image 193 National Museum of Women in the Arts

Die Malerei präsentiert eine vertikale Komposition, die sich um einen üppigen Sonnenblumenstängel gruppiert. Der Blick wird unmittelbar auf diesen zentralen Punkt gelenkt, der sich majestätisch gegen einen diffus beleuchteten Horizont erhebt. Die einzelnen Blütenköpfe sind unterschiedlich gereift; einige zeigen ihre volle Pracht in leuchtenden Gelb- und Orangetönen, andere wiederum weisen bereits Anzeichen von Welke und Verfärbung auf.
Die Darstellung ist nicht rein naturalistisch. Der Stängel wirkt überproportional groß im Verhältnis zur Umgebung, was eine gewisse Symbolik andeutet – möglicherweise die Kraft der Natur oder das Streben nach Licht und Wachstum. Die üppige Vegetation um den Sonnenblumenstängel herum wird in dunklen Grüntönen und Brauntönen gemalt, wodurch ein dichter, fast erdrückender Eindruck entsteht. Diese Dunkelheit verstärkt die Wirkung des helleren Sonnenlichts, das von oben auf die Blüten trifft.
Der Horizont ist unscharf gehalten und besteht aus einem sanften Farbverlauf von Gelb zu Orange, was den Eindruck eines untergehenden Tages oder einer Morgendämmerung erweckt. Zwei Vögel sind am Himmel angedeutet, sie scheinen in der Ferne zu schweben und verleihen dem Bild eine zusätzliche Dimension der Weite und Freiheit.
Die Malweise ist von einer gewissen Impressionistik geprägt; die Pinselstriche sind sichtbar und tragen zur Textur und Lebendigkeit des Werkes bei. Die Farbgebung ist warm und melancholisch zugleich, was einen ambivalenten Eindruck hinterlässt. Es scheint, als ob der Künstler nicht nur das äußere Erscheinungsbild der Sonnenblumen darstellen wollte, sondern auch eine tiefere Bedeutung in ihnen sah – möglicherweise die Vergänglichkeit des Lebens oder den Kreislauf von Werden und Vergehen. Die Kombination aus Vitalität und Verfall deutet auf eine Reflexion über die menschliche Existenz hin, eingebettet in die unerbittliche Kraft der Natur.