Die Geschichte des Animationsfilms:
Von frühen Zeichentrickfilmen bis zu CGI-Meisterwerken Automatische übersetzen

Die Animation hat sich in den letzten anderthalb Jahrhunderten von einfachen optischen Geräten zu hochentwickelten Computertechnologien entwickelt. Experimente mit bewegten Bildern begannen lange vor der Erfindung des Kinos, und heute spielen Animationsfilme Milliarden von Dollar an den Kinokassen ein und gewinnen die wichtigsten Filmpreise.

Hintergrund: Optisches Spielzeug und frühe Geräte

Die Theorie der animierten Bilder entstand ein halbes Jahrhundert vor dem Kino. Viktorianische Erfinder entwickelten Geräte zur Unterhaltung von Gästen in Salons und für Zaubershows, die Projektionen nutzten. Sie entdeckten das Prinzip der Nachbildwirkung: Werden Bilder von Bewegungsphasen schnell nacheinander gezeigt, nimmt das menschliche Auge sie als kontinuierliche Bewegung wahr.

Im Jahr 1833 wurde das Phänakistiskop, das erste Animationsgerät mit schnellem, sequenziellem Bildwechsel, vorgestellt. Die Bilder waren radial auf einer Scheibe mit kleinen rechteckigen Löchern am Rand angeordnet. Die Animation konnte durch Schlitze in der rotierenden Scheibe vor einem Spiegel betrachtet werden.

Praxinoskop und das Optiktheater

Der nächste Schritt war das Praxinoskop, das 1877 von dem Franzosen Charles-Émile Reynaud erfunden wurde. Sein Name stammt aus dem Altgriechischen und bedeutet so viel wie „Zuschauer der Handlung“. Das Gerät nutzte Spiegel anstelle von schmalen Spalten und erzeugte so ein helleres und weniger verzerrtes Bild als das Zoetrop.

1888 verbesserte Reynaud seine Erfindung und schuf ein optisches Kino. Anstelle einer einzelnen Bildsequenz in einem Zylinder verwendete er einen langen, transparenten Film mit Bildern, der zwischen zwei Spulen aufgewickelt war. Dies ermöglichte die Entstehung des ersten projizierten Animationsfilms. Das erste Programm im Jahr 1892 umfasste drei Zeichentrickfilme: „Poor Pierrot“, „Un bon bock“ und „The Clown and His Dogs“.

Die Geburtsstunde des Animationsfilms

Erste Experimente mit Filmanimation

1906 schuf James Stuart Blackton „Funny Faces in Funny Phases“ – vermutlich den ersten Animationsfilm. Im selben Jahr experimentierte Blackton mit der Stop-Motion-Technik: Er fotografierte ein Objekt, veränderte dessen Position leicht und fotografierte es dann erneut, wodurch eine bewegte Animation entstand.

1908 schuf der französische Cartoonist Émile Cohl mit „Phantasmagorie“ den ersten vollständig animierten Zeichentrickfilm ohne Schauspieler. Der zweiminütige Film, bestehend aus 700 Zeichnungen, die jeweils zweimal belichtet wurden, gilt als frühes Beispiel für die später so genannte traditionelle Animation. Cohl legte jede Zeichnung auf eine hinterleuchtete Glasplatte und zeichnete dann die nächste, mit Variationen, über die vorherige. Die Figuren veränderten sich ständig und demonstrierten so die fantastischen Möglichkeiten der Animation.

Technologische Durchbrüche in den Fleischer Studios

Max Fleischer patentierte 1915 das Rotoskopieverfahren. Diese Technik ermöglichte es Animatoren, reale Filmaufnahmen Bild für Bild nachzuzeichnen und so realistische Bewegungen zu erzeugen. Fleischer projizierte reale Filmaufnahmen seines als Clown verkleideten Bruders und zeichnete jedes einzelne Bild sorgfältig nach, um natürliche Bewegungen zu erzielen.

Das Rotoskopieverfahren löste das Problem der Animation menschlicher Figuren. Die Technik wurde von den Fleischer Studios häufig eingesetzt, um realistische Bewegungen und fließende Übergänge in Zeichentrickfilmen zu erzeugen. So wurde beispielsweise Gulliver in „Gullivers Reisen“ und die Tanzszenen von „Betty Boop“ mithilfe dieser Methode zum Leben erweckt. Der Zeichentrickfilm „Das arme Aschenputtel“ aus dem Jahr 1934 kombinierte Rotoskopie und 3D-Kulissen, um eine Illusion von Tiefe zu erzeugen.

