William Hogarth: Englischer figurativer Künstler, Genremaler Automatische übersetzen
Englische Kunst: Anfang des 18. Jahrhunderts
Die Bedeutung des großen englischen Graveurs und Malers William Hogarth erfordert eine kleine Einführung in den Stand der englischen Kunst zu Beginn des 18. Jahrhunderts.
Der Tod von Sir Godfrey Kneller im Jahr 1723 beendete die lange Dynastie ausländischer Künstler, die die englische Malerei zweihundert Jahre lang dominiert hatte, aber es gab noch keine Anzeichen für die Wiederbelebung, die das achtzehnte Jahrhundert zu einem so glorreichen Kapitel machte die Geschichte der englischen Kunst.
Knellers Schüler und Anhänger waren konventionelle "Porträthersteller", deren Arbeit weder Leben noch Charme besaß. Ihm wurde als Unteroffizier-Maler zum König nachgefolgt Charles Jervas (1675-1739), ein typisches Mitglied seiner Schule, denkwürdiger wegen seiner Einbildung und seiner Freundschaft mit dem Papst, dessen höfliche Verse gegenüber Jervas seiner Freundschaft mehr Ehre machen als seinem kritischen Urteilsvermögen. Jervas war jedoch nicht der beste Maler von Knellers Schule. Michael Dahl (1656-1743) und Jonathan Richardson (1665-1745) waren, obwohl kaum mehr als Nachahmer, Maler höherer Ordnung, und Sir James Thornhill (1676-1734) unternahm einen tapferen, wenn auch nicht sehr erfolgreichen Versuch erziehen Englische figurative Malerei aus dem ruck, in den es gefallen war.
Aber es blieb seinem Schüler und Schwiegersohn William Hogarth überlassen, das Englische wiederherzustellen Malerei der schönen Kunst zu Würde und Ehre. Es ist sinnlos zu versuchen, das plötzliche Erscheinen von Genie zu einer bestimmten Zeit und an einem bestimmten Ort zu erklären, und das können Hogarth, Reynolds, Gainsborough, Wilson, Turner, Constable und eine Reihe anderer großer Künstler in England nur innerhalb von hundert Jahren als Tatsache akzeptiert werden. Aber die Bedingungen änderten sich, und die Umstände des 18. Jahrhunderts waren für das Wachstum einer nationalen Schule weitaus günstiger als die des 16. und 17. Jahrhunderts.
Erweiterung der englischen Kulturbasis
Die religiösen und politischen Meinungsverschiedenheiten, die dem Bruch mit der mittelalterlichen Tradition gefolgt waren, sowie der Missstand in der Verwaltungstätigkeit der Stuart-Könige und die vergleichende Armut des Landes hatten im 17. Jahrhundert kaum Gelegenheit zur Verbreitung der allgemeinen Kultur in England gegeben. Aber mit dem achtzehnten Jahrhundert kam der innere Frieden, eine stabile Regierung, ein stetiger Anstieg des nationalen Wohlstands und eine damit verbundene Erweiterung der kulturellen Grundlagen.
Das hauptsächlich auf Hof und Adel beschränkte Patronat wurde auf eine wohlhabende obere und obere Mittelschicht ausgedehnt, deren Geschmack durch Reisen bereichert wurde. Das " große Tour "von Frankreich, Italien und Deutschland wurde Teil der Allgemeinbildung eines jungen Mannes von gemäßigten Mitteln, und ein Wissen über die Werke der alte Meister wurde unter einer viel breiteren Klasse in England verbreitet. Die langen Jahre der Regierung von Walpole waren eine Zeit der Ruhe und Erholung, in der das englische Volk Solidität und ein wachsendes Gefühl der Einheit und des Patriotismus erlangte, das noch nicht in die extreme Insellage späterer Zeiten entartet war. Der nationale Stolz wurde durch die künstlerischen Erfolge anderer Länder gestärkt und der Wunsch nach einer nationalen Schule geweckt. Die Werke von Claude, Poussin, und das Niederländischer Realist Die Meister erweckten einen Geschmack für die Landschaft, der den englischen Landschaftsmalern den Weg ebnete, die im frühen neunzehnten Jahrhundert das Gesicht der europäischen Kunst verändern wollten.
