Neoklassische Skulptur: Griechisch / Römische Kunst Automatische übersetzen
Was ist Neoklassizismus?
Neoklassizistische Kunst war der dominierende Kunststil in Europa und Amerika im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert. Es beinhaltete Neoklassizistische Architektur und Neoklassizistische Malerei ebenso gut wie plastische Kunst aller Art. Inspiriert von archäologischen Entdeckungen in Pompeji und Herculaneum und von einer Wiederbelebung der Architektur, Neoklassizistische Bildhauer lehnte die leichtfertige Hübschheit der Rokoko zugunsten der Reihenfolge und Klarheit im Zusammenhang mit Griechische Kunst und seine jüngeren Geschwister Römische Kunst. Die neoklassizistische Wiederbelebung begann in Rom – ein wichtiger Zwischenstopp in der große Tour – Von dort aus breitete es sich nach Norden nach Frankreich, England, Deutschland, Schweden, Russland und Amerika aus.
Allgemeine Eigenschaften
Klassizismus oder Neoklassizismus – die Nachahmung der Kunst der klassischen Antike – beherrschte in den letzten Jahren des achtzehnten und des ersten Viertels des neunzehnten Jahrhunderts ganz Europa. Der Stil wurde von der Propaganda des deutschen Gelehrten verfochten Johann Joachim Winckelmann (1717-68) – insbesondere in seinen beiden Büchern "Reflexionen zur Malerei und Skulptur der Griechen" (1755) und "Kunstgeschichte der Antike" (1764) – und dem deutschen Maler Anton Raphael Mengs (1728 & ndash; 79); die bewegung kann aber auch als spontane reaktion gegen die extravaganzen von Barock- und Rokoko-Bildhauer (1600-1750). Die Nachahmung von griechisch und Römische Skulptur von Neoklassikern praktiziert wurde, war noch absoluter als das von Renaissance-Bildhauer mögen Michelangelo (1475 & ndash; 1564). Da die Produktionen der besten alten Perioden zunächst nicht bekannt waren, wurden die Werke der Schüler von Praxiteles und von Hellenistische Kunst im Allgemeinen wurden sie als die höchsten Modelle angesehen, mit dem Ergebnis, dass Charme und Anmut, Weichheit und manchmal sogar Sinnlichkeit zu den großen Desideraten wurden. Obwohl die Skulpturen der Parthenon (447-422) und der äginetische Tempel wurden zu Beginn des 19. Jahrhunderts nach Europa enthüllt, sie hatten wirklich nur sehr geringen Einfluss. Bertel Thorvaldsen und andere spätere neoklassizistische Bildhauer schmeichelten sich, dass sie eine wesentlich griechischere Art als Antonio Canova und die frühere Generation erlangt hatten, und würdigten sie mit dem Namen des Hellenismus; Tatsächlich war die gesamte Produktion des Neoklassizismus jedoch sehr ähnlich.
Wie alle Nachahmer übertreibt der Neoklassiker die Züge seiner Prototypen und verzichtet bei seinen Bemühungen um die idealisierte und generalisierte Schönheit der Antike nach Möglichkeit auf die Modellierung. Die Ziele, die er sich setzte, waren die hellenische Ruhe des Körpers, die klassische Gleichgültigkeit des Gesichts und die Einfachheit der Komposition; aber gelegentlich in einer letzten Hommage an Barocke Skulptur oder um die Kälte des neoklassizistischen Stils zu brechen, wagte er es, sich einer extravaganten Gestik hinzugeben, die umso offensichtlicher und schmerzhafter war, als sie nicht auf die Formen passte, die er sich aus der Vergangenheit geliehen hatte. Bildperspektive wurde aus Reliefs verbannt. Christliche Subjekte galten als weniger künstlerisch als solche der klassischen Mythologie und Geschichte. Von den strengsten Theoretikern waren Porträts tabu; aber das Mäzenatentum verlangte sie, und ihre Vollstrecker beruhigten ihr Gewissen, indem sie die Züge verallgemeinerten, sie denen einer griechischen oder römischen Figur annäherten und indem sie die Formen in antiker Tracht oder antiker Nacktheit kleideten oder zumindest die zeitgenössische Kleidung auf klassische Weise etwas verdeckten drapierter Mantel. Alle Themen wurden von rhetorischer Sentimentalität unterdrückt. Doch selbst der Neoklassizismus hatte seine Tugenden, und eine davon war die teilweise Wiederherstellung des skulpturalen Sinns im Gegensatz zum barocken Bildmalerei.
