Piero di Cosimo: Renaissance-Maler, Florenz Automatische übersetzen
Biografie
Eines der innovativsten Alte Meister Der florentinische Maler Piero di Cosimo ist vor allem für seine außergewöhnlichen Phantasien bekannt Malerei der Frührenaissance Ein spätes Beispiel dafür ist seine spätmythologische Leinwand mit dem Titel Perseus Liberating Andromeda (1515, Uffizien, Florenz). Ein weiterer seiner außergewöhnlichen Beiträge zu Renaissance-Kunst ist sein Hundemeisterwerk Death of Procris (um 1500, National Gallery, London). Er produzierte auch zahlreiche konventionelle Beispiele von Altarbild Kunst sowie Dekorplatten für Möbel. Außerdem malte er einige denkwürdige Renaissance-Porträts , wie das Porträt von Simonetta Vespucci (1485-90, Musee Conde, Chantilly). Sein ungewöhnlicher Stil von Gemälde war nur ein Teil einer exzentrischen, böhmischen Lebensweise, die eine sich wiederholende Diät mit hart gekochten Eiern beinhaltete. Einer der kreativsten Künstler der zweiten Generation, der während des Festivals aufgetaucht ist Italienische Renaissance Piero di Cosimo war auch ein Schüler der Niederländische Renaissance und seine phantasievollen Werke sind Teil der Tradition der Fantasie, für die Maler wie Hieronymus Bosch (1450-1516) Giorgione (1477-1510) Lorenzo Lotto (1480-1556) und Hans Baldung Grien (1484 & ndash; 1545).
Ausbildung und frühe Malerei
Laut der Einkommensteuererklärung seines Vaters von 1480 befand sich Piero di Lorenzo, bekannt als Piero di Cosimo (1461 / 62-1522), in der Bottega von Cosimo Rosselli (1439-1507), einem Florentiner Maler von beträchtlicher Popularität und Ansehen während der zweite Hälfte des quattrocento . Von Rosselli übernahm Piero auch den Namen "di Cosimo", was auf eine besondere Zuneigung zu seinem Lehrer hinweist. Da Piero 1480 nicht bezahlt wurde, ist es wahrscheinlich, dass er zu diesem Zeitpunkt, vermutlich nach einer Ausbildungszeit, bereits ein gewisses Maß an Unabhängigkeit in der Werkstatt erlangt hatte. Piero hatte eine Karriere von über vierzig Jahren als praktizierender Maler, aber seine Werke sind schlecht dokumentiert und die Fakten rund um sein Leben sind fragmentarisch und uninformativ. Möglicherweise war er 1481 und 1482 mit Cosimo Rosselli in Rom, der, wie wir gesehen haben, einer der Meister war, die auf der Messe tätig waren Freskenmalerei in der Sixtinischen Kapelle.
Piero di Cosimo wird in den Aufzeichnungen als Familienoberhaupt mit seinen Brüdern im Jahr 1498 aufgeführt, und irgendwann zwischen 1503 und 1505 wurde er in die Bruderschaft des Heiligen Lukas eingeschrieben. Er gehörte zu den Künstlern und Handwerkern, die die Kommission bildeten, um die verschiedenen vorgeschlagenen Standorte für die Platzierung von Michelangelos Marmorskulptur zu bewerten David (1501-4) und im selben Jahr, 1504, wurde er in die Malergilde aufgenommen. Im Jahr 1506 wurde er für eine bezahlte Ölgemälde einer Madonna (nicht identifiziert), 1507 für Festschmuck und 1510 für Filippo Strozzi. Fünf Jahre später fertigte er Dekorationen für den Siegeszug von Papst Leo X. nach Florenz an. Piero di Cosimo scheint sich nach dem, was bekannt ist, fast sein gesamtes künstlerisches Leben lang mit dem Thema beschäftigt zu haben Renaissance in Florenz oder in der Nähe.
Wenn die Dokumente für Pieros Karriere und eine akzeptable Chronologie praktisch keine Hilfe sind, wird der Bericht von Giorgio Vasari (1511-74) gehört zu den sympathischsten Biografien dieses Autors. Vasari war von Pieros Kunst sehr angetan und besaß sogar ein Gemälde des Meisters. So hilfreich und reich Vasaris Version seines Lebens sein mag, mit seiner starken Betonung der Exzentrizität von Piero, kann es nicht als Ersatz für zeitgenössische Dokumentation verwendet werden. Piero ist, wie einige Kritiker vermuten, aus dem Orbit von Cosimo Rosselli in ein anderes Training gewechselt. Er scheint zumindest eine sorgfältige Studie gemacht zu haben Andrea del Verrocchio (1435-88) Filippino Lippi (1457-1504) und Domenico Ghirlandaio (1449 & ndash; 94).
