Edgar Ilère Germain Degas (1834–1917) Automatische übersetzen

Edgar-Germain-Hilaire de Ga oder Edgar Degas, wie ihn die ganze Welt kennt, wurde in Paris in eine wohlhabende Adelsfamilie hineingeboren. Die Kindheit des zukünftigen Künstlers fand in einer Atmosphäre der Liebe und Ruhe statt. Edgar zeigte schon in jungen Jahren Liebe und Fähigkeit zum Zeichnen, und obwohl sein Vater wollte, dass er Anwalt wird, konnte nichts den jungen Mann davon abhalten, die Kunst des Malens zu studieren. Der Mentor des jungen Degas an der Paris School of Fine Arts war der damals berühmte Künstler Lamot. Richtig, nach nur einem Schuljahr verlässt Degas 1856 unerwartet Paris für alle und verlässt es für fast zwei Jahre, um in Italien zu leben.

Edgar Degas Paintings [Extern]

Der formelle Grund für die Reise war der Wunsch, seine väterlichen Verwandten zu sehen. Aber es waren nicht sie, die ihn nach Italien zogen, sondern die Gelegenheit, mit den herausragenden Kunstwerken der großen Künstler der Renaissance in Kontakt zu treten.

Der Künstler reiste viel und besuchte alle wichtigen kulturellen Zentren des Landes - Florenz, Rom und Neapel. In jeder Stadt studierte er mit großer Aufmerksamkeit die Werke der großen Maler der Vergangenheit. Die Degas waren am meisten beeindruckt von den Leinwänden von Paolo Veronese und Andrea Mantegna, die zu seinem Ideal wurden.

Die ersten kreativen Experimente

Zwei Jahre später lernt der junge Künstler Gustave Moreau kennen, der später für ihn nicht nur Kamerad, sondern auch Mentor wurde. Moreau studierte leidenschaftlich Malerei und gab ihm seine ganze Zeit. Um die Essenz der Harmonie zu verstehen, interessierte er sich leidenschaftlich für die Werke von Tizian, Leonardo da Vinci, Raffael, Caravaggio und Veronese und versuchte, ihr System der Farbgestaltung zu spüren. Moreau zog es vor, seine eigenen farbenfrohen Kompositionen in Aquarellen oder Pastellen aufzuführen. Der junge Degas war so beeindruckt von der Arbeit eines älteren Genossen, dass er sich auch diesen Techniken zuwandte. Es sollte beachtet werden, dass Moreau einen starken Einfluss auf den jungen Künstler hatte, aber wenn Gustave der Farbe den Hauptplatz zuordnete, dann behauptete Edgar Degas (besonders zu Beginn seiner Arbeit) den Vorrang der Zeichnung, da er sicher war, dass es sich um eine handelte „Fruchtbareres Betätigungsfeld“.

In Italien beginnt der Maler die Suche nach seinen individuellen künstlerischen Ausdrucksmitteln. Als Grundlage seines eigenen Stils wählt Degas die konstruktive Konstruktion der Form durch ihre realistische Interpretation. Daher zeichnen sich die frühen Arbeiten des Künstlers durch ein scharfes und genaues Muster aus.

Viele Werke von Degas, die sich auf diese Zeit beziehen, zeichnen sich durch besondere Ausdruckskraft aus, die sich aus der exakten Reproduktion der Realität ergibt. Dies zeigt deutlich sein Gemälde "Roman Beggar" (1857, Art Museum, Birmingham). Das Bild der Heldin selbst auf dieser Leinwand erhält eine unglaublich realistische und sogar harte Interpretation, während der Raum um sie herum willkürlich dargestellt wird. Eine müde alte Frau sitzt gedankenverloren an der Schwelle des alten Hauses und blickt neugierig in die Ferne. Nicht nur ihre abgetragenen Klamotten, sondern auch scheinbar unachtsam im Vordergrund platzierte Gegenstände erzählen vom schwierigen Leben der Heldin: ein Stück Brot und ein alter Topf mit halb aufgegessenem Essen mit angeschlagenem Rand. Degas führte die kompositorische Konstruktion der Leinwand nach den Grundsätzen der alten Meister durch, wählte jedoch als Modell keine raffinierte schöne Dame, sondern eine einfache Frau, deren Bild überhaupt nicht idealisiert ist.

Trotz der Tatsache, dass das Bild durch eine bestimmte grafische Struktur der Komposition gekennzeichnet ist, weist es eine subtile Farbmodellierung auf und die tonale Aufbereitung wird auf genaueste Weise überprüft. In der Tat gelang es dem Künstler, mit nur vier Farben eine überraschend harmonische und ausdrucksstarke Art italienischen Bettlers zu kreieren.

Bei der Arbeit wird dem Ornament viel Aufmerksamkeit geschenkt, als würde es den gesamten umgebenden Raum „neu beleben“. In diesem Gemälde gelang es Degas, das grundlegende künstlerische Problem, das den Maler während seines Studiums in der Klasse von Louis Lamot beschäftigte, sehr gekonnt zu lösen - das Verhältnis der Figur des Helden zum umgebenden Raum.

Im Frühjahr 1859 kehrte Edgar Degas nach Paris zurück. Nachdem der Künstler ein wenig im Elternhaus gewohnt hat, zieht er in eine große Werkstatt im 9. Arrondissement in der Rue de Laval. Dort beginnt er zu kreieren und wendet sich zunächst einem historischen Thema zu. Degas versucht ihr eine neue Interpretation zu geben, die für die frühen Werke dieses Genres nicht charakteristisch ist.

Ein Beispiel ist das Gemälde „Junge Spartaner rufen die Spartaner zum Wettbewerb auf“ (1860, National Museum, London). Hier versuchte Degas, den klassischen Kanonen der bildenden Kunst zu folgen, sie mit lebendigen und genauen Beobachtungen aus dem wirklichen Leben zu erneuern. Der Meister ignorierte die bedingte Idealisierung der antiken Handlung völlig. Die Figuren, die er darstellte, ähneln eher modernen Teenagern, die aus Pariser Straßen stammen. Dies macht sich vor allem in einigen kantigen Bewegungen der von ihm dargestellten Figuren bemerkbar, die in einer etwas stilisierten Landschaft stehen.

Die Figuren der Jugendlichen werden parallel zum unteren Rand der Leinwand in einem einzigen Raum des ersten Plans platziert, was der Szene große Überzeugungskraft verleiht, ohne den dekorativen Rhythmus zu verlieren. Statische Posen junger Männer sprechen über den Einfluss der neoklassischen Kunst. Der Künstler betont den Realismus der Szene mit Hilfe einer subtilen psychologischen Interpretation der Gesichter jeder Figur. Gleichzeitig ist das wichtigste Ausdrucksmittel auf der Leinwand, wie in früheren Arbeiten, eine elegante musikalisch-plastische Linie. Die Farbe des Bildes, die auf einer begrenzten Farbkombination basiert, verleiht der Leinwand ein Gefühl strenger Klarheit und Ausgeglichenheit.

