Francisco de Goya und Lucientes (1746-1828) Automatische übersetzen

Der herausragende Vertreter der spanischen Malschule, Francisco José de Goya i Lucientes, ist ein einzigartiger Künstler, der es geschafft hat, das tragische Schicksal des spanischen Volkes, seine Hoffnungen und unzähligen Leiden, die mit endloser Vitalität ertragen wurden, in seine Kunst einzubeziehen. Die Inspiration für den Künstler waren die realen Ereignisse in seinem Land. Der Künstler hatte keine andere Macht als die Macht der Kunst und drückte durch seine Gemälde seine persönliche Haltung gegenüber der ihn umgebenden Realität und dem, was in seiner geliebten Heimat geschah, aus.

Bilder von Francisco de Goya y Lucientes

Die frühen Jahre des großen Meisters

Der zukünftige große Künstler Francisco Goya wurde am 30. März 1746 in dem kleinen Dorf Fuentetodos, das sich zwischen den aragonesischen Felsen im Norden Spaniens befindet, in der Familie des Goldmeisters Jose Goya geboren. Der Vater des Künstlers war kein Bürgerlicher, er stammte aus einer Familie eines wohlhabenden Notars, der seine Spezialität in Saragossa erhielt. Diese Situation erlaubte ihm, einen Vertreter der untersten Schichten des spanischen Adels, Don García Lucientes, zu heiraten. Nach einer bescheidenen Hochzeit zog die junge Familie auf das Anwesen, das in Fuentetodos vererbt und beheimatet war. Nach dem damaligen spanischen Recht konnten die Adligen nur von dem Einkommen leben, das sie durch ihren Besitz hatten, und hatten kein Recht zu arbeiten.

In dieser Situation konnte die Familie Goya kaum über die Runden kommen. Dies zwang das Familienoberhaupt, seinen Haushalt zurück nach Saragossa zu transportieren, wo er sein Handwerk aufnehmen konnte. Was 1759 geschah. Nachdem sich seine finanzielle Situation nach dem Umzug leicht verbessert hatte, schickte der Familienvater seine drei Söhne Thomas, Camillo und Francisco in die Grundschule von Joaquins Vater. Ich muss sagen, dass die Ausbildung, die die Jungen dort erhielten, schwerlich als gut zu bezeichnen ist. Pater Joaquin zog die Theologie der Alphabetisierung vor, was sich im gesamten späteren Leben des Künstlers widerspiegelte. Bis zu seinem Lebensende schrieb Goya mit Fehlern, und seine Aussprache und sein Wortschatz verrieten unverkennbar einen Bürger in ihm. Es ist jedoch anzumerken, dass Ende des 18. Jahrhunderts in Spanien nur einer Handvoll Eliten eine gute Ausbildung geboten wurde.

Nach dem Schulabschluss besucht Francisco eine Jesuitenschule in Saragossa. Sein Mentor, Pater Pignatelle, bemerkte sofort die herausragenden künstlerischen Fähigkeiten des Jungen und empfahl sie seinem Verwandten Jose Lusana y Martinez, der einst Hofmaler war. Pater Francisco war nicht dagegen und bezahlte seinem Sohn vier Jahre Kunstunterricht. Francisco Goya verstand in dieser Zeit nicht nur die Grundlagen des Malens und Zeichnens, sondern schuf auch zahlreiche Stiche und Radierungen aus Werken herausragender spanischer Meister. Bereits zu dieser Zeit zeigte Francisco unglaubliche Ausdauer und Entschlossenheit. Um eine maximale Ausdruckskraft des Bildes verschiedener Bewegungen des menschlichen Körpers zu erreichen, besuchte der junge Künstler neben der Werkstatt von Lucian auch die Bildhauerschule von Juan Ramirez. Darin fertigte er Kopien von Skulpturen an und schuf studentische Studien. Es ist anzumerken, dass in Spanien zu dieser Zeit die Darstellung eines nackten Körpers, insbesondere einer Frau, tabuisiert war, weshalb Skulpturkurse für Goya fast die einzige Gelegenheit waren, die menschliche Anatomie zu studieren.

Dank seiner Beharrlichkeit etablierte sich Francisco schnell als brillanter Kopist und erkannte subtil die Merkmale der künstlerischen Art und des Stils berühmter Maler. Dank dessen erhielt er 1760 seinen ersten Auftrag, ein Reliquiar in einer Kirche in Fuentetodos zu malen. Leider wurde dieses Werk 1936 während des spanischen Bürgerkriegs vollständig zerstört. Aber sein Aussehen kann aus erhaltenen Fotografien rekonstruiert werden. Die Außenseiten der hölzernen Reliquienflügel waren mit dem Bild „Die Erscheinung der Madonna del Pilar vor dem hl. Jakobus“ verziert und innen mit dem Bild „hl. Francis de Paula “und„ Madonna und Kind “. Den überlieferten Beweisen zufolge lobten Zeitgenossen das Werk der Künstlerin, obwohl Goya, die sie bereits im fortgeschrittenen Alter sah, empört war: „Sag nicht, dass ich es gemalt habe!“.

1763 verließ der siebzehnjährige Goya, der sich endgültig entschied, sein Leben mit Kunst zu verbinden, Saragossa und ging nach Madrid. Die ersten Jahre seines Aufenthalts in der spanischen Hauptstadt sind voller Geheimnisse und Legenden. Aus zuverlässigen Informationen, die uns vorliegen, ist nur bekannt, dass Francisco Ende 1763, unmittelbar nach seiner Ankunft in Madrid, bei der Königlichen Akademie der Schönen Künste in San Fernando ein Stipendium beantragte, das jedoch abgelehnt wurde. Was Goya in den nächsten zwei Jahren in Madrid getan hat, ist völlig unbekannt. Im Jahr 1766 nahm Francisco an einem Wettbewerb teil, der von der Akademie zu einem Thema aus der spanischen Geschichte ausgeschrieben wurde. Die Aufgabe war wie folgt formuliert: "Martha, die Kaiserin von Byzanz, kommt zu König Alfonso dem Weisen nach Burgos, um ihn um einen Teil der Summe zu bitten, die der Sultan zur Freilassung ihres Mannes, des Gefangenen des Kaisers Baldu Der spanische Monarch befiehlt, ihr diesen Betrag zu geben. " Ramon Bayer erhielt die Goldmedaille des Wettbewerbs, und Goya scheiterte, was nur einer von mehreren Misserfolgen war, die ihn in der ersten Phase seiner Arbeit verfolgten.

Aber die Teilnahme an dem Wettbewerb brachte Goya einen gewissen Vorteil, bei dem er Ramon Bayeu und seinen Bruder Francisco, ein Mitglied der akademischen Jury, traf, zu dem er sofort die Studenten eintrug. Der junge Maler lebte und studierte etwa drei Jahre im Haus eines neuen Mentors und verliebte sich in dieser Zeit leidenschaftlich in seine Schwester Josef. Die königliche Zuneigung hinderte Goya nicht daran, 1769 nach Rom zu ziehen, wo er seine Ausbildung fortsetzte.

Leider sind keine verlässlichen Informationen über die zwei Jahre von Francisco de Goyas Leben in Italien erhalten geblieben. Die einzigen erhaltenen Daten erwähnen die Teilnahme des Künstlers an einem Wettbewerb der Parma Academy of Fine Arts. Im Rahmen des Wettbewerbs schuf er das Gemälde "Hannibal, von den Höhen der Alpen in die Felder Italiens blickend". Die Leinwand hatte einige Erfolge bei der Jury, aber Goya hatte erneut Pech. Mit einem Vorsprung von nur einer Stimme ging die Goldmedaille des Wettbewerbs erneut an eine andere.