Besichtigung mit Sts. Nicholas und Anthony Abbot
Das Altarbild der Heimsuchung mit Sts. Nicholas und Anthony Abbot (National Gallery of Art, Washington, DC) können auf einen Zeitraum zwischen 1489 und 1490 datiert werden, als der Rahmen bereitgestellt wurde. Dieses Gemälde, das für die Kapelle der Familie Capponi in Santo Spirito angefertigt wurde, muss der Ausgangspunkt für jede stilistische Diskussion über Pieros Kunst sein. Zweifellos malte Piero viele Werke vor diesem, aber keines ist dokumentiert, außer einem signierten und datierten Gemälde der Unbefleckten Empfängnis in San Francesco in Fiesole (1480), dessen Inschrift mit dem Bild nicht zeitgemäß ist; es verrät ein Vertrauen in Cosimo Rosselli.
Im Hintergrund der Heimsuchung stehen zwei Unterthemen: die Anbetung des Kindes auf der linken Seite und das Massaker an den Unschuldigen auf der rechten Seite; an der fassade einer fernen kirche ist noch ein thema dargestellt, die ankündigung . Als Piero dieses Altarbild malte, war er offensichtlich ein voll entwickelter und stilistisch unabhängiger Künstler, und was immer er von seinem Lehrer oder seinen Lehrern aufgesogen hat, ist gut in seine Kunst integriert.
Die sorgfältig zentralisierte, entscheidend geplante Komposition verbindet die Begegnung von Maria und Elisabeth mit den Schutzheiligen der Familie Capponi im selben Raum. Die Heiligen nehmen die untere Hälfte der Tafel ein und sind näher am Betrachter. Die christologischen Elemente befinden sich in der oberen Zone, inmitten eines hellen, hohen Himmels und einer abwechslungsreichen Landschaft. Die Gebäude auf beiden Seiten des Mittelgrundes bilden einen visuellen Trichter, der in die unendliche Entfernung führt. Auf der erhöhten bühnenartigen Plattform rechts neben einem welken Baum entfaltet sich das Massaker und dahinter eine romanische Stadt.
Malstil von flämischer Kunst beeinflusst
Pieros figürlicher Stil spiegelt hier die skulpturale Liebe zu massiven Vorhängen, robusten Proportionen, ausgedehnten ausdrucksstarken Händen und der Hingabe zum figürlichen Volumen wider, die er mit monumentalen Malern der zweiten Generation teilt. Da sein Leben spät in die Zeit fällt und da er vermutlich bis in die 1520er Jahre aktiv war, ist Piero’s Kunst häufig überschnitten die Karrieren der Maler der dritten Generation, darunter seine eigenen begabten Schüler, Andrea del Sarto (1486-1530) und wahrscheinlich Fra Bartolommeo (1472-1517), den er überlebte.
Die verstärkte Realität, die in Pieros zu finden ist Renaissance-Gemälde , und die Bandbreite seiner von Vasari so bewunderten Fantasie sind in der Heimsuchung zu sehen und teilweise auf eine Bekanntschaft mit zurückzuführen Flämische Malerei . Ein dem Surrealismus nahekommender Realismus manifestiert sich hier beispielsweise in der Behandlung der Kugeln, Attribute des Heiligen Nikolaus, auf denen sich der Raum der Kapelle widerspiegelt, oder im prekär ausgewogenen Geschäftsbuch oder in der Glocke und Krücke des Heiligen Nikolaus. Anthony. Die Effekte sind teilweise auf Pieros starke Vorliebe für Ölmalerei zurückzuführen Tempera eine Präferenz, die erlaubt trompe l’oeil Qualitäten, die bereits von einigen italienischen Künstlern bevorzugt werden, deren Herkunft mit den Strömungen in der Toskana in Verbindung gebracht wird Renaissance des Nordens .