Schaffung eines eigenartigen Porträtstils

Zu Beginn seiner Karriere entwirft Degas viele Porträts. Dies wurde zum Teil durch den Einfluss des Vaters des Künstlers beeinflusst, der der Ansicht war, dass gerade der geschickte Besitz der Fähigkeiten des Porträtmalers dem jungen Mann ein angenehmes Leben ermöglichen könne. Auf den ersten Leinwänden dieses Genres malte Degas hauptsächlich Selbstporträts und Porträts von Familienmitgliedern, wandte sich aber bald dem Bild seiner Freunde zu. In diesen Werken wurden die charakteristischen Merkmale des individuellen Stils des Malers deutlich, die sich an die traditionellen Kompositionstechniken anlehnten, bei denen es leicht ist, eine Verbindung zu den Werken alter Meister zu finden.

Ein Beispiel ist das Werk von 1855 "Self-Portrait" (Museum d’Orsay, Paris), in dem der Künstler einen für die spanische Malschule charakteristischen dunklen Hintergrund verwendete, der von so großen Meistern wie Diego Velazquez und Francisco de Goya vertreten wird. Im Selbstporträt tritt er in natürlicher Pose vor uns auf und hält einen Kohlestift in der rechten Hand - ein Symbol für seine Zugehörigkeit zur Kunst. Es ist anzumerken, dass sich diese Arbeit, wie viele andere frühe Porträts von Degas, durch das monochrome Farbschema auszeichnet.

Allmählich wird seine Arbeit mit Licht und Farbe gesättigter. In dem Gemälde Selbstporträt mit weichem Hut (1857, Stirling Institute of the Arts und Frappsn Clark, William Sgown) lehnt der Künstler bereits die Verwendung eines neutralen Hintergrunds ab. Obwohl der Hintergrund des Gemäldes dunkelblau ist, wird es durch das stetige Sonnenlicht beleuchtet, das vom Meister außerhalb des Rahmens seiner Leinwand hinterlassen wurde. Degas porträtiert sich in einem Freizeitanzug, sein ausdrucksstärkstes Accessoire ist ein rot-orangefarbener Schal um den Hals. Dieser helle Farbfleck spielt die Rolle einer Stimmgabel für die koloristische Konstruktion des Porträts.

Dennoch bleibt hier, wie auf früheren Leinwänden, zum Beispiel „Portrait of Rene de Ga“ (1855, Smith Museum of Art College, Northhamton), eine ausgeprägte statische Haltung erhalten. Degas erkannte diesen Fehler schnell und begann, mit Bewegungen und Winkeln in seinen Porträts zu experimentieren, was seine Werke "wiederbelebte" und ihnen Dynamik verlieh. Es war der ungewöhnlich scharfen Vision der Natur und der neuen kompositorischen Konstruktion von Gemälden zu verdanken, dass der Maler nicht nur Emotionalität, sondern auch einen ausgeprägten tiefen Psychologismus in seine Leinwände brachte.

Der eigentliche Höhepunkt des frühen Stils von Edgar Degas als Porträtmaler war das Werk „The Bellelli Family“ (1858-1867, Museum d’Orsay, Paris). Die Modelle für diese Leinwand waren der Onkel des Künstlers Gennaro, seine Frau Aaura und ihre beiden Töchter - Giovanna und Julia. Die Komposition des Bildes basiert auf dem Prinzip einer bestimmten Genreszene. In der Mitte der Leinwand befindet sich die Figur der Baronin, gekleidet in ein trauerndes schwarzes Kleid ohne Accessoires. Der Onkel des Künstlers, Gennaro, ist von hinten abgebildet; er sitzt in sesseln am kamin. Die Zahlen und Gesichter beider Ehepartner drücken ihr Desinteresse an dem aus, was um sie herum geschieht. Giovanna, die neben ihrer Mutter steht, sieht den Betrachter vorsichtig an. Die jüngere Julia, die bequem auf einem Stuhl saß, wandte sich, als würde sie ein gemächliches Gespräch führen, an ihren Vater.

Der Künstler hat seinen Modellen nie diktiert, in welcher Position sie sich befinden sollten. Im Gegensatz zu vielen Malern seiner Zeit malte Degas lieber "Porträts von Menschen in typischen natürlichen Posen für sie und gab ihnen in der Regel absolute Freiheit, sowohl in der Körperhaltung als auch im Gesichtsausdruck. "

Trotz der Tatsache, dass die Posen aller Modelle ruhig sind, erzeugt die asymmetrische Anordnung der Figuren eine Art unerwartete Schärfe in der Komposition. Die Farbe der Leinwand ist sehr exquisit gewählt, eine Kombination aus Blau-, Silber-, Schwarz- und Weißtönen bildet ein perfektes Farbsystem. Trotzdem konnte die Szene, die der Künstler zeigte, nicht als idealisiert bezeichnet werden. Degas füllte das Familienporträt mit Drama: Er porträtierte ein Paar, das der Gesellschaft des anderen ziemlich müde war. Ihre Posen betonen die unterschiedlichen Charaktereigenschaften und emotionalen Erfahrungen der Ehepartner. Dem Betrachter wird klar, dass Kinder die einzige Einheit bleiben, die sie verbindet. Diese Leinwand, geprägt von tiefer Psychologie, der Beherrschung der Lichtdurchlässigkeit und der Genauigkeit der Zeichnung, ist eines der besten Werke seiner Gattung, die Mitte des 19. Jahrhunderts geschaffen wurden.

Der individuelle Stil des Künstlers entwickelte sich stetig weiter. In seinen nachfolgenden Werken bevorzugte der Maler die Vermeidung von Stationarität in der Komposition und der frontalen Anordnung der Modelle, indem er die Dynamik der Komposition verbesserte. Zu diesem Zweck verwendete Degas häufig die Konstruktion der Komposition auf der Diagonale, Verschiebungen und unerwarteten Winkeln, wodurch er neue, ausdrucksstärkere Effekte erzielen konnte.

Zum Beispiel eine sehr kühne kompositorische Lösung, die Degas für das Gemälde „Eine Frau sitzt an einer Blumenvase“ (1865, Metropolitan Museum of Art, New York) gewählt hat und die auf den ersten Blick einen seltsamen, verstörenden Eindruck hinterlässt. Der größte Teil des Gemäldes ist mit einem prächtigen Blumenstrauß aus Chrysanthemen verschiedener Farben besetzt. Die Heldin sitzt neben einem Tisch, auf dem Blumen stehen, aber ihr Gesicht ist leicht von ihnen abgewandt, sie schaut weg. Es scheint, dass die Heldin zufällig in das Bild eines Stilllebens gefallen ist. Eine solche Lösung verschlechtert jedoch nicht die psychologischen Eigenschaften des Modells, sondern betont und betont im Gegenteil seine Individualität. Das entfernte, nachdenkliche Gesicht der Frau schien von einem Dunst trauriger Erinnerungen zerrissen zu sein. Auffällig ist das erstaunliche Flair, mit dem die Künstlerin jedes Merkmal darstellt, das Merkmale ihres Charakters vermittelt. Untersuchungen dieses Bildes, die in den letzten Jahren durchgeführt wurden, zeigen, dass Margaret Claire Brunkan (die später Baronin Valpinson wurde) auf der Leinwand abgebildet ist.

