Stillleben Automatische übersetzen

Das Wort "Stillleben" ist französischen Ursprungs und bedeutet wörtlich "tote Natur". In der Malerei bezeichnet dieses Wort das Bild verschiedener lebloser Objekte.

Verweise

• Siebeneinhalbtausend Stillleben im Art Club
• Ton-Stillleben

Im fünfzehnten und sechzehnten Jahrhundert war ein Stillleben nur ein Teil der Komposition auf Leinwand. Zum Beispiel Blumengirlanden um die Figuren Christi und der Mutter Gottes, die die Rückseite von Altarbildern malen, oder einfach Schädel in den Händen von Menschen, die auf Porträts abgebildet sind.

Im 17. Jahrhundert wurde das Stillleben zu einer eigenständigen Gattung der Malerei, die durch die Arbeit von Meistern der flämischen und niederländischen Schule erheblich erleichtert wurde. Die auf Gemälden jener Zeit dargestellten Gegenstände verbergen oft eine Art philosophische Allegorie - die Unvermeidlichkeit des Todes und die Vergänglichkeit von allem Irdischen oder umfassenderen Bedeutungen religiöser Subjekte. Aber das Blumenstillleben erfreut sich immer größerer Beliebtheit - dies steht in direktem Zusammenhang mit den niederländischen Traditionen: eigene Gärten, Landvillen, nur Zimmerpflanzen, die Liebe zur Blumenzucht ist in diesem Land verankert. Ein Beispiel für ein niederländisches Blumenstillleben sind luxuriöse Kompositionen des Malers Jan Davids de Hem.

Wenn Sie ein Stillleben schreiben, müssen Sie ein würdiges Objekt für das Bild auswählen. Frisches Gemüse passt perfekt. Ihre leuchtenden Farben werden Sie aufheitern, wenn Sie das Bild bewundern.

Stillleben ist fast immer eine Gruppe von Dingen, die durch eine gemeinsame Bedeutung verbunden sind. Diese Gruppe kann Objekte aus wild lebenden Tieren umfassen, die jedoch von ihrer natürlichen Umgebung isoliert sind und sich in etwas verwandeln: einen Fisch auf einem Tisch, eine Vase mit Blumen oder Früchten und so weiter. Manchmal enthält die Komposition eines Stilllebens ein Bild von lebenden Elementen: Vögeln, Tieren, Insekten, Menschen, aber sie ergänzen nur die Hauptidee des Bildes. Ein Stillleben wählt Objekte aus dem allgemeinen Kontext des Alltags aus, lenkt die Aufmerksamkeit verstärkt auf kleinste Details und die Struktur von Oberflächen, lässt Sie über die Schönheit gewöhnlicher Dinge und natürlicher Formen staunen, die ein Mensch meistens nicht in Betracht zieht, und blickt über sie mit einem oberflächlichen Blick.

Dekoratives Stillleben - die Hauptgesetze grafischer Lösungen

Unter dem dekorativen Stillleben wird oft eine sehr willkürliche Behandlung der Natur verstanden, die zu ihrer ungerechtfertigten Verzerrung führt, weil die Unkenntnis der Arbeitsgesetze zu diesem Genre eine Menge Fehler mit sich bringt. Die dekorative Malerei basiert ebenso wie die akademische Malerei auf strengen Gesetzen und Grundsätzen. Und die Fähigkeit, die abgebildete Natur vom sichtbaren dreidimensionalen in den zweidimensionalen Raum zu übersetzen und gleichzeitig kreative, kompositorische und bildnerische Probleme erfolgreich zu lösen, ist für alle hochrangigen Künstler notwendig, da ihre Arbeit darauf ausgelegt ist, viele Innenräume zu dekorieren.

Wir alle wissen, dass das "dekorative" aus dem Wort "Dekor" - Dekoration, Dekoration. Das Wort hat zwei Bedeutungen:

• eine Methode zur Schaffung einer ausdrucksstarken Silhouette, die die Kunstfertigkeit im Vergleich zu Gegenständen in der umgebenden Welt erhöht;
• Spezifität planarer Kunstwerke.

Wenn wir uns die Geschichte der bildenden Kunst ansehen, stellen wir fest, dass alle Arten von visueller Aktivität, die der Malerei von der Antike bis zur Renaissance zugeschrieben werden können, dekorativ sind. Von Höhlenmalereien, alten Ägyptern, alten Griechen, aller Kunst der Völker des Ostens und Asiens bis hin zu Giottos Fresken „zerstörte“ der Künstler nicht die grafische Oberfläche und schuf die Illusion des Raumes, sondern verband die Oberfläche des Bild, unabhängig davon, ob es flach oder voluminös war, mit Bild.