Auch im achtzehnten Jahrhundert entstanden Kunstschulen, es bildeten sich Künstlervereine, und zum ersten Mal fanden öffentliche Ausstellungen ihrer Werke statt, und schließlich die Königliche Akademie der Künste in London wurde 1768 unter der Schirmherrschaft von Georg III. gegründet.
Alle diese Faktoren haben zusammen das allgemeine Niveau der Künste erhöht, obwohl einige von ihnen letztendlich sowohl schlechte als auch gute Wirkungen hatten.
Seit der Gründung der Royal Academy ist das Schicksal der englischen Kunst eng damit verbunden, und die Royal Academy Schools waren, wie kritisch auch immer ihre Unterrichtsmethoden gewesen sein mögen, das Hauptkinderzimmer der Künstler in England. Aber zu Beginn des Jahrhunderts waren die einzigen Schulen die Ateliers der Porträtmaler, und diese hatten, obwohl die rein technische Ausbildung in ihnen wahrscheinlich gut war, nur eine herabgesetzte Tradition, die sie ihren Schülern weitergeben konnten. In einem dieser Ateliers, dem von Thomas Highmore, wurde Sir James Thornhill ausgebildet, und er hatte sich bereits als Porträtmaler einen Namen gemacht, als eine Reise durch Frankreich, Flandern und Holland seine Aufmerksamkeit auf die dekorative Malerei richtete. Nach seiner Rückkehr widmete er sich diesem Kunstzweig und dem Versuch, den Standard der Malerei in England zu erhöhen. Er führte nicht nur große Dekorationsprojekte durch, von denen die wichtigsten in St. Paul’s, im Greenwich Hospital und in Hampton Court angesiedelt waren, sondern gründete auch eine Kunstakademie in Covent Garden.
Dass Thornhill echte Begabungen hatte, beweist die Skizze für eine Dekoration, "Ein Wunder des hl. Franziskus", in der National Gallery, in der die blinkenden Rechtecke des Entwurfs tatsächlich an die Kunst von erinnern Tintoretto. Aber bevor die englische Malerei einen Neuanfang machen konnte, war es notwendig, zu etwas Einfacherem und Aufrichtigerem zurückzukehren. Die Arbeit von Rubens und die späteren italienischen Maler waren das Endergebnis eines langen Prozesses, in dem sich ihre kunstvolle und kultivierte Kunst langsam aus einfacheren Formen entwickelt hatte, die auf einem aufrichtigen Studium der Natur beruhten. Ihre Ergebnisse ohne die solide Grundlage nachzuahmen, auf der sie aufgebaut waren, bedeutete lediglich, künstliche Blumen ohne Leben und ohne Samen hervorzubringen. Weil die Kunst von Hogarth tief in seinem Leben und seinem eigenen Volk verwurzelt war, konnte er dem kranken Stamm der englischen Malerei Gesundheit und Kraft zurückgeben.
William Hogarth: Frühes Leben, sein Zugang zur Kunst
William Hogarth, der Sohn eines Schulmeisters und literarischen Hack, wurde 1697 am Ship Court in Old Bailey geboren. Um 1712 brachte ihn sein Vater zu Ellis Gamble, einem Silberschmied in der Cranbourne Alley in Leicester Fields, in die Lehre, von dem er etwas über die Prozesse erfuhr von Gravur und erlangte eine Handfertigkeit und Praxis im Design, die für ihn wertvoller waren als die Studio-Tricks, die er von einem der modischen Porträtmaler aufgegriffen hätte. Es heißt, er habe sich dem Zeichnen verschrieben, weil er den Humor des Londoner Lebens so festhalten wollte, wie er es sah, und er entwickelte ein System von Zeichnung durch Erinnerung, in der er sich abends die tagsüber gesehenen Dinge notieren konnte, die ihn beeindruckt und amüsiert hatten.