Beim Zeichnen von Porträts enthielt Degas häufig Attribute, die den Beruf oder den sozialen Status des Helden offenbaren. Ein anschauliches Beispiel für eine solche Interpretation des Bildes ist das Gemälde „Portrait of James Tissot“ (1867, Metropolitan Museum of Art, New York), in dem der französische Künstler Degas in seiner Werkstatt abgebildet ist.

1869 schuf der Künstler ein weiteres seiner Meisterwerke - ein Porträt von Mademoiselle Hortense Valpinson (Institut der Schönen Künste, Minneapolis), in dem der Maler die neunjährige Tochter seines Freundes Paul Valpinson einfing. Das Mädchen ist auf einem Tisch mit einer dunklen Tischdecke mit einem farbigen Stickmuster gelehnt dargestellt. Am anderen Ende des Tisches steht ein Korb mit unvollendeten Handarbeiten. Der junge Hortense schaut den Betrachter aufmerksam an, als wäre er überrascht.

Diese Kompositionstechnik half dem Künstler, die Lebendigkeit und Direktheit des Kindes zu betonen. Der in breiten sonoren Strichen geschriebene Bildhintergrund verstärkt diesen Eindruck zusätzlich. Die Farbe des Werks basiert auf einer Kombination von warmen ocker-goldenen Farbtönen sowie Schwarz- und Weißtönen, die dem gesamten Werk einen sehr starken Klang verleihen.

Ein weiteres Werk, das in seiner ausdrucksstarken Komposition überrascht, ist „Porträt des Viscount Lepik mit seinen Töchtern“ (alternativer Name „Concord Square“, 1876, Eremitage, St. Petersburg). Eine dynamische Komposition ähnelt einer Fotografie mit einem scharfen Beschneiden aller Seiten der Leinwand, was für das damalige Gemälde nicht charakteristisch ist. Die Horizontlinie wird stark überschätzt, was den Place de la Concorde, der vom Viscount Louis Napoleon Lepic schnell überquert wird, nur in den Hintergrund für die Figuren auf dem Bild rückt.

Es war, als hätte jemand, der von den Töchtern eines Adligen begrüßt worden war, angehalten und sich entgegen der Bewegung seines Vaters gewendet. Die Leinwand hat einen interessanten Geschmack. Während die Hauptfiguren des Degas-Gemäldes in hellen Kostümen gekleidet sind, die fast mit dem Hintergrund verschmelzen, sind die Kleider der anderen Teilnehmer der Komposition in dunklen, fast schwarzen Farben gehalten. Diese "schwarzen" Figuren, die sich mit mathematischer Präzision auf der Leinwand befinden, erzeugen einen erstaunlichen "musikalischen" Rhythmus des gesamten Werks.

Edgar Degas stammte aus einer adeligen Familie und hatte kein Bedürfnis nach Geld. Er konnte es sich leisten, die Anforderungen edler Models nicht zu erfüllen und maßgeschneiderte Porträts zu kreieren. Unter den Posern befanden sich viele Charaktere aus der High Society, aber der Künstler begann nie, sie in der strahlenden Pracht luxuriöser Outfits darzustellen. Unabhängig vom Status der Helden seiner Bilder versuchte Degas stets, die charakteristischen Merkmale jedes einzelnen so genau wie möglich zu vermitteln. An Schmeichelei gewöhnt, ließen ihn weltliche Löwen und Löwinnen oft beleidigt zurück.

Lebenserfahrung und Reisen

Ein wichtiges Ereignis im Leben von Edgar Degas war die Bekanntschaft mit Edward Manet, die 1862 stattfand. Bald besuchte der Künstler regelmäßig das Cafe Gerbois - einen beliebten Treffpunkt für junge Künstler. Dort diskutierten sie über die Suche nach neuen Themen in der Kunst, originelle Ausdrucksmittel und ihre eigene Vision der Realität. Unter den Stammgästen des Cafés befanden sich so große Künstler wie Claude Monet, Alfred Sisley, Auguste Renoir und viele andere.

Beeinflusst von dieser Gemeinschaft von Impressionisten, wandte sich Degas Ende der 1860er Jahre der Schaffung großer Serien zu - Wäscherinnen, Pferderennen, Ballettszenen und Modistiki. Alle seine Bilder zeichneten sich durch eine sehr genaue Offenbarung der Tiefe und Komplexität der inneren Welt ihrer Helden aus. Anders als die meisten impressionistischen Künstler suchte Degas nie nach Inspiration in der Natur, er nahm die Realität als dynamisches Element wahr, und es war diese kontinuierliche Bewegung, die den Hauptplatz in seiner Arbeit einnahm. Sein Ideal war das geschäftige Leben einer modernen Stadt. Von Natur aus sehr aufmerksam, bemerkte Degas, als er durch die lauten Straßen von Paris ging, alle charakteristischen Ausdrucksmerkmale und behielt lange Zeit das, was er sah, in seiner Erinnerung. Anschließend schuf der Künstler, der den Rhythmus des städtischen Lebens wiedergibt, fotografisch genaue und unparteiische Bilder.

Das anfängliche materielle Wohlergehen ermöglichte es Edgar Degas, seine ganze Zeit mit kreativen Experimenten zu verbringen. Er konnte es sich leisten, kühn alle Kanons, alle abgedroschenen Tricks bei der Konstruktion der Komposition zu verwerfen, um seinen eigenen unerwarteten Standpunkt zu finden, eine neue Vision, dank der man den Eindruck von Frische und Spontanität der Arbeit gewinnen konnte.

Durch kreative Recherchen gelang es dem Künstler, die Komposition von Gemälden akkurat anzupassen, ohne dass es zu Unfällen kam, und alle Elemente wurden entworfen, um die allgemeine Bedeutung der Handlung zu betonen. Der Maler selbst charakterisierte seine Arbeit folgendermaßen: "Meine Arbeit ist das Ergebnis von Reflexion, geduldiger Beobachtung, Inspiration, Charakter und dem Studium großer Meister." Degas hielt alle seine Helden in natürlichen und entspannten Posen fest und versuchte ihr Bestes, um ihren Charakter und ihre Stimmung zu vermitteln.

Als 1870 der Deutsch-Französische Krieg ausbrach, meldete sich der Künstler freiwillig zum Infanterieregiment. Plötzlich wurde auf den ersten Schießständen klar, dass sein rechtes Auge schlecht zu sehen ist. Die Diagnose der Ärzte lautete: Netzhautablösung durch Diabetes. Wie sich später herausstellte, war dies nur der Beginn der Degas-Krankheit, die ihn schließlich fast zur völligen Erblindung brachte. Trotzdem wurde er in den Reihen der französischen Armee belassen und in das Artillerieregiment versetzt. 1871 war der Krieg bereits vorbei und Degas machte eine kurze Reise nach London, wonach er zu seinen amerikanischen Verwandten nach New Orleans ging, wo er den Winter von 1872 - 1873 verbrachte.