Disneys goldenes Zeitalter und technologische Innovation

Multiplan-Kamera

Walt Disney strebte danach, seine Cartoons so lebensecht wie möglich zu gestalten. Sein Team aus Kameraleuten und Animatoren schuf ein mehrschichtiges Panel. Sie nutzten ein traditionelles Animationsverfahren, bei dem Hunderte von Einzelbildern mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten und Abständen vor der Kamera bewegt wurden. Dadurch entstand ein bewegtes Bild mit Tiefenwirkung.

Die Kamera war, gesteuert durch mechanische Antriebe, nach unten auf die bemalten Schichten gerichtet. Disney nannte die gesamte Konstruktion eine „Super-Animationskamera“. Die Kamera konnte nach oben und unten bewegt werden, um einen Zoom-Effekt zu erzielen. Während sich die Scheibe drehte, wurden die Bilder nacheinander abgespielt, wodurch eine flüssige Animation entstand. Das Praxinoskop bot eine deutlich schärfere Ansicht des bewegten Bildes als das Zoetrop.

Disneys Multiplan-Kamerasystem nutzte bis zu sieben Bildebenen und erforderte Dutzende von Technikern, die die Ebenen gemäß den Anweisungen des Kameramanns bewegten. Ölgemälde waren auf separaten Glasscheiben montiert, die sich mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten und in unterschiedlichen Abständen zur Kamera bewegen konnten. Manchmal bewegten sich Vorder- und Hintergrundebene in entgegengesetzte Richtungen, um einen Dreheffekt zu erzeugen.

Schneewittchen und die sieben Zwerge

Einer Legende zufolge entstand die Idee zu Schneewittchen, als der fünfzehnjährige Walt Disney 1916 eine Stummfilmversion von Schneewittchen sah. Die Idee entwickelte sich weiter bis 1934, als Walt Animatoren versammelte und ihnen eine frühe Version der Geschichte erzählte.

Schneewittchen und die sieben Zwerge, erschienen 1937, war der erste abendfüllende Animationsfilm. Die Produktion zwang das Team zu einem längeren Werk als je zuvor, und das Budget versechsfachte sich von ursprünglich 250.000 US-Dollar (entspricht heute etwa 5,5 bis 33 Millionen US-Dollar). Der Film war ein kommerzieller Erfolg, wurde in den folgenden Jahren mehrfach im Kino wiederaufgeführt und begründete sofort die Vormachtstellung der abendfüllenden Animationsfilmbranche.

Vielfalt an Studios und Techniken

Das Goldene Zeitalter der amerikanischen Animation

1940 konkurrierte MGM mit Walt Disney Productions und Leon Schlesinger Productions. Der erste Tom-und-Jerry-Kurzfilm, „Puss Gets the Boot“, war ein Kinoerfolg und wurde für den Oscar als bester Kurzfilm nominiert. William Hanna und Joseph Barbera führten von 1940 bis 1958 bei MGM insgesamt 114 Tom-und-Jerry-Kurzfilme Regie.

Der gestiefelte Kater gewann zwar nicht den Oscar 1940 für den besten Zeichentrickfilm, aber ein anderer MGM-Zeichentrickfilm, Rudolf Isings „Die Milchstraße“, gewann ihn, wodurch MGM das erste Studio war, das Walt Disney einen Oscar abnahm.

Warner Bros. schloss das ursprüngliche Termite Terrace Studio 1963 nach mehr als zwei Jahrzehnten an der Spitze. Im selben Jahr gründeten Freling und DePatie ihr eigenes Studio, DePatie-Freleng Enterprises, das im Rahmen einer Vereinbarung mit Warner Bros. die Produktion der Looney Tunes-Franchise übernahm.

UPA und eingeschränkte Animation

UPA Studio entwickelte eine Animationstechnik mit reduziertem Zeichenaufwand, die weniger Zeichnungen pro Sekunde erfordert. Dies ermöglichte mehr Experimentierfreude und eine stärkere Fokussierung auf das Geschichtenerzählen durch Atmosphäre und Charakterpsychologie anstatt nur auf detaillierte Bewegungen.