HINWEIS: Informationen zu anderen wichtigen Schulen und Stilrichtungen finden Sie unter Kunstbewegungen (ab 100 v. Chr.).
Neoklassische Skulptur in Italien
Der erste große Vertreter des Stils in der Bildhauerei war ein Italiener, Antonio Canova (1757-1822), geboren in Possagno in der Provinz Treviso, hauptsächlich in Rom tätig. Er hat die neoklassizistische Art mit anderen Merkmalen versehen, aber er hat auch die typischen Merkmale veranschaulicht. Die enge Ähnlichkeit seines Perseus mit dem Haupt der Medusa im Vatikan auf dem Apollo-Belvedere zeigt, wie er sich manchmal einer fast exakten Reproduktion von Antiquitäten hingegeben hat. Zu anderen Zeiten ist die Beziehung, obwohl unbestreitbar, nicht so greifbar: Zum Beispiel scheinen Amor und Psyche im Louvre durch ein Gemälde eines Fauns und einer Nymphe aus Herculaneum nahegelegt worden zu sein. Die Vorstellung von Pauline Bonaparte als Venus Victrix kann als Beispiel für seine Adaption von Porträts an klassische Figuren dienen. Wie der griechische Künstler Praxiteles verkörpert Canovas Kunst die neoklassischen Maßstäbe an Anmut und Weichheit. Einer der Gründe war, dass diese Eigenschaften auf seine eigene Persönlichkeit abgestimmt waren, und in der Tat gibt es in Canovas Skulptur eine subjektivere Note als in der durchschnittlichen Ausgabe des Satzes. Er besaß ein Gefühl von körperlicher Schönheit, das unveräußerliche Erbe seiner Rasse, das selbst die Tyrannei des Neoklassizismus nicht völlig trüben konnte.
Mit einem Wort, seine Werke sind wärmer als die seiner Rivalen. Die Eleganz und Süße vieler seiner Produktionen erinnern an die Kunst des Rokoko. Eine weitere Phase seiner Persönlichkeit wird von Herkules und Lichas in der Nationalgalerie für moderne Kunst in Rom ausgestellt, einem seiner gelegentlichen und erfolgreichen Versuche, die kolossalen und kraftvollen Aspekte der Antike zu reproduzieren. Hier wie in einigen anderen Fällen war der barocke Sinn noch stark genug, um ihn den vorübergehenden Moment für die Repräsentation wählen zu lassen. Auch war er der Natur nicht so bewusst, wie es die Puristen verlangten. Den besten Beweis liefern einige seiner Porträts, wie die Laetitia Bonaparte in Chatsworth, England. Die zeitgenössischen Tendenzen zur Vereinfachung, Gelassenheit, Allegorie und Stimmung werden durch seine Reihe von Grabdenkmälern gut illustriert. In den beiden Gräbern von Papst Clemens XIV. Und Papst Clemens XIII., Dem ersteren in der Kirche der SS Apostoli, dem letzteren in St. Peter in Rom, reduzierte er die barocke Art des Grabes zu größerer Ruhe. Sein prätentiösestes Mausoleum, das Denkmal der Erzherzogin Maria Christina in der Augustinerkirche in Wien, ist ein dezentes Beispiel für das französische dramatische Grab des 18. Jahrhunderts.
