Abstrakte Skulptur, Geschichte, Arten objektiver Kunst Automatische übersetzen

Einführung: Skulptur des neunzehnten Jahrhunderts: figurativ und funktional

Die Bildhauerei des neunzehnten Jahrhunderts war figurativ und funktional und wurde durch den wachsenden Materialismus der Gesellschaften auf beiden Seiten des Atlantiks beherrscht. Wahrscheinlich war der größte Teil aller Skulpturen darauf ausgerichtet, an wichtige Persönlichkeiten (z. B. Albert Memorial in London), Ereignisse (z. B. Auswanderung nach Amerika, Freiheitsstatue) oder Orte (z. B. Washington, D.C., U.S. Capitol Building, Paris, Arc de Triomphe) zu erinnern. Ironischerweise könnte die zunehmende Funktionalität der Kunst - vor allem in der Wolkenkratzer-Architektur des späten 19. Jahrhunderts in Amerika, die keine innere oder äußere skulpturale Dekoration benötigte - dazu beigetragen haben, den Weg für die Einführung der Abstraktion zu ebnen. Doch bevor dies geschehen konnte, musste der tote Griff, den die traditionelle akademische Kunst auf die Theorie und Praxis der Malerei und Bildhauerei hatte, gebrochen werden.

Der Kubismus: die Revolution zu Beginn des 20. Jahrhunderts

Die Erfindung des Kubismus (fl.1908-14) durch Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) erschütterte die Kunstwelt in ihren Grundfesten. Es handelt sich um eine Form der abstrakten Kunst, die (in ihrer Malerei) die lineare Perspektive ablehnt und sich ganz auf die Bildebene konzentriert. Trotz der neuen Halbabstraktion, die Constantin Brancusi (1876-1956) in „Kiss“ (1907, Museul de Arta Craiova) und André Derain (1880-1954) in „Crouching Drawing“ (1907, Museum für Moderne Kunst, Wien) einführten, gab es zuvor nichts Vergleichbares zum Kubismus. Obwohl die ersten, die die Prinzipien des Kubismus anwendeten, Maler waren, waren die Bildhauer nicht weit dahinter. Die Werke werden geometrischer, die Perspektive wird flacher und fragmentierter. Bald entstand ein ganz neuer Stil dreidimensionaler Werke. Beispiele: „Woman Walking“ (1912, Privatsammlung) Alexandra Archipenko (1887-1964); The Rock Drill (1913-14, MoMA, NY), Jacob Epstein (1880-1959); Das große Pferd (1914, Musée National d’Art Moderne, Paris) Raymond Duchamp-Villon (1876-1918); „Mann mit Gitarre“ (1915, MoMA, New York), Jacques Lipchitz (1891-1973); Obstschale mit Trauben (1918) von Henri Laurens (1885-1954); „Kopf einer Frau“ (1917-20, MoMA, New York), Naum Gabo (1890-1977); und Torso (1924-6, MoMA, New York) von Antoine Pevsner (1886-1962).

Der Kubismus war zu radikal, um Teil des kreativen Mainstreams zu werden. Dennoch dominierte er die Avantgarde-Kunst bis 1920, als die ungegenständliche Kunst fest etabliert war.

Futurismus: sein Einfluss auf die kinetische Kunst

Der italienische Futurismus (ca. 1909-14) blieb von der kubistischen Revolution unberührt (insbesondere in der Malerei), seine allgemeine Ausrichtung war jedoch anders. Er sollte die Dynamik, die Technologie und die Geschwindigkeit der modernen Welt betonen. Vor dem Krieg war das wichtigste bildhauerische Meisterwerk der Bewegung zweifellos „Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum“ (1913; Abgüsse im MoMA NY, Tate London und anderswo) Umberto Boccioni (1882-1916). Der größte Einfluss der Bewegung war jedoch die Entwicklung der kinetischen Kunst, so dass die futuristische Skulptur Werke wie folgende umfasst: „Vogel im Raum“ (1925-31, Kunsthaus, Zürich) von Constantin Brancusi (1876-1957); „Rotierende Tabletten“ (1920, Yale University Art Gallery, New Haven) von Marcel Duchamp (1887-1968); „Kinetische Konstruktion“ (1919-20, Tate Collection, London) von Naum Gabo (1890-1977); „Aluminium Leaves“, „Red Mail“ (1941, Lipman Family Foundation) und „Arch of Petals“ (1941, Guggenheim Museum, New York) von Alexander Calder (1898-1976), Erfinder des Mobiltelefons; Relief Mobile 5 (1954, Musée d’Art Moderne, Saint-Etienne) von Paul Bury (1922-2005); und „Signal: Cosmic Insect Animal“ (1956, Sammlung Tate, London) Takis (Panayiotis Vassilakis) (geb. 1925).