Dies war sicherlich der richtige Weg für ihn, um anzufangen. Seine künstlerische Sprache erwuchs aus seinen Gedanken und er zeichnete, weil er etwas zu sagen hatte, anstatt einen kunstvollen und künstlichen Stil zu lernen, der keiner Realität in seinem Geist entsprach. Nur so kann eine lebendige Kunst entstehen, denn genau wie in der Sprache die Worte genau zum Gedanken passen müssen, muss in der bildenden Kunst die Form die passende Kleidung für ein Bild im Kopf sein. Hier liegt die Schwierigkeit, von ausländischen Schulen zu lernen. Stil ist nur dann lebenswichtig und ausdrucksstark, wenn er genau vom innewohnenden Geist bestimmt wird und die künstlerische Sprache, die sich aus den Bräuchen, Traditionen und Denkgewohnheiten eines Menschen entwickelt hat, nicht zu denen eines anderen Menschen passen kann. Zu Hogarths Zeiten gab es trotz einer lebendigen englischen Sprache kein vergleichbares Symbolsystem, das für seine Malpraxis geeignet wäre, und so musste er sich eines selbst schaffen.
Ein Mann, der weniger hartnäckig, kämpferisch und selbstbewusst war als Hogarth, hätte versagt, aber er hatte genau die Eigenschaften, die es ihm ermöglichten, den modischen Oberflächlichkeiten des Tages zu widerstehen und selbst entschlossen und frech zu sein. Porträts von ihm zeigen einen Mann mit Kugelkopf, wachsamem Auge, kämpferischer Nase, festem Mund und dem Aussehen eines Cockney-Preiskämpfers, der bestraft werden kann. Natürlich war in dem Mann viel mehr als das, und unter all seiner Satire, Frechheit und seinem Humor lauerte dort die englische Poesie, das Gefühl und die Liebe einer zarten Schönheit, aber es waren die härteren Eigenschaften, die ihm die Macht gaben zu tun was er für die englische Malerei getan hat.
Frühe Arbeiten
Nach seiner Lehre bei Ellis Gamble fand er 1718 eine Anstellung in der Gravur von Wappen und Rechnungen. Sein frühestes bekanntes Werk war seine eigene Gravurkarte "W. Hogarth, Kupferstecher, 23. April 1720". Von dieser Arbeit ging er weiter zu Buchillustration und veröffentlichte 1724 das " Burlington Gate ", die erste seiner ursprünglichen Satiren.
Im selben Jahr wurde die Sir James Thornhill-Akademie in Covent Garden eröffnet und Hogarth besuchte sie, um das Handwerk zu erlernen Ölgemälde und im Laufe einiger Jahre hatte er begonnen, sich als Maler zu etablieren. Seine Platten zu Butlers Hudibras im Jahr 1726 hatten ihm bereits einen professionellen Ruf als Graveur eingebracht. Seine frühesten Bilder waren kleine Porträtgruppen oder " Gesprächsstücke ", wie sie genannt wurden, und von ihnen ging er zu den verschiedenen Reihen satirischer Moralvorstellungen über, mit denen sein Name hauptsächlich in Verbindung gebracht wird. Die erste davon, " The Harlot’s Progress ", wurde 1731 gemalt.
Inzwischen hatte sich sein Privatleben verändert. 1729 floh er mit der Tochter von Sir James Thornhill und ließ sich 1733 in Leicester Fields nieder, wo er für den Rest seines Lebens blieb. Von dieser Zeit an ist sein Leben hauptsächlich eine Chronik der Arbeit, aber 1748 unternahm er in einer der seltenen Friedensperioden eine unvergessliche Reise nach Frankreich, die Früchte im Bild des " Calais-Tors " trug, das sich heute im National befindet Galerie. Während er eine Skizze des alten Tors anfertigte, wurde Hogarth wegen Spionage verhaftet und, obwohl er später freigelassen wurde, bestätigte der Vorfall seine trukulente Insellage, die in diesem Bild volle Belüftung findet.
Hogarth schuf bis an sein Lebensende satirische Stiche und Gemälde , aber auch eine größere Anzahl Porträts, und ein paar Bilder im "großen historischen Stil", die mit seinen anderen Arbeiten nicht mithalten können. Spät im Leben veröffentlichte er seine " Analyse der Schönheit ", in der er seine eigenen ästhetischen Ideale zum Ausdruck brachte, und bemühte sich, einen bestimmten Kanon des Geschmacks zu etablieren. Im Jahr 1757 erhielt er einige offizielle Anerkennung in seiner Ernennung zum Sergeant-Maler des Königs, aber er starb am 26. Oktober 1764, vier Jahre zu früh, um eines der Gründungsmitglieder der Royal Academy zu werden.