AB Saltykov, ein berühmter Forscher der Volks- und dekorativen Künste, der einst in Gschel lebte und arbeitete, sagte im letzten Jahrhundert, dass Flach-, Oberflächen- und Silhouette-Malerei die Form am besten betonen und ausdrücken kann.

Ab der Renaissance begannen sich die Maler mit der Übertragung von Tiefe, Raum und Luft in den von ihnen geschaffenen Werken andere Aufgaben zu stellen.

Kurz vor der endgültigen Stilbildung im 19. Jahrhundert kam es im Jugendstil zu einer Rückkehr zur Dekorativität der Malerei. Zu einem großen Teil war dies auf die Entdeckung der japanischen Kunst zurückzuführen, die aufgrund der Isolation ihrer Entwicklung eine dekorative Grundlage behielt. Sensible und sorgfältige Beobachtung der Natur, genaues und zuverlässiges Sehen, Leichtigkeit und Understatement, Ausdruckskraft und Nachdenklichkeit der Silhouettenlösung in Gravuren japanischer Künstler haben zu einzigartigen und unvergesslichen Bildern geführt. Die Holzfäller Kutagawa Utamaro und Katsushiko Hokusai sind weithin bekannt. Mehr als eine Künstlergeneration hat sich mit tadelloser Plastik und angemessener Komposition japanischer Gravuren befasst.

Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts - Eine Zeit interessanter kreativer Suchen und Finden. Wenn Sie an Stillleben arbeiten, sollten Sie sich auf diese besondere Periode in der Geschichte der Malerei konzentrieren. Die Kunst der besten Meister dieser Zeit kombiniert erstaunliche Ausdruckskraft, Raffinesse, kompositorischen Lakonismus und Vollständigkeit der Silhouette mit der reichen Erfahrung der Künstler der letzten Jahrhunderte bei der Schaffung harmonischer, vielfältiger und komplexer koloristischer Konstruktionen. Wenn Sie an einem dekorativen Stillleben arbeiten, ist es daher empfehlenswert, auf die Werke berühmter russischer Künstler dieser Zeit zu achten - Alexander Golowin, Valentin Serow, Alexander Benois, Lew Bakst, Michail Wrubel, Alexander Lansere, Konstantin Somow, Alexander Kuprin Ilya Mashkov, Pyotr Konchalovsky, Kuzma Petrov-Vodkin, Konstantin Yuon, Igor Grabar sowie europäische Maler - Henri Toulouse-Lautrec, Paul Cezanne, Camille Pissarro, Gustav Klimt und andere.

Der Prozess der Arbeit am Stillleben beginnt mit der Wahl eines Standpunkts zur Natur. Und wenn in einem realistischen Bild komplexe Winkel und seitliches Licht die erfolgreichste Wahl sind, als die durchlässigste Raumtiefe und volumetrische Form, dann wird in einem dekorativen, im Gegenteil, direktes Licht und die Sichtweise "vor" seien Sie die besten Optionen, die es einfacher machen, die Aufgabe zu lösen.

Es gibt mehrere bekannte Techniken, die den Eindruck von Dekorativität verstärken:

• die Einführung einer Farbe oder einer achromatischen Kontur, die unterschiedlich entfernte Objekte auf derselben Ebene kombiniert;
• Sättigung mit einem Ornament;
• Überlappung eines Themas durch ein anderes Überlappen;
• Die Rückansicht ist von vorne sichtbar.

Die Linien können entweder gerade oder gekrümmt sein, sie können ihr eigenes einfaches Muster erzeugen oder die Diagonale verstärken oder rhythmische horizontale oder vertikale Wiederholungen einführen, vielleicht ist dies etwas völlig Ungewöhnliches und Neues, aber die Hauptsache ist, dass jede Einführung in die Arbeit von das Gitter, das Modul, das Zerquetschen Das Bild verstärkt den dekorativen Effekt, weil es Pläne kombiniert und das gesamte Werk in ein rhythmisch organisiertes Muster verwandelt, und rhythmische Wiederholungen verbessern wiederum die Dekorativität des Gemäldes.