Neoklassische Skulptur in Dänemark
Der gerühmte Hellenismus von Bertel Thorvaldsen von Kopenhagen (1770-1844) manifestierte sich hauptsächlich in einer größeren Fülle von griechischen Untertanen und in einer Beeinflussung von größerer archäologischer Korrektheit und Detailgenauigkeit. Nachdem er sich in Rom niedergelassen hatte, entwickelte er sich zu einem absoluten Sklaven der Antike. Es war eine ausgemachte Sache, dass sein Respekt vor der Natur auf ein Minimum reduziert werden würde. Man vermisst in seiner Skulptur den Eindruck der Persönlichkeit, den Canova bewahren konnte. Wenn er nicht von den Ideen anderer unterstützt wurde und keine antiken Vorstellungen reproduzierte, war er einfach und einfallslos, fast bis zur Dummheit, und er entschädigte auch nicht durch irgendwelche emotionalen Qualitäten. Es ist alles sehr gut zu sagen, dass er diese Einfachheit und diese Unterdrückung der Leidenschaft beabsichtigte, weil beide mit der Ruhe der Antike unvereinbar waren; aber wenn er nicht sehr phlegmatisch im Temperament gewesen wäre, hätte er sicherlich unter solchen Einschränkungen gescheuert und zuweilen und bis zu einem gewissen Grad hätte er diese Fesseln sicherlich abgeschüttelt. Er war Canova sogar technisch unterlegen. Die hauptsächliche ästhetische Qualität, um die es ihm ging, war wahrscheinlich die Komposition, und hier war er fast immer gut. Ein oder zwei Beispiele werden ausreichen. Wie der Perseus von Canova ist sein Jason mit dem goldenen Vlies (1803) lediglich eine Abschrift des Apollo Belvedere. Im Fries von Alexanders Triumph werden die Reiter vom Parthenonfries und die Asiaten von den Barbaren auf Trajans Säule vorgeschlagen. Wie Canova war er eher in der Eleganz als in der Heldentat zu Hause, und aus diesem Grund zog er vielleicht die Erleichterung vor Statuen in der Runde. Aber selbst in seinen besten Werken wie den berühmten allegorischen Tondos von Morning and Night kam er der Anmut von Praxitelean nicht so nahe wie sein italienischer Rivale. Der nächste, den er jemals bekommen hat Naturalismus In drei seiner vier Tondos der Jahreszeiten war der eher charmante Frühling noch antik in der Konzeption. Seine Porträts ließ er wahrscheinlich vollständig in alte Begriffe übersetzen, bis wenig Andeutung des Individuums übrig blieb. Der Graf Potocki in der Krakauer Kathedrale zum Beispiel ist ein hoch idealisierter klassischer Krieger. Sein bestes Porträt ist vielleicht das sitzende Bildnis von Pius VII. Auf dem Grab in Petersdom, ein Denkmal der ruhigeren Art von Canova. Im letzten Teil seines Lebens war er gezwungen, seine Prinzipien etwas zu opfern und der romantischen Bewegung zu huldigen; aber ohne historischen Sinn war er hier nicht in seinem Element, und selbst in den besten seiner Statuen in romantischer Tracht, wie dem Ritter Maximilian I. am Wittelsbacher-Platz in München, konnte er keine Schärfe erreichen oder Kraft.
Neoklassische Skulptur in Frankreich
Der französische Neoklassizismus wird vor allem vertreten durch Jean-Baptiste Pigalle (1714-85) und sein Schüler Jean-Antoine Houdon (1741 & ndash; 1828). Pigalle, der im Alter von 30 Jahren Akademiker wurde, war ebenso gut darin, kleine Genreobjekte herzustellen wie bei der grandiosen Grabskulptur – einem der großen Handwerker seiner Zeit. Sein Schüler Houdon gewann 1761 den Prix de Rome und schnitzte früh zwei Werke, die seinen Ruf sicherten – den neoklassizistischen Heiligen Bruno (1767, S. Maria degli Angeli) und eine männliche "ecorche" -Figur (1767, Schlossmuseum, Gotha), die weit verbreitet war in Akademien der bildenden Künste, um die menschliche Anatomie zu demonstrieren. Bekannt wurde er jedoch vor allem durch seine Marmorporträts und Porträtbüsten, wie Voltaire (1781), Bibliotheque de la Comedie Francais, Paris.