Abstrakte Dada-Skulptur

Die Dada-Bewegung (1916-24) war kunstfeindlich und hatte möglicherweise keinen großen Einfluss. Dennoch hatte sie einen bedeutenden Einfluss auf die Art des Materials, aus dem Kunst gemacht werden konnte. Während zuvor die meisten Skulpturen aus Holz, Stein, Ton oder Bronze geschnitzt oder gegossen worden waren, förderte Dada die Verwendung unkonventioneller Materialien, darunter verschiedene Arten von Metall, Pappe, Gummi, Draht, Textilien, Beton, Glas und sogar allgemeine Abfallmaterialien. Das vielleicht ungewöhnlichste Beispiel für eine dadaistische Skulptur ist der Merzbau von Kurt Schwitters (1887-1948). Darüber hinaus gibt es avantgardistische „Endstücke“ von Marcel Duchamp (1887-1968), wie „Bicycle Wheel“ (1913, Musée National d’Art Moderne, Paris), Bottle Rack (1914, Musée National d’Art Moderne). (Paris) und Fountain (1917, Kopie im Musee National d’Art Moderne, Paris) - waren ebenfalls typisch dadaistisch, da sie die Konventionen der akademischen Kunst unterliefen.

Konstruktivistische abstrakte Bildhauerei

Die abstrakte Bildhauerei vor, während und nach dem Ersten Weltkrieg wurde weiterhin stark von den Entwicklungen der Avantgarde in Paris, aber auch im vorrevolutionären Russland beeinflusst, wo sich künstlerischer und politischer Eifer mit modernistischen Schulen wie dem Vaionismus, dem Suprematismus und dem Konstruktivismus vermischten. Letzterer - die einzige der drei Schulen, die sich mit dreidimensionaler Kunst befasst - ermutigt Bildhauer, Entwürfe aus industriellen Materialien (Metall, Glas, Kunststoff) zu konstruieren (nicht zu schnitzen, zu modellieren oder zu gießen). Dieser Stil wird in Werken wie den folgenden veranschaulicht: Konstruktion Nr. 557 (1919) von Konstantin Medunetsky (1899-1935); Turm aus Feuer (1919-20) von Johann Itten (1888-1967); Monument der Dritten Internationale (1920, Musée National d’Art Moderne, Paris) von Wladimir Tatlin (1885-1953); und Räumliche Konstruktion Nr. 12c (1920, MoMA, New York) von Alexander Rodtschenko (1891-1956). „Unendliche Säule“ Brancusi (1938, Târgu Giu, Rumänien) kann ebenfalls in die Kategorie der konstruktivistischen Skulptur eingeordnet werden.

Abstrakte Bildhauerei von De Stijl

In den 1920er Jahren erreichte die geometrische Abstraktion in Holland ihren Höhepunkt in der De Stijl Bewegung (1917-31), die zunächst den Neoplastizismus - erfunden von Piet Mondrian (1872-1944) - und den Elementarismus - gegründet von Theo van Doesburg (1883- 1931), dem Mann, der auch den Begriff Konkrete Kunst einführte - förderte. De Stijl hatte eine relativ starke Anhängerschaft in der Architektur, der Malerei und unter den zeitgenössischen Designern wie denen der Bauhaus School of Design, aber nicht unter den Bildhauern. In der Zwischenzeit blieb Paris das unbestrittene Zentrum der abstrakten Kunst, nicht zuletzt, weil es Flüchtlinge aus den totalitären Staaten Russlands und Deutschlands anzog, wo die Abstraktion als bürgerlich oder entartet verboten war. Zwei wichtige Gruppen für abstrakte Künstler, die in dieser Zeit in Paris entstanden, waren Cercle et Carre und Abstraction-Creation .