Anerkennung von Talenten

Im Jahr 1771 kehrte Francisco Goya enttäuscht und des Scheiterns müde nach Saragossa zurück. Nach einigen Monaten lächelte der Künstler endlich glücklich, er erhielt seinen ersten Auftrag. Es war erforderlich, eine Reihe von religiösen Gemälden in der Kapelle des Palastes des lokalen Grafen Gabard de Sobradiel zu vervollständigen. Goya gab sein Bestes, die Fresken erwiesen sich als sehr hochwertig und beim Kunden beliebt. Dies war der erste bedeutende Erfolg des Malers im professionellen Bereich.

Bald erhielt der Künstler den Auftrag, eine Reihe von Skizzen für die Fresken der Kuppel der Kathedrale Madonna del Pilar in Saragossa anzufertigen. Einen Monat lang gelang es Goya, Werke zu schaffen, die die Mitglieder der Kommission für den Wiederaufbau der Kathedrale beeindruckten. Dies war der zweite Erfolg, der beweist, dass Francisco in der Lage ist, hervorragende Wandbilder zu schaffen. Es sollte jedoch erwähnt werden, dass der Preis der Werke, die der Künstler selbst mit zehntausend Reais weniger ausstellte als der Rest der Teilnehmer, eine bedeutende Rolle bei der Tatsache spielte, dass Goye den Auftrag erhielt. Wie dem auch sei, Mitte 1772 hatte der Künstler die Arbeit an dem Gemälde der Kuppel beendet. Das Fresko mit dem Titel "Anbetung der Engel im Namen des Herrn" wurde im Barockstil angefertigt. Gesättigt mit zahlreichen Engelsfiguren, die im Bild der schönen Frau dargestellt sind und deren unterschiedliche Blickwinkel die Dynamik der Komposition unterstreichen, die auf kontinuierlicher Bewegung beruht, bescherte sie dem Künstler einen lang ersehnten und wohlverdienten Erfolg.

Die Teilnahme an der Schaffung der malerischen Dekoration der Kathedrale der Madonna del Pilar war ein Wendepunkt in der Karriere des Künstlers. Neben der Achtung der Mitbürger und des materiellen Wohlergehens erhielt Goya auch einen ständigen Ordnungsstrom, der für jeden Künstler so wichtig ist. Sein nächstes Werk war die Schaffung eines ganzen Zyklus von Fresken für das Kloster von Aul Dei und die Kirche von di Menuel. Dies ermöglichte Francisco, eine angemessene Position in der Gesellschaft einzunehmen und der erfolgreichste Künstler in Saragossa zu werden. Es kam eine Zeit, in der Goya es sich endlich leisten konnte, zu heiraten.

Im Frühjahr 1773 ging der Künstler mit seinem Lehrer Francisco Bayeu nach Madrid, um nach den Händen seiner Schwester Josefa zu fragen. Alles verlief gut und die glücklichen Liebenden heirateten während einer großartigen Zeremonie, die am 25. Juli dieses Jahres stattfand. Unmittelbar nach der Hochzeit ging das Brautpaar nach Saragossa, wo Francisco auf zahlreiche unvollendete Bestellungen wartete. So seltsam es scheinen mag, über die Lebensgefährtin der großen Malerin sind uns praktisch keine Informationen gekommen, weder in ihren privaten noch in staatlichen Archiven gibt es ihre Briefe oder Rezensionen ihrer Zeitgenossen, es gibt nicht einmal Informationen darüber die Anzahl der Kinder, die in fast vierzig Lebensjahren zusammen geboren wurden. Es ist allgemein anerkannt, dass alle Kinder des Künstlers in jungen Jahren starben und nur einer seiner Söhne, Francisco Javier Pedro, eine echte Unterstützung für seinen Vater und den Nachfolger seiner Arbeit wurde. Biographen und Kunsthistoriker können nur vermuten, dass Josefa eine hingebungsvolle Ehefrau und fürsorgliche Hüterin des Herdes war, aber offensichtlich interessierte sie sich sehr wenig für das gesellschaftliche Leben. Nur das Datum ihres Todes, 1812, ist zuverlässig bekannt. Es ist überraschend, dass Francisco Goya während seines langen Familienlebens nur ein Porträt seiner Frau malte.

Eine Stelle am königlichen Hof finden

Zu Beginn des Jahres 1774 begannen groß angelegte Arbeiten zur Rekonstruktion von Wandteppichen der königlichen Manufaktur von Santa Barbara. Die Restaurierungskommission umfasste Antoine Rafael Mengsu und Francisco Bayeu. Der zweite war für die Verteilung von Aufträgen zur Erstellung von Skizzen zukünftiger Wandteppiche unter den vorgeblichen Künstlern verantwortlich. Dank dessen erhielten Goya und Ramon Bayeu einen Großauftrag, der ihnen einen festen und gut bezahlten Arbeitsplatz verschaffte. Diese Anordnung erleichterte dem Künstler den Umzug mit seiner ganzen Familie nach Madrid.

Die Motive der ersten vom Maler in Auftrag gegebenen Skizzen waren Jagen und Fischen. Goya fertigte schnell Skizzen von Themenszenen auf Karton an. Trotz des eher trockenen und zurückhaltenden Stils der Skizzen, mit praktisch keinem ausgefeilten Raum um die Figuren herum, erhielten sie die Zustimmung des Königs, und der Künstler erhielt einen neuen Auftrag, dessen Thema eine Szene aus dem Leben gewöhnlicher Spanier war.

Hier zeigte sich das wahre Talent des Malers. Diese Skizzen legten den Grundstein für eine Reihe genialer Werke, die den Künstler über viele Jahrhunderte hinweg verherrlichten. Er wählte gut gekleidete junge Frauen (Mahi) und ihre farbenfrohen Begleiterinnen (Maho) als Helden seiner Kartons. Die Kompositionen basieren auf Geschichten aus dem Leben der Menschen: Spiele, Feiertage, Straßenszenen. Klangreiche Töne der Bilder vermitteln realistisch die unbeschwerte Stimmung des universellen Spaßes. In seinen Werken zeigte der Künstler mit großer Beobachtung eine Vielzahl von Volkstypen und lebendigen Volkstrachten sowie Freizeit und Manieren der städtischen Jugend. Entsprechend dem Geschmack seiner Zeit hat der Meister die Formen seiner Figuren leicht idealisiert. Aber die Farbpalette des Künstlers zeigt sich hier in ihrer ganzen Pracht - zahlreiche Farbnuancen in verschiedenen Tönen zeichneten Goya sofort unter seinen Zeitgenossen aus.

Zu den auffälligsten Werken dieser Zeit zählen die Gemälde "Verkäufer von Geschirr" (1779, Prado-Museum, Madrid), "Feste am Tag des hl. Isidor" (1788, Prado-Museum, Madrid), "Maha und ihre Fans" )1777), Prado Museum, Madrid) und andere. Die beste Arbeit ist jedoch Pappe für den 1776 geschriebenen Wandteppich Umbrella (Prado-Museum, Madrid). Die Skizze ist eine einfache Genreskizze. Im Vordergrund sitzt ein hübsches Mädchen in einer eleganten Pose, als würde es sich dem Betrachter mit einem bezaubernden Lächeln auf den Lippen zeigen. Die junge Begleiterin des Mädchens steht zu ihrer Linken und blockiert die junge Dame mit einem offenen Regenschirm vor den Sonnenstrahlen. Die Zusammensetzung des Kartons ist von der Freude und Nachlässigkeit des Lebens durchdrungen. Der Höhepunkt des Bildes war die komplexe, fast phantastische Beleuchtung, mit der Goya einen harmonischen, auf Pastellfarben basierenden Musikgeschmack erzeugt.