Der Neoklassizismus wurde in Frankreich besonders durch die revolutionären Ideale der alten Republiken und durch Napoleons Visionen eines römischen Reiches gefördert. Die künstlerische Diktatur, die in der Vergangenheit von Männern wie Charles Le Brun wurde jetzt vom Maler geführt Jacques-Louis David, der seinen bestätigten antiquarischen Einfluss sowohl in der Bildhauerei als auch in seiner Sphäre ausübte. Da die alten Anleihen jedoch mit einer unverkennbaren "Frenchiness" gefärbt waren, waren sie nie so absolut wie die von Canova und Thorvaldsen.
Eine Gruppe von Bildhauern kultivierte die Praxitelean Anmut, die Antoine Denis Chaudet (1763-1810) in seinem exquisiten Amor Catching a Butterfly ausstellte. Pierre Cartellier (1757-1831) kann als Vertreter einer anderen, strengeren Coterie angesehen werden, die Erfolg bei der Dekoration der neoklassizistischen Architektur und bei anderen monumentalen Unternehmungen hatte. Englisch: www.goethe.de/kue/arc/thm/nba/en360536.htm Er stützte sich zum Beispiel auf eine antike Münze oder einen Edelstein und setzte in seiner Triumphquadriga ein beeindruckendes Relief über die zentrale Tür der Kolonnade in der Ostfassade des Schlosses Louvre-Palast. Weniger verborgen als die Mehrheit der Neoklassiker, enthüllte er in seiner Vergniaud- Statue in Versailles Qualitäten der Porträtmalerei, die selbst seine archäologische Begeisterung und die antike Tracht nicht vollständig zunichte machen konnten.
Einige Bildhauer wagten eine etwas entschiedenere Rebellion und wagten es bis zu einem gewissen Grad, die Natur zu studieren und ihren Kreationen zumindest ein wenig Wärme zu verleihen. Joseph Chinard von Lyon (1756-1813), in den weichen Umrissen seines Lieblings Terrakotta-Skulptur, bewahrte viel von dem leichten und anmutigen Charme des Rokoko. Seine drei Grazien im Museum der Schönen Künste in Lyon sind ein typisches Beispiel für die zierliche und phantasievolle Art und Weise, in der das 18. Jahrhundert mythologische Themen behandelte. Sein Ruhm beruht auf seinen zarten Büsten junger Frauen. Obwohl er sich bisweilen so weit bemühte, die bestehenden Maßstäbe einzuhalten, verletzte er das neoklassizistische Dogma, indem er sie zu echten Porträts machte, und vielleicht mehr als jeder andere in der Zeit, in der er sie mit französischer Sensibilität für weiblichen Charme ausstattete.
Skulptur der klassischen Antike
Frühe klassische griechische Skulptur (500-450 v. Chr.)
Beginn des goldenen Zeitalters. Siehe Wagenlenker von Delphi (475)
Hochklassische griechische Skulptur (450-400 v. Chr.)
Die glorreiche Ära der Parthenonstatuen und Reliefs.
Spätklassische griechische Skulptur (400-323 v. Chr.)
Siehe Werke wie Aphrodite von Knidos und Apollo Belvedere.
Hellenistische griechische Skulptur (323-27 v. Chr.)
Sehen Venus de Milo und Laokoon .
Römische Reliefskulptur (117-324 CE)
Sehen Sie fabelhafte historische Reliefs wie die hier Trajansäule.
Neoklassische Skulptur in Deutschland und Österreich
Die naturalistische Tradition war in der deutschen Kunst zu groß, um vom Neoklassizismus wie in anderen Ländern ausgerottet zu werden.