Avantgardistische Gruppen von abstrakten Künstlern (1930er Jahre) Cercle et Carre (1929-31)

Cercle et Carre (Kreis und Quadrat) war eine Ausstellungsgruppe (und Zeitschrift) für abstrakte Bildhauer und Maler, die 1929 in Paris von dem Kritiker Michel Sephor (1901-1999) und dem Maler Joaquin Torres-Garcia (1874-1949) gegründet wurde und sich auf geometrische Abstraktion konzentrierte, Eine Schwäche, die Theo Van Doesburg (1883-1931), den Hohepriester der geometrischen oder ungegenständlichen Kunst, dazu veranlasste, 1930 eine eigene Zeitschrift mit dem Titel „Die Kunst des Konkreten“ zu gründen. Cercle et Carre veranstaltete nur eine Ausstellung, die im April 1930 in der Galerie 23 stattfand, aber es war die erste Kunstausstellung, die ausschließlich der abstrakten Kunst gewidmet war. Über vierzig Künstler nahmen daran teil, darunter Kandinsky (1866-1944), Piet Mondrian (1872-1944), Georges Vantongerloo (1886-1965), Kurt Schwitters (1887-1948) und andere.

Abstraktion - Schöpfung (1931-36)

Die Tätigkeit des Cercle et Carre dauerte weniger als zwei Jahre, und im Februar 1931 entstand eine neue Vereinigung, bekannt als Abstraction-Creation, die sich ausschließlich der ungegenständlichen (geometrischen) Kunst widmete. Zu den Gründern gehörten der belgische Bildhauer und Maler Georges Vantongerloo sowie die französischen Künstler Jean Helion (1904-1887) und Auguste Herbin (1882-1960). Spätere Teilnehmer waren die Crème de la Crème der europäischen abstrakten Bildhauer wie Jean Arp (1886-1966), Antoine Pevsner (1886-1962) und sein Bruder Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Alexander Calder (1898)-1976, Barbara Hepworth (1903-1975) und Ben Nicholson (1894-1982). „Abstraction-Creation“ veranstaltete eine Reihe von Gruppenausstellungen und gab einmal im Jahr eine illustrierte Zeitschrift heraus (1932-36) „Abstraction-Creation: non-figurative Art“. Beispiel einer Skulptur „Abstraktion-Kreation“ - „Endless Ribbon“ (1935) von Max Bill (1908-1994), Schweizer Ex-Bauhaus-Bildhauer, die das Konzept einer Möbius-Fläche veranschaulicht, die zu einer um 180 Grad um ihre Längsachse gebogenen Raumstruktur wird. Dies führt zu dem mathematischen Paradoxon des Streifens, der nur eine Fläche und eine Kante hat, aber die Form einer Endlosschleife annimmt. Viele der Mitglieder von Abstraction-Creation, die sich scheinbar auf die geometrische Abstraktion beschränken, sind zu geometrischen Kunstformen wie der kinetischen Kunst übergegangen.

Einheit Eins (1933-35)

Eine weitere Vereinigung abstrakt arbeitender Künstler wurde 1933 in Großbritannien unter dem Namen Unit One gegründet. Zu den Mitgliedern gehörten die führenden Vertreter der modernen britischen Bildhauerei, nämlich Moore und Hepworth, sowie der Künstler Paul Nash (1889-1946). Im April 1934 veröffentlichte die Vereinigung ein Buch mit dem Titel „First Block: the modern movement in English architecture, painting and sculpture“, zeitgleich mit ihrer einzigen Gruppenausstellung in der Mayor’s Gallery in London, die später auch in Belfast, Swansea, Liverpool und Manchester zu sehen war. Trotz des Buches und der Ausstellung hatte die Gruppe weder ein Manifest noch ein Programm, denn sie schloss sowohl die Abstraktion als auch den Surrealismus ein, zwei Stilrichtungen, die 1936 in London in getrennten Ausstellungen präsentiert wurden. Infolgedessen war es immer schwierig, die Identität der Gruppe aufrechtzuerhalten, und der erste Block löste sich 1935 ordnungsgemäß auf. Dennoch hatte er einen bedeutenden Einfluss auf die britische Avantgardekunst Mitte der 1930er Jahre (siehe auch St Ives School (ca. 1939-75)).

