die Themen der Illustrationen waren in der Regel den griechischen Mythen oder der Neuzeit entlehnt, andere der Welt der Religion (wie der berühmte Zyklus in der Villa der Mysterien). Die volkstümliche Malerei (Ladenschilder, Darstellungen von Spielen und Festen) ist eine Studie für sich, aber auch hier ist die Verbindung zur hellenistischen Welt durch die Verwendung der Technik der „Verallgemeinerung“ offensichtlich.

Die Vorliebe für die „Summationsmalerei“ zeichnet sich durch die Verwendung großer impressionistischer Farbflächen aus, die ebenso wie das kräftige Spiel von Licht und Schatten ein Merkmal zahlreicher Stillleben und Landschaften ist (letzteres war ein beliebtes Thema der römischen Malerei). Landschaften, ob imaginär, idyllisch oder real, versuchen beispielsweise einen Garten darzustellen, indem sie den geschlossenen Raum des Zimmers aufbrechen und dem Betrachter die Vorstellung vermitteln, sich im Freien zu befinden.

Die Trajanssäule

Das Zeitalter Trajans (98-117 n. Chr.) spielte für die Entwicklung der römischen Kunst eine sehr wichtige Rolle. Auf dem vom Kaiser errichteten neuen Forum (entworfen von Apollodorus von Damaskus) stand eine Säule, die zu Ehren der dakischen Feldzüge (101-2 und 105-6 n. Chr.) errichtet wurde. Es handelte sich um einen neuen und originellen Typus von Monumenten, der die auf dem Forum zu Ehren bedeutender Persönlichkeiten errichteten Gedenksäulen und die historischen und triumphalen Gemälde beerbt.

Der Flachrelieffries der Trajanssäule entfaltet sich wie eine spiralförmige Pergamentrolle um den Schaft herum über eine Länge von etwa sechshundertfünfzehn Fuß. Die Erzählung entwickelt sich kontinuierlich, ohne Unterbrechung, und hat einen schnellen, fesselnden Rhythmus. Es handelt sich nicht mehr um eine bloße Chronik, sondern um ein großes und mitreißendes episches Gedicht. Bei der Schilderung von Schlachten, zermürbenden Märschen, Flussüberquerungen, Angriffen auf Städte, Wälder, Ebenen, Befestigungen und Lager ist die Spannung fast ungebrochen. Die Verzweiflung der Besiegten, das Leiden der Verwundeten und das Drama der Gefangenen lassen zum ersten Mal menschliches Mitgefühl aufkommen.

Der direkte, dramatische und unerbittliche Rhythmus dieser Reliefs, die Bianchi Bandinelli zu Recht mit Donatellos Skulpturen in der Kathedrale des Heiligen Antonius in Padua vergleicht, verleiht der Kunst jener Zeit eine neue Dimension und stellt vielleicht den edelsten Ausdruck der römischen Kunst dar. Sie mag noch "Anklänge an die Skulpturen von Pergamon oder Rhodos" aufweisen, aber die Interpretation und die Sprache - kraftvoll und leidenschaftlich, aber nun in einem menschlichen und realen Sinne, ohne Heroik und Mythologie wie in den Altarbildern von Pergamon - hatten sich bereits vom Hellenismus entfernt, auch wenn sie sich noch nicht vollständig zu dem ausdifferenziert hatten, was schließlich der Stil der Spätantike wurde.

Einem unbekannten Meister der Trajanssäule sind wahrscheinlich die Reste „des Großen Trajansfrieses“ zuzuschreiben, der einst das Trajansforum schmückte und ebenfalls den Siegen des Kaisers über die Daker gewidmet war. Dieser Fries wurde später in den Konstantinsbogen eingefügt, der ein wahres Sammelsurium von Skulpturen aus verschiedenen Epochen ist.

Die Trajanssäule diente als Vorbild für eine andere Säule, die 108-93 n. Chr. zu Ehren der Siege des Marcus Aurelius über die Markomannen und Sarmaten errichtet wurde. Nach dem Zeitalter Hadrians und den hellenistischen Restaurierungen dieses höchst griechophilen Kaisers trug diese Säule zu einer stetigen Abkehr von den künstlerischen Werten des Hellenismus bei.

Die beiden Säulen, Markus und Trajan, ähneln sich nicht nur in ihrer Gesamtstruktur, sondern auch im ikonografischen Repertoire und in ihren realistischen Einstellungen. Der Stil der Markus-Säule ist jedoch anders: Die Skulpturen sind quälend und streng, gesättigt mit Schatten, die den Figuren dramatische Tiefe verleihen und das Thema energisch beleben. Kurz gesagt, es handelt sich um einen „expressionistischen“ Stil.