Der Übergang vom Rokoko zum Neoklassizismus wurde in Johann Heinrich Dannecker von Stuttgart (1758–1841) verkörpert. Der charmante Sappho des Stuttgarter Museums zeigt, wie seine Rokoko-Erziehung in all seinen früheren Inszenierungen eine angenehme Zeit hinterlassen hat, sowohl in seiner Vorliebe für Motive, die es ihm ermöglichen, die weibliche Figur zu behandeln, als auch in seiner Vorliebe für etwas leichtere und anmutigere Formen als die von ihm gepflegten desto heldenhafter unter den Neoklassikern. Während er neoklassizistischer wurde, obwohl gelegentlich bestimmte antike Prototypen für seine Werke gefunden werden, kann die Wirkung der klassischen Kunst auf ihn in verschmolzenen Impressionen mehrerer Antiquitäten oder, noch weniger spezifisch, in ursprünglichen Imitationen des antiken Stils gesucht werden. Es ist also eher der Geist der Antike, der durch sein Mädchen atmet, das ihren toten Vogel beklagt (1790), was wahrscheinlich durch Catullus ’Gedicht über Lesbia und den toten Spatzen nahegelegt wird. Seine bekannteste Leistung ist Ariadne am Panther (1810-24, Liebieghaus, Frankfurt am Main). Die bleibende Bedeutung von Dannecker besteht in der angenehmen Vereinigung eines gemäßigten Naturalismus mit den alten Prinzipien von Rhythmus und Harmonie. Die besten Beispiele für Naturalismus sind wie üblich die Porträtbüsten. Er war insbesondere der Porträtist von Schiller. Von mehreren Beispielen ist das früheste in der Bibliothek in Weimar das denkwürdigste, obwohl das Haar mit antikem Konventionalismus behandelt wird.
Der größte deutsche Bildhauer des Neoklassizismus war Johann Gottfried Schadow von Berlin (1764-1850). Es ist notwendig, Schadow als "der neoklassischen Periode" und nicht als wesentlich neoklassisch zu bezeichnen, da er, obwohl er unweigerlich vom Rokokostil seiner Jugend und vom vorherrschenden Antiquariat beeinflusst wurde, unabhängig von jeglicher Bewegung war und als sein anerkannt wurde führt nur die Natur und seine eigenen Vorstellungen. Wenn er einer Tendenz zugeordnet werden muss, würde sein Naturalismus mehr im Einklang mit dem Rokoko sein. Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art…1007 & lang = en In seiner Dekoration des Brandenburger Tors in Berlin und in seinem letzten Werk vom 19 Marmorskulptur, das liegende Mädchen in der Nationalgalerie, Berlin. Die vielleicht auffälligsten Beispiele für seinen Realismus, alle mit zeitgenössischen Militäruniformen, sind die Statuen Friedrichs des Großen im Provinzial-Landhaus Stettin und der Generäle Ziethen und Von Dessau im Kaiser-Friedrich-Museum. Seine beliebteste Arbeit ist die stehende Porträtgruppe der beiden Schwestern, der Prinzessinnen Louise und Friederike von Preußen, im Berliner Schloss. In größerem Maße als Dannecker hat er eine angenehme Verschmelzung von Naturalismus, Rokoko-Lieblichkeit und jener klassischen Anmut erreicht, die durch die Ähnlichkeit des modischen Empire-Kostüms mit der Kleidung des alten Rom sehr unterstützt wurde.
Neoklassische Skulptur in England
Die englischen Bildhauer dieser Zeit versuchten, durch einen liberaleren Rückgriff auf die Rhetorik für eine Art Provinztrübheit und für die allgemeine Kälte des neoklassizistischen Stils zu büßen, als es sich selbst ihre Kontinentalrivalen erlaubten.
Einer der Ersten Neoklassizistische Künstler Thomas Banks (1735-1805), Schöpfer des Stoikers, war in England, um neoklassizistische Werke von wirklichem Glauben zu produzieren Reliefskulptur Der Tod des Germanicus (1774), der in der Tradition der römischen Antike für die Art und Weise bekannt ist, in der die Handlung parallel zur Frontebene gehalten wird. Ein anderer Neoklassiker, der die 1760er Jahre in Rom verbrachte, war der Porträtbildhauer Joseph Nollekens (1737 & ndash; 1823). Wie Houdon hatte er eine Schwäche für den Barock, fuhr jedoch fort, zahlreiche Porträts auf besonders strenge römische Weise zu malen.