Organische Abstraktion und surrealistische Fantasie (1930er Jahre)

Die von natürlichen Formen inspirierte biomorphe/organische Abstraktion in der Bildhauerei zeigt sich in Werken wie „Menschliche Konzentration“ (1934, Musée National d’Art Moderne, Paris) und „Demeter“ (1961, Israel Museum, Jerusalem), beide von Jean Arp (1887-1966); Mutter und Kind (1934, Sammlung Tate, London) Barbara Hepworth (1903-1975); Abstraktion (1940, Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe) George O’Keeffe (1887-1986); Crouching Woman (Farewell) (1940-41) von Henri Lawrence; und Two Forms (1966, Sorai-Marmor, Privatsammlung Staehein, Zürich) von Henry Moore (1898-1986). Eine der stärksten surrealistischen Skulpturen ist „Frau mit aufgeschlitzter Kehle“ ) La Femme Egorgee, 1932, Privatsammlung) von Alberto Giacometti (1901-1966). Eine metamorphe Krustentierfrau mit durchgeschnittener Kehle liegt am Boden in einer Verkrampfung, die einen Liebesakt und einen Todeskampf miteinander verbindet. Der bizarrere Surrealismus wird durch Skulpturen wie „Figur mit Regenschirm“ (1931) und „Objekt“ (1936), beide von Juan Miró (1893-1983), vertreten; Mondspargel (1935) von Max Ernst (1891-76); und „Augen, Nase und Wange“ (1939, Tate Collection, London) von F. E. McWilliam (1909-1992).

Abstrakte Bildhauerei der Nachkriegszeit (ca. 1945-65)

Trotz der Bemühungen verschiedener abstrakter Künstler und Gruppen blieb die figurative Kunst in den Zwischenkriegsjahren (1920-40) vorherrschend. Die Auswirkungen des Zweiten Weltkriegs auf die figurative Kunst waren jedoch tiefgreifend, nicht zuletzt, weil nach dem Holocaust und der großen Zahl von Kriegstoten nur noch wenige starke Bilder in den Köpfen der Menschen vorhanden waren, die entweder gewaltfrei oder überhaupt bedeutungsvoll waren. (Siehe auch Holocaust-Kunst 1933-45). Auch die Fotografie und der Film begannen, die öffentliche Vorstellungskraft zu verklären und ließen weniger Raum für handgezeichnete figurative Bilder. Infolgedessen erlebte die Abstraktion einen plötzlichen Aufschwung, zumindest in der Malerei. Der amerikanische Abstrakte Expressionismus entwickelte sich parallel zu Art Informel und Tachisme in Europa.

Abstrakte Neo-Dada-Skulptur

Im Gegensatz zur abstrakten Skulptur gab es einen etwas anderen Kurs. Statt sich auf das ungegenständliche Subjekt zu konzentrieren, konzentrierte sie sich auf die Materialien, daher der Name Assemblagekunst, eine Form der dreidimensionalen bildenden Kunst, die aus Alltagsgegenständen geschaffen wurde, die der Künstler angeblich „gefunden“ hatte. Die in den 1950er und 1960er Jahren in Amerika populäre Assemblage schloss die Lücke zwischen Collage und Skulptur, während die Verwendung von kunstfremden Materialien - ein Merkmal der Neo-Dada-Kunst - die Verwendung von Massenprodukten in der Pop-Art vorwegnahm. Die Skulpturensammlung wird durch Werke von Louise Nevelson (1899-1988), wie „Mirror Image 1“ (1969, Museum of Fine Arts, Houston), und von Jean Dubuffet (1901-85) und seinem Monument „Standing Beast“ (1960, James R. Thompson Centre. Thompson, Chicago). Dieses Idiom wurde durch eine wichtige Ausstellung - „The Art of Assembly“ - im Museum of Modern Art in New York im Jahr 1961 stark erweitert.