Qualität, die die Hauptbedingung des malerischen Bildes ist, ist die Ausdruckskraft der Komposition, die direkt vom richtig gefundenen Kontrast abhängt und ihm dekorative Kraft verleiht. Es gibt jedoch strukturelle Kontraste, die tiefer liegen und die Natur des künstlerischen Bildes bestimmen. In diesem Zusammenhang müssen wir versuchen, die unnötigen Assoziationen auszugleichen, die die gesamte Wahrnehmung des Flugzeugs beeinträchtigen.

Betrachten Sie die Grundgesetze, nach denen die Arbeit an einem dekorativen Stillleben aufgebaut ist. Es gibt eine Meinung, dass dekorative Malerei sich sehr von akademischer Malerei unterscheidet, dass dies zwei Dinge in einer unterschiedlichen Reihenfolge sind. Wir werden uns genau ansehen, worin der Unterschied besteht und was zwischen akademischer und dekorativer Malerei gemeinsam ist. Beide Gesetze basieren auf denselben Gesetzen - Farbharmonie, Konsonantenfarbe, Ausdruckskraft der Komposition, rhythmische Organisation der Elemente eines Werks, einfallsreiche Lösung. Man muss auch den Unterschied bemerken - in der dekorativen Malerei, zweidimensionalen Raum, im Gegensatz zu der dreidimensionalen akademischen, ist es daher notwendig, die lineare und Luftperspektive so weit wie möglich auszuschließen, es gibt auch keine illusorische Übertragung von volumetrischer Form, aber die rhythmische Organisation spielt die wichtigste Rolle, da Rhythmus die dekorative Basis des Gemäldes stärkt. Es gibt eine willkürlichere Einstellung zum natürlichen Material und seiner kreativeren Interpretation, um die Ausdruckskraft der Komposition und Präsentation des Bildes zu verbessern.

Die grafische Seite der Arbeit ist sehr wichtig, ohne eine verfeinerte, verifizierte, ausdrucksstarke symbolische Komposition mit einer einfachen und klaren Grundlage und einer komplexen und vielfältigen Entwicklung kann es keine würdige Arbeit geben.

Das wichtigste Merkmal der Malerei ist jedoch die Farbe. Deshalb ist die Erstellung eines reizvollen Farbmosaiks mit Kontrasten und Nuancen von Farbe und Ton, mit lauten Farbakkorden und subtilen Farbtönen die erste Aufgabe des Schülers. Ohne dies ist das Gemälde trocken und langweilig. Stimmung und Zustand vermitteln, mit allen Mitteln der Malerei ein unvergessliches Bild schaffen - Farbe, Komposition, Zeichnung - das ist die Hauptaufgabe der Schüler. Die Natur ist das reichhaltigste und vielfältigste Material für Kreativität, man braucht nur die Fähigkeit, künstlerisch zu sehen und in eine für den Einzelfall geeignete Bildsprache zu wechseln. Die Erziehung eines gleichgültigen, nicht oberflächlichen, sondern eines aufmerksamen, einfühlsamen und subtilen Blicks auf die Natur, die Entwicklung von Fähigkeiten zur Übersetzung eines natürlichen Bildes in eine Dekorsprache ist das Ziel dieser Aufgabe.

Man kann viel über die emotionale Wirkung von Farbe sagen, über die Verbesserung ihrer Dekorativität, über den unterschiedlichen Grad an Konditionalität eines dekorativen Stilllebens - von jenen, die der Natur in Bezug auf die Entwicklung von Farbe am nächsten sind und ein kleines Volumen wie ein niedriges Relief in einer skulpturales bild, zu einem plakat und zu einem schild als extrem dekorativ. Wir müssen jedoch zusammenfassen und sagen, dass die Arbeit an einem dekorativen Stillleben im Allgemeinen keine Veränderung der Natur nach einem willkürlichen Prinzip darstellt, sondern wie die Arbeit an einem akademischen Werk der Malerei auf bestimmten Gesetzen beruht, deren Kenntnis sie besitzt Natürlich ist es notwendig, wenn Sie es ausführen.

Stillleben

Die Erfüllung von Stillleben mit dem Bild von Blumen- und Kräutersträußen, die Anwendung moderner Kunsttechniken und -techniken in ihrer Umsetzung und ihre Einbeziehung in den Innenraum als Farbakzent und dominierend, harmonisch kombiniert mit der fantasievollen Lösung und dem Bild des Künstlers interior solution ist eine wichtige aufgabe bei der suche nach neuen kreativen lösungen in der innenarchitektur zeitgenössischer künstler.