Hogarths Kunstwerke: Einflüsse
Hogarths Werk, das die Unterscheidung zwischen Ölgemälde und Gravur außer Acht lässt, lässt sich auf natürliche Weise in vier Kategorien einteilen: Gesprächsstücke, satirische Moral, Porträts und historische Gemälde. In all diesen, mit Ausnahme der letzten, für die er weder die natürlichen Begabungen noch die Bildung besaß, zeigte er eine Kraft, Originalität und Erfindungsgabe, die der Kunst anderer sehr wenig zu verdanken war. Wenn Affinitäten zu finden sind, dann eher zu einigen Aspekten der Kunst Venedigs und Flanderns als zu seinen Zeitgenossen und Vorgängern in England. Aber von Anfang bis zum Ende seiner Karriere war er konsequent er selbst und solche Ähnlichkeiten, wie sie in seiner Arbeit zu finden sind Pieter Brueghel, Canaletto und Longhi sind wahrscheinlich zufällig. Wenn er sich überhaupt etwas geliehen hatte, war es nur das, was genau zu den Bedürfnissen seines persönlichen Ausdrucks passte, und es wurde ein wesentlicher Bestandteil seiner eigenen Arbeit.
Technisch war seine Malerei in der Tradition von Kneller, und dies war eine solide, fließende, direkte Malerei, aber bestimmte, fast kalligraphische Passagen von sehr flüssiger Farbe lassen vermuten, dass nur auf technischer Seite Canaletto, der 1745 nach England kam, etwas geschuldet hatte. Die Arbeit von Canaletto war in England vorher bekannt, und es ist zumindest möglich, dass Hogarth es studiert hat. Dass Hogarth die Arbeit von "Old Brueghel" kannte, ist höchst unwahrscheinlich, aber es gibt eine klare Verwandtschaft zwischen ihnen. Das Bindeglied bilden zweifellos die niederländischen und flämischen Low-Life-Maler des 17. Jahrhunderts, von denen einige Hogarths Arbeiten gekannt hätten. Dies ist ein Fall einer lebendigen Tradition, die mit Brueghel begann und wieder aufblühte, als sie an die Hand eines anderen großen Künstlers gelangte. Hogarths Reichweite war natürlich weitaus eingeschränkter als die Brueghels, und es gibt nichts in seiner Kunst, was mit den großartigen Landschaften am Ende von Brueghels Leben verglichen werden könnte, aber als Satiriker hatte Hogarth einen subtileren und durchdringenderen Witz und sein Werk wird von einer Art moralischer Empörung unterrichtet, die an den bäuerlichen Possenreißern von Brueghel nicht beteiligt war. Was sie gemeinsam haben, ist die direkte Reaktion eines starken und humorvollen Geistes auf die Schwächen und die Groteskheit des Lebens, wie sie es sahen, und die Fähigkeit, ihren Kommentaren eine formale Bedeutung zu verleihen, die sie davon befreit, einfach gemalte Witze zu sein.
Satirische Werke
Hogarth war nie ein Karikaturist, und er gerät nie in den Fehler, die Figuren in seiner Satire nur als Personifikationen von Laster oder Tugend zu bezeichnen. Bei aller Frechheit seiner grotesken Erfindung verliert er nie die Realität aus den Augen und so sehr seine Charaktere auch Gier, Trunkenheit oder Völlerei ausgesetzt sein mögen, sie bleiben Menschen mit anderen Möglichkeiten des Laster oder der Tugend. Sie sind rund konzipiert und nicht als unveränderliche Kartonprofile. Im Gegensatz zu vielen englischen Künstlern hatte Hogarth einen verschwenderischen Erfindungsreichtum, nicht nur von grotesken Typen und Begebenheiten. Diese sind zwar reich und vielfältig wie das Leben selbst, aber er ist ebenso erfinderisch in der formalen Gestaltung seiner Bilder.