Die Technik manifestierte sich auf der Leinwand in einer unverwechselbaren Ästhetik. Hintergründe waren oft abstrakt und blockartig, anstatt detailreich gestaltet. Charakterdesigns waren vereinfacht, wobei kräftige Linien und Formen die Individualität vermittelten. Anstelle ständiger Charakterbewegungen vermittelten subtile Veränderungen im Gesichtsausdruck, eine bestimmte Geste oder ein dynamischer Kamerawinkel Handlung und Emotionen.

UPAs erster erfolgreicher Kurzfilm war „Hell-Bent for Election“, bei dem Chuck Jones Regie führte. Darauf folgte „Brotherhood of Man“ (1945), ein Zeichentrickfilm, der Toleranz für alle Menschen propagierte. Sein innovatives, flächiges und stilisiertes Design widersprach allem, wofür Disney-Animation stand, und sein einzigartiger Look setzte den Standard für alle nachfolgenden UPA-Cartoons.

Stop-Motion-Animation von Ray Harryhausen

Raymond Frederick Harryhausen schuf eine der ersten erfolgreichen Formen der Stop-Motion-Animation. Stop-Motion ist das Verfahren, bei dem ein Einzelbild eines Modells gefilmt, angepasst und anschließend das nächste Bild gefilmt wird. Da der Film mit 24 Bildern pro Sekunde abgespielt wird, entsteht die Illusion von Bewegung.

Harryhausen entwickelte eine Form der Stop-Motion-Animation, die als Dynamation bekannt wurde. Angefangen mit „Mighty Joe Young“ im Jahr 1949, arbeitete Harryhausen an zahlreichen populären Science-Fiction-Filmen und erschuf Außerirdische, prähistorische Kreaturen und Fabelwesen. Nach Abschluss der Arbeiten an „Kampf der Titanen“ im Jahr 1981 zog er sich schließlich zurück.

Harryhausens Kreaturen waren berühmt für ihre unglaubliche Detailgenauigkeit, die sogenannte „Dynamation“, die es ihnen ermöglichte, nahtlos mit den realen Szenen zu verschmelzen, und ihr bizarres Verhalten ließ sie wie echte Wesen und nicht wie austauschbare Spezialeffekte wirken. Harryhausen schuf außerdem einen der berühmtesten Schwertkämpfe der Filmgeschichte: Jason gegen eine Gruppe Skelette in „Jason und die Argonauten“.

Sowjetische Animationsschule

Die Sojusmultfilm-Studios entwickelten sich zur wichtigsten Produktionsstätte für sowjetische Animationsfilme und zum kreativen Zentrum für Animation in der UdSSR. In ihren Anfangsjahren nutzte das Studio die Zelluloid-Technologie – die sogenannte Disney-Fließbandmethode – , die sich für die Massenproduktion handgezeichneter Animationsfilme eignete.

Juri Norschtein entwickelte ein neues technologisches Verfahren – die Mehrebenen-Schnittanimation – , um seinen Animationen eine dreidimensionale Wirkung zu verleihen, und führte zusammen mit dem Kameramann Alexander Schukowski eine Reihe innovativer Techniken ein. Seine Filme „Der Fuchs und der Hase“ (1973), „Der Reiher und der Kranich“ (1974) und „Das Märchen der Märchen“ (1979) wurden weltweit gefeiert.

„Igel im Nebel“ ist ein sowjetischer Animationsfilm aus dem Jahr 1975 unter der Regie von Juri Norschtein und produziert von Sojusmultfilm in Moskau. Das russische Drehbuch stammt von Sergei Grigorjewitsch Koslow, der auch ein gleichnamiges Buch veröffentlichte.

Japanische Animation und die Entwicklung von Anime

Osamu Tezuka wird oft als „Gott des Manga“ und „Vater des Anime“ bezeichnet. Inspiriert von dem frühen chinesischen Animationsfilm „Die Prinzessin mit dem eisernen Fächer“ (The Princess Iron Fan) löste Tezuka mit der Veröffentlichung von „Die neue Schatzinsel“ im Jahr 1947 die sogenannte Manga-Revolution in Japan aus.

1961 stieg Tezuka in die japanische Animationsbranche ein und gründete die Produktionsfirma Mushi Productions als Konkurrenz zu Toei Animation. Tezukas erstes für den Animationsfilm adaptiertes Werk war „Saiyuki“, eine Nacherzählung des chinesischen Märchens „Die Reise nach Westen“, die von Toei Animation produziert wurde.