Die Aufklärung dieses Werkes am königlichen Hof wurde durch die Aufklärung der Köpfe der französischen Aufklärung beeinflusst, die von den strengen Kanonen abwich, die früher in Spanien so verehrt wurden. Dank dieses Erfolgs in der Aristokratie wurde Francisco Goya am 7. Mai 1780 einstimmig zu den neuen Mitgliedern der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando gewählt. Bereits 1785 wurde er nach weiteren zehn Jahren dessen Vizedirektor - der Direktor der Malabteilung an der Akademie.

Zwischen 1786 und 1791 ist eine Intonationsänderung im Meisterkarton geplant. In seinen Werken wird immer mehr der Wunsch geäußert, nicht die äußere Anziehungskraft der Handlung zu vermitteln, sondern den emotionalen Zustand der Figuren, die „irdischer“ wurden und den äußeren Glanz und die Schönheit verloren haben, die für die früheren Arbeiten des Künstlers so charakteristisch sind manifestiert. Dies zeigt sich deutlich in Werken wie The Blindfold Game (um 1788-1790, Prado Museum, Madrid) und The Wounded Mason (1786 Prado Museum, Madrid), die zu einem der Schlüsselwerke dieser Zeit wurden.

Das Bild zeichnet sich durch eine wahrhaft dramatische Handlung aus: Junge Arbeiter tragen die Arme ihres Kameraden, der aus großer Höhe gerissen ist. In ihren Posen und in der Interpretation der Volumen ihrer Körper zeigt sich eine gewisse Verpflichtung des Meisters gegenüber den Traditionen des Klassizismus. Die kalte Farbe der Komposition basiert auf einer Kombination von Blautönen, Grautönen und Ockertönen. Obwohl das Werk noch nicht den durchdringenden tragischen Klang hat, der für viele von Goyas nachfolgenden Gemälden charakteristisch ist, spiegelt es bereits die Grundtöne des reifen Werks des Meisters vollständig wider.

Am Ende seiner Arbeit für die königliche Manufaktur schuf Goya ein weiteres Meisterwerk - "Die Puppe" ("Das Spiel im Pelé", 1791-1792, Prado Museum, Madrid). Der Künstler, der ungefähr achtzehn Jahre in der Manufaktur von Santa Barbara gearbeitet hatte, schuf mehr als sechzig Pappen. Im Laufe der Jahre hat der Meister nicht nur einflussreiche Freunde und Förderer gewonnen, sondern auch viele neidische und schlechte Wünsche.

Die Entwicklung der Porträtmalerei des Künstlers

Während er an Skizzen für Wandteppiche arbeitete, malte Goya viele individuelle Porträts gleichzeitig. Seine frühen Werke dieses Genres sprechen von dem großen Wunsch des Künstlers, um jeden Preis erfolgreich zu sein. Dies macht sich insbesondere in der Art bemerkbar, wie der Maler seinen edlen Modellen schmeichelte.

Ein Beispiel ist das zeremonielle „Porträt des Grafen Floridablanca“ (1783, Bank of Urquijo, Madrid), in dem der allmächtige Ministerpräsident in vollem Umfang in seinem Büro in allen Insignien der Macht und Macht dargestellt wird. Die persönlichen Gegenstände, die den Grafen umgeben, zeugen von seinen Hobbys, seine Figur auf dem Bild wird durch leuchtend helle Farben hervorgehoben und steht in scharfem Kontrast zu seiner Umgebung. Der Premierminister ist nicht der einzige, der abgebildet ist - sein Sekretär steht hinten im Raum und links von Graf Goya hat sich aus einem seiner Werke abgebildet. Auf dem Bild bemerkt Floridablanc andere nicht und schaut ruhig vor sich hin, das ist auch im Leben passiert. Der Graf reagierte kalt auf die Arbeit des Künstlers und bezahlte nicht einmal den Maler, der große Hoffnungen hatte, eine so einflussreiche Person zu treffen, und erwartete, einen Gönner in seinem Gesicht zu sehen.

Der Künstler lernte eine bittere Lektion und später, im selben Jahr, als er die Villa des Bruders des Königs von Spanien - Infanta Don Luis de Bourbon - besuchte, in der er sein Familienporträt malte, versuchte er nicht mehr, solch hohen Rängen zu schmeicheln Personen. In seiner Arbeit an diesem Bild wird der Wunsch, die Tiefe der Charaktere und die Individualität jedes Modells zu vermitteln, deutlich.

Die Komposition des „Familienporträts der Infantin Don Luis de Bourbon“ (1783, Stiftung Magnani Rock Fund Mamiano, Parma) basiert auf dem Prinzip alltäglicher Genreszenen. Die ganze Familie von Don Luis versammelte sich um einen kleinen Tisch, auf dem der Infant Solitaire auslegt. Das eigentliche Zentrum der Komposition ist jedoch keineswegs er, sondern seine Frau Maria Teresa, die in Licht gekleidet ist, als ob sie Kleidung scheint. Ihr Haar wird vom Friseur gekämmt, der hinter ihr steht. Auf der linken Seite der Leinwand zeigte sich Goya erneut bei der Arbeit an diesem Gemälde. Eine ziemlich große Leinwand (248 x 330 cm) demonstriert die gesteigerte Kunstfertigkeit des Künstlers. Dem Künstler ist es gelungen, die Charaktere der Helden taktvoll und gleichzeitig sehr realistisch zu vermitteln. Die Farbe der Arbeit basiert auf einer Mischung aus dunklen, warmen Farben mit leichten Akzenten von Blau und Grün, die der Leinwand einen sonoren, musikalischen Klang verleihen.

Nachdem er dieses Porträt geschaffen hatte, fand Goya endlich das, wovon er träumte - Bekanntschaft mit den einflussreichen und mächtigen Patroninnen, die zu den Herzoginnen Alameda Osuna und Alba wurden. Der Künstler schaffte es, mit beiden auszukommen, obwohl sie immer und überall Rivalen waren. Eine neue Etappe begann in seinem Leben, seine Karriere war nun zu einem raschen Aufstieg verurteilt.

Bald begann der Künstler mit der Arbeit an einem Porträt der Braut des Grafen Floridablanca. „Porträt der Marquise de Pontejos y Sandoval, Herzogin von Pontejos“ (1786, National Picture Gallery, Washington) wird im strengen Rahmen des Paradeporträts angefertigt. Der Stil der Arbeit ist sehr nah an den frühesten Werken dieses Genres. Die Figur der Marquise wird vor dem Hintergrund einer idealen Landschaft dargestellt (Goya wird diese Technik bis zum Ende des 18. Jahrhunderts für Frauenporträts verwenden), ihr gesamtes Bild ist natürlich und ruhig. Das schöne Seidenkleid der Heldin, das die Künstlerin mit großem Geschick bemalt hat, lenkt den Betrachter vom traurigen Ausdruck ihres Gesichts ab.

