Guernica Pablo Picasso (1881-1973) Period of creation: 1931-1942

Die Kreativität von Pablo Picasso im Kontext des spanischen Bürgerkriegs. Guernica.

Der Inhalt von Guernica, als Hauptantimilitärisches Werk Picassos, wird im Kontext der vom Künstler des 20. Jahrhunderts eroberten Willen enthüllt: Es ist kein Zeugnis, sondern ein Ausdruck persönlichen Entsetzens über das Geschehene, keine historische Tatsache, sondern eine Reaktion darauf, ein Widerhall innerer Erschütterung.

Die Schreie der Kinder, die Schreie der Frauen, die Schreie der Vögel, die Schreie der Blumen, die Schreie der Bäume und Steine, die Schreie der Ziegelsteine, der Möbel, der Betten, der Stühle, der Katzen, der Zeitungen, die Schreie, die sich mit Staub vermischen, die Schreie des Rauchs, der Sie von hinten verbrennt, die Schreie, die in einem großen Kessel aufgekocht werden, und die Schreie der Vögel, die wie Regen in den Meer fallen und ihn überfluten. Mit diesen Worten endet ein poetischer Text Picassos, der seiner Serie von Radierungen Der Traum und die Lüge des Generals Franco (Anfang 1937) begleitete. Dies war die erste Reaktion des Künstlers auf den Krieg, der in seinem Heimatland Spanien zwischen Republikanern und Faschisten ausbrach. Selbst hier, in verbalen Bildern, gibt es keinen Hauch von Erzählung. In ihrem bösen Strom drückten sich Schmerz und Schrecken aus, aber nicht als vergängliche Zustände, sondern als Dunkelheit des Lebens. In diesem Kontext kann man von einer mythologischen Linie in Picassos Kunst sprechen, von seiner Ausrichtung auf zeitlose Wahrheiten, die über momentane Sensationen hinausgehen.

Und dennoch, zunächst einmal, als Guernica im Mai-Juni 1937 erstmals vor den Augen der Zuschauer stand, wurde es gerade als ein Gemälde zu einem aktuellen Thema betrachtet. Im Januar erhielt Picasso von der legitimen republikanischen Regierung Spaniens einen Auftrag für ein monumentales Werk für das Nationalpavillon auf der Weltausstellung, die im Sommer in Paris eröffnet wurde. Picasso mochte es nicht, im Auftrag zu arbeiten, nahm aber die Arbeit an und wählte das übliche Thema Der Künstler und das Modell. Nachdem er jedoch von dem Bombenangriff auf Guernica erfahren hatte, verzichtete er auf den ursprünglichen Plan. In diesen Umständen wäre es gleichbedeutend mit Geschwätz, einen Künstler darzustellen, der in der Stille seines Ateliers arbeitet, und im Wesentlichen eine Verharmlosung des Verbrechens.

Nachdem er zahlreiche Skizzen und Studien angefertigt hatte, zeigte Picasso seine eigene Vision des Ereignisses, über das zu dieser Zeit alle sprachen. Er kam durch die Analyse bereits geschaffener künstlerischer Formen zu seiner Komposition. In Guernica sind Einflüsse aus der Holzschnitt Der verzauberte Stallknecht von Hans Baldung Grien, aus den Skulpturenkompositionen auf den Frontispien antiker griechischer Tempel sowie aus eigenen Werken Picassos erkennbar, wie beispielsweise die Figur des gefallenen Soldaten in der unteren linken Ecke. Gleichzeitig hatte der Künstler im Auge, für welchen Ort sein Wandteppich bestimmt war, und zeigte denselben Fliesenboden, der sich im spanischen Pavillon befand.

