Alexandra Vertinskaya "Paradies" Automatische übersetzen

Seit jeher nehmen Blumen einen wichtigen Platz in der bildenden Kunst ein. Mit Liebessymbolen, religiösen Kulten und der Verehrung der Größe der Natur im Allgemeinen verbunden, waren sie ein wichtiger Bestandteil religiöser Opfergaben und Dekorationen von Festlichkeiten in allen alten Kulturen, beginnend in Assyrien und Ägypten. Im antiken Griechenland und Rom waren Blumen als Symbole und Attribute ihrer Kulte eng mit Göttern und Helden verbunden. Im Mittelalter wurden blühende Gärten zu einem Prototyp des Himmels auf Erden, und die Blumen selbst, die als die schönsten göttlichen Schöpfungen angesehen wurden, erhielten mit der Entwicklung der christlichen Theologie viele symbolische Bedeutungen. So ist eine weiße Lilie, die Reinheit und Reinheit symbolisiert, untrennbar mit dem Bild der Muttergottes verbunden und ein wesentliches Attribut in den Szenen der Verkündigung. Rote Rosen könnten zusammen mit Nelken und Mohn als Symbol für die Passion Christi und das von christlichen Erstmärtyrern vergossene Blut dienen. Aquilegia, in seiner Form einer Taube ähnlich, wurde zum Symbol des Heiligen Geistes. Das spezifische mittelalterliche Bild des „umzäunten Gartens“ bezog sich auf den himmlischen Garten - Eden, Paradies - in dem es keinen Wechsel der Jahreszeiten und des ewigen Sommers und der blühenden Herrschaft gibt. In einem solchen Garten ist die makellose Jungfrau mit einem Einhorn auf den berühmten Spalieren aus dem späten 15. Jahrhundert aus dem Cluny-Museum in Paris abgebildet. Eine üppig blühende Vegetation zeigt sich in paradiesischen Szenen auf Gemälden niederländischer und italienischer Meister. Natürlich kann man nicht anders, als sich an das berühmte Triptychon von Jerome Bosch zu erinnern, den „Garten der irdischen Freuden“ von 1500 bis 1510. (Prado Museum, Madrid), dessen zentraler und linker Flügel die Bilder des Paradieses in Form eines wunderschönen Gartens mit üppigem Grün, kristallklaren Teichen und einer Vielzahl von Vertretern der Tierwelt darstellen - real und fiktiv.

Die rasante Entwicklung der Gartenarbeit fiel zeitlich mit der Entstehung eines eigenen Genres von Blumenstillleben zusammen. Eines der ersten wertvollen Blumenstillleben wurde um 1485 von Hans Memling (Museum Thyssen-Bornemisza, Madrid) aufgeführt und hatte auch religiöse Bedeutung. Er befand sich auf der Rückseite des männlichen Porträts des Spenders und zeigte in einer Majolika-Vase mit einem Monogramm Christi einen Blumenstrauß mit Lilien, Schwertlilien und Akeleiien, die mit den Symbolen der Muttergottes assoziiert waren. Parallel zur christlichen Symbolik sind Blumenbilder immer stärker in der höflichen Kultur verwurzelt. In einem säkularen Kontext erlangten sie völlig andere symbolische Bedeutungen, die mit dem Ausdruck von Gefühlen und persönlichen Qualitäten verbunden sind. Im Zusammenhang mit der rasanten Entwicklung des Genres der Blumenstillleben im 17. Jahrhundert in den Niederlanden erhielten die Künstler Aufträge für einzelne Blumenbilder - eine Art von Porträts mit seltenen und schönen Mustern, die in anderen Fällen ganze Sammlungen ausmachen. Es ist interessant, dass in einem Strauß Blumen erscheinen können, die zu ganz anderen Zeiten blühen und von Künstlern nur spekulativ zu einer Komposition vereint wurden.

Alexandra Vertinskaya gibt in ihrer Arbeit einem klassischen Thema ein zweites Leben. Wie die alten Meister malt der Künstler Blumen aus der Natur und versucht, ihre momentane und fragile Schönheit einzufangen und aufrechtzuerhalten. Plötzlich erhalten traditionelle Bilder in ihrer Arbeit eine aktuelle Lektüre. Vertinskaya verwendet modernste künstlerische Techniken und Technologien, um sie zu schaffen. Dabei werden mehrschichtige Werke in der Technik des Autors verwendet und die anfänglichen „vorbereitenden“ Bilder auf Leinwänden kombiniert - sei es Fotografien, Collagen, Siebdruck - und Malerei, was nicht so komplementär ist wie es die Arbeit völlig verwandelt. Das pittoreske Fundament ist für den Autor wichtig, da es genau das Bindeglied zwischen der realen Welt und der fiktiven Welt ist. Kunstformen, die auf Drucken erscheinen, sind wie eine Wiederbelebung von Fantasien, die die geizige statische Materialität mit pulsierender, lebendiger Schönheit ergänzen.

