Versuch und Irrtum malen 1 991 Worte Automatische übersetzen

Anstatt buchstäblich zu kopieren und sich gehorsam einer Reihe bekannter Malregeln zu unterwerfen, fügen Sie Ihrer Arbeit ein Element des Zufalls hinzu. Verwerfen Sie die vorgefertigten Postulate, die vorherrschenden Briefmarken und geben Sie sich vollkommene Freiheit, indem Sie die unendlichen Möglichkeiten von Aquarellfarben nutzen.

Pat Dewes

Ich beginne mit der Arbeit an einem neuen Bild, sehe dessen Entwicklung eindeutig in verschiedene Richtungen voraus und untersuche sie sorgfältig. Mein Bild ist das Ergebnis meiner Versuchs- und Fehlermethode. Ich mache keine Skizzen. Der Mangel an Methodik ist die Grundlage für uneingeschränkte Freiheit des Künstlers. Nachdem ich mich geweigert habe, die Standards und Regeln einer Technik strikt einzuhalten, kann ich Entscheidungen treffen, während ich an einem Gemälde arbeite. Der Malprozess eröffnet mir unzählige Möglichkeiten. Wenn der Künstler "Versuch" als Malstil, Versuch und Irrtum ansieht, muss er große Geduld zeigen. Malen erfordert mehr Zeit als das "Tragen" der Bildidee. Ich repariere ständig die kompositorischen Teile des Bildes und benutze einen Pinsel, um Probleme zu lösen. Es kann sehr schwierig sein, vom Beginn der Arbeit bis zu dem Moment zu gehen, in dem ich das Bild für beendet halten könnte, da ich immer versuche, einen Weg zu finden, um es in etwas zu verbessern. Meiner Meinung nach sind die Vorteile dieses Malstils jedoch viel größer als die Nachteile. Auf einem Blatt Papier bin ich in der Lage, alle entstandenen Dilemmata der Malerei körperlich zu erarbeiten und zu lösen und ein positives, überzeugendes Bild zu schaffen.

Absolute Perfektion

Ich versuche, eine anspruchsvolle Haltung gegenüber dem Geschäft zu entwickeln, die auf ständiger Selbstverbesserung beruht, und bin daher bestrebt, Wege zu finden, um die Zusammensetzung zu verbessern. Einige meiner Arbeiten, die sich vom Beginn der eigentlichen Fertigstellung des Gemäldes an abspielten, veränderten sich so radikal, dass sie sich in völlig neue, unerwartete verwandelten. Für mich ist dies die wahre Freude am Handwerk des Künstlers - sorgfältiges Studieren und Farbanpassung auf Papier. Trotz der Tatsache, dass der Beginn und die Vollendung der Arbeit an dem Gemälde dem Künstler viele entzückende, einzigartige Momente und tiefe Gefühle bescheren, fasziniert mich der Prozess des Malens selbst am meisten - eine aufregende Reise ins Unbekannte.

Als Künstler - als Abstraktionist beschäftige ich mich nicht mit der wörtlichen Übertragung der Natur. Die meisten meiner Arbeiten entstehen in der Phantasie, die ständig nach Nahrung, Entwicklung und Anregung verlangt. Auf der Suche nach Inspiration besuche ich Museen und Kunstausstellungen und mache Hunderte von Fotos. Ständig übe ich, schreibe Stillleben, arbeite im Freien und nutze jede Gelegenheit zum Malen. Ich studiere am Material meiner eigenen Arbeiten, sowie anderer Künstler. Nachdem ich entschieden habe, was genau ich in meinem Bild erzählen möchte, versuche ich festzustellen, mit welchen Mitteln dieses Ziel erreicht werden kann.

Gleichgewichtsproblem

Natürlich verlasse ich mich nicht nur gelegentlich auf alles. Ich kenne die Regeln für die Auswahl eines Farbschemas und die Erstellung einer Komposition. Ich lese ständig Literatur zu diesem Thema, um zu verstehen, wie diese Regeln in meiner Praxis effektiver eingesetzt werden können und wie sie in meinem Interesse funktionieren. Nachdem ich mich 30 Jahre lang mit Malerei beschäftigt habe, habe ich einen intuitiven Stilansatz gefunden, mit dem Sie Kompositionsfehler korrigieren können.