Guernica wurde Teil des kollektiven Bewusstseins des 20. Jahrhunderts, weil das Gemälde Picassos eine eindringliche Erinnerung daran war. Im Jahr 1981 gelangte Guernica aus New York, wo es vierzig Jahre lang aufbewahrt worden war, nach Spanien. Das Land fand sein nationales Symbol gemäß dem Willen des Künstlers, der erklärte, dass sein Gemälde zum staatlichen Eigentum Spaniens werden sollte, sobald dort die Bürgerrechte wiederhergestellt waren. Heute befindet sich Guernica in Madrid, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, und seine Erhaltung wird von der Bank of England garantiert.

Sie sehen, mich interessiert überhaupt nicht die dunkle Seite des Lebens, sagte Picasso einem guten Freund und zeigte ihm Porträts seiner Tochter Maya. Und tatsächlich ist Das Mädchen mit dem Boot, das 1938 gemalt wurde, ein ganz normales Porträt. Die kindliche Unschuld zeigt sich in diesem unbeschwerten Bild eines Mädchens mit großen Augen, Kätzchen und einem Boot in den Händen. Die naive Lebensfreude, die möglicherweise angesichts der Umstände dieser Zeit heikel und unangemessen ist, schlägt auch in der aus Kinderzeichnungen entlehnten Stilistik durch. Picasso widmete seiner Familie, also Marie-Thérèse und ihrer Tochter, viel Aufmerksamkeit und fand darin Unterstützung, um Kraft für größere, bedeutsame Werke zu sammeln, die von der Öffentlichkeit erwartet wurden.

Die Augusttage des Jahres 1939 markierten das Ende einer langen Phase der Ruhe für viele Jahre – nicht nur für Picasso, sondern auch für ganz Europa. In dem Gemälde Nachtfischen in Antibes herrscht eine Atmosphäre fröhlicher Idylle, die Picasso an den Werken von Henri Rousseau so schätzte. Die Szene des Fischens unter dem Mond ist erfüllt von harmonischen Farb – und Lichtnuancen. Der Mondschein lockt die Fische an, und die Fischer fangen sie mit ihren Harpünen. Das präzise eingefangene Motiv und seine Anordnung erinnern an frühere klassische Orientierungspunkte Picassos, die er für eine Weile vergessen hatte. Aber vielleicht ist der erste Eindruck irreführend. Dringen nicht fremde Geister in diese nächtliche Szene, die wie ein Traum wirkt, und verbreiten sie Schatten, die von einer seltsamen, ungewöhnlichen Farbgebung Picassos hervorgerufen werden? Farbtöne von Blau, Schwarz und Grün koexistieren mit trüben Braun – und Lilatönen, die das Profil von Antibes verschlingen, das im oberen linken Teil des Gemäldes zu erkennen ist. Und auf den blassen Gesichtern der Fischer scheint eine Angst vor dem Unglück widerzuspiegeln, das hereinbricht.

Picasso verabschiedete sich für sechs Jahre vom Mittelmeer. In Paris, das von den Nazis besetzt war, fühlte er sich wie im Gefängnis, arbeitete aber weiter. Er hielt sich lange Zeit von der Außenwelt fern, und vielleicht ist es gerade deswegen, dass seine Produktivität so hoch war. Aber jetzt wusste die Öffentlichkeit nichts mehr über ihn. Er zog sich in eine innere Emigration zurück, und für ihn wurde die Kunst mehr denn je ein Mittel zum Überleben. Während des Zweiten Weltkriegs fanden viele Künstler einen Ausweg im Rückzug. Max Beckmann suchte Zuflucht in Amsterdam, während Otto Dix am Bodensee Zuflucht fand und gemütliche Ecken auf dem Gebiet des Dritten Reiches fand. Im April 1942 malte Picasso Stillleben mit Ochsenkopf. Die trübe Dunkelheit vor den Fenstern dringt in den Raum ein, erzeugt eine unheimliche Atmosphäre und beleuchtet den Tisch, auf dem weiße Knochen mit dunklen Augenhöhlen liegen. Vielleicht konnte Picasso aufgrund der Nahrungsmittelknappheit einfach kein traditionelles Stillleben mit einem Tisch schaffen, der mit allen möglichen Speisen beladen war. Aber es ist wahrscheinlicher, dass dieses Gemälde ein Zeugnis der Hoffnungslosigkeit ist. Es wurde an dem Tag gemalt, als Picasso die Nachricht vom Tod seines alten Freundes, des Bildhauers Julio González, erhielt, mit dem er früher in Bougival zusammengearbeitet hatte. Der Schmerz des Künstlers um seinen verstorbenen Freund vermischte sich mit der Verzweiflung der Zeit und schuf ein düsteres Stillleben, das an Aussagekraft Werken der christlichen Mittelalterkunst ebenbürtig ist.