Gesprächsstücke
Diese Eigenschaften kommen am besten in seinen satirischen Gemälden, Stichen und Zeichnungen zum Ausdruck Radierungen Aber auch in den kleinen Gesprächsstücken, mit denen er seine Karriere als Maler begann, sind sie zu finden. Die Mode für diese kleinen intimen Familiengruppen war von einigen der kleinen holländischen Meister festgelegt worden, deren Bilder in England bekannt waren, und in gewisser Weise war Hogarth für solche Arbeiten gut gerüstet. Sein Sinn für Charakter, seine scharfe Beobachtung und sein Talent für dramatische Gruppierungen waren hier sehr wichtig, aber sein Sinn für Humor, dem er sich nur schlauerweise hingeben konnte, musste für ihn ein gewisses Handicap gewesen sein. In diesen Bildern sind sowohl sein Sinn für Charakter als auch sein Humor ziemlich eingeschränkt, und die Schärfe seines Witzes ist abgestumpft, und sie sprechen einen so oft wie nicht durch das lächerliche Element an, das sich ebenso unerwartet eingeschlichen hat wie durch das Vollkommene Erfüllung der Bedingungen dieses schwierigen Genres. Doch auch hier zeigt Hogarth eine große Überlegenheit gegenüber zeitgenössischen Malern wie Joseph Highmore.
Satirische Moralbilder
Hogarth muss die engen Grenzen dieses Genres selbst gespürt haben, denn er wandte sich bald von Konversationsstücken zu den verschiedenen Moralreihen wie " Der Fortschritt der Hure", " Der Fortschritt der Harke " und " Ehe a la Mode " ) National Gallery London), in dem seine individuellen Kräfte einen viel größeren Umfang hatten, obwohl das rein erzählerische Element in ihnen manchmal seine Begabungen als Zeichner, Kolorist und Designer ein wenig verdunkelt.
Auf halbem Weg zwischen den Gesprächsteilen und den Satiren stehen seine Theaterbilder , wie z. B. sein Theaterinterieur, während einer Aufführung der Beggar’s Opera (Tate Gallery). Diese Bilder geben einen Hinweis auf einige der Qualitäten seiner Arbeit, die in keinem schlechten Sinne eher theatralisch ist. Tatsächlich beeinflusste das Theater seine Arbeit weitaus mehr als jeder lebende oder tote Maler.
Seine Bilder sind als Bühnenszenen oder Tableaus konzipiert, die vor einem mehr oder weniger konventionellen Hintergrund stehen, ohne dass ein Versuch unternommen wird, eine exakte Realität der Beleuchtung oder der Atmosphäre zu erreichen. Seine Ziele waren völlig dramatisch, und die Bühne lieferte ihm eine Reihe von Konventionen, die es ihm ermöglichten, seinen Charakter- und Handlungsbeschreibungen eine geballte Kraft zu verleihen.
Stil und Komposition
Er war kein Realist, sondern ein Schöpfer, und das Leben in seinen Bildern wird nicht in seiner groben Form dargestellt. Der Rohstoff seiner Kunst, das Leben seiner Zeit, hat sich in seinem Gehirn formalisiert, stilisiert und in das Gold seiner eigenen Schöpfung verwandelt. Wenn er sich mit dem Realismus zufrieden gegeben hätte, hätte er in seine Arbeit viel weniger Sinn hineingezwängt als er, und trotz moderner Ideen müssen wir erkennen, dass Hogarths unmittelbares Ziel in diesen Bildern darin bestand, eine Geschichte mit einer moralischen und moralischen Bedeutung zu erzählen dass die ästhetischen Qualitäten seinem Hauptzweck untergeordnet waren und daraus erwachsen. Damit seine Figuren die Geschichte so klar und nachdrücklich wie möglich erzählen, setzt er mehr als nur natürliche Posen, Gesten und Gruppierungen ein und erfindet für sein Bild eine Form, die der Form des Balletts am ehesten vergleichbar ist action ist stilisiert, um innerhalb der Grenzen des Mediums äußerste Ausdruckskraft zu verleihen.