Zwei Jahre später wird Goya ein weiteres seiner berühmten Gruppenporträts schreiben - "Die Familie des Herzogs von Osun" (1788, Prado Museum, Madrid). In diesem Werk manifestiert sich bereits eine neue Art des Künstlers, die in Zukunft die auffälligste Manifestation seines individuellen Stils sein wird. Das Hauptmerkmal seiner Arbeit ist der Fokus auf den psychologischen Zustand seiner Helden. Gleichzeitig zeichnet Goya sorgfältig und meisterhaft die feinsten Details ihrer exquisiten Kleidung und ihres Schmucks, um die Aufmerksamkeit des anspruchsvollen Blicks namhafter Kunden von seiner eigenen Einschätzung ihrer Persönlichkeit abzulenken. Der Hintergrund der Porträts wird monophon, so dass nichts den Betrachter von der Betrachtung von Modellen ablenkt. Zu den auffälligsten Beispielen von Porträts aus dieser Zeit gehört das „Porträt von Don Manuel Osorio de Zoonig“ (1788, Metropolitan Museum of Art, New York).

Bald wurde endlich der Traum des Künstlers wahr - im April 1789 erhielt Goya die von ihm gewünschte Stelle eines Hofmalers. Ich muss sagen, der Erfolg drehte seinen Kopf so sehr, dass er anfing, die Herstellung von Pappe für Wandteppiche zu ignorieren. Dies führte den Künstler zum Ärger des Direktors der Manufaktur, der sofort eine Beschwerde an den König schrieb. Der alte Mentor des Malers Francisco Bayeu musste hart arbeiten, um seinen Verwandten wieder gutzumachen und den Skandal zu vertuschen. Zum Glück für Goya hat alles geklappt, und er begann leise am Hof ​​zu arbeiten und porträtierte die Machthaber. So schreibt er 1795 sein berühmtes "Porträt von Maria Theresia Cayetan de Silva, Herzogin von Alba" (Prado-Museum, Madrid). Das Bild der Herzogin ist sehr wirkungsvoll, ein weißes Kleid in scharfem Kontrast zu einem Schock aus lockigem schwarzem Haar und roten Akzenten in Form eines breiten Satingürtels, der die schmale Taille der Heldin enger macht, und mit roten Schleifen auf Brust und Haar. Diese kontrastreiche Farbkombination verleiht der gesamten Leinwand einen kräftigen Klang.

Gemälde der Kirche des Hl. Antonius

Neben ständigen Aufträgen für Radierungen und Porträts erhielt der Hofmaler Francisco de Goya sehr ehrenvolle und gewinnbringende Aufträge für die Erstellung monumentaler Gemälde. Deshalb beauftragte König Carlos IV. Den Künstler 1798, die Kuppeln und Wände des gerade fertiggestellten Tempels von San Antonio de la Florida zu bemalen.

Die Kirche wurde im Auftrag des Königs vom berühmten Architekten der Zeit Fontana erbaut, der es von 1792 bis 1798 schaffte, die Arbeiten in nur sechs Jahren fertigzustellen. Die Fresken des Tempels sollten über das Leben des heiligen Antonius berichten von Padua, dem Mönch der Franziskaner, der im 13. Jahrhundert lebte. Der heilige Antonius wurde sechsunddreißig Jahre lang als herausragender Redner berühmt. Geschichten und Legenden und sein tugendhaftes Leben, Wunder und gefühlvolle Predigten waren im ganzen Land bekannt, er wurde sogar die „Lampe des Ordens“ genannt.

Bei der Arbeit an den Fresken wurde dem Künstler völlige Handlungsfreiheit eingeräumt, und Goya nutzte diese Gelegenheit, um die traditionellen Kanone der Kirchenmalerei zu überdenken.

Der Tradition nach musste der gesamte Couponbereich bei der Gestaltung von Fresken mit Bildern von Engeln, einem Kreuz oder Christus belegt werden. Goya beschloss, dort eine Handlung zu veröffentlichen, die dem Wunder der Auferstehung der Toten durch den heiligen Antonius gewidmet war und vor einer verblüfften Menge aufgeführt wurde. Mit dieser Geste erhob der Künstler den Heiligen, dem der Tempel gewidmet war. Der Maler setzte Engel und Erzengel an die Wände und stützte Bögen, und kleine Engel besetzten die Segel.

Goyas Auferstehungsszene erhielt eine völlig realistische Interpretation. Der heilige Antonius wird mit seinen Gefährten dargestellt, umgeben von einem vielfältigen Publikum, das seine Handlungen aufmerksam beobachtet. Um dem Fresko ein Maximum an Realismus zu verleihen, konzentrierte sich der Künstler darauf, die Bilder gewöhnlicher Menschen zu vermitteln und die Menge so darzustellen, als ob sie direkt von den Straßen Madrids käme. Die kreisförmige kompositorische Lösung verleiht dem Werk den Effekt kontinuierlicher Bewegung und Dynamik. Im Gegensatz zu den realistischen Bildern des Zentralfreskos stellte Goya die Vertreter der himmlischen Armee als idealisiert und raffiniert dar. Das Gemälde dieses Tempels gilt immer noch als eines der besten monumentalen und dekorativen Werke von Goya.

Bild menschlicher Laster

Die 90er Jahre des 18. Jahrhunderts wurden zu einem Wendepunkt im Bewusstsein und in der Arbeit von Goya. Eine schwere Krankheit drängte, wie so oft, dazu, Leben und Werk des Künstlers neu zu überdenken. Die ersten Anfälle einer unbekannten Krankheit erlebten den Maler im Herbst 1792. Schwere Migräne, abwechselnd mit Schwindel, endete mit einer teilweisen Lähmung. Vor allem hatte der unglückliche Künstler Angst, das Augenlicht zu verlieren. Die Krankheit lähmte den moralischen Geist von Goya, er war ständig in einer düsteren Stimmung und seine Lieben fürchteten ernsthaft um sein Leben. Glücklicherweise endeten diese Attacken relativ gut, bereits im Frühjahr nächsten Jahres fühlte sich der Maler viel besser.

Im Sommer erholte sich der Künstler fast vollständig von der Krankheit, wenn auch nicht ohne Verlust. Die Krankheit beraubte ihn vollständig seines Hörvermögens, aber dies hinderte den Meister nicht daran, seinen Pinsel sofort nach der Genesung abzulegen. Das erlebte Leiden und die Todesangst weckten beim Künstler ein leidenschaftliches und echtes Interesse am geistigen und sozialen Wesen des Menschen. Er hat die Struktur der spanischen Gesellschaft mit anderen Augen betrachtet und sein eigenes Wertesystem überdacht. Die Lebensfreude und das Strahlen der Sonne haben das Werk des Künstlers lange Zeit verlassen.

All dies veranlasste den Maler, eine Reihe von Werken mit dem Titel "Caprichos" (Modeerscheinungen) zu schaffen. Es umfasste achtzig Radierungen, die zwischen 1797 und 1799 entstanden. In einer fantastischen grotesken Form spiegelte der Künstler die angespannte soziale Situation und die ganze schmeichelhafte Seite des spanischen Feudalordens wider.

Alle Zeichnungen verspotten menschliche Laster: Grausamkeit, Ignoranz, Feigheit, Täuschung, Selbstsucht, Leichtgläubigkeit, Gier und vieles mehr. Alle Radierungen der Serie basieren auf dem Kontrast von Licht und Schatten, ausgedrückt durch große schwarze und weiße Flecken. Goya zeigte bemerkenswertes symbolistisches Talent und großen Einfallsreichtum. Alle Caprichos Charaktere haben eine sehr lebendige Persönlichkeit, die das Laster ausdrückt, das sie darstellen. Die Posen, Gesten und Mimik der Helden sind so ausdrucksstark, dass es unmöglich wird, zu bestimmen, wo die Wahrheit ist und wo die Fiktion.