Aber noch hat dieser Symphonie des Todes keinen abschließenden Akkord ertönt. Mit der Befreiung von Paris im August 1944 trat Picasso wieder vor die Öffentlichkeit, die ihn mit noch größerer Freundlichkeit empfing als zuvor. Lange Zeit verehrten sie ihn als großen Künstler, und jetzt kam noch Respekt für seine moralische Haltung während der Besatzungszeit hinzu. Er war nie bereit, sich dem Nazi-Regime zu beugen, und aufgrund seiner eigenen Überzeugungen sowie des Einflusses politischer Freunde trat er im Jahr der Befreiung von Paris in die Kommunistische Partei Frankreichs ein. Aus seiner Lebenserfahrung kam er zu dem Schluss, dass sein radikaler Individualismus nicht mit der Teilnahme am gesellschaftlichen Leben unvereinbar sei.

Das Schlachtfeld von 1945 setzt die Linie fort, die mit Guernica begann. Die Verwandtschaft der beiden Gemälde zeigt sich in ihrer gedämpften, fast monochromen Farbgebung und im Kompositionsaufbau, der durch ein zentrales Dreieck bestimmt wird. Aber jetzt haben die Ereignisse der Wirklichkeit jeden Albtraum übertroffen. Jetzt konnten alle sehen, welche Monster der menschliche Geist hervorbringen kann. Millionen Menschen wurden wie Vieh in diese Reihen getrieben, und Picasso verkörperte diesen bildlichen Ausdruck in einer Ansammlung von Leichen. Die Zerstörung der Form in diesen verdrehten, verstümmelten Figuren hat eine Grenze überschritten... Es stellte sich heraus, dass Guernica bei all seiner schonungslosen Darstellung nur ein blasser Schatten der Grausamkeiten der realen Welt war.

Das Schaffen von Pablo Picasso ist zeitlos. Es existiert außerhalb ihrer Grenzen. Die Kraft und die unglaubliche, in gewisser Weise scharfe und furchterregende Menschlichkeit des Schaffens, der komplexe Konflikt zwischen Persönlichkeit, Individualität und tiefem Pazifismus – das sind die Merkmale, die dem Werk des Meisters eigen sind. Für Spanier ist er ein Eigenes, ein Volkskünstler. Für Franzosen ist er ein französisches Genie. Und für die ganze Welt ist er ein internationaler, unerschütterlicher Botschafter des Friedens, der in den schwierigsten Momenten, an den verzweifeltesten Tagen sein eigenes Wesen bewahrte. Und zwar ein Mensch in jeder Hinsicht dieses Wortes.

Eine leuchtende und zugleich schwere Periode, die Zeit des Bürgerkriegs und des Weltkriegs, offenbart das kreative Genie von Picasso. Seine Werke sind ein Vorbild für wahre Kunst, für Kunst nicht um ihrer selbst willen, sondern für das höchste, kosmogonische Ideal, nämlich für den Frieden. Wie Picasso selbst sagte: Ich suche nicht, ich bin immer auf der Suche.

Pablo Picassos wohl bekanntestes und umstrittenstes Werk „Guernica“ wurde von der spanischen Regierung in Auftrag gegeben, um es auf einer Weltausstellung in Paris zu präsentieren. Als Thema für dieses Gemälde diente die Bombardierung des kleinen spanischen Ortes Guernika im Jahr 1937.