Piero versucht, seine Formen mit tonalen Kontrasten zu gestalten. Das Profil der Madonna vor einem hellen Himmel hat einen dünnen Rand aus dunklem Schatten, der die Konturen weicher macht. Die Modellierung innerhalb des Gesichts ist unauffällig, nur die Merkmale werden auf einer abgeflachten Ebene gezeichnet. Das Nebeneinander von Hell und Dunkel, um den Unterschied zwischen den Formen zu verstärken, findet sich auch in anderen Bereichen, einschließlich der Klippe links gegen den blassen Himmel. Die Farbe ist hell, intensiv, unvorhersehbar, während die viskose Ölfarbe oft kühn aufgetragen wird, wie in den Bärten und Haaren der sitzenden Heiligen, wodurch brillant ausgeführte Passagen entstehen.
Venus, Mars und Amor
Ein weiteres Werk, das Piero di Cosimo zuversichtlich ansieht, sind die Venus, der Mars und der Amor (1490, Gemäldegalerie, Staatliche Museen zu Berlin), die einst Vasari selbst gehörten und von ihm mit Begeisterung wie folgt beschrieben wurden:
"Dieser Meister malte ebenfalls ein Bild von einer nackten Venus mit einem ebenfalls nackten Mars, der schlafend auf einer mit Blumen gefüllten Wiese liegt; um sie schweben Amoren, die den Helm, die Armbinden und andere Teile der Rüstung tragen Mars. Es gibt einen Myrtenhain, und hier ist ein Amor, der beim Anblick eines Kaninchens alarmiert wird: Die Venus-Tauben sind auch mit anderen Liebeswappen abgebildet. "
Pieros Festhalten an einer monumentalen Sprache zeigt sich in der Behandlung der weiblicher Akt Besonders in den robusten Putti in der Mitteldistanz, leicht posiert und mit überzeugendem Volumen modelliert. Er war sich einer Reihe von Kontrasten in diesem Siegerpanel besonders bewusst: Die beiden Tauben darunter, die liegenden männlichen und weiblichen Figuren, der vom Fleisch dominierte Vordergrund und der Landschaftshintergrund, das Spiel von Dunkelheit gegen helle Töne, in denen die Silhouetten durch Licht verstärkt werden Bereiche an den Rändern hinzugefügt, wie am unteren Rand der Venus oder den Armen des Mars zu sehen. Piero setzt auch hellere Formen gegen Dunkelheit, wie in den Ästen hinter dem Kopf der Venus, wo die interne Modellierung auf ein Minimum beschränkt ist. Typischerweise ist er sich der Wechselwirkung zwischen den Grundelementen der Landschaftselemente und seiner Erzählung sehr bewusst, so dass Figuren oder Gruppen auf bestimmte Bildbereiche mit Hintergrund verwiesen werden Landschaftsmalerei eine Verwendung, die auch bei Leonardo zu finden ist und in Pieros eigener Inkarnation Christi mit Heiligen (1505, Uffizien, Florenz) deutlicher zum Ausdruck kommt.
Inkarnation Christi mit Heiligen
Die drei Heiligen zu beiden Seiten der Inkarnation stehen vor Klippen, die ihren Platz in der Komposition definieren, während über ihnen die Anbetung des Kindes und die Flucht nach Ägypten in einer anderen Skala dargestellt sind. Maria, die auf einem Altar aus Marmorimitat steht, der ein Relief der Verkündigung enthält , ist von den anderen Figuren dadurch isoliert, dass sie nur einen blassen Himmel als Hintergrund hat, auf dessen Achse die weiße Taube den Heiligen Geist darstellt. Die Wolken auf beiden Seiten spiegeln die Unterteilungen der Gruppen wider, während sie das Lichtspiel gegen die Dunkelheit fortsetzen. Das von Vasari erwähnte Altarbild in einer Kapelle der Santissima Annunziata stammt aus der Zeit um 1505, als Leonardo da Vinci (1452-1519) war zurück in Florenz und malte die Schlacht von Anghiari , da es ganz links Leonardo-ähnliche Merkmale wie den Umgang mit Johannes dem Evangelisten gibt, bei denen die Konturen und die Oberfläche etwas weicher sind.