Die ersten Arbeiten aus der Capriccios-Reihe widmen sich hauptsächlich Laster, die weibliche Seelen konsumieren: Hinterlist, Unbeständigkeit und Täuschung. Auf diesen Blättern täuschen junge, liebe Frauen ihre Herren schändlich, und die hässlichen, alten Prokuratorinnen sind mit der Korruption unerfahrener Mädchen beschäftigt.

Beginnend mit Blatt 37 gibt es Zeichnungen, die der Unwissenheit gewidmet sind: Sie zeigen Bilder von Eseln, die heilen, Musik spielen, sich gegenseitig beibringen, Reden halten und für Affen posieren. Alle nachfolgenden Radierungen durch das Groteske zeigen uns deutlich, wie die moralische Hässlichkeit der Menschen böse Geister hervorbringt. In schwarzen Nächten führen Zauberinnen und Brownies ihre Riten durch, lachen, verziehen das Gesicht, versammeln sich am Sabbat und quälen ihre unglücklichen Opfer. Aber wenn die Sonne aufgeht, verschwinden alle Tiere nicht und sterben nicht. Sie verändern nur ihr Aussehen und werden zu gewöhnlichen, äußerlich respektablen Menschen. Und so endlos.

43 Blatt - ein Stich mit dem Titel „Der Traum der Vernunft gibt Monstern“ - ist einer der bekanntesten geworden. Goya gab ihm interessante Kommentare dazu: „Aus der Fantasie, die der Verstand aufgibt, entstehen beispiellose Monster, aber zusammen mit dem Verstand wird sie zur Mutter aller Künste und zur Quelle der Wunder, die sie hervorbringen. "In der Tat wurden solche Kommentare vom Künstler zu jedem Blatt der Sammlung gemacht, aber nach Ansicht der Zeitgenossen erschwerten solche Beschreibungen der Handlung seine Wahrnehmung weiter und schlossen seine Augen vor allen, die keine Ahnung hatten." „

Nach dem Plan des Malers sollten die „Caprichos“ die Landsleute aufmuntern und beschließen, sich ihrer von der Aristokratie auferlegten Position zu stellen. 1799 druckte Goya auf eigene Kosten dreihundert Exemplare der Serie. Vier Exemplare, noch bevor sie in den Verkauf gingen, wurden von der Herzogin von Osuna gekauft. Weitere 27 wurden in den nächsten Jahren verkauft. Zwar gewann Capriccios nach einiger Zeit immer mehr an Popularität bei romantischen Künstlern.

Die Entwicklung von Stil und Weltanschauung Während dieser ganzen Zeit hörte der Meister nicht auf, sich mit dem Porträt-Genre zu befassen, das ihm von der Hofaristokratie ständig befohlen wurde. Er wandte sich von der vorherigen, etwas oberflächlichen Interpretation der Figuren und Handlungen ab und wandte sich dem strengen intellektuellen Realismus zu. Die um die Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert entstandenen Gemälde zeichnen sich durch ein subtiles Ausdruckssystem künstlerischer Techniken aus, das es dem Künstler ermöglichte, die innere Essenz der Figuren vollständig zu enthüllen. Diese Arbeiten spiegeln bereits die neuen Tendenzen in der Malerei wider, die den visuellen Idealen der Epoche der Romantik nahe kommen.

Der Meister beginnt, der Psychologie immer mehr Aufmerksamkeit zu schenken, er versucht, die tragische Verdichtung der Persönlichkeit unter dem Joch der äußeren Umstände zu betonen. Goya scheint das Potenzial eines Individuums zu schätzen, unabhängig von seinem sozialen Status. Dies äußert sich häufig in ätzendem Sarkasmus, der in einer Reihe von Porträts der Mächtigen deutlich zu erkennen ist. Eine weitere Besonderheit der neuen Schaffensperiode des Künstlers war die reiche Farbpalette und das betont plastische Volumen, silbergrau, luftige Farbe der 1790er Jahre war für immer in der Vergangenheit.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts erhielt Goya von der königlichen Familie einen Großauftrag zur Ausführung einer Reihe ihrer Porträts. Eines der bemerkenswertesten Werke dieser Zeit war das „Porträt der Familie von König Carlos IV.“ (1800, Prado-Museum, Madrid). Während der Ausführung dieser großformatigen Leinwand (Abmessungen 280 x 336 cm) gelang es dem Künstler, separate Porträts von jedem Mitglied der gekrönten Familie zu erstellen. Die Arbeit am Familienporträt selbst dauerte etwa ein Jahr.

Das erste, was auffällt, wenn man sich dieses Bild ansieht, ist die Pracht der Kostüme aller Mitglieder der königlichen Familie, die mit großem Geschick geschrieben wurden. Luxuriöse Stoffe, schwerelose Schleier, schillernde Juwelen und Insignien der Macht überschatten die Bilder der Helden. Dieser Effekt wurde vom Künstler gesucht. Wenn Sie sich die eingefrorenen, pompösen Gesichter der Familienmitglieder genau ansehen, können Sie die subtilen psychologischen Merkmale feststellen, die Goya jedem einzelnen von ihnen verlieh.

Zum Beispiel wurde das Bild von Queen Mary Louise mit fotografischer Klarheit gemalt. Die Malerin zeigte realistisch ihre Hakennase, das Doppelkinn und die dünnen Lippen, die zu einem Lächeln gespannt waren. Maria Louise steht in der Mitte der Leinwand, um sie herum stehen jüngere Kinder, links König Carlos IV. Und rechts der Königin ihr ältester Sohn in einem blauen Seidenhemd. Anschließend wird er ein Tyrann Ferdinand VII. (Blick auf sein böses Gesicht). Neben Ferdinand ist seine Braut, sie wandte sich vom Betrachter ab, da zum Zeitpunkt des Schreibens des Bildes eine Einigung über deren Heirat nicht erzielt wurde. In der linken Bildecke, im tiefen Schatten, malte Goya sich.

Das Porträt vermittelt auf subtile Weise Beziehungen innerhalb der Familie. Wenn Sie darauf achten, wie die Charaktere des Bildes stehen, fällt auf, dass sie wie eine fragmentierte, gefrorene Menge aussehen, die die gesamte Leinwand ausfüllt. Der Künstler betont bewusst die Inkonsistenz seiner Ansichten und Gesten. Und die Farbe des Bildes selbst basiert auf einer verstreuten Kombination ungewöhnlich bunter Flecken.

Trotz der Tatsache, dass keiner der gekrönten Familienmitglieder auch nur einen Hauch von Empörung über das fertige Werk zeigte (die Königin machte sich sogar über ihr „erfolgloses“ Auftreten lustig), war die Leinwand der letzte Auftrag, den die Künstlerin von der königlichen Familie erhielt.