Zu Beginn seines Aufenthalts in den USA fertigt Degas viele Skizzen und Gemälde an, darunter eine Reihe von Porträts seiner Familienmitglieder. Aber sehr bald verliert er seine Sicherung. Der Grund dafür war seine Schlussfolgerung, dass „Paris Kunst nicht ohne Unterschied mit Louisiana Kunst identisch sein kann. Andernfalls wird es nur eine illustrierte Welt sein. "Von diesem Moment an hört der Künstler auf, Skizzen und Skizzen anzufertigen, die er zuvor während seiner vielen Wanderungen in großer Zahl angefertigt hatte.

Degas sorgte dafür, dass nur eine längere Beobachtung des Lebens in einem bestimmten Land "die Gelegenheit bietet, die Bräuche der Menschen kennenzulernen und ihren Charme zu spüren". Trotzdem schafft der Künstler entgegen seinen eigenen Thesen das Gemälde "Büro für den Verkauf von Baumwolle in New Orleans" (1873, Museum of Fine Arts, Poe). Die mehrfigurige Komposition der Arbeit basiert auf dem Kontrast von Kontrastfarben - Schwarz und Weiß, deren Wechsel einen klaren Rhythmus der gesamten Leinwand erzeugt.

Im Frühjahr 1873 kehrte Degas nach Paris zurück, wo er bald auf eine Reihe von Verlusten und Problemen wartete. In weniger als einem Jahr stirbt der Vater des Künstlers und hinterlässt große Schulden. Wie sich herausstellte, befand sich der Verstorbene in völliger Unordnung. Die von Auguste de Ga verwaltete Bank schuldete den Gläubigern astronomische Beträge. Um den Ruf seiner Familie zu wahren, bezahlte der Künstler einen Teil seiner Schulden aus von ihm geerbten Mitteln, was jedoch nicht ausreichte. Um über die Runden zu kommen, verkauft der Maler das Familiengut und eine Sammlung von Gemälden großer Meister, die sein Vater gesammelt hat.

All dies führte zu einem solchen Zustand, dass der Maler zum ersten Mal in seinem Leben daran dachte, seine Bilder zu verkaufen. Als eine der effektivsten Möglichkeiten, Käufer anzulocken, betrachtete der Künstler die Ausstellung von Impressionisten, die er oft mitorganisierte. In der Zeit von 1874 bis 1886 fanden acht solcher Ausstellungen statt, an denen sieben von Degas teilnahmen. Es ist erwähnenswert, dass seine Werke im Gegensatz zu den Werken anderer Impressionisten erfolgreich waren und sich sehr gut verkauften.

In den 1870er Jahren verfeinerte Degas seinen künstlerischen Stil weiter. Die räumliche Konstruktion seiner Arbeit hat beispiellose Schärfe, noch mehr Freiheit und Dynamik gewonnen. Die Farbe in seinen Gemälden erhielt eine eigenständige Bedeutung, wurde sehr komplex, als ob sie mit Licht gefüllt wäre.

Degas vereinfachte und bereinigte seine Zeichnung so, dass er das Spiel der Muskeln des menschlichen Körpers in Bewegung mit Hilfe nur eines Kreises vermitteln konnte. Allmählich erhielt sein Werk einen zunehmend skulpturalen Charakter. Er begann die Konturen von Figuren und Gegenständen mit einer dicken Karbonlinie hervorzuheben, Rosa, Purpur und Grüntöne setzten sich in den Farben der Gemälde durch, was der Arbeit Klang verlieh, und alle Details wurden minimiert.

Degas hört praktisch auf, in Öl zu malen, Pastell ist sein Lieblingsmaterial. Das letzte vom Meister geschaffene Porträt war das Gemälde "Helene Roire im Büro seines Vaters" (1886, National Gallery, London), das die Tochter eines Freundes des Künstlers Henri Rouen - Helen zeigt.

Seit Mitte der 70er Jahre wurde in den Werken von Degas der Einfluss des japanischen Stichs, der einen großen Einfluss auf die gesamte Bewegung der Impressionisten hatte, zunehmend verfolgt. Der Künstler begann, viele Techniken dieser Kunst anzuwenden, zum Beispiel originelle räumliche Konstruktionen, die Verwendung unerwarteter Winkel und die häufige Platzierung von Nebenfiguren im Zentrum der Komposition.

Liebe zum Pferderennen

Eine der größten Leidenschaften des Künstlers waren Pferde. Edgar Degas zeigte während seines Aufenthalts in Italien Interesse an diesen anmutigen Tieren. Er war fasziniert von den traditionellen römischen Pferderennen in der Via del Corsa, bei denen er viele Skizzen anfertigte. In Frankreich selbst war in den 1860er Jahren, sowohl unter der Herrschaft von Louis Philippe als auch Napoleon III, der Pferdesport ebenfalls sehr beliebt. Darüber hinaus interessierte sich Degas nicht nur für die natürliche Plastik und Anmut von Pferden, sondern auch mehr für professionelle Gesten und Bewegungen ihrer Reiter.

Degas schuf eine Reihe von Werken, die sich dem Pferderennen widmeten, und fand für seine Leinwände oft verschiedene unkonventionelle Kompositionsstrukturen. Seine Lieblingstricks waren verschiedene räumliche Verschiebungen, scharfkantige Schnitte und verschiedene „scharfe“ Winkel. Die Essenz aller Techniken bestand darin, lebendige dynamische Bilder zu erstellen, die ein einzigartiges Gefühl für eine sich ständig verändernde Realität vermitteln können. Ein wichtiger Punkt in diesen Arbeiten ist die Farbe. Mit Hilfe der Farbe Degas war es möglich, einer bestimmten organisierten Form ein buntes Durcheinander von Jockeyfiguren zu verleihen.

1860 schrieb der Künstler eines seiner ersten Gemälde in einer Serie, die sich dem Pferderennen widmete. Die Leinwand „Gentlemen at the Races: Before the Start“ (Fogg Museum of Art, Cambridge) prägt den Stil und Charakter des Künstlers, der sich im Laufe seines Lebens verändert hat, perfekt. Tatsache ist, dass Degas zwanzig Jahre später seine erste Version dieser Arbeit umschreibt, in der die verschwommenen Figuren der Reiter vor einer völlig flachen Landschaft dargestellt werden. Der Hintergrund des Gemäldes auf dieser späten Leinwand waren Hügel und vorstädtische Fabriken mit schwarzen Rauchkaminen.

Das 1862 erschienene Werk „Reiter vor dem Start“ (Musee d’Orsay, Paris) vermittelt sehr genau und aufrichtig die aufregenden Emotionen, die die Menschen erleben, und die Anspannung der Pferde vor dem Start. Im Vordergrund des Bildes sind Jockeys voller Spannung, innerer Konzentration und Dynamik zu sehen, die sich auf den Start des Rennens vorbereiten. Der mittlere Plan ist mit einer lauten säkularen Gesellschaft beschäftigt, die auf Brillen gespannt ist. Die erstaunliche Authentizität, mit der die Gesten und Pflanzungen von Jockeys, ohne jegliche Poesie von Bildern, erstaunlich sind. Dank dieses Empfangs wundert sich der Betrachter nicht über die scharfe Fragmentierung der Leinwand, bei der der Bildrand die Hälfte der Figur eines Reiters abschneidet.