Trotz der faszinierenden und trotzig komplexen Natur der Arbeit auf diese Weise ist dies ein faszinierender und dankbarer Malstil. Wenn Sie sich für eine Anpassung der Trial-and-Error-Methode entscheiden, füllen Sie Papier ein. Unabhängig von Ihrer Begabung, Ihrem natürlichen Talent oder anderen Umständen sind die Chancen, dass der erste Versuch erfolgreich sein wird, offen gesagt gering. Denken Sie daran, dass die erforderlichen Korrekturen immer vorgenommen werden können, insbesondere wenn Sie mit Acrylfarben arbeiten. Die Oberfläche des Papiers kann mit einer Gesso-Grundierung bedeckt werden, wodurch eine neue Beschichtung entsteht, und die fehlerhafte Arbeit kann als Collage-Elemente verwendet werden. Das einzige, was Sie überwinden müssen, ist ein Gefühl von Angst, Nervosität und Verlegenheit.

Die Evolution der abstrakten Form

Kürzlich habe ich die Arbeit „Remembering Acadia“ (68,6 x 68,6) abgeschlossen, eine abstrakte Sache, die die Essenz und die charakteristischsten natürlichen Eigenschaften meiner geliebten Küste in Maine einfängt. Aber es war der Malprozess, der dazu diente, die Essenz meines Stils zu vermitteln. Die Arbeit wurde auf der Basis von 73,7 x 106,7 begonnen, aber das endgültige Format wurde auf 68,6 x 68,6 reduziert. Was ursprünglich als lyrische Landschaft mit Birken im Vordergrund konzipiert und begonnen wurde, entwickelte sich zu einem brodelnden Meeresmotiv. Zuvor konzipierte Schneemassen in einem Birkenhain verwandelten sich in heftige Spritzer von Meereswellen. Der Prozess der Einführung derartiger grundlegender Transformationen hilft mir dabei, die Richtung zu bestimmen, in die sich das Bild meiner Meinung nach entwickeln sollte. Mit dem Ergebnis bin ich in der Regel sehr zufrieden.

Angesichts unüberwindlicher Schwierigkeiten bin ich gezwungen, etwas am Bild zu ändern, und hier sind für mich alle Mittel gut. Wenn die ursprünglichen Abmessungen der Basis nicht zufriedenstellend waren, habe ich Teile der Matte in Form des Buchstabens „L“ verwendet, um nach einem anderen Kompositionsformat zu suchen. Ich habe das Seitenverhältnis der Passepartout-Stücke im Vorgriff auf die so vertraute „Glocke“ geändert, um anzuzeigen, dass die Wahl richtig war. Infolgedessen hat das Bild meiner Meinung nach in einem reduzierten, quadratischen Format erheblich gewonnen. Sie hat einen weiteren Schritt getan, um Änderungen vorzunehmen: Jetzt wurde auch die Komposition des Gemäldes neu bewertet. Es schien mir, dass die beabsichtigte Form von Weiß in eine Wellenform geändert werden könnte. Als ich mir die Fotos von Acadia ansah, wurde mir klar, dass das Bild erfolgreicher und überzeugender sein wird, wenn es zu einer Meereslandschaft verarbeitet wird. Glücklicherweise wurde bereits eine weiße Form umrissen, wo sich der Haupthellpunkt des Wellenkamms befand. Ich hatte Glück.

Die Trial-and-Error-Methode ist vor allem deshalb interessant, weil Sie die Freude an unerwarteten Entdeckungen erleben können. Die Hoffnung, dass das nächste Bild das Beste ist, regt mich zur weiteren Suche an. Folgen Sie mir: Ich führe Sie durch die Phasen der Arbeit an dem Gemälde „Remembering Acadia - 2“ (73,7 x 101,6), dem zweiten Teil der Serie, der sich mit den Landschaften von Acadia befasst.

Schritt 1. Füllen Sie das Bild mit Licht

Die Verwendung von hochwertigem Papier ist ein äußerst wichtiger Aspekt beim Malen und eine Voraussetzung, um ein gutes Ergebnis zu erzielen. Ich habe mich für BFK Rives Grafikpapier entschieden. Sie müssen die Oberfläche nicht intensiv abkratzen: Der Anteil des Klebebindemittels in der Struktur wird reduziert, um das richtige Gleichgewicht zwischen der Absorption des Farbstoffs und der Fähigkeit des Papiers, ihn auf der Oberfläche zu halten. Diese Papiersorte zeichnet sich durch einen hohen Grad an Glätte aus, mit dem Sie großartige Struktureffekte erzielen können.