Die bedeutendsten Werke des Künstlers dieser Zeit (1800 - 1803) waren jedoch die Leinwände „Dressed Swing“ und „Naked Swing“ (Prado Museum, Madrid). Vermutlich sind diese beiden Werke im Auftrag von Ministerpräsident Manuel Godoy entstanden. Quellen zufolge lauteten die ursprünglichen Namen der Bilder „Gypsy Dressed“ und „Gypsy Nude“. Das weibliche Bild, das die Künstlerin auf diesen Leinwänden schuf, verkörperte eine lebendige und sinnliche Schönheit, die in scharfem Kontrast zu den kalten Kanonen des Akademismus stand. Zuverlässige Informationen über die Identität des Mädchens, das als Vorbild für diese Arbeiten diente, wurden nicht aufbewahrt. Einer Version zufolge war es Godoys Geliebte, anderen zufolge die Herzogin von Alba, die Gerüchten zufolge eine ziemlich lange Beziehung zu dem Künstler selbst hatte. Richtig, es wurden keine wirklichen Beweise dafür gefunden.

In den nächsten zwei Jahren, von 1804 bis 1806, schafft die Künstlerin eine Reihe interessanter weiblicher Bilder. Dazu gehören das Porträt von Francisco Sabas y Garcia (1804, National Gallery of Art, Washington), das Porträt von Dona Teresa Sured (1804-1806, National Picture Gallery, Washington) und das Porträt von Dona Isabel Cabos de Porsel (ca. 1805, National Gallery, Washington). London). Alle Leinwände sind frei geschrieben, anders als seine frühen, zurückhaltenden Arbeiten.Durch feinfühliges Mischen vieler verwandter Töne gelingt es dem Meister, eine sehr realistische Interpretation der Modelle zu erzielen. Die Gesichter junger Frauen sind von einem romantischen Impuls erfüllt und die Posen und Blicke sind voller Entschlossenheit. Dunkle Leinwände sind eine Hommage an die etablierte Tradition dieser Zeit, dennoch gelingt es dem Künstler, den satten Klang aller Farben und die unglaublich realistische Übertragung junger Mädchen zu erreichen. Ein weiteres Merkmal von Porträts ist, dass der Maler seine Outfits und Accessoires nicht auswählt, wie es in seiner früheren Arbeit der Fall war, und die Persönlichkeitsmerkmale der Heldinnen, ihren Charakter und ihre Psychologie.

Dann kreiert der Künstler eine weitere Arbeit mit unvergesslichen weiblichen Bildern - "Swinging on the Balcony" (1805-1812, Metropolitan Museum of Art, New York). Die Leinwand zeigt zwei schöne junge Frauen, die auf dem Balkon sitzen. Im Hintergrund sind in dunklen Farben die Silhouetten ihrer Begleiter ausgeschrieben. Die zerbrechlichen Figuren der Mädchen, ihr listiges Lächeln und ihre berührenden Augen sehen verlockend und attraktiv aus, aber das Aussehen ihrer Gefährten ist alarmierend und schafft ein Gefühl der Gefahr.

Bald brach ein Krieg mit Frankreich aus. Goya erhielt viele Regierungsaufträge für Porträts von Armeegeneralen und erstellte dazwischen Radierungen, die zu einer gemeinsamen Serie namens The Disasters of War zusammengefügt wurden. Insgesamt umfasst die Reihe rund achtzig Werke. In ihnen stellte der Maler Militäreinsätze ohne Verzierung dar. Kein Heldentum oder auffälliger Mut, nur was im Krieg tatsächlich passiert, ist die Verhärtung des menschlichen Herzens, das zu Gräueltaten und Verrat fähig wird.

Eine Reihe von Radierungen, die dem Krieg gewidmet waren, wurden zum Höhepunkt des realistischen Schaffens des Künstlers. Viele Werke spiegeln wider, was der Maler selbst über die Jahre gesehen und erlebt hat. Die ganze Tragödie des spanischen Volkes wird rücksichtslos, wahrheitsgemäß und ohne einen Tropfen Idealisierung dargestellt: Berge von Leichen, Plünderungen, Bränden, Hungersnöten, Hinrichtungen.

Es ist anzumerken, dass das Ziel des Malers in erster Linie nicht die dokumentarische Genauigkeit war, sondern der Ausdruck der Spannung und Tragödie, die er während der Kriegsjahre empfand. Der tiefe Subtext, die Kombination aus Realität und Groteske, Allegorie und Science-Fiction sowie eine nüchterne Analyse der Realität und die scharfe Ausdruckskraft, die durch scharfe Schwarz-Weiß-Kontraste erreicht wird, prognostizierten völlig neue Entwicklungspfade im europäischen Gravur-Genre.

Auf einer Pappe „Eine traurige Vorahnung dessen, was passieren wird“ (1810, Nationalbibliothek von Madrid) ist ein Mann in zerrissenen Kleidern abgebildet, seine Arme sind hilflos seitlich ausgebreitet, und seine Augen sind voller Verzweiflung und Tränen in einer lautlosen Frage zum Himmel. Im Hintergrund herrschen Chaos und Zerstörung, die Verluste, die die Hölle des Krieges unvermeidlich mit sich bringt. Radierung eröffnet die Serie "Disasters of War" und ist in der Tat sein Leitmotiv.

Alle Schrecken des Krieges durchlaufen eine Reihe von Radierungen einer unheimlichen und erschreckend realistischen Sequenz: unzählige Leichen, Gewalt gegen Frauen, Hinrichtung von Rebellen und Karren mit den Toten. Die Ereignisse und Bilder, die der Meister darstellt, vermitteln so genau das Wesen der Feindseligkeiten, dass sie als Illustration für jeden der bewaffneten Konflikte dienen können, die die ganze Menschheit erlebt. Für den Künstler war es wichtig zu betonen, dass die Opfer monströser zwischenstaatlicher Konflikte nicht nur Soldaten offizieller Truppen sind, sondern auch wehrlose Zivilisten: Kinder, alte Menschen, Frauen. Die Serie konnte erst 1863, nach 35 Jahren unter französischer Herrschaft, in Vollmontage herausgebracht werden.

Das Ende des ersten Jahrzehnts des 19. Jahrhunderts war eine schwierige, schwierige Zeit für Spanien. Die Unzufriedenheit im Land nahm ständig zu, und König Carlos IV. Erwies sich als willensschwacher und insolventer Politiker. Tatsächlich wurde das Land von seinem Ehepartner und ihrem Favoriten - Premierminister Manuel Godoy - regiert. Sie unterwarfen den König vollständig und verschwendeten die Staatskasse, wodurch Spanien fast völlig ruiniert wurde. Dies verursachte Unruhen in der Bevölkerung, die zu einer akuten Krise im Land führten.

1808 dankte König Carlos zugunsten des ältesten Sohnes Ferdinand VII. Ab. Während am spanischen Hof Verwirrung herrschte, ergriff Napoleon, der die Situation ausnutzte, den jungen Herrscher, setzte seinen Bruder Joseph auf den spanischen Thron und brachte seine Truppen ins Land. Der französische Kaiser motivierte sein Handeln ausschließlich mit guten Absichten, nämlich der Notwendigkeit, der reifen Revolution zu widerstehen. So begann der blutige Krieg Spaniens mit Frankreich.

In diesem Jahr schafft Goya sein Gemälde „The Colossus“ (1808, Prado Museum, Madrid), in dem er die gesamte Verwirrung und Spannung ausdrückt, die in der Gesellschaft herrscht. Der größte Teil der Komposition ist von einer riesigen Gestalt eines wilden Kolosses besetzt, der seine Fäuste ballt. Ein Riese geht durch spanisches Land und berührt Gewitterwolken. Sein Auftreten löst allgemeine Panik aus. Die Figur des Koloss verkörpert höchstwahrscheinlich die Gnadenlosigkeit des Krieges und bringt allgemeinen Untergang, Zerstörung und Chaos.