Porträts
Piero di Cosimo ist auch bekannt für seine Porträtkunst . Die Porträts von Giuliano da San Gallo (1500, Rijksmuseum, Amsterdam) und Simonetta Vespucci (1485-90, Musee Conde, Chantilly) datieren vermutlich noch vor dem Altarbild. Die gleiche Liebe zum Detail im Porträt von Giuliano, in erster Linie eines Architekten, der Messschieber und eine Schreibfeder, Instrumente seiner Tätigkeit und die konzentriertere Modellierung im Gesicht enthält, verbindet ihn mit dem Kopf des Heiligen Hieronymus in der Inkarnation. Der Dargestellte scheint etwa sechzig Jahre alt zu sein, obwohl man das Alter eines Porträtierten vorsichtig einschätzen muss. Wir müssen davon ausgehen, dass es manchmal der Wunsch des Mäzens war, geschmeichelt zu werden, indem er als jugendlicher dargestellt wurde als er, und dass Maler häufig nachgingen. Folglich ist das scheinbare Alter eines Motivs selten ein entscheidender Faktor für die genaue Datierung eines Bildes.
Mythologische und historische Gemälde
Eine wichtige Gruppe von Tafelbilder und mit Piero verbundene Leinwände illustrieren mythologische Themen und die frühe Geschichte des Menschen. Keines der Bilder dieses Typs ist dokumentiert oder datiert, aber sehr wahrscheinlich waren sie Teil der Möbeldekoration in privaten Räumen, und ihre Zuordnung zu Piero ist schwer zu hinterfragen. Ein Beispiel ist die Vulcan and Aeolus (National Gallery, Ottawa), für die ein Datum in den 1490er Jahren am sinnvollsten ist, bevor Leonardo nach Florenz zurückkehrt. Das Thema hat mit der frühesten Herstellung von Werkzeugen und Gebäuden zu tun, und Piero zeigt eine idyllische Szene, in der die wilden Tiere und Geflügel von der Anwesenheit des Menschen nicht erschreckt erscheinen. Besonders wirkungsvoll ist der Ausschnitt, der den Bau des ersten Hauses rechts oben im Gegensatz zu den Hütten auf der gegenüberliegenden Seite zeigt. Die Komposition scheint desorganisiert und willkürlich aufgebaut zu sein, als ob sie den Zustand der vertretenen Gesellschaft widerspiegeln würde. Andererseits werden die Figuren mit robusten Proportionen, starker Volumenmodellierung und überzeugenden Posen wiedergegeben.
Perseus befreit Andromeda
Ein brillantes Beispiel für sein spätes mythologische Malerei ist der Perseus Liberating Andromeda (1515, Uffizien, Florenz). Ein gigantisches Wassermonster, das Leonardo würdig ist, dominiert das Zentrum dieses kleinen Bildes. Es grenzt an die robuste, aber wehrlose Andromeda, die an einen Baumstumpf gebunden ist und sicherlich geopfert worden wäre, wenn nicht der Held Perseus, der Sohn des Zeus, eingegriffen hätte. Eingebettet in eine einfallsreiche Landschaft, geformt wie ein abgeflachtes "V", stehen Figurengruppen im Vordergrund und beklagen das zu erwartende Opfer. Um das Drama ergreifender zu machen, zeigt Piero Perseus zweimal in seinen geflügelten Sandalen: Erstens fliegt er in die Szene und zweitens auf dem Biest, um den Gnadenstoß auszulösen, und rettet die Frau, die seine Braut werden wird. In Bildern wie diesen beruht Pieros Anziehungskraft auf seiner Stärke Zeichnung , die Kraft seiner Formen und die Komplexität der Landschaft. Darüber hinaus zeigt sich die Tiefe seiner Vorstellungskraft und die Fähigkeit, den menschlichen Zustand zu verstehen, im Zusammenspiel seiner Figuren, sowohl physisch als auch psychisch.
Erbe
Piero war einer der ersten Florentiner, die seinen älteren und bemerkenswerten Zeitgenossen Leonardo da Vinci verstanden haben. Gleichzeitig schlägt Pieros Kunst eine Brücke zwischen dem 15. und 16. Jahrhundert sowie der zweiten und dritten Generation. Was das Thema betrifft, hat Piero nicht nur konventionell produziert religiöse Kunst (meist Altarbilder) und weltlich Porträtmalereien , war aber auch ein bemerkenswerter, wenn auch exzentrischer Interpret esoterischer und arkaner Themen. Zu seinen Schülern gehörten der Hochrenaissance-Maler Andrea del Sarto (1486-1530) und der Manierist Jacopo Pontormo (1494-1556).