Sie begann ihre Arbeit, wie die meisten ihrer experimentellen Arbeiten, indem sie versehentlich Farbe auf die Oberfläche des Papiers sprühte und in etwa einem Drittel der Blattfläche eine goldockerfarbene Füllung (Mascara made by FW) erzeugte. Die Füllung brachte Wärme und Licht. Also habe ich den Grundstein für das Licht gelegt, das aus dem Bild kommt. Ich habe die ersten Füllungen sehr sorgfältig aufgetragen und versucht, einige Papierabschnitte unbemalt zu lassen, die anschließend eine Kaskade der hellsten Töne bilden. Ich benutze diese Bereiche, um die Aufmerksamkeit des Betrachters im gesamten Bildraum zu verteilen.

Pfirsichrosa-Töne in der oberen rechten Ecke sind mit Füllungen aus Alizarin-Himbeere und neapolitanischem Gelb (hergestellt von Winsor & Newton) bemalt. Dann legte ich auf die Oberfläche dieser Füllung ein Stück zerrissenes und zerknittertes Wachspapier und wartete, bis die Farbe vollständig getrocknet war. Ich variiere immer vorsichtig die Formen der zerknitterten Papierstücke und behalte „ruhige“ Abschnitte des Bildes, um ausdrucksstarke Kontraste mit Flecken komplexer Struktureffekte zu erzeugen. Dann trug sie eine Mischung aus Ultramarinblau, Magenta (flüssiges Aquarell von Winsor & Newton), Antilopenfarben (Mascara von FW), Rotbraun (Dr. PN Martin) und Türkis (Acryl von FW) auf. Um attraktive Struktureffekte zu erzielen, streuen Sie einige Stellen mit Salz und reinigen Sie die Oberfläche nach dem Trocknen leicht mit Sandpapier.

Zusätzliche strukturierte Flecken wurden erzeugt, wenn ein Spray - Aerosol aus einem Munderfrischer verwendet wurde, um einen rötlich-braunen Ton leicht zu dämpfen. Mit etwas verdünntem Bleichmittel deutete sie kaum auf das Vorhandensein von Wasser im oberen Teil der großen felsigen Form in Blau (Mitte rechts im Bild) hin.

Schritt 2. Erstellen Sie dunkle Kontraste und Gewissheiten

Für Bereiche mit dunklen Farbtönen habe ich Acrylfarben verwendet - Cadmiumrot Dunkel, gebranntes Siena und Ultramarinblau, gemischt mit einer Gesso-Grundierung. Das Kneten erfolgte in einer ziemlich dünnen Schicht, aber ich ging mit einem Stück Toilettenpapier über die dunklen Striche, um sie etwas aufzuhellen. (Dazu eignen sich am besten Scott-Papiertücher). Sie trug eine dickere Version der gleichen Farbmischung in der unteren linken Ecke der Komposition auf und verordnete dann die Hauptformen mit dieser Farbe. Ich bevorzuge es, mich in den frühen Phasen der Arbeit mit dunklen Tönen zu „beschäftigen“, um den Grad des Kontrasts in meinen Gemälden angemessen beurteilen zu können.

Schritt 3. Kontrolle über gefährdete Gebiete

Ich bin zu dem Schluss gekommen, dass es dringend notwendig ist, die Basis in der unteren rechten Ecke des Bildes irgendwie zu stärken, dh die Elemente fest zu einem einzigen semantischen Knoten zu verbinden. Ich habe goldenes Ocker gemischt mit Gesso-Grundierung auf diesen Bereich aufgetragen und die feinsten Striche dieser Farbe auf das gesamte Bildfeld aufgetragen, in der Tat nur schwache Andeutungen dieser Farbe. Nachdem sie entschieden hatte, dass im unteren linken Teil des Bildes zu dunkle und stumpfe Töne zu finden waren, verschrieb sie diesen Ort mit einer Mischung aus Acrylfarben - grüner Hooker, Alizarin-Himbeere und weißer Gesso-Grundierung. Überschüssige Farbe mit einer alten Kreditkarte entfernt. Mit dieser Farbe habe ich einige Fragmente von weißen Flächen registriert, wobei ich Wachspapier und Plastikfolie verwendet habe, um eine Textur zu erstellen.