Im Herbst desselben Jahres verlässt der Künstler die Hauptstadt und geht nach Saragossa, das bereits von französischen Truppen zerstört wurde. Das Erscheinen der zerstörten und verbrannten Heimatstadt verblüffte den Maler bis in die Tiefen seiner Seele und gab ihm neue Impulse für die Kreativität.

Zu dieser Zeit hatte Madrid laut Nachrichten Fieber. Auf den Straßen sagten sie, die Franzosen wollten nicht nur verhaften, sondern sich mit der gesamten königlichen Familie befassen. Am 2. Mai 1808 versammeln sich Menschenmengen vor dem königlichen Palast in der Puerta del Sol. Sie fordern von den Franzosen den Beweis, dass der jüngste Sohn des ehemaligen Königs Carlos IV., Der dreizehnjährige Prinz Francisco de Paula, der unter den Menschen beliebt ist, noch am Leben ist. Allmählich wurde die Situation angespannt, und die aufgeheizten Spanier eilten, um den Palast zu bewachen. Sie wurden von einer bewaffneten Ablehnung getroffen. Einheimische sind mit ägyptischen Söldnern konfrontiert - Mamelucken.

Einige Jahre später, im Jahre 1814, stellte Goya die Szene dieses Ereignisses auf einer Leinwand mit dem Titel "Der zweite Mai 1808 in Madrid, der Aufstand gegen die Mamelucken" (Prado-Museum, Madrid) dar. Die Komposition des Bildes ist extrem intensiv, alles ist darin gemischt - Menschen, Tiere, Lebende, Tote und Verwundete. Die intensive rot-orange Färbung der Leinwand vermittelt perfekt die Atmosphäre sozialer Katastrophen.

Napoleons Truppen haben den Aufstand brutal niedergeschlagen. In derselben Nacht wurde auf Befehl des französischen Monarchen ein beispielloses Massaker an den überlebenden Rebellen durchgeführt. Hunderte von Madrid wurden ohne Gerichtsverfahren hingerichtet, nach vorliegenden Informationen hatten viele von ihnen keinerlei Bezug zum Aufstand.

Kein wirklicher Künstler oder Dichter kann gleichgültig bleiben, wenn er direkt Zeuge solcher Ereignisse ist. Francisco de Goya konnte es auch nicht. Sechs Jahre später schuf er das Gemälde „Das Schießen der Rebellen am 3. Mai 1808 in Madrid“ (1814, Prado Museum, Madrid), das von einer schrecklichen Tragödie erzählt. Das Bild zeigt uns eine Szene, die spät in der Nacht in einer Einöde außerhalb der Stadt passiert ist. An einem sanften Hang eines Hügels, beleuchtet vom ungleichmäßigen Licht einer großen Laterne, schießen französische Soldaten auf die gefangenen Rebellen. Der Maler präsentierte die Henker als gesichtslose, streng organisierte Messe. Im Zentrum der Arbeit steht ein junger Bauer in einem weißen Hemd. Er breitet die Arme aus, als würde er versuchen, seine Heimat mit seinem eigenen Körper zu schützen. Der Rest der zum Tode verurteilten Rebellen ist unterschiedlich vertreten. Jemand neigte gehorsam den Kopf,jemand lächelt trotzig direkt in die Henker, andere bedecken ihre Hände mit ihren Händen, aber keiner von ihnen versucht sogar zu fliehen. Der Hintergrund auf dem Bild sind die Silhouetten der Kathedrale, Türme, Häuser, die kaum von der Dunkelheit der Nacht zu unterscheiden sind. Die Komposition des Bildes ist so ausdrucksstark, dass es den Anschein hat, als würden ohrenbetäubende Schüsse die herrschende Stille durchbrechen. Die düstere und strenge Landschaft ergänzt die Atmosphäre einer bevorstehenden Tragödie.Die düstere und strenge Landschaft ergänzt die Atmosphäre einer bevorstehenden Tragödie.Die düstere und strenge Landschaft ergänzt die Atmosphäre einer bevorstehenden Tragödie.

Mit diesem Bild wollte der Künstler nicht nur die grausamen Ereignisse aus der Geschichte Spaniens vermitteln, um den Betrachter mitreißen zu lassen, sondern auch die moralische Überlegenheit des spanischen Volkes gegenüber seinen Henkern darstellen, die Rebellion des Nationalen zum Ausdruck bringen Geist.

Freiwilliges Exil

Mit dem Aufkommen von 1812 erlitt der Künstler eine persönliche Tragödie, die geliebte Frau Josephs starb. Der Künstler war sehr verärgert über den Tod einer treuen Lebensgefährtin, denn nach ihrer Abreise hatte er nur noch einen Sohn, der bereits 28 Jahre alt war. Es ist erstaunlich, dass Goya nichts über seine Frau schrieb und sie nur einmal auf dem Bild „Porträt von Josefa Bayu de Goya“ zeigte. Nach dieser Leinwand zu urteilen, war Josefa eine einfache freundliche Frau. Der Künstler selbst galt trotz seiner geringen Statur und seines unscheinbaren Aussehens als Frauenliebhaber, weshalb der bescheidene Josef möglicherweise nicht am gesellschaftlichen Leben der Gesellschaft teilnahm.

Wie jeder Maler erlebte Goya all seine Freuden und Leiden durch Kreativität. Nach dem Tod seiner Frau begann er mit der Erstellung einer Reihe von Radierungen, die das Werk von Nicolas Fernandez de Moratan veranschaulichen sollten: „Historische Aufzeichnungen zur Entstehung und Entwicklung des Stierkampfs in Spanien“. Heutzutage ist diese Serie als "Tavromahiya" bekannt, in der der Künstler die Furchtlosigkeit einer Person zeigte, die mit einem wilden und wilden Tier in den Kampf tritt.

Gegen Ende des zweiten Jahrzehnts des 19. Jahrhunderts beschloss Francisco de Goya, krank, müde und enttäuscht von der Politik der spanischen Behörden, die geschäftige Hauptstadt für die Privatsphäre zu verlassen. Er kaufte ein großes zweistöckiges Haus am Ufer des Flusses Manzanares, umgeben von großem Kulturland. Der Künstler zog mehr als eine in ein neues Heim, das als Haus der gehörlosen Nachbarn bezeichnet wurde, gefolgt von seiner entfernten Verwandten Leocadia Weiss mit seiner kleinen Tochter Rosarita. Über das Leben dieser Frau ist wenig bekannt. In Madrid war sie berühmt für ihr skandalöses Verhalten, aber der gehörlose Künstler war offensichtlich nicht verlegen.

Ende 1819 erkrankte Goya erneut schwer. Leocadia und Rosarita umwarben ihn und versuchten, seinen ernsten Zustand aufzuhellen. Dank dieser Sorgfalt und den Bemühungen von Dr. Eugenio Garcia Arrieta konnte sich der Künstler erholen und sogar wieder malen. Sein erstes Bild nach dem Leiden war seinem Retter gewidmet - "Selbstporträt mit Dr. Arrieta" (Institut für Kunst, Minniapolis) wurde bereits 1820 gemalt. In der Mitte der Komposition stellte sich der Meister selbst dar und lehnte sich zurück auf der Schulter eines jungen Arztes. Eugenio bringt dem Künstler ein Glas Heilbrühe auf die Lippen. Im Hintergrund sieht man in einem abgedunkelten Raum die Silhouetten von jemandem. Die Farbe des Doppelporträts ist harmonisch und ruhig. Unten auf der Leinwand die Anmerkung des Künstlers:„Goya dankt ihrer Freundin Arriet für die Aufmerksamkeit und Fürsorge, die ihm während einer gefährlichen Krankheit, die er Ende 1819 im Alter von 73 Jahren erlitt, das Leben gerettet hat. Er hat es 1820 geschrieben. "

Nachdem Goya seinen Gesundheitszustand verbessert hat, beginnt er mit der Arbeit an einer neuen Serie von Drucken mit dem Titel Los Proverbios (Sprichwörter), die 1864 von der San Fernando Academy herausgegeben wurden, obwohl sie unter einem anderen Namen bekannt wurden: "Disparates" ("Nonsense"). Auf 22 Kartons stellte Goya alle möglichen Absurditäten und Absurditäten dar - dies war die Interpretation nationaler Sprichwörter durch seinen Autor, die dem Künstler einen fantastischen Klang bescherte.