Die Degas-Serie, die sich dem Pferderennen widmet, steckt voller wunderschöner Werke, die mit fast berichterstarker Genauigkeit gelöst wurden. Ein Beispiel für solche Leinwände ist „Vor dem Start“ (1878, Museum EG Bgorl, Zürich), „Pferderennen in der Provinz. Crew at the Race "(um 1872, Museum of Fine Arts, Boston)," Pferderennen "(1894, Sammlung in Webb, New York) und" Jockeys vor der Tribüne "(1869-1872, Museum d’Orsay) Auf der letzten Leinwand stellte Degas den Moment vor dem Rennen dar, in dem dem Publikum nur die an den Rennen beteiligten Pferde gezeigt wurden. Der Künstler komponiert das Bild meisterhaft und erreicht die Illusion von Ruhe und Ausgeglichenheit, die von den Helden bewahrt wird innere erlebnisse werden mit hilfe langer schatten vermittelt, die den rennbahnsand zart zieren.alle pferde auf dem bild sind fast statisch, mit ausnahme von einem.Degas hat es sich zur aufgabe gemacht, den kurz vor dem ende vorherrschenden ruhezustand zu reflektieren Start des Rennens Es gibt keine Leidenschaften und Aufregungen, die für diese Veranstaltung charakteristisch sind.

Irgendwann im Jahr 1873 entfernte sich der Maler zeitweilig ohne Beachtung vom Thema Pferde und Pferderennen und kehrte nur wenige Jahre später darauf zurück, als er Sänger Jean-Baptiste Fare beauftragte, „Pferderennen. Jockeys - Amateure “(1876-1887, Museum d’Orsay, Paris). Danach schrieb Degas in regelmäßigen Abständen Leinwände, die dem Pferderennen gewidmet waren, bis etwa Ende der neunziger Jahre. Eines der letzten Werke dieser Reihe war das Gemälde „Der gefallene Jockey“ (1896-1898, Kunstmuseum, Sammlung Offlätsche, Basel). Die Komposition der Leinwand ähnelt der früheren Arbeit des Künstlers, sie zeigt ein Pferd, das durch die Wiese rast, hinter dem ein offenbar fallengelassener Jockey zurückbleibt.

Die Ausdruckskraft des Pariser Nachtlebens

Die Krankheit des Künstlers beeinflusste seinen Lebensstil. Degas fing an, seine Augen vor hellem Sonnenlicht zu schützen, und versuchte im Allgemeinen so selten wie möglich, tagsüber auf der Straße zu sein. Anders als die überwiegende Mehrheit der Impressionisten arbeitete der Maler praktisch nicht im Freien. Degas malte die meisten seiner Bilder unter Gasbeleuchtung, für die er den Spitznamen "der erste Impressionist der Nacht" erhielt. Dies könnte auch einer der Gründe sein, warum das Thema Pariser Cafés, billige Cafés, Schauspielerinnen, Sängerinnen und „Dämmerungsdamen“ für ihn so attraktiv war.

Degas schuf viele Werke zum Thema solcher Institutionen und ihrer Bewohner, eines der bekanntesten ist die Leinwand „Absinth“ (oder „Liebhaber des Absinths“, 1875, Mray d’Orsay, Paris). Es zeigt das Innere des in Pariser Kunstkreisen beliebten Nouvelle-Athenn-Establishments. Die Komposition des Bildes basiert auf dem Prinzip einer einfachen Genreszene aus dem Alltagsleben der Bewohner des Cafes. Ihre Figuren - ein Mann und eine Frau - scheinen nach den täglichen Sorgen nur am Tisch zu sitzen. Leere Tische im Vordergrund erwecken jedoch den Eindruck, von zwei Personen in eine Ecke gedrückt und getrieben zu werden, und betonen gleichzeitig deren Leere und gegenseitige Gleichgültigkeit. Diese unprätentiöse Handlung unterstreicht das Thema von Aliens Aufregung für den Menschen von der Welt und seiner unvermeidlichen Einsamkeit, die die Hauptidee des gesamten Werks ist. Die Modelle für den Künstler waren der Kupferstecher und Künstler Marcel Debuten und die Schauspielerin Helene Andre. Durch Farbe gelingt es dem Künstler, seinen Figuren innere Spannung und Dramatik zu verleihen, praktisch ohne Bewegung.

Die subtile Fähigkeit des Malers, den Charakter seiner Modelle mit nur einer Geste zu vermitteln, zeigte sich in den Leinwänden, die den Sänger verschiedener Cafeshantans darstellten. Ein anschauliches Beispiel ist das Gemälde „Captain Ambassador“ (1876, Museum of Fine Arts, Lyon), in dem die Geste des Sängers zwei Teile der Komposition kombiniert: eine Aufführung auf der Bühne und ein Auditorium.

In Bezug auf diese Arbeit schrieb der berühmte Kritiker J. Riviera: „Wie viele weibliche Figuren im Hintergrund mit ihren Musselin-Kleidern und -Fächern und Zuschauern, die mit erhobenem Kopf und buchstäblich gestrecktem Hals begeistert provokative Tänze und schäbig geschriebene Couplets sehen! Wenn ich mich nicht irre, dann hat diese Sängerin ein von Brandy durchtränktes Alt… Die ungewöhnliche Geste der Sängerin, die sich dem Publikum zuwendet, bestätigt zweifellos den Erfolg ihres Auftritts. Sie wiederholt sich nie als Schauspieler mit auswendig gelernten Rollen, appelliert an das Publikum und fragt sie, im Voraus wissend, dass sie genau antworten werden, was sie hören möchte, weil sie es ist, die den Tyrannen kontrolliert, dessen Laster besänftigt. "

Die 1878 geschriebene Leinwand „Singer from Cafesantan“ (oder „Singer with a Glove“, Vogt Art Museum, Cambridge) ist ebenfalls ein sehr anschaulicher Vertreter dieser Reihe. Ellis Degrange, der als Model für diese Leinwand fungierte, ist eigentlich überhaupt kein Sänger, sondern ein sehr berühmter Pianist in Pariser Kreisen, der bereitwillig bereit war, für Degas zu posieren. Die dem Betrachter sehr nahe stehende Figur des Pianisten ist nach wie vor nicht das kompositorische Zentrum der Leinwand. Diese Rolle spielt ihre Hand in einem schwarzen Handschuh. Um der Geste einen noch stärkeren Klang zu verleihen, stellte Degas sie vor einem hellen Hintergrund dar. Der Künstler hat es geschafft, den Raum der Arbeit sehr meisterhaft zu organisieren. Die scharfe Geste der Hand der Sängerin, ihr offener Mund und etwas verzerrte Gesichtszüge bringen das Bild tatsächlich näher an die Karikatur. Um diesen Effekt abzuschwächen, fügte die Meisterin sanfte helle Farben in die Farbgebung ein: sanfte rosa Akzente auf dem Kleid und Gesicht der Heldin und eine Blume in ihrem Haar.

Die Serie, die den Cafeshantanern und ihren Bewohnern gewidmet war, erwies sich als sehr hell und eigenartig. Alle Werke des Zyklus zeichnen sich durch eine sehr kühne kompositorische Konstruktion aus, die die Hauptidee der Leinwand offenbaren soll. Das Strahlen von Farbe und Licht in Degas Gemälden verwandelt die Realität in eine Fantasiewelt, die von einem besonderen herben Charme erfüllt ist.