Zeitgenossen von Piero di Cosimo
Andrea Mantegna (1431-1506) und Antonio Pollaiuolo (1432-98) haben mit Stichen überall ihre Spuren hinterlassen: eine neue Gattung tragbarer Gegenstände, die in großen Stückzahlen hergestellt wurden und in ganz Italien und darüber hinaus geschätzt wurden. Giovanni Bellini (1430-1516) hatte eine lange, hochproduktive künstlerische Karriere, die über sechzig Jahre dauerte. Er war so offen für Veränderungen, auch als älterer Mann, dass seine späten Werke denjenigen seiner besten Anhänger, der angesehensten Künstler der dritten Generation, entsprechen: Giorgione (1477-1510), Sebastiano del Piombo (1485-1547) und Tizian (c.1485 / 8-1576). Während Antonello da Messina (1430-1479) war in seinem eigenen Zeitrahmen fest verankert, seine Leistungen waren derart, dass er eine pan-italienische Karriere hatte und tatsächlich einen starken Einfluss auf Giovanni Bellini und die gesamte Schule ausübte Venezianische Malerei .
Im Gegensatz zu Antonello, Melozzo da Forli (1438-94) arbeitete hauptsächlich im Fresko, obwohl sein Fresko hauptsächlich in fragmentarischer Form erhalten geblieben ist. Wir wissen, dass seine Arbeiten jene Künstler betrafen, die aktiv die Seitenwände der Sixtinischen Kapelle bemalten, aber Melozzo da Forlis Karriere und Wirkung sind immer noch unklar. Antonio del Pollaiuolo hatte nur einen lokalen (dh florentinischen) Ruf als Maler und wurde in dieser Hinsicht von seinem Bruder Piero etwas überschattet, aber seine Bronzeskulptur und insbesondere seine beiden päpstlichen Gräber in Rom hatten einen bleibenden Einfluss auf spätere Künstler, darunter Michelangelo (1475 & ndash; 1564). Domenico Ghirlandaio und Luca Signorelli (1450-1523) waren bekanntlich ausschließlich Maler. Domenico hatte einen eigenen aktiven Bottega , der sich hauptsächlich aus Familienmitgliedern zusammensetzte. Michelangelo gehörte zu seinen externen Schülern, obwohl er abrupt abreiste, bevor er den "Kurs" beendete. Signorelli, ein komplizierter Intellekt, ein seltener, aber exzentrischer Erfinder sowie ein unkonventioneller Kolorist, hatte eine lange Karriere, die nach seinen unübertroffenen Leistungen in Orvieto provinziell zu werden scheint Frühe Renaissance . Auch er hat Michelangelo beeindruckt, besonders seinen Genesis-Fresken in der Sixtinischen Kapelle .
Leonardo da Vinci wird normalerweise nicht in seiner eigenen chronologischen Generation studiert, sondern in der nächsten, einfach aufgrund der Bandbreite seiner Einsichten und der Frühreife seines Geistes. Doch wie gezeigt wurde, sind seine Innovationen unweigerlich von seinem eigenen Moment geprägt. Die Intensität, mit der er zum Beispiel Blumen studierte, stimmt überein mit Botticelli (1445-1510), der in seinem Gemälde unendliche Varianten darstellte La Primavera (c.1482-3, Uffizien).
Unter den lyrischen Malern dieser Generation, Perugino (1450-1523) und Pinturicchio (1454-1513) aus Umbrien galten als die besten, da sie von Rom bis Mailand und Venedig eine breite Anhängerschaft hatten. Sie waren hervorragende Dekorateure, vor allem Pinturicchio, der im Vatikanischen Palast riesige päpstliche Räume bemalte, nur um von einem weiteren Schüler Peruginos aus Umbrien in den Schatten gestellt zu werden. Raphael (1483-1520) von Urbino. Die beeindruckende, wenn auch lokalisierte Kunst, die in Ferrara reifte, war im Gegensatz zum umbrischen Stil von Perugino. Obwohl es im übrigen Italien weniger einflussreich ist, bleiben seine Bildsprache und Ausdruckskraft visuell und intellektuell hoch lohnend, insbesondere für den modernen Zuschauer. Unter den Venezianern, die zu einer lyrischeren Sprache tendierten, Nichtjüdischer Bellini (c.1429-1507) und Vittore Carpaccio (c.1465-1525 / 6) neigten zu einem konservativen Geist. Ihre Kunst bezog sich weniger auf die neuen Eroberungen, die die Gemälde von Giorgione und dem jungen Tizian kennzeichneten, als auf die von Giovanni Bellini.
In einigen von ihnen sind Gemälde von Piero di Cosimo zu sehen beste Kunstmuseen in der Welt.
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