Der erste bedeutende Neoklassiker war John Flaxman (1755-1826), der in seiner Kunst viel vornehmer war Zeichnung als in seiner Skulptur. Er selbst lernte nie, wie man erfolgreich mit Marmor umgeht, und modellierte oder entwarf normalerweise die Ausführung für andere, wobei er wenig Wert auf sorgfältiges Finish legte. Seine privaten Gräber haben das angespannte Gefühl der Epoche. Dabei war er es gewohnt, einem biblischen Text eine konkrete Form zu geben, und im Allgemeinen hatte er ein größeres religiöses Interesse als der durchschnittliche englische Neoklassiker. Sein bekannter Michael, der Satan im Petworth House besiegt, ist kurioserweise barock. Seine Denkmäler von Nelson in der St. Paul’s Cathedral in London und von Lord Mansfield in der Westminster Abbey sind milde Beispiele für die pompöse und sentimentale Allegorie, die die Briten jener Zeit in öffentlichen Gedenkfeiern genossen. Der bekannteste unmittelbare Nachfolger von Flaxman war Sir Francis Chantrey (1781–1841). Wenn er ein größerer Künstler gewesen wäre, wäre er vielleicht ein englischer Schadow geworden, denn er war eher in realistischen Themen wie Porträts zu Hause als in einfallsreichen Themen oder Grabdenkmälern. Als Bildhauer von Büsten war er der begehrteste Meister des Tages, aber es ist zweifelhaft, ob seine Darstellungen besser sind als die von Flaxman. Typisch ist die Büste von Walter Scott in der National Portrait Gallery in London. Der George Washington des State House in Boston ist ein charakteristisches Exemplar seiner Porträtstatuen, in denen er dafür bekannt war, die Aufmerksamkeit auf den Kopf zu lenken und ihm Intellektualität zu verleihen.
Die neoklassizistische Skulptur in Österreich, Belgien und Spanien weist weder besondere Merkmale noch eine solche universelle Bedeutung auf, dass sie einer gesonderten Behandlung bedarf.
Neoklassische Skulptur in Amerika
Frühe Periode (um 1775-1825)
Puritanische Abneigung gegen Kunst und der strenge Lebensstil der Kolonisten führten dazu, dass die Bedingungen in der Neuen Welt bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts keinerlei Skulpturen förderten. (Für einen Überblick über das künstlerische Leben siehe: Amerikanische Kolonialkunst 1670-1800.) Einige europäische Bildhauer, die hier nach diesem Datum Aufträge erhielten, wurden bereits erwähnt; aber die einheimische Produktion hatte bereits in bescheidenem Umfang begonnen. Die Arbeit der frühesten Amerikanische Bildhauer gehörte keiner Schule an, war aber das Ergebnis der schlechten künstlerischen Konglomeratausbildung, die sie in diesem abgelegenen Land von Drucken, Abgüssen oder den wenigen Beispielen europäischer Skulptur, die sie zufällig sahen, abholen konnten. Doch auch in den USA gerieten sie mehr oder weniger unter den Einfluss des Neoklassizismus. Bei diesen ersten Versuchen durchlief die amerikanische Skulptur eine Phase, die in gewisser Weise so "primitiv" war wie archaische griechische Skulptur oder sogar mittelalterlich Romanische Skulptur, während den Charme der Aufrichtigkeit und der harten Anstrengung besitzen. Die herausragende Figur dieser frühen Phase der amerikanischen Bildhauerei war William Rush aus Philadelphia (1756-1833), der sich auf die Materialien Holz und Ton beschränkte und dessen Performances eindeutig die Methoden des Holzschnitzers verraten. Seine weiblichen allegorischen Figuren sind ebenso neoklassisch wie alles andere, aber die Technik des Holzschnitzers verleiht ihnen eine rokokoartige "Aufregung" und Projektion der Falten. Die Nymphe des Schuylkill, die aus Holz für einen Brunnen geschnitzt und für uns in einem Bronze-Replikat im Fairmount Park, Philadelphia, aufbewahrt wurde, beweist, dass fast alle dieser frühen Bildhauer es schlichtweg geschafft haben, ein oder zwei denkwürdige Werke zu schaffen. Die Statue von George Washington in der Independence Hall ist eine einfache und eindrucksvolle Figur, die durch einen zu engen Kontakt mit dem Neoklassizismus unberührt bleibt. Es ist typisch für Rushs Stil, auch für die Schwierigkeit, auf die der Bildhauer bei der Schaffung einer einfachen Haltung stieß.