Ballett

Edgar Degas ’zweites Lieblingsthema war das fließende und dynamische Element des Tanzes. Es ist mit Sicherheit bekannt, dass der Künstler seit fast zwanzig Jahren regelmäßig ein Abonnement für die Pariser Oper erwarb. Er vertiefte sich in das Thema Ballett, besuchte Theater und Tanzkurse. Der Künstler beobachtete die harte Arbeit der Ballerinas und erschuf die bezaubernde Welt des Tanzes. Er schrieb viele Bilder zu ihren Proben, in denen jede Bewegung der Tänzer perfektioniert wurde, die Aufführungen, in denen sie dem Publikum in einem festlichen Scheinwerferlicht präsentiert wurden, und in seltenen Momenten der Entspannung. Der größte Teil der Arbeit wurde in der Pastellwerkstatt Degas erledigt, wo er seine Models einlud. Nur fünfzehn Jahre später erlaubte der Direktor der Pariser Oper dem Künstler, direkt hinter den Vorhängen des Theaters zu arbeiten.

Eines der ersten Werke von Degas im Theater war das Gemälde „Das Orchester der Oper“ (um 1870, Museum l’Orsay, Paris). Es ist eine Leinwand von geringer Größe, deren Zusammensetzung so aussieht, als ob sie versehentlich während der Präsentation eines Fotos aufgenommen worden wäre. Der Meister lädt den Betrachter ein, von der Seite des Orchestergrabens auf die Bühne zu schauen. Der gesamte Vordergrund wird von Musikern in schwarzen Frack besetzt. Der zentrale Platz unter ihnen gehört zum Bildnis eines Freundes der Malerin Desiree Dio, die Fagott spielt. Die Leinwand ist so angeordnet, dass wir nur den unteren Teil der Performance auf der Bühne sehen können. Das erste, was die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zieht, ist der hellrosa und blaue Tänzer-Tutus, und erst danach lenkt der weiße Fleck des Musikerhemdes seinen Blick auf die Hauptfigur des Bildes.

Der Künstler widmete den Tänzern eine Vielzahl seiner nächsten Werke. Die frühesten Bilder dieser Serie tragen einen großen Teil der angeblich fotografischen Gleichgültigkeit, mit der der Meister Ballerinas porträtierte.

In seiner Leinwand „Dance Class“ (1871, Metropolitan Museum of Art, New York) vermittelt der Künstler meisterhaft die Aufregung eines jungen Tänzers vor einer entscheidenden Probe. Ein junges Mädchen steht auf dem Hintergrund von Spiegeln, so dass ihre Figur den gesamten Raum der Klasse einnehmen kann. Nur auf der linken Seite des Bildes befand sich ein Platz für das schwarze Klavier und den älteren Begleiter neben ihm, der sich gerade darauf vorbereitete, eine Melodie für den Tanz zu spielen. Das Bild ist erfüllt von Stille, die in einem geräumigen Raum herrscht. Tänzer wärmen sich vor der Probe auf. Alle Arbeiten sind von einem klaren und harmonischen musikalischen Rhythmus durchdrungen, der vom Künstler durch Farbe und klare koloristische Nachdenklichkeit der Leinwand vermittelt wird.

Mehrere Werke der Serie, darunter die Leinwand „Dance Class“, stellte Degas 1874 auf der Ausstellung der Impressionisten der Öffentlichkeit vor. Nach ihr wurde er als „Künstler, der Tänzer schreibt, berühmt. „

Aus derselben Zeit stammt das Gemälde „Tanzstunde“ (1874, Museum d’Orsay, Paris), das durch eine überzeugend realistische Interpretation der Bilder auffällt. Degas stellte ein Fragment einer Probe dar, in deren Verlauf ein älterer Lehrer, der die Probe unterbricht, seinen Schülern Anweisungen und Empfehlungen gibt. Hellweiße Tänzerfiguren nehmen fast den gesamten Raum eines großen Saals ein, die Natürlichkeit ihrer Posen und Gesten verleiht der Leinwand Überzeugungskraft. In diesem Werk hielt Degas den berühmten französischen Choreografen Louis Merant fest, neben dem Josephine Gogelen eine der besten Tänzerinnen der Zeit ist.

Eine besondere Rolle spielt dabei die Farbe des Bildes, das sich aus einer harmonischen Kombination von Grau, Grün, Blau-Weiß und Ocker zusammensetzt. Zahlreiche dunkle Akzente bringen Klarheit und Klarheit und bilden einen sanften linearen Rhythmus, als ob sie die Bewegungen wiederholen würden des Tanzes. Die gesamte Komposition der „Tanzstunde“, die auf dem Prinzip der Fragmentierung aufbaut und dem Betrachter die Handlung nimmt, isoliert sie innerhalb des vom Künstler geschaffenen Illusionsraums. In späteren Arbeiten bringt der Meister jedoch absichtlich anmutige Heldinnen näher an den Rand der Leinwand und schneidet manchmal sogar das Bild ihrer Figuren ab, zum Beispiel in Werken wie „Dancers“ (1883, Dallas Art Museum) oder "Vor der Prüfung" (1880), Denver Art Museum.

Im Gegensatz zu anderen Leinwänden, bei denen der Künstler in erster Linie auf die Übertragung von Leichtigkeit und Anmut aller Bewegungen seiner Heldinnen geachtet hat, hat Edgar Degas in der Arbeit „Before the Exam“ beschlossen, auf ihren emotionalen Zustand zu achten. Auf der Leinwand sehen wir junge Tänzer, die sich auf einen verantwortungsvollen Auftritt vorbereiten. Auf der rechten Seite der Komposition ist ein Mädchen abgebildet, dessen Haltung entspannt ist. Ihre Schultern und ihr Kopf sind gesenkt, als würde sie beten, bevor sie zu den Prüfern geht. Die zweite Heldin massiert ihr Bein und beugt sich anmutig vor. Hinter den Mädchen auf der Bank saßen zwei ältere Damen, die sich leise unterhielten. Hier machte sich Degas daran, einen wichtigen Moment im Leben der Ballerinas darzustellen - den Moment, in dem sie sich einschalten, bevor sie die Bühne betreten, wo sie in den luxuriösen Scheinwerfern erstrahlen.

Das bekannteste Werk zum Thema Tanz ist das Gemälde „Blaue Tänzer“ (um 1898, Staatliches Museum der Schönen Künste A. Puschkin, Moskau), bei dem der Meister eine besondere kompositorische und farbliche Ausdruckskraft erzielen konnte. In dem Werk, dessen anmutige Heldinnen ihre Kostüme vor der Aufführung korrigierten, gelang es dem Künstler, den künstlichen Lichteffekt so gekonnt einzusetzen, dass sich herausstellte, dass die gesamte Leinwand mit Strahlkraft und funkelnden Fäden von Tanzmelodien gefüllt war.