Die Art und Weise, wie Hogarth mit diesen Einschränkungen umgeht und daraus positive Tugenden schafft, verleiht diesen literarischen Bildern ihre ästhetische Bedeutung. Um die Grenzen zu überwinden, die Unbeweglichkeit und Sprachlosigkeit seinen Figuren als Darsteller auferlegen, war er gezwungen, witzige Gesten und Posen zu erfinden, die im Leben überbetont wären, aber in der Vorstellungswelt seiner Bilder völlig zutreffen natürlich und angemessen. So wie auf der Bühne reiner Realismus flach und ineffektiv ist und Konventionen notwendig sind, um die Illusion der Realität zu vermitteln, schafft Hogarth seine Illusion, indem er ständig die Kanons des strengen Realismus verletzt. Wenn wir seine Bilder Zoll für Zoll betrachten, stellen wir fest, dass sie voller Hinweise auf die Geschichte sind und sowohl gelesen als auch angesehen werden können. Wenn er nur auf diese Weise seine Bedeutung hätte vermitteln können, könnten seine Bilder zu Recht als bloße literarische Kunst abgetan werden, aber so wie es ist, werden die Formen und Farben selbst durch einen Witz und eine Satire bestimmt, die sie zu einer formalen Arabeske formen.
Porträts
Hinter all diesem kreativen Einfallsreichtum steckt eine sehr einfache und männliche Moral, die ihre Triebfeder ist. In einer Zeit der Unverschämtheit, Schikane und Korruption steht Hogarth für die einfachen Tugenden von Ehrlichkeit, Nüchternheit und anständiger Liebe, und es ist diese Einfachheit des Gefühls, die seinen Bildern die weit verbreitete Anziehungskraft des altmodischen Melodramas, von Dickens , verlieh . oder von Shakespeare . Laster und Tugend sind in seinen Bildern klar erkennbar, und er hat den gleichen Geschmack und die gleiche Begeisterung für einen guten Bösewicht, der die großen populären Künstler aller Zeiten geprägt hat. Er genießt seine Bösewichte mit der Begeisterung von Shakespeare in Iago oder den mittelalterlichen Künstlern in ihren Teufeln. In seinen Porträts finden diese Merkmale in der Regel weniger Gültigkeit, aber in einem von ihnen, " Simon Fraser, Lord Lovat ", schuf Hogarth den besten Schurken in seiner ganzen Schurkengalerie. Dieses Bild steht zwischen seiner Moral und dem Rest seiner Porträts und ist eines seiner Meisterwerke. Lord Lovat wurde zum Tode verurteilt, als Hogarth sein Porträt malte, und man kann glauben, dass Hogarth sich durch die Einschränkungen, die normalerweise den Porträtmaler beschäftigten, nicht behindert fühlte. Im Ergebnis enthält es die meisten Tugenden der Porträts und der Moral. Nicht überladen mit literarischer Materie, hat es so viel Bosheit und Satire wie die "Ehe a la Mode" und ist so durchdringend wie die Porträts seiner eigenen Diener. Sicherlich war es ein Thema, einen Maler von Hogarths Geschenken zu inspirieren. Die große Johnson’sche Masse von Lovats Körper stützt einen Kopf, der genial schurkisch inkarniert ist. Keine Spur von Reue oder Bedauern ist in den Augen des schlauen alten Anwalts zu sehen, der in seinen Schurken dem Tod ins Auge blickt und sich bis zuletzt in ihnen rühmt.
Hogarth fand ein solches Thema nicht wieder, aber alle seine Porträts, auch die formalsten und amtlichsten, haben einen ausgeprägten Sinn für Charakter und sind direkte und männliche Präsentationen, die weder affektiert noch vorgetäuscht werden. Die Gruppe der Porträtköpfe seiner eigenen Diener ist die sympathischste von allen. Wie im Porträt von Simon Fraser fühlte sich Hogarth offensichtlich von jeglicher Zurückhaltung beim Malen befreit, und sie haben eine Intimität und Zärtlichkeit, die in seiner Arbeit eher selten sind, die aber gelegentlich sogar in den Satiren hervorschaut. Hier sind die verschiedenen Charaktere am subtilsten unterschieden, und es ist möglich, aus dem Bild die Beziehung zwischen Hogarth und seinen verschiedenen Dienern sehr deutlich zu lesen. Es gibt kein menschliches und aufschlussreiches Bild mehr.