Die Geschichte des Erscheinens und der Verbreitung von Bildern von Blumen- und Kräutersträußen in der Kunst der Malerei und der künstlerischen Lösung des Innenraums ist interessant und vielfältig. Ein malerischer Blumenstrauß hat immer als aktiver Farbfleck im Innenraum gedient. Wenn Sie es in den Innenraum einbeziehen, ist es sehr wichtig, die stilistische Einheit des gesamten Innenraums aufrechtzuerhalten, seinen charakteristischen Merkmalen zu widerstehen und die figurative Struktur und künstlerische Entscheidung des gesamten Innenraums nicht zu verletzen. Daher ist es kein Zufall, dass viele Künstler verschiedener Epochen in ihren Werken immer wieder auf das Bild von Blumen zurückgreifen.

Blumensträuße in verschiedenen Designs, in verschiedenen Kunstrichtungen und mit anderen gängigen Motiven sind eines der Hauptmotive in der Innenarchitektur. Die symbolische Bedeutung von Blumen in der Kunst hat reiche Traditionen. Feldkräuter symbolisieren Hoffnungslosigkeit, eine Blumengirlande ähnelt einem Symbol der Ewigkeit. Viele Blumen und Pflanzen sind Symbole der Jahreszeiten: Zitronen sind Winter, Blumen sind Frühling, Früchte sind Sommer, Trauben sind Herbst.

Die Hauptrolle bei der Umsetzung von Stillleben spielt das Studium der Abfolge und Technologie für die Umsetzung von Stillleben in Farben, das Studium von Meisterwerken der Weltkunst in diesem Bereich, die Vertrautheit mit neuen Kunsttechnologien und Materialien, die angewendet werden können in der Arbeit an einem Stillleben mit einem Blumenstrauß.

Die Erfüllung von Stillleben mit Blumen- und Kräutersträußen bereitet in der Regel große Schwierigkeiten, da die Bearbeitung des Bildes der Form einer einzelnen Blume und eines gesamten Blumenstraußes sowie die Identifizierung der Beziehung zwischen einem Blumenstrauß und einem Stillleben eine wichtige Rolle spielen schwierige Aufgabe und erfordert eine besondere Herangehensweise an die Methodik und Technologie für die Durchführung des Stilllebens.

Bei der Erstellung eines Stilllebens ist es wichtig, den methodischen Ablauf zu beachten. In der ersten Phase ist es notwendig, den allgemeinen Farb- und Tongehalt der Produktion zu bestimmen, die wichtigsten Farbverhältnisse, die Zusammensetzung des Werkes richtig zu finden, das richtige Proportionalverhältnis der Objekte, den Platz für alle Objekte zu bestimmen und bestimmen Sie die Größe des Straußes. Das Zentrum der Komposition kann durch eine Kontrastlösung aus Blumen und Formen unterschieden werden.

In fast allen Stillleben mit Blumen ist das Bouquet das Zentrum der Komposition, dient als Farb- und Kompositionsakzent und es ist die schwierigste Aufgabe, an einem solchen Stillleben zu arbeiten. Nach Fertigstellung der Skizze ist es erforderlich, diese korrekt und möglichst genau auf ein großes Format zu übertragen und den Ort des Blumenstraußes in der Stilleben-Komposition genau zu bestimmen. Dann können Sie mit der zweiten Phase der Arbeit fortfahren - der Verwirklichung eines Stilllebens mit einem Blumenstrauß in Farbe. Sie können nicht mit einer detaillierten Untersuchung des Blumenstraußes beginnen, Sie müssen nicht jede Blume und jedes Blatt einzeln aufschreiben, Sie müssen verstehen, welchen Platz der Blumenstrauß in einem Stillleben einnimmt, wie er sich mit dem Hintergrund und dem Blumenstrauß verbindet Gegenständen, die es umgeben, ist es notwendig, die Art des Straußes und die Hauptmerkmale seiner Blüten und Blätter zu identifizieren.

Wenn Sie ein Stillleben mit Blumen- und Kräutersträußen durchführen, können Sie das Bild bereichern und komplizieren und zusätzliche Effekte erzielen, indem Sie neue Farben (volumetrisch, fluoreszierend, strukturiert) und verschiedene Effekte aus anderen Kunstarten (z. B. von Hand) verwenden (gemalter Stoff - Salz), es ist möglich, einige professionelle Techniken des Künstler-Designers für das Bild und die Übertragung verschiedener Texturen zu verwenden, die Techniken und Fähigkeiten der Collage anzuwenden usw.