Die gleichen kraftvollen und dramatischen Tendenzen, die zu verzerrten Figuren und ausdrucksstarken Gesichtern führen, finden sich in zahlreichen Sarkophagen dieser Zeit. Zu den berühmtesten gehört der Sarkophag von Ludovisi, auf dem eine Schlacht zwischen Römern und Barbaren dargestellt ist. Die Bewegungen sind krampfhaft und frenetisch, und die stark gemeißelten Reliefs bringen die Heftigkeit der Emotionen sowohl im Körper als auch im Gesichtsausdruck zum Ausdruck. Ein ganz anderes Gefühl von Ausgeglichenheit und Ruhe strahlt das Reiterstandbild des Marcus Aurelius aus.

Der prägnante und „gebrochene“ Stil der Zeit des Commodus; die überschwängliche Farbigkeit der nordischen Kunst; die Wiederbelebung der antiken lokalen Substrate während der Krise des Reiches im 3.); schließlich die Verbreitung östlicher Lehren (Sonnen- und Astralkulte, einschließlich des Mithraismus) und die wachsende Vorliebe für das Abstrakte und Intellektuelle - all diese Strömungen trugen zu einer komplexen Verflechtung von Motiven bis in die späte Kaiserzeit hinein bei. Sie führten auch zu einer Krise des großen hellenistischen Hintergrunds, der bis dahin der dominierende Faktor in der römischen Kunst geblieben war und einen besonderen Einfluss auf die Malerei und Mosaikkunst ausübte. (Die Mosaike der Piazza Armerina (Sizilien) aus dem 4. Jahrhundert n. Chr. sowie die Mosaike in den Neptunbädern von Ostia aus dem 3. Jahrhundert können dieser Tradition zugeschrieben werden.)

Die künstlerische Sprache der Tetrarchenzeit war von Symbolik und Allegorie geprägt. Der Stil der Arbeiten vereinfachte sich, wurde aber auch strenger. In der Bildhauerei wurden die Hauptmerkmale der Figuren in Reliefs aus harten und kostbaren Materialien ausgeführt, darunter Bronze und Stein, von denen Porphyr am häufigsten verwendet wurde. In der offiziellen Bildhauerei vollzog sich ein grundlegender Wandel: Die Kaiser erhoben sich mit Nachdruck über den Rest der Sterblichen und waren offenbar mehr mit ihrer eigenen abstrakten Welt verbunden als mit der ihrer Untertanen. Dies war der Beginn jener hierarchischen Werte, die für die byzantinische Kunst und den figurativen Ausdruck des östlichen Reiches grundlegend blieben.

In der Architektur wurde der geräumige, monumentale Stil der Spätantike durch Nischen, Säulengänge und Wandelgänge, die Licht- und Schattenkontraste erzeugten, belebt und in Bewegung gebracht, wie man an den Tempeln von Baalbeck, den Thermen von Caracalla und Diokletian, dem Sabrata-Theater und der Maxentius-Basilika sehen kann.

In Ägypten führten ab dem vierten Jahrhundert n. Chr. die Impulse der neuen christlichen Zivilisation und die zunehmenden Kontakte mit Byzanz, Syrien und sogar Persien zu einer allmählichen, aber systematischen Bewegung, die schließlich die Spuren des Hellenismus verdrängte. Interessant sind sowohl die Webwaren als auch die Skulpturen, die zumeist aus rotem Porphyr gefertigt sind und in denen die menschliche Figur in starrer Frontalhaltung dargestellt ist, wie bei den Porträtbüsten der Kaiser, die mit ihrem hochmütigen, aber etwas zerstreuten Blick an die Porträts der alten Pharaonen erinnern. Schließlich gibt es Gruppenkompositionen aus Venedig und dem Vatikan: In einer dieser Kompositionen, „Umarmung der Tetrarchen“, sollte die Komposition den neuen Ruhm der Concordia Augustorum symbolisieren.

Das Wort „Niedergang“ war bereits in Bezug auf den Hellenismus verwendet worden, jetzt wird es in Bezug auf die Spätantike verwendet. Berenson gab seinem Buch über den Konstantinbogen den Untertitel: „Über den Verfall der Form“. Die Teile des Bogens, die zur Regierungszeit des ersten christlichen Kaisers gehören (es gibt viele Reliefs aus einer früheren Periode), bieten in der „Inkohärenz“ ihres Stils, der starren Modellierung und den expressiven Verzerrungen eine neue Vision, eine neue Art der Kunstwahrnehmung. Sie war nicht mehr griechisch, und dies sollte für ihre weitere Entwicklung von großer Bedeutung sein.

Siehe auch: Spätrömische Kunst (ca. 200-400 n. Chr.)

Weitere Artikel über die bildenden Künste des antiken Roms siehe:
Frührömische Kunst (ca. 510 v. Chr. - 27. August v. Chr.)
Römische Kunst: Keltischer Stil
Christliche römische Kunst (ab 313 n. Chr.)
Römische Bildhauerei (ab 55 n. Chr.)
Reliefs des antiken Roms (§1212)

Mehr über die Entwicklung der bildenden Künste: Kunstgeschichte .