In der Arbeit von 1877, The Final Arabesque (Musée d’Orsay, Paris), können ähnliche Intonationen festgestellt werden. Die Leinwand ist so angeordnet, dass der Betrachter die Möglichkeit hat, von oben hinter die Vorhänge zu blicken und zu beobachten, wie sich die Ballerinas auf den bevorstehenden Auftritt auf der Bühne vorbereiten. Der Vordergrund des Gemäldes ist eine Figur der Prima, die auf dem dunklen Hintergrund einer leeren Szene abgebildet ist. Die Rampenlichter erhellen ihr Gesicht und ihren hellgelben Anzug und vergleichen die Figur des Mädchens mit einer anmutigen Blume.

Fast alle Theater- und Tänzerarbeiten von Degas wurden in Pastelltechnik aufgeführt. Der Meister, der wusste, wie man über die üblichen Stereotypen hinausgeht, und hier seinen eigenen einzigartigen Stil entwickelte. Seine Methoden, die Farbschicht mit unterschiedlichen Strichen aufzutragen, schienen Zeichnung und Malerei zu kombinieren.

Ästhetik harter Arbeit

Der Künstler zeichnete sich während seiner gesamten Arbeit durch ein echtes Interesse an den charakteristischen Merkmalen des Verhaltens von Menschen aus verschiedenen Gesellschaftsbereichen aus. Degas war schon immer an den Eigenschaften ihrer Kunststoffe interessiert, an spezifischen Gesten und Bewegungen, kurz gesagt an allem, was er auf die Leinwand übertragen konnte. Der Maler blieb zeitlebens unerschütterlich von bestimmten Themen abhängig, die zur Äußerung seiner schöpferischen Interessen beitrugen.

Degas mochte alltägliche Szenen, in denen die Hauptfiguren die Verkäuferinnen von Kurzwaren und Hüten, Wäscherinnen und Bügelern waren. In allen Handlungen wurde der Künstler von charakteristischen Posen und professionellen Bewegungen angezogen. Dadurch konnte er völlig unerwartete dekorative Effekte entdecken, die mit dem rhythmischen Zusammenspiel von Silhouetten und passenden Figuren verbunden sind. Die meisten Gemälde, aus denen diese Serie besteht, wurden in der Regel außerhalb des häuslichen Umfelds geschaffen, wodurch Degas einen hohen Grad an sozialer Verallgemeinerung erreichte.

In dem Gemälde „Ironmaker“ (um 1869, Neue Pinakothek, München) versuchte der Künstler beispielsweise, die Routine und Monotonie der täglichen Arbeit der Heldin zu vermitteln. Das junge Mädchen auf der Leinwand hält das Eisen in der rechten Hand und bewegt den Stoff mit der linken. Um eine größere Dynamik zu erzielen, hat Degas den Bügelrock doppelt konturiert und dabei die Anstrengungen hervorgehoben, die sie unternehmen muss. Unmittelbar nach seiner Rückkehr aus Amerika schrieb Degas 1873 ein weiteres Werk unter dem gleichen Titel, jedoch mit großer Ausdruckskraft. Auf dem neuen Gemälde „Ironmaker“ (Metropolitan Museum of Art, New York) steht die Hauptfigur im Profil, ihre dunkle Silhouette hebt sich scharf vom Hintergrund eines lichtdurchfluteten Fensters ab. Durch diesen Kontrast und die hervorragende Übertragung der beruflichen Bewegungen der Frau,Der Künstler konnte die Atmosphäre der Pariser Wäschereien meisterhaft reproduzieren.

Die nächste Leinwand des Zyklus - "Zwei Eisenarbeiter" (Musee d’Orsay, Paris), die viel später, im Jahr 1884, geschaffen wurde, ist vielleicht die berühmteste. Die Arbeit ist mit breiten Nervenstrichen geschrieben, die die Luftschwankungen um arbeitende Mädchen perfekt vermitteln. Das auf einem Vergleich von Blau-, Braun-Ocker-, Gold- und Weißtönen basierende Farbschema zeichnet sich durch eine erhöhte Dekorativität aus, die dieses Werk von den vorherigen unterscheidet.

Degas war nicht der einzige herausragende Pariser Künstler, der das Thema Bügeln und Waschen liebte. Seine Arbeiten zu diesem Thema wurden oft mit den Gemälden von Honore Daumier verglichen. Der Kritiker Armay Sylvester schrieb 1879 darüber in der Zeitung „Modern Life“: „Gehen wir zu etwas Bedeutendem über. Dies ist zum Beispiel das Wesentliche, was auf den seltenen Leinwänden von Mr. Degas zu sehen ist - immer der gleiche Synthesevorgang, der uns mit bewundernswertem künstlerischem Flair vermittelt wird. Schauen Sie sich an, wie sich die Bügelmaschine über harte Arbeit beugte. Wenn Sie die Leinwand aus der Ferne betrachten, denken Sie vielleicht, dass sie von Daumier geschrieben wurde, aber bei näherer Betrachtung wird deutlich, dass dies mehr als Daumier ist. In dieser Arbeit steckt eine verfeinerte Fähigkeit, deren volle Kraft schwer zu vermitteln ist. "

Zu den Haushaltsszenen gehören auch Gemälde, die Besucher von Hutsalons zeigen. Zum Beispiel das Gemälde „At the Fashionista“ (um 1882, Museum of Modern Art, New York), das eine Schülerin von Degas Mary Cassatt zeigt. Die kompositorische Konstruktion des Werkes ist fragmentarisch und basiert auf dem Prinzip der Fotografie. Das Mädchen, das einen Hut anprobiert, versteckt sich fast hinter der Rückenlehne des im Vordergrund abgebildeten Stuhls. Der Modist, der dem Besucher zwei weitere Kopfbedeckungen anbietet, befindet sich auf der linken Seite der Leinwand und ist praktisch nicht zu unterscheiden. Der fallende dicke Schatten macht die Figur der Frau nur zu einem dekorativen Element.

Diese Arbeit, deren Handlung unprätentiös erscheint, war das Ergebnis vieler Überlegungen des Autors. Der Künstler legte großen Wert auf die Ausdruckskraft und „Melodizität“ der Linie, mit deren Hilfe er Ausdruck in der Reflexion der Form suchte. Um eine einzige rhythmische Silhouette der gesamten Gruppe zu erstellen, hat er die Volumen des Mittelplans speziell vereinfacht. Leinwände, die diesem Thema gewidmet sind, sind zu einem echten Höhepunkt der Fähigkeiten von Edgar Degas geworden. In ihnen gelang es ihm, eine neue Ausdruckskraft in der Darstellung der Realität zu erreichen und der gewöhnlichen Alltagsszene eine monumentale Verallgemeinerung zu verleihen.

Nackte Arbeit

Eine andere Art von Alltagsszenen, die Degas viel Zeit widmete, waren nackte Frauen hinter der Toilette. Seit etwa den 1880er Jahren begann die Künstlerin, schöne weibliche Bilder zu schaffen, die nicht in die allgemein akzeptierten Kanons jener Zeit passen. Degas lehnte alle Konventionen ab, die Idealisierung von Vorstellungen über weibliche Schönheit. „Schönheit muss charakteristisch sein“ - dieses Postulat wurde vom Meister als Grundlage seiner Arbeit genommen. Der Künstler argumentierte, dass sich die Natur eines nackten Körpers am besten in einer Vielzahl von Bewegungen manifestiere, die nur während des Badens natürlich sein können. So entstand eine Reihe von Arbeiten, deren Heldinnen mit sich selbst beschäftigt sind: Sie waschen sich, wischen sich, kämmen sich die Haare und sind so in ihren Gedanken versunken, dass sie überhaupt nicht daran denken, anmutige und anmutige Posen anzunehmen.