Späterer Zeitraum (um 1825-1900)
Mit der zunehmenden kulturellen Entwicklung der Vereinigten Staaten wurde es zur Gewohnheit, in Italien zu studieren und sich dem Neoklassizismus zu ergeben. Die wichtigsten Bildhauer in der Generation nach Rush waren Greenough, Powers und Crawford. Alle drei, die sich einst in Italien niedergelassen hatten, blieben einen Großteil ihres Lebens dort und verschickten ihre Bestellungen nach Amerika! Ihre Aktivitäten erstreckten sich weit über die chronologischen, aber nicht die stilistischen Grenzen des Neoklassizismus hinaus bis ins 19. Jahrhundert.
Horatio Greenough aus Boston (1805-1852) zeigt seinen langweiligen Durchschnitt der neoklassischen Mythologie in Werken wie dem Cupid Bound des Boston Museum. Sein sitzender George Washington soll wie ein Phidian-Zeus aussehen; aber seine Fehler sind eher die Fehler der Epoche. Die Büste von John Quincey Adams in der New York Historical Society verrät die Tatsache, dass Greenough in der Porträtmalerei noch mehr zappelte als der übliche Neoklassiker.
Hiram Powers (1805-1873) verdankte seinen Ruhm vor allem der Sensation, die er in Amerika ohne Anleitung auslöste weibliche Akte. Das berühmteste Beispiel ist der griechische Sklave, der von der Medici-Venus abstammt. In Werken wie dem Daniel Webster vor dem State House in Boston erzielte er ein etwas eindrucksvolleres Porträt als Greenough.
Thomas Crawford aus New York City (1813-1857) war origineller und einfallsreicher als jeder seiner Rivalen und leitete die amerikanische Tradition von Themen zur nationalen Verherrlichung ein. Sein interessantestes Erbe ist die Dekoration des Kapitols in Washington. Die bronzene bewaffnete Freiheit, die die Kuppel krönt, ist eine Vorstellung von wahrer Majestät, fast inspiriert. Obwohl sein Giebel des Senatsflügels eine unzusammenhängende Komposition ist, sollten einige der getrennten Formen nicht vergessen werden, insbesondere das Amerika, das in der gleichen Hochstimmung wie die bewaffnete Freiheit und der sitzende und niedergeschlagene indische Häuptling konzipiert wurde. Eine weitere Neuerung in unserem Land waren seine Bronzetüren, die während der Erweiterung des US-Kapitols Mitte des 19. Jahrhunderts für den Ostportikus des Senatsflügels geschaffen wurden und die Kriegsangst und den Segen des Friedens darstellten. In ihrer Einfachheit der Komposition, Klarheit der Erzählung und angenehm konzipierten und ausgeführten Figuren bilden sie Crawfords Meisterstück.
Der Neoklassizismus weicht dem klassischen Realismus
Amerikanische Bildhauertraditionen wurden vom produktiven Künstler direkter angesprochen Daniel Chester Französisch (1850-1931), bekannt für seine zahlreichen öffentlichen Denkmäler, darunter seine sitzende Marmorstatue von Abraham Lincoln (1920) am Lincoln Memorial in Washington DC. Der Porträtbildhauer aus South Dakota James Earle Fraser (1876-1953) wurde von seinen frühen Arbeiten zur neoklassizistischen Architekturskulptur auf der Chicago World Fair inspiriert, ist aber vor allem für seinen kraftvollen Grenzrealismus bekannt. Ein weiterer Realist war der Künstler aus Massachusetts Anna Hyatt Huntington (1876-1973), berühmt für sie Reiterstatuen und Pferde.
Berühmte neoklassizistische Skulpturen
Hier finden Sie eine kurze Auswahl einiger der bekanntesten neoklassizistischen Skulpturen, chronologisch nach Künstlern aufgelistet.
Neoklassizistische Plastikkunst ist in einigen von ihnen zu sehen beste Kunstmuseen und Skulpturengärten auf der ganzen Welt.
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