Der Hintergrund der Entstehung ist wie folgt: In diesem Zeitraum tobte in Spanien ein Bürgerkrieg. Am 26. April 1937 wurde ein tragischer Tag in der spanischen Geschichte: Eine Einheit von Luftwaffen-Freiwilligen namens „Condor Legion“ erhielt die Erlaubnis, den Ort Guernika anzugreifen. Im Laufe mehrerer Stunden wurde das kleine Guernika bombardiert: Die Stadt wurde fast vollständig zerstört, und ein Großteil der Bevölkerung starb unter den Trümmern. Brände wüteten noch drei Tage nach dem Angriff in der Stadt. Die Tragödie von Guernika verfolgte die ganze Welt.

Das Gemälde wurde vom Künstler in nur einem Monat geschaffen. Beeinflusst davon schuf der Künstler 12 Stunden am Tag seinen unglaublichen Meisterwerk. Als er das Bild jedoch auf der Ausstellung in Paris präsentierte, war der Künstler enttäuscht. Das Bild beeindruckte nicht nur die Besucher, sondern verursachte stattdessen eine Welle von Unzufriedenheit und Ablehnung. Viele Zuschauer, sogar renommierte Kunstexperten, hielten das Bild für unkünstlerisch und sogar für Picassos schlechtestes Werk.

Was ist also „Guernica“ von Picasso?

Ein riesiges Schwarz-Weiß-Gemälde mit schematischen Darstellungen von Menschen, Tieren, Szenen von Gewalt, Tod und Schrecken, ausgeführt im Stil des Kubismus. Die Schwarz-Weiß-Palette ähnelt einem Zeitungsausschnitt und verdeutlicht die Essenz des Krieges. Alle Handlungsstränge des Bildes sind chaotisch dargestellt, was es schwierig macht, sich auf eine bestimmte Szene oder Figur zu konzentrieren.

Alle Darstellungen im Bild sind sehr symbolisch. Die Handlung spielt in einem einzigen geschlossenen Raum, was ein Gefühl der Hoffnungslosigkeit erzeugt. In der linken Seite ist eine Frau abgebildet, die ihr Kind trauert, das sie auf dem Arm trägt, während eine Kuh über sie hinweg blickt. Viele Forscher des Werkes des Künstlers sind der Ansicht, dass das Bild der Kuh die Macht Spaniens symbolisiert, die die Bombardierung der Stadt zuließ. Andere sehen in der Kuh die Verkörperung des Faschismus. Ebenso interessant ist das Bild eines Pferdes, das im Zentrum der Komposition dargestellt ist. Die Flüche, die aus seinem Maul kommen, sind auf die Kuh gerichtet, während Nase und Zähne des Pferdes in Form einer menschlichen Schädel geformt sind.

Ebenso interessant ist das Bild eines Soldaten, der unter dem Pferd stirbt. Seine Hand, abgeschnitten im Kampf, hält ein Schwert, aus dem eine Blume wächst. Auf den Händen kann der aufmerksame Betrachter Vernarbungen sehen, als Anspielung auf ein christliches Symbol des Leidens. Und obwohl der Künstler selbst alles andere als religiös war, bedient er sich zur Verstärkung der emotionalen Wirkung auf den Betrachter gut bekannte Symbole.

Auf dem Gemälde sind noch weitere interessante Details zu erkennen. Zum Beispiel sind menschliche Zungen in Form von Dolchen dargestellt, während ein Kuhschwanz in eine Flamme übergeht und eine Glühbirne stark an einen Zigeunertalisman erinnert, der als „böse Auge“ bekannt ist.

Недаром эта картина находится под пуленепробиваемом стеклом. Это стекло во первых несколько задерживает негативную энергетику идущую от полотна, во-вторых защищает от покушения. Мои утверждения небезосновательны. Одна женщина (известная в городе художница), рассказывала как побывав на оригинальной выставке П. Пикассо, она выходила оттуда явно подавленная с подкошенными ногами. Хотя я думаю, надеялась увидеть нечто большее