Tezuka mochte seine Zeit bei Toei nicht, insbesondere die Tatsache, dass er das Gefühl hatte, keine Kontrolle über „seine“ Geschichte oder deren Ende zu haben. Dieser Film gilt als Wendepunkt in der Geschichte des Animationsfilms. Er führte den Einsatz eines vereinfachten Zeichenstils und reduzierter Animation ein, um Arbeitsaufwand und Kosten zu sparen.

Tezuka gründete Mushi Production, eines der ersten Anime-Studios in Japan, wo er 1963 die erste japanische Anime-Fernsehserie, Astro Boy, schuf. Die Serie wurde sowohl wegen ihres Erfolgs als auch wegen der Etablierung der Praxis der limitierten Animation, die zum Branchenstandard wurde, zu einem bedeutenden Meilenstein in der Anime-Geschichte.

Die Disney-Renaissance

Die Disney-Renaissance bezeichnet den Zeitraum von 1989 bis 1999, in dem Walt Disney Feature Animation wieder kommerziell und von der Kritik erfolgreich animierte Filme produzierte. Zehn Filme aus dieser Zeit sind: Arielle, die Meerjungfrau (1989), Bernard und Bianca im Känguruland (1990), Die Schöne und das Biest (1991), Aladdin (1992), Der König der Löwen (1994), Pocahontas (1995), Der Glöckner von Notre Dame (1996), Hercules (1997), Mulan (1998) und Tarzan (1999).

Die kleine Meerjungfrau gilt als der wahre Beginn der Disney-Renaissance, doch ihre Ursprünge reichen weit vor Produktionsbeginn im Jahr 1985 zurück. In den 1930er Jahren erwog Disney, Hans Christian Andersens Klassiker zu adaptieren.

Die Schöne und das Biest (1991) war ein riesiger Kritiker- und Publikumserfolg. Es war der erste Animationsfilm, der für den Oscar als Bester Film nominiert wurde, und der einzige Animationsfilm, der in einer Zeit, in der es nur fünf Nominierungen in dieser Kategorie gab (1944–2008), überhaupt für diese Kategorie nominiert wurde. Der Film gewann den Golden Globe als Bester Film (Musical oder Komödie) und zwei Oscars für die Beste Filmmusik und den Besten Filmsong („Die Schöne und das Biest“).

„Die Schöne und das Biest“ wurde nicht nur Disneys bis dato erfolgreichster Animationsfilm, sondern war auch der erste Animationsfilm, der in den USA 100 Millionen Dollar einspielte. 1994 war er der erste Film der Disney-Renaissance, der eine Broadway-Adaption erhielt.

Die Computergrafik-Revolution

Frühe Experimente mit CGI

Erst als Produzentin Kathleen Kennedy im Studio für visuelle Effekte von Industrial Light & Magic (ILM) Testaufnahmen eines T. rex auf einem Computerbildschirm sah, fiel die Entscheidung, computergenerierte Dinosaurier in den Realfilm einzubauen. Jurassic Park enthält zwar nur 14 Minuten Dinosaurier-Effekte, von denen etwa vier computergeneriert sind, doch ihr nachhaltiger Einfluss auf das Kino war gewaltig.

Steven Spielberg und sein Team begannen mit handgezeichneten Skizzen und Modellen verschiedener Dinosaurier. Für die Velociraptoren, den Brachiosaurus und den Tyrannosaurus rex wurden Computeranimationen verwendet. Die Daten mussten mit einem digitalen Drahtgittermodell – einer Struktur, die dem Dinosaurier Stabilität verleiht und ihm Stehen, Bewegen und Laufen ermöglicht – „animiert“ werden.

Die Renderzeit für jedes einzelne Bild der Jeep-Verfolgungsjagd betrug etwa 12 Stunden. Die Animation aller Aufnahmen, in denen der T-Rex den Jeep verfolgt, dauerte vier Monate, bis die Laufsequenz einwandfrei funktionierte.

Toy Story und der Triumph von Pixar

Der erste vollständig computergenerierte Kurzfilm war „Luxo Jr.“, produziert von den Pixar Animation Studios im Jahr 1986. Dieses bahnbrechende Werk demonstrierte das Potenzial der Computeranimation, ganze Geschichten zu erzählen, anstatt Realfilme lediglich zu ergänzen. 1988 baute Pixar darauf mit dem zweiten Kurzfilm „Tin Toy“ auf, der die technologische Grundlage für den ersten abendfüllenden CGI-Film „Toy Story“ legte.