Gruselige Visionen

Im selben Jahr 1820 kehrte Goya zur monumentalen Malerei zurück und beschloss, die Wände seines Hauses zu streichen. So zeigte der Maler zum Beispiel an den Wänden eines großen Raumes im Erdgeschoss eine schöne junge Dame in vollem Wachstum - „Eine Frau in einem schwarzen Schal“ (Prado-Museum, Madrid). Es gibt keine genauen Informationen, aber vielleicht ist dies ein Porträt von Leocadia Weiss. Der Spanier steht in einer natürlichen Haltung und ruht mit einer Hand auf einem hohen Steinzaun, der den größten Teil der Komposition einnimmt. Der hellschwarze Schleier über dem Gesicht der Frau gibt dem Bild ein gewisses Geheimnis.

Dieses Wandgemälde ist das befriedetste aller Werke des Zyklus, in dem der Meister beschlossen hat, das verborgene Wesen des Menschen zu enthüllen. Kunstgeschichte hat Werke dieser Art noch nicht gesehen. Goyas Wandbilder sind von einem beängstigenden, teuflischen, unnatürlichen Prinzip beherrscht, bedrohliche Bilder erscheinen wie in einem Albtraum. Vielleicht hat der Künstler sie in einem Traum gesehen, der Glaube ist nicht nur ein Traum, sondern ein Delirium. Goya selbst erwähnte in einigen Briefen, dass er während seiner Krankheit schreckliche Halluzinationen erlitten habe, vielleicht waren es sie, die in den schwarzen Gemälden des Künstlers ihren Ausweg fanden.

Eines der auffälligsten ist das Fresko "Saturn, der seine Kinder verschlingt" (1820-1823, Prado-Museum, Madrid). Schwaches Licht entreißt der Dunkelheit den dünnen Körper eines Gottes, der in einem rasenden Wahnsinn sein eigenes Kind verschlingt und seinen Körper zerreißt.

Das Fresko „Pilgerfahrt nach St. Isidor“ (1820-1823, Mray Prado, Madrid) ist sehr aufschlussreich und zeigt, wie sehr sich das Weltbild des Künstlers verändert hat. Dieser Vergleich ist sehr anschaulich, weil Goya in seiner Jugend bereits ein Werk zu diesem Thema geschaffen hat: „Feste am Tag des hl. Isidor“ (1788, Prado-Museum, Madrid) zeigt einen der beliebtesten Feiertage der Madrider. Es ist eine jährliche Prozession zum Ufer des Flusses Manzanares, wo ein großes Picknick mit Tänzen veranstaltet wurde. Ein unverzichtbares Merkmal des Urlaubs war es, mehr Wasser aus einer Heilquelle zu trinken, die der Legende nach der heilige Isidor gefunden hatte. Auf der Leinwand von 1788 ist es ein bunter und fröhlicher Nationalfeiertag. Aber bei einem späten Werk an der Wand des „Hauses der Gehörlosen“ herrscht ein alarmierendes Gefühl des bevorstehenden Unglücks.Auf einem dunklen und düsteren Fresko auf trockenem Boden wandert eine Menschenmenge aneinander vorbei. Auf ihren Gesichtern liegen schreckliche Grimassen aus Schmerz, Angst, Entsetzen, tierischer Bosheit und Bosheit.

In demselben Sinne wurde das Werk „Sabbat der Hexen“ (1820-1823, Prado-Museum, Madrid) ausgeführt, obwohl es in helleren Farben gemalt war, der gesamte Raum darauf war von derselben „hässlichen“ Menge besetzt. Im Zentrum der Komposition steht eine schwarze Ziege in einer klösterlichen Soutane. Diejenigen mit einem gierigen Schimmer verrückter Augen lauschen der Personifikation des Satans. Der Künstler zeichnet diesen "dämonischen Stamm" und betont, dass die Menschen ihr menschliches Aussehen verloren haben, so dass ihre Gesichter wie die Gesichter von Tieren sind.

Alle Fresken des „Hauses der Gehörlosen“ haben einen seltsamen und kontroversen Charakter, sie erregen und erschrecken. Plötzlich blitzen weiße, gelbe und rosarote Flecken auf, die einzelne Bilder aus der Dunkelheit entfernen und sie dann im Gegenteil einhüllen. Alle fünfzehn Szenen wurden in dunklen Farben gedreht. Aufgrund der Tatsache, dass die Handlungen selbst unglaublich „dunkel“ sind, wurden die Fresken mit dem Spitznamen „Black Paintings“ bezeichnet. Sie befanden sich bis in die 1870er Jahre an den Wänden des Hauses, bis der neue Besitzer, Baron Emil Erlanger, ein Bankier und leidenschaftlicher Sammler, befahl, alle Grundstücke auf Leinwand zu übertragen. 1878 präsentierte er sie auf einer Ausstellung in Paris und drei Jahre später schenkte er alle Werke dem 1819 von Ferdinand VII. Gegründeten Prado-Museum in Madrid.

Umzug nach Frankreich und Tod eines Meisters

Die Fertigstellung der Fresken fiel zeitlich mit Veränderungen im Land zusammen. König Ferdinand VII. Hob 1823 die verfassungsmäßige Regierung auf, mit der Goya sympathisierte. Der Künstler, der noch Hofmaler war, begann um sein Leben zu fürchten und zog im Frühjahr 1824 nach Frankreich.

Er ließ sich in Bordeaux in einem kleinen gemütlichen Haus nieder und nahm Leona Leocadia mit ihrer Tochter mit. Zu diesem Zeitpunkt war der Künstler bereits sechsundsiebzig Jahre alt. Goya hat viel in Frankreich gearbeitet. Er schuf Porträts seiner Verwandten und Freunde in seiner Umgebung, beherrschte die Technik der Lithografie. Um 1828 schuf Goya das Werk „Thrush from Bordeaux“ (Prado-Museum, Madrid) und eine neue Serie von Radierungen „Bulls of Bordeaux“.

Kurz vor seinem Tod reiste der Maler nach Madrid, wo er seinen Sohn und Enkel besuchte. Der Maler starb am 16. April 1828, er war zweiundachtzig Jahre alt. Die Asche von Francisco de Goya wurde nach Spanien transportiert und im Madrider Tempel von San Antonio de la Florida beigesetzt, den der Meister vor vielen Jahren gemalt hatte.

Alle Arbeiten des Meisters hatten großen Einfluss auf die Entstehung und Entwicklung der Kunst des 19. Jahrhunderts. Wenige Jahre nach dem Tod des Künstlers wurde sein Beitrag zur künstlerischen Kultur europaweit bewertet.

Zhuravleva Tatyana