Die anderen Porträts von Hogarth sind nicht ganz so hoch, aber diese beiden setzen einen Standard, den kein Porträtmaler ständig erreichen sollte. Das Porträt seiner Schwester (National Gallery) mit seiner Geldstrafe Farbe, scharfe Charakterisierung und Lebhaftigkeit des Ausdrucks, rangiert vielleicht neben ihnen, aber sein Niveau war konstant hoch, und es ist nicht leicht zu unterscheiden. " The Shrimp Girl " (National Gallery) kann kaum als Porträt bezeichnet werden, und diese brillante Skizze steht in Hogarths Werk ganz allein, sowohl in Bezug auf die Stimmung als auch auf die Technik. Es ist völlig ohne Satire und kann nicht einmal als Charakterstudie bezeichnet werden. Es ist einfach ein strahlender Ausdruck purer Lebensfreude, eine Freude, die jeden schnellen und gnädigen Pinselstrich mitteilt und eine flüchtige Schönheit auf dem Flügel festhält. Hogarths Kunst erreichte nie einen höheren Punkt als diesen. Technisch ist es ganz anders als sein anderes Werk, die Berührung ist so leicht und die Farbe so dünn und fließend wie bei Gainsborough – eine Art Impressionismus, den das Thema selbst hervorrief. Es ist ein weiterer Beweis für Hogarths reine Kunstfertigkeit, bei der die Technik untrennbar mit dem Thema verbunden zu sein scheint, das sie inspiriert.
Hogarth hatte keine unmittelbaren Anhänger, und obwohl sein direkter Einfluss auf die englische Kunst gering war, war er indirekt unkalkulierbar.
Hogarths Einfluss auf die englische Malerei
Direkt schulden ihm Karikaturisten wie Rowlandson, Gillray und Cruikshank etwas, und die didaktische Tendenz vieler späterer englischer Malerei lässt sich vielleicht auf ihn zurückführen, aber seine eigentliche Bedeutung lag darin, die englische Malerei mit dem Leben in Berührung zu bringen und sie vom Altbacken zu befreien Konventionen. Die Kenner seiner Zeit betrachteten ihn ebenso wie Reynolds als vulgären Maler, aber die Vitalität seiner Arbeit konnte niemand leugnen. Er fegte die abgestandene Atmosphäre des Verfalls weg wie ein großer Wind und hinterließ eine frische Luft, in der eine neue Kunst aufwachsen konnte. Er machte Kunst populär, indem er sich mit einem Leben befasste, das die Menschen in einem Geist kannten, den sie verstehen konnten, und durch seine Stiche brachte er seine Kunst in Klassen, die wenig von Bildern wussten. Obwohl die nachfolgenden Entwicklungen der Malerei im 18. Jahrhundert nicht direkt von Hogarth ausgehen, hat er sie ermöglicht und gilt zu Recht als Begründer der modernen englischen Malschule .
Von Hogarths unmittelbaren Zeitgenossen zeigt keine eine mit seiner vergleichbare Vitalität. Eine anständige technische Kompetenz und ein gelegentlicher Charme der Farbe sind alles, was ihnen gewährt werden kann. Typisch sind Joseph Highmore (1692-1780) und Thomas Hudson (1701-79), der Meister von Reynolds. Beide konnten sehr gut malen, was den Umgang mit Pinseln und Pigmenten angeht, aber sie brachten wenig Leben in ihre Arbeit. Highmore hatte zweifellos etwas Charme und einen gemäßigten Sinn für Charakter, was gut durch sein Porträt von "A Gentleman in murrey-brown velvet" (National Gallery) illustriert wird. Ein Vergleich seiner Illustrationen mit Pamela mit Hogarths Werken, die in der Nähe auf dem Trafalgar Square hängen, zeigt jedoch, wie arm und dünn seine Inspiration trotz einer gewissen Anmut war. Allan Ramsay (1713-84), der schottische Porträtmaler, gehört zu Highmore, zu dessen Werken seine Porträts eine gewisse Verwandtschaft aufweisen.
So blieb es der jüngeren Generation englischer Maler wie Reynolds und Gainsborough überlassen, die Fackel zu tragen, die Hogarth angezündet hatte.
Werke von Hogarth sind im zu sehen beste Kunstmuseen in Britannien.
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