Toy Story, erschienen 1995, war der erste vollständig computeranimierte Spielfilm. Er war in vielerlei Hinsicht ein Pionier und ein Vorreiter der heutigen Animationsfilme. Er präsentierte eine atemberaubende dreidimensionale Welt mit Lichteffekten, Schattierungen und Texturen sowie wunderschön gestaltete Charaktere, darunter menschliche Figuren und lebendige Spielzeuge.

Disney veröffentlichte in Zusammenarbeit mit Steve Jobs und Pixar am 22. November 1995 „Toy Story“. Es war der erste große Kinofilm, der vollständig computeranimiert war und ein Produktionsbudget von 30 Millionen US-Dollar hatte. Der Film spielte in den ersten fünf Tagen 40 Millionen US-Dollar ein und erreichte weltweit ein Einspielergebnis von 365 Millionen US-Dollar.

Die Rendersoftware RenderMan wurde eingesetzt, um die visuelle Dimension zu bewältigen. Die gesamte Renderzeit überstieg 800.000 Maschinenstunden auf einer Renderfarm mit 117 Sun Microsystems-Computern. Toy Story bewies die kommerzielle Tragfähigkeit von CGI. Mit einem Budget von über 30 Millionen US-Dollar hing die Zukunft der Computeranimation von diesem finanziellen Erfolg ab. Der Film spielte weltweit 373 Millionen US-Dollar ein und demonstrierte damit das Gewinnpotenzial von CG und ebnete den Weg für die Dominanz von CGI.

Toy Story läutete eine beispiellose Ära des computeranimierten Mainstream-Animationsfilms ein. Bereits im Jahr 2000 nutzten 50 % der Animationsfilme Computeranimationen, 2009 waren es bereits 90 %. Pixar leistete Pionierarbeit mit bahnbrechenden Fortsetzungen wie Toy Story 2 (1999) und Findet Nemo (2003).

Die moderne Animationsindustrie

Knetanimation von Nick Park

Nick Park erweckt seit über 15 Jahren Knetfiguren zum Leben, und sein unglaublicher Erfolg wird durch vier Oscar-Nominierungen und drei Auszeichnungen belegt. Begleitet wird er dabei von zwei sehr sympathischen Gesichtern: Wallace und Gromit.

Wallace (gesprochen von Peter Sallis) ist ein liebenswerter Erfinder mit einer Leidenschaft für Käse, die nur von seiner Zerstreutheit übertroffen wird. Gromit ist Wallaces Hund, und wie so viele treue Begleiter muss er Wallace aus Schwierigkeiten heraushalten. Park gibt zu: „Ursprünglich sollte Gromit eine Katze sein, aber es stellte sich heraus, dass es einfacher war, mit einem Hund aus Knete zu arbeiten.“ Gromit sollte ursprünglich auch sprechen, aber Park fand es zu schwierig, das Maul eines Hundes zu animieren, und konzentrierte sich stattdessen auf Gromits Gesichtsausdrücke zur Kommunikation.

Beleuchtung und das neue Produktionsmodell

Universal Studios engagierte Chris Meledandri als Leiter seines neuen unabhängigen Studios Illumination Studios, nachdem er bei 20th Century Fox ein neues Produktionsmodell für kostengünstige Animationsfilme eingeführt hatte. Meledandri gründete Illumination am 17. Januar 2007.

Meledandri war der Überzeugung, dass „strenge Kostenkontrolle und erfolgreiche Animationsfilme sich nicht gegenseitig ausschließen“. Als Leiter von Illumination setzte Meledandri weiterhin auf wirtschaftliche Animationstechniken, da er der Ansicht war, dass die Qualität der Geschichte wichtiger sei als die korrekte Darstellung jedes Grashalms und jeder Gesichtsfalte.

Illumination produziert seine Filme nicht selbst in Santa Monica, sondern vergibt die Animationsproduktion an andere Studios. Die meisten Filme werden von Illumination Studios Paris animiert, einer Tochtergesellschaft, die durch die Übernahme von Mac Guff (dem Animationsstudio des ersten „Ich – Einfach unverbesserlich“-Films) entstanden ist.