Schritt 4. Übertragung von Elementen der aktiven Bewegung

Ein mit Gips verdünnter Primer spritzte auf die Oberfläche des Papiers. Während Tröpfchen auf den Boden fielen, wurden „Wasserstrahlen“ hinzugefügt, um den natürlichen Wasserfluss zu imitieren. Außerdem fügte sie diese Charge von einer Stelle, die an eine Wassermasse in der Mitte rechts erinnert, oben auf einer felsigen blauen Formation zu. Das erhaltene weiße Stück in Form eines blauen Steins in der Mitte rechts verwandelte sich in Rosa.

Mit Alkohol und einer leeren Flasche unter dem Sprühgerät - Chloraseptic Spray (es erwies sich als hervorragend bei der Arbeit), sprühte Elemente wie Luftblasen auf Gewässer. Da ich mit dem gelblichen, länglichen Teil in der Bildmitte nicht ganz zufrieden war, hat ihm eine Mischung aus Acryl - blauem Ceruleum und gebrannter Siena (Firma Liquitex), gemischt mit Gesso - Primer, eine Farbvariante verliehen. Ein flüssiger Gesso-Primer wurde über die blaue Form gestrichen und die Oberfläche des Papiers mit Alkohol besprüht, um Formen in Form von Luftblasen zu erzeugen.

Schritt 5. Letzte Abstriche

Schließlich fügte sie dunkle Töne hinzu, in denen das Bild verbessert werden musste. Ich habe die Kontur einer länglichen Form im zentralen Teil der Arbeit geändert und die Form des Steins direkt hinter dieser Form gespiegelt, um den Raum noch tiefer zu durchbrechen.

Mit einem linearen Pinsel habe ich dünne Linien entlang der gesamten Bildfläche gezeichnet, um die einzelnen Komponenten zu einem Ganzen zu verbinden und den Blick des Betrachters von einem Kompositionsknoten auf einen anderen zu lenken. Der Umriss in der oberen linken Ecke belebt diesen komplett weißen Bereich mit einem Spritzer Blau. Linien sind eine großartige Möglichkeit, den Raum zu durchbrechen. Selbst eine kleine Linie kann einen starken Eindruck hinterlassen und einen ernsthaften Energieschub erzeugen. Der dünne blaue Umriss im unteren rechten Teil des Bildes unterstützt irgendwie unerklärlicherweise die Form eines schweren Steins. Nichtsdestotrotz sollte nicht vergessen werden, dass dieses Element der Malerei - die übliche Linie - wirksamer ist, wenn es in Maßen angewendet wird.

Sie brachte einen weißen Fleck im unteren linken Teil des Bildes unter Verwendung der weißen Grundierung von Gesso auf: Dies wird dazu beitragen, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf den gesamten Arbeitsbereich zu verteilen. Ohne diese Betonung hätte das Bild das richtige Gleichgewicht verloren. Ich fand, dass die dunkle Form im unteren linken Teil der Komposition ohne diesen notwendigen Zusatz zu groß, langweilig und leblos erscheint. Der Künstler schreibt jedes einzelne Element auf, als würde er ein Mosaik sammeln. Jedes neue Objekt sollte organisch mit anderen verbunden und in das Gesamtbild integriert werden, damit alle Elemente ihren Platz einnehmen und zu einem harmonischen Ganzen verschmelzen. Durch die schrittweise Bearbeitung dieses Bildes konnte ich die erfolgreichsten Arbeiten identifizieren. Außerdem wurden ärgerliche Fehler und Irrtümer sichtbar: Einige kompositorische Elemente waren unwirksam, und der Malprozess dauerte länger als es gewesen wäre, wenn nicht ständig einige Fragmente des Bildes nachgearbeitet worden wären. Aber meine Geduld und harte Arbeit wurden voll belohnt: Ich konnte ein Bild schaffen, in dem alle Elemente miteinander interagieren und ein vollständiges Ganzes bilden. Ich entdeckte auch, dass es manchmal schwierig ist zu formulieren, warum sich das Bild herausstellte; aber du bist sicher, dass es so ist.