Mit einem Gipskopf ein Stillleben schaffen

Von großer Bedeutung für die Entwicklung der Fähigkeiten in der akademischen Malerei ist die ständige Arbeit an Produktionen mit Gipsabgüssen, die von einfachen, nur aus wenigen Stillleben bestehenden Objekten bis zu komplexen thematischen Produktionen, einschließlich einer Figur und eines Interieurs, reichen als mehrstufige komplexe kompositorische Stillleben. Die Bedeutung von Produktionen mit einem Gipskopf beruht auf der Tatsache, dass die Zeichnung und das Bild in der Farbe von Gipsabgüssen das weitere Studium der Gesetze des Stilllebens erleichtern. Die Gipsform ist im Gegensatz zum lebenden Modell farblos, daher ist es möglich, die Form besser zu verstehen und die Farbe Weiß durch den Einfluss der Umgebung und der Art der Beleuchtung darauf zu vermitteln. Die Arbeit an einem Stilleben mit einem Gipskopf hilft dabei, sich auf die Form zu konzentrieren, und ermöglicht es, diese Form, die Art und die Proportionen des Gipsmodells genauer zu untersuchen, da darin keine Bewegung vorhanden ist und nur die charakteristischsten Details enthüllt werden.

In verschiedenen historischen Epochen und in allen nationalen Malerschulen bestand ein Interesse an der Darstellung antiker Gipsabgüsse und Skulpturenfragmente aus dem antiken Griechenland und dem antiken Rom. Das Hauptthema des Bildes in solchen Stillleben war ein Gipskopf, ein Gipsabdruck, der alle ihn umgebenden Gegenstände und Vorhänge unterwarf.

Stillleben mit Gips ist ein ganz besonderes Thema in der Kunst des Stilllebens, bei dem die naturwissenschaftlichen, religiösen und moralischen Ansichten des Menschen verschlüsselt werden. In der Geschichte der bildenden Kunst gibt es viele Beispiele für Stilleben mit Gipskopf, die ein Beispiel für hohe Kunstfertigkeit sind. Die herausragenden russischen Künstler Levitsky, K. Bryullov und A. Ivanov, die den größten Meistern des Westens in Bezug auf Zeichnungs- und Maltechniken nicht unterlegen waren, widmeten der Arbeit an einem Stillleben mit Gips große Aufmerksamkeit. Das bekannteste Werk westlicher Meister ist "Stillleben mit den Attributen der Kunst" von J.-B. Chardin, geschrieben in den 1760er Jahren.

Die Grundvoraussetzung für die erfolgreiche Umsetzung eines Stilllebens mit einem Gipskopf ist ein konsequenter und systematischer Arbeitsablauf. Bei der Inszenierung eines Stilllebens ist es notwendig, den koloristischen und thematischen Inhalt der Arbeit zu bestimmen. Das Ausführen eines Stilllebens mit einem Gipskopf in verschiedenen Farben hilft dabei, das Problem zu lösen, die Fähigkeiten zur genauesten Reproduktion von Farbbeziehungen zu entwickeln.

Eine wesentliche Rolle in der Aufführung eines Stilllebens wird das kompositorische Konzept spielen. Es ist notwendig, über das Layout aller Objekte nachzudenken, die das Stillleben ausmachen, ihre Silhouette zu finden, die Menge an hellen und dunklen Farbakzenten zu bestimmen, insbesondere die Übertragung von weißer Gipsfarbe.

Vor der Arbeit müssen Sie mehrere Farbskizzen oder Studien anfertigen. Der Zweck dieser Arbeit ist es, die Gesetze der Malerei zu studieren, nach Farben zu suchen und kompositorische Lösungen für die Arbeit zu finden. Die Studie wird von Studierenden durchgeführt, um die charakteristischsten linear-plastischen Merkmale der Natur, die grundlegenden Farb- und Tonverhältnisse des Stilllebens zu identifizieren und zu vermitteln.

Bei der Bearbeitung von Gips in Farbe sollten Künstler auf subtile Tonübergänge achten. Die Bedeutung des Tons in der Malerei ist von großer Bedeutung. Der falsche Farbton einer Arbeit auf einem Gemälde wirkt sich negativ auf die Qualität der Arbeit aus. Wenn Sie an einem Stillleben mit einem Gipskopf arbeiten, und wenn Sie an einem Gemälde arbeiten, müssen Sie berücksichtigen, dass Objekte in der Nähe einen anderen Ton haben, und diesen Tonunterschied korrekt bestimmen.

Text: Smirnov Vyacheslav Fedorovich