Ein separater Teil der Ausstellung war die „Cabinet“ -Installation, in der die vom Künstler dargestellten wunderschönen Blumen neben alten wissenschaftlichen botanischen Stichen, Lehrplakaten, Herbarium-Exemplaren und Gemälden alter Meister stehen. Ein solches Büro bietet eine andere Seite der Ehrfurcht: nicht nur ästhetische Kontemplation, sondern einen tiefen Blick in die Natur und das Universum. Die trockene Welt der Kataloge, Aktenschränke und Archive wird lebendig und unterstreicht den Mangel an Zeitlichkeit.

Neben den Arbeiten der vergangenen Jahre enthielt die Ausstellung Paradise eine neue Werkreihe, in der Alexandra Vertinskaya das Thema des Botanischen Gartens als Projektion des Himmels auf Erden thematisiert. Der Entstehung der Botanischen Gärten in Europa ging im 5. Jahrhundert die Entstehung von „Apothekengärten“ in mittelalterlichen Klöstern voraus, in denen hauptsächlich Heilpflanzen für medizinische Zwecke angebaut wurden. Später, bereits in der Renaissance, änderte sich der Zweck der Apothekengärten - Pflanzen wurden nicht nur angebaut, um praktische Probleme zu lösen, sondern auch für Studienzwecke und wissenschaftliche Forschung. Die ersten derartigen Gärten entstanden im 14. Jahrhundert in Italien, was auf die Blüte des Humanismus und die Verbreitung wissenschaftlicher Erkenntnisse zurückzuführen war. Die Idee des Garten Eden - eines Paradieses - wurde in Form eines umzäunten Raumes erhalten, der von der sterblichen und sündigen irdischen Welt getrennt und Blumen und Bäumen gegeben wurde. Seit dem 16. Jahrhundert hat sich mit der Entwicklung der Universitäten auch die Anzahl der botanischen Gärten in Italien und in anderen Ländern Westeuropas erhöht. Die europäische Kolonialexpansion hat das Image und die Struktur der botanischen Gärten angepasst. Der Rekonstruktion der geografischen Verhältnisse wurde von nun an ein großer Stellenwert eingeräumt, besonderes Augenmerk wurde auf exotische Muster gelegt. Die Entwicklung des Botanischen Gartens hat den mittelalterlichen „Drogerie-Garten“ zu einer komplexen Großeinrichtung gemacht, die wir heute kennen - mit einzigartigen Landschaften, reichen Sammlungen und außergewöhnlichen botanischen und historischen Expositionen. Der botanische Garten hat jedoch die ursprüngliche Idee der Projektion des Paradieses völlig verloren. Alexandra Vertinsky, die den ältesten botanischen Garten Italiens besucht hatte, sammelte ihr eigenes Archiv von Bildern und Eindrücken, das sie durch Malerei ergänzte. Der Künstler wendet sich dem Genre der Schwarzweißfotografie zu und fotografiert die verschiedenen Ecken - manchmal trostlos, schwelend, wie Bilder der Vergangenheit. Einzelne Fragmente von Gärten, die von der Kamera der Künstlerin in ihren Werken festgehalten werden, werden plötzlich zu wertvollen Welten, in die sie das Leben in eine malerische Beleuchtung einhaucht und einige Fragmente, nämlich Bilder der Lebenden und Schönen - Pflanzen und Blumen - punktuell mit Farbe füllt. Vertinskaya wendet sich wieder dem Blumengenre zu und lädt den Betrachter in einen wunderschönen Garten ein, in dem Sie sich vor dem Alltagsleben verstecken und sich zurückziehen können, Ihre Gedanken, Sorgen und Freuden umgeben vom Leben selbst - immer blühend, immergrün und herrlich schön.

Alexandra Vertinskaya (1969, Moskau)

1987 absolvierte sie die Moskauer Kunsthochschule am Moskauer Staatlichen Kunstinstitut, benannt nach VI Surikova. 1992 absolvierte sie das Moskauer Staatliche Kunstinstitut, benannt nach VI Surikova (Werkstatt von TT Salakhov). 1992-1994 absolvierte sie eine Ausbildung an der Nationalen Akademie der Künste in Paris. Korrespondierendes Mitglied der Russischen Akademie der Künste. Lebt und arbeitet in Moskau.

Ausgewählte Ausstellungen:
2018 Edencraft. Rückblick “, Heritage Gallery, Moskau
2018 „Other shores“, Zentrale Ausstellungshalle Manege, St. Petersburg
2016 “Classic Roses”, Triumph Gallery, Moskau
2012 „Der Schatten der Zeit. Installationen, Malerei, Skulptur, Objekte, Video “, Tsaritsyno State Museum-Reserve, Moskau
2012 “Teilweise bewölkt”, Galerie “Triumph”, Moskau
2009 Kandinsky Prize Ausstellung, Louise Blouin Foundation, London
2009 Manu Intrepida, Triumph Gallery, Moskau
2008 Kandinsky-Preis-Ausstellung, Zentrales Künstlerhaus, Moskau
2008 Weiden und Oliven, Triumph Gallery, Moskau
2006 „Bildarchiv“, Ludwig Museum im Russischen Museum, St. Petersburg
2003 Palazzo di Parte Guelfa, Florenz