Unerwartete Transformation des Bildes

Zu Beginn der Arbeit an dem Gemälde „Remembering Acadia“ wusste ich nicht, dass ich es als Seestück beenden würde. Das ist der außergewöhnliche Reiz meines Stils: Er macht Freude an unerwarteten Entdeckungen. Beispielsweise war die stürmische Meereswelle, die in der rechten oberen Ecke auf den Felsen bricht, ursprünglich als Schneemasse in einem Birkenhain konzipiert. Ich arbeite fundamentale Entscheidungen gerne direkt auf einem Blatt Papier aus.

Niemals "Müll" wegwerfen

Das Gemälde „Der Wasserrand und der Lichteinfluss von Braque“ (74,9 x 106,7) erfuhr im Schöpfungsprozess zahlreiche Veränderungen. Die wichtigsten von ihnen erschienen in der oberen rechten Ecke des Werkes. Am Anfang war eine realistisch ausgeführte Welle. Es schien mir jedoch, dass das realistische Element einen Kontrast zur abstrakten Grundnatur des Bildes schafft. Auf der Suche nach neuen Ideen stieß ich beim Durchsuchen von unbenutzten Stücken aus anderen Werken auf ein grünes Blatt, aus dem auf einmal ein kleiner Kreis ausgeschnitten wurde. Dies hat mich dazu inspiriert, eine ähnliche Form in der oberen rechten Ecke zu schaffen, die dem Werk eine zusätzliche abstrakte Farbe verlieh. Diese scheinbar unbedeutende Veränderung trug dazu bei, alle kompositorischen Teile des Bildes zu einem Ganzen zusammenzufügen.

In Bewegung bleiben

Das Gemälde „Fallendes Wasser“ (54,6 x 74,9) entstand auf der Basis einer großen, deutlich beschnittenen Komposition. Ich hielt ein Blatt Papier aufrecht und spritzte eine blaue Farbe auf die Oberfläche. In dem Moment, in dem Farbtröpfchen auf den Boden fielen, wurde Wasser aufgesprüht, um den Eindruck eines tobenden Wasserfalls zu erwecken. Außerdem habe ich Salz verwendet, um eine ausdrucksstarke Textur zu erhalten. Dieses Gemälde stammt von Fotografien des Hauses von Frank Lloyd Wright. Die strukturellen Eckelemente sowie die Geometrie des Hauses und der Wasserfluss, die sich in den kraftvollen eckigen Formen niederschlugen, haben mich bestochen. Das Endergebnis eröffnete mir einen etwas anderen Blick auf die Natur.

Stärkung des Scheinwerferzentrums

Für mich ist es sehr wichtig, dass sich jedes neue Bild von den anderen unterscheidet. In der Komposition „Wintermeer“ (55,9 x 76,2) wollte ich große, ruhige Flächen mit einem kraftvollen Kompositionszentrum zeigen - einen Schwerpunkt. Ich habe es geschafft, die Schwere und Monolithizität der Felsformationen in der Handlung mit Hilfe minimaler Modellierung zu vermitteln. Achten Sie auf den starken Kontrast von hellen und dunklen Flecken im Zentrum der Aufmerksamkeit des Betrachters. Trotz der Tatsache, dass große, vereinfachte Formen verwendet wurden, führte die Verglasungstechnik mit zahlreichen Schichten zu einer Belebung und Vielfalt innerhalb der Grenzen jeder Form. Das Zentrum der Aufmerksamkeit des Betrachters wurde durch Collage-Elemente ergänzt. Früher habe ich versucht, die Formen dieses Bereichs mit Farben zu simulieren, aber dann habe ich beschlossen, dass die Teile der Collage viel attraktiver aussehen würden. Daher habe ich die Elemente der Collage aufgeklebt, und auf diese Weise wurde die Arbeit am Gemälde abgeschlossen.

Über den Künstler

Pat Dewes ist Teil der Gilde der Kreativen Kunst in Shrewsbury, New Jersey. Sie erhielt zahlreiche Auszeichnungen und ist Mitglied zweier kreativer Vereinigungen - der American und der National Watercolor Societies. 1995 wurde sie mit dem American Watercolor Society Award - High Winds Medah ausgezeichnet. In der Malerei versucht Pat Dewes die Essenz von Naturphänomenen, Stein und Wasser zu vermitteln. Dies sind die ständig wiederkehrenden Themen ihrer Arbeit; Sie sind ein roter Faden durch ihre Arbeit.