Weitere Beispiele für neodadaistische „Trash Art“ sind „Hudson River Landscape“ (1951, Whitney Museum of American Art) und „Australia“ (1951, MoMA, New York), beide von David Smith (1906-1965); Ohne Titel (Holz, Metallteile, Nägel) (1960, Museum of Modern Art, New York), Jesús Rafael Soto (geb. 1923) und einige „Combines“ von Robert Rauschenberg (1925-2008), wie First Landing Jump (mit Malerei, Stoff, Metall, Leder, elektrischen Lampen, Kabeln, Ölfarbe, Brettern) (1961, MoMA, New York). Ohne Titel (Industriefilz) (1967, Kunsthalle, Hamburg) von Robert Morris (geb. 1931) ist ein weiteres Beispiel für die Verwendung ungewöhnlicher Materialien in der Bildhauerei, ebenso wie das minimalistische Denkmal für Vladimir Tatlin (Neonröhren) (1975, Nationales Museum für Moderne Kunst George Pompidou, Dan Flavin (1933-96).

Auch die Dadaisten verherrlichten die sinnlose Kunst, und was könnte absurder sein als die Selbstzerstörung der Skulptur? Zweifellos war dies ein wichtiges Element in der kreativen Philosophie von Jean Tinguely (1925-1991), dem vollendeten Meister der selbstzerstörerischen Skulptur, dessen Meisterwerk allgemein als Hommage an New York (1960, Museum of Modern Art, New York) angesehen wird.

Ein hervorragendes Beispiel für abstrakte Pop-Skulptur ist das Genre des Kunstworts, das Robert Indiana (geb. 1928) in seiner LOVE-Skulpturenserie verwendete.

Abstrakte Metallskulpturen (1960er Jahre)

In den 1960er Jahren begann auch eine breite neue Tradition der Metallskulptur, die von tragbaren bis zu monumentalen Werken reicht. Zu diesen Werken gehören „Sculpture for a Large Wall“ (1956-7, MoMA, New York) Ellsworth Kelly (geb. 1923); Noon (1960, MoMA, NY) von Sir Anthony Caro (1924-2013); Die (1962, MoMA, NY) von Tony Smith (1912-1980); Broken Obelisk (1963-9, MoMA, NY) Barnett Newman (1905-1970); „Storm Angel“ (1973-74, Quadrat Chab, Chalon-sur-Saône) Mark Di Suvero (b. 1933) und eine Reihe von Werken von Eduardo Chillida (1925-2002), die in seinem Werk Coastline „Wind Crest“ (1977, Bucht von San Sebastian, Spanien) gipfeln.

Minimalistische Skulptur

Der Minimalismus, eine Reaktion auf die immer komplexeren Varianten des Abstrakten Expressionismus, war eine puristische Bewegung, die Malerei, Skulptur, Architektur und Design umfasste. Er suchte seine eigene künstlerische Wahrheit in einer Fülle von extrem vereinfachten, geometrischen Strukturen, die in der Regel aus industriellen Materialien hergestellt wurden. Dies ist nach wie vor eine der obskursten Formen der aktuellen Kunst . Minimalistische abstrakte Skulpturen: Cage II (1965, MoMA, New York) von Walter de Maria (*1935); Serial Project I (ABCD) (1966, MoMA, NY) von Sol Levitt (1928-2007); Equivalent 1 (1966-9, Kunstmuseum, Basel) von Carl Andre (b. 1935); und Untitled (Stack) (1967, MoMA, NY) von Donald Judd (1928-1994). Für die so genannte „postminimalistische“ Skulptur, siehe. Werke von Eva Hesse (1936-1970).

Monumentale Abstraktionen

Die postmoderne Kunst ist von der Wirkung besessen, und die Schaffung einer Monumentalskulptur ist eine gute Möglichkeit, dies zu erreichen. Dieses Genre wurde von mehreren Künstlern vertreten, darunter: Allen Jones (*1937), siehe Dancers (1987, Cotton Atrium, London Bridge City, London); Richard Serra (*1939), siehe „The Case for Time“ (2004, Guggenheim, Bilbao); Jonathan Borofsky (*1943), siehe „Walking Man“ (1994-5, Paula Cooper Gallery, NY); und Anish Kapoor (geb.1954), siehe Marsyas (2002, Turbine Hall, Tate Modern, London).