Ein anschauliches Beispiel für eine solche Handlung ist die Pastellkomposition von Taz (1885, Hill Stead Museum, Farmington), deren Hauptfigur sich gerade gebeugt hat, um ihren Schwamm mit Wasser zu benetzen. Ihre sanfte Geste ist voller Natürlichkeit, und die Komposition enthält nichts, was die Aufmerksamkeit des Publikums von dem Mädchen ablenken könnte. Im folgenden Jahr schrieb der Künstler ein weiteres Werk mit dem gleichen Namen (Mray d’Orsay, Paris). Auf diesem Bild kauerte die Heldin in der Mitte des Beckens und wusch sich mit der Hand den Nacken. Die Figur des Mädchens wird durch das Licht, das aus dem Fenster strömt, sanft umrissen. Um eine größere Ausdruckskraft zu erzielen, verwendete Degas Kontraste, betonte manchmal den weiblichen Körper und "verschmolz" ihn dann sanft mit dem Gewand. Ein Drittel der Komposition besteht aus einem breiten weißen Regal mit Toilettenartikeln: einem Krug mit sauberem Wasser, einem Kamm und einer Haarnadel.So betonte der Künstler die Tiefe des Raumes.

Immer wieder auf die gleichen Themen, Posen und Gesten zurückzukommen, erklärt sich aus Degas unkontrollierbarem Streben nach Exzellenz. Freunde scherzten über den Künstler und sagten, dass "damit er ein Bild nicht mehr wiederholt, kann man es nur auswählen". Der Maler war einfach besessen von dem Wunsch, wirklich jede Bewegung festzuhalten. Einen besonderen Stellenwert in der Arbeit von Degas haben die Bilder von Frauen, die sich die Haare kämmen. Hier kopierte der Künstler nie zuvor gefundene Kompositionstechniken und suchte unermüdlich nach neuen.

Eines der berühmtesten Pastelle dieses Zyklus, „Eine Frau, die sich die Haare kämmt“ (1886, Eremitage, St. Petersburg), kann als perfektes Beispiel für die ständige Suche des Künstlers nach einer idealen Pose und natürlichen Geste dienen. Das Werk bietet mehrere Möglichkeiten, von denen eine in einer Privatsammlung von Morris (Philadelphia) und eine im Metropolitan Museum of Art (New York) aufbewahrt wird. In allen Fassungen ist die Heldin von hinten abgebildet, wodurch Degas ihre Bewegungen am überzeugendsten vermitteln konnte. Die Künstlerin betont das Volumen und die Tiefe des Schattens mit elastischen Linien der Kontur und schafft Ausdruck für die sanften Bewegungen der Heldin, die ihr rotes langes Haar kämmt.

Im Laufe der Zeit entwickelt Edgar Degas seine eigene Ästhetik der Bewegungsübertragung. Der Meister wollte nicht nur die Position von Armen, Beinen und Körper fotografisch festhalten, sondern das komplexe Zusammenspiel aller Körperteile mit maximaler Ausdruckskraft spüren und vermitteln. Bei der Arbeit an den Werken dieser Serie machte der Künstler den Versuch, ein eigenes System zu schaffen, das es ihm ermöglichen würde, die spezifische Pose einer Frau äußerst genau, aber in den allgemeinsten Begriffen abzubilden.

In späteren Werken des Künstlers werden die Bewegungen der Heldinnen schärfer, die Form des Körpers begann einfacher und oft durch eine scharfe Kontur umrissen zu werden. Ein anschauliches Beispiel ist das Gemälde „Eine Frau verlässt das Bad“ (1900, Privatsammlung). Es ist sehr deutlich zu sehen, wie der späte Stil des Meisters Ausdruck, Verallgemeinerung der Formen und Dekorativität gewann. Der Maler bewies, dass der Körper noch ausdrucksvoller sein kann als das Gesicht, weshalb ganz gewöhnliche Motive in seiner Kunst einen poetischen Ausdruck von Lebensenergie, anmutiger Anmut und Schönheit erhielten.

Die letzten Jahre des Meisters

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts verschlimmert sich die Krankheit von Edgar Degas so sehr, dass sie fast vollständig das Augenlicht verliert. Unfähig, sich anders als in der Kunst auszudrücken, beginnt der Meister sich ernsthaft mit der Skulptur zu beschäftigen, die er das "Handwerk der Blinden" nennt.

Die Themen, die Degas in einer neuen Form der Kreativität zu verkörpern versuchte, blieben dieselben wie in der Malerei: Jockeys, Tänzer und Badende. Er fertigte kleine Skulpturen für sich selbst an, so dass eine sehr kleine Anzahl von ihnen zu Ende ging, wie zum Beispiel „Der kleine vierzehnjährige Tänzer“.

Zeitgenossen des Künstlers stellten fest, dass Degas ’Interesse an Musik, Fotografie und Poesie am Ende seines Lebens trotz einer starken Verschlechterung seiner körperlichen Verfassung nur noch zunahm. Im Freundeskreis begann er oft neapolitanische Lieder zu singen, doch irgendwann ab 1895 hörte der Maler fast gänzlich auf, mit Freunden zu reden, verließ das Haus selten und kommunizierte nur noch mit einem sehr engen Kreis enger Menschen.

Bereits nach 17 Jahren, 1912, gab Edgar seine Arbeit endgültig auf. Zu diesem Zeitpunkt ist er bereits blind und völlig erschöpft. Es gab mehrere Gründe für diesen schlechten Zustand des Künstlers, in diesem Jahr stirbt seine Schwester Teresa, und der Maler selbst muss sein geliebtes Haus wegen des Wiederaufbaus verlassen, der nicht mehr verschoben werden konnte.

27. September 1917 Edgar Degas starb im Alter von dreiundachtzig Jahren. Die Beerdigung war sehr bescheiden - wie es der Künstler selbst wünschte. Unter den Freunden, die ihn auf ihre letzte Reise mitnahmen, waren Claude Monet, Leon Bonn, Mary Cassett, Henri Lerol, Jean-Louis Foren, Ambroise Vollard und viele andere. In seinem letzten Testament bat Degas, während der Beerdigung keine Trauerreden zu halten. Unabhängig davon betonte er, dass Foren, wenn sie wirklich ein paar Worte sagen wollen, sehr einfach und prägnant sein sollten: "Er liebte es, wie ich, am liebsten zu zeichnen." Edgar Degas wurde bereits zu Lebzeiten zu einem anerkannten großen Maler, seine Gemälde wurden zu sagenhaften Preisen aufgekauft, und obwohl die letzten Jahre des Künstlers eher freudlos waren, führte er dennoch ein reiches und pulsierendes Leben und blieb für immer in der Kunstgeschichte.

Zhuravleva Tatyana