Caravaggio in Neapel, neapolitanischer Caravaggism Automatische übersetzen

Einführung

Ein Schwerpunkt für Kunsthistoriker, die das Leben und die Karriere des italienischen Genies untersuchen Caravaggio (1571-1610) ist die Barocke Kunst er produzierte in Neapel. Dies ist der Bereich, in dem in den letzten Jahren wichtige Entdeckungen sowohl von Gemälden als auch von Dokumenten gemacht wurden. Es war zwar schon lange bekannt, dass Caravaggios Anwesenheit einen großen Einfluss hatte Malen in Neapel Eine Recherche über seine eigene Arbeit in der Stadt war angesichts der vergleichsweise geringen Vertrautheit mit Caravaggios spätem Stil längst überfällig.

Zeitgenössische Berichte von Caravaggios Gemälden

Die Berichte über Caravaggios Bewegungen, als er Rom verließ, nachdem er Ranuccio Tomassoni am 29. Mai 1606 getötet hatte, waren ungenau und fragmentarisch. seine römischen Biographen Giulio Mancini (1620) und Baglione (1642) erwähnten lediglich in Neapel gemalte Bilder, ohne Einzelheiten zu nennen. Die handschriftlichen Ergänzungen eines anonymen Kommentators zu Mancinis Considerazioni sulla Pittura nach Angaben von Teofilo Gallaccini (um 1570-1642) liefern die erste zusammenfassende Darstellung von Caravaggios Gemälden in Neapel. Bellori (1672) und Scaramuccia (1674) veröffentlichten erstmals Verweise auf die für die Kirchen gemalten Werke, deren Listen jedoch entweder ungenau oder unvollständig sind. Die Geißelung Christi (1607, Museo di Capodimonte, Neapel), ein besonderes Meisterstück von Barockmalerei – Nicht zuletzt wegen seiner dramatischen Tenebrismus – wird nur von Bellori erwähnt, vielleicht weil es schwierig war, in der Kirche von S. Domenico Maggiore zu sehen; Andere Werke, auf die Bezug genommen wird, sind die Sieben Akten der Barmherzigkeit ) Nostra Signora della Misericordia) (1607) in der Kirche des Pio Monte (der Mancini-Kommentar bezieht sich auf andere Gemälde von Caravaggio) und die Gemälde für die Fenaroli (eine Familie aus Brescia)) Kapelle in S. Anna dei Lombardi, die Ende des 18. Jahrhunderts verloren ging. Caravaggios Auferstehung befand sich auf dem Altar dieser Kapelle; es muss ein äußerst wichtiges und auch beunruhigendes Werk gewesen sein, nach den Äußerungen der Besucher zu urteilen (Scaramuccia 1674; Cochin 1763). Im achtzehnten Jahrhundert wurde die Geißelung am meisten für ihre perfekte Komposition und die edle Figur Christi der klassischen Inspiration bewundert. Sowohl Bellori als auch De Dominici (1742-45) lobten großzügig die Ablehnung des heiligen Petrus in der Sakristei von S. Martino, an deren Stelle sich jetzt ein Gemälde des gleichen Themas befindet, wahrscheinlich von einem flämischen Anhänger von Caravaggio.

Verwirrung über Caravaggios Besuche in Neapel

Bellori ist der einzige Autor, der Informationen zu Caravaggios Werken, die in Neapel als Privataufträge außerhalb von Kirchen gemalt wurden, zur Verfügung stellt. Eine davon war „eine halbe Figur des Herodias mit dem Haupt des hl. Johannes des Täufers“, die Caravaggio nach seiner Flucht von der Insel an den Großmeister des Malteserordens, Alof de Wignacourt, sandte, um ihn zu beschwichtigen. Das mit zwei verschiedenen Bildern identifizierte Werk muss also nach seiner Rückkehr nach Neapel gemalt worden sein.

Bellori gab an oder wollte glauben, dass Caravaggio im Sommer 1609 starb, im selben Jahr, in dem Annibale Carracci und Federico Zuccari starb, aber tatsächlich starb er ein Jahr später in Porto Ercole am 18. Juli 1610. Bis 1928, als Longhi die beiden Epitaphien von Marzio Milesi veröffentlichte, wurde Belloris Aussage akzeptiert, obwohl das wahre Datum bereits veröffentlicht worden war von Orbaan (1920). Während dies unvermeidlich die letzte Periode von Caravaggios Karriere verkürzte, gab es eine Reihe von Gelehrten, wie Mahon (1951) und Hinks (1953), die versuchten, einige von Caravaggios Werken auf seine letzten Monate in Neapel zu datieren. Der bedeutendste Beitrag, die Wiederentdeckung von Caravaggios letzter Periode in Neapel nach seiner sizilianischen Reise, wurde von Longhi (1959, 1978) geleistet. Caravaggio traf Anfang Oktober 1609 in Neapel ein; Am 24. Juli 1610 schrieben die Korrespondenten des Herzogs von Urbino, der Künstler sei in Neapel verwundet oder getötet worden. Dieser zweite Aufenthalt in Neapel dauerte daher etwa zehn Monate.

Diese Entdeckung machte es erforderlich, die in den Quellen erwähnten Werke und die später mit ihnen identifizierten Gemälde neu zu ordnen. Selbst unter Berücksichtigung der Geschwindigkeit, mit der Caravaggio arbeitete, schien es zu viele Gemälde zu geben, um in den Zeitraum der Monate von Oktober 1606, als Caravaggio zum ersten Mal in Neapel ankam, bis Juli 1607, als er bereits auf Malta war, zu passen. Die Sieben Akte der Barmherzigkeit wurden nur für die Ausstellung von Caravaggio und den Caravaggisti (Neapel 1962-63) gründlich gereinigt und restauriert. Seine schlechte Lesbarkeit hatte bereits in relativ kurzer Zeit zu Missverständnissen im Werk geführt.

Entdeckung neuer neapolitanischer Gemälde von Caravaggio

In den Jahren nach 1970, als Causa die Röntgenbilder der Sieben Akte der Barmherzigkeit veröffentlichte, wurden große Fortschritte bei der Untersuchung von Caravaggios neapolitanischem Werk erzielt, was durch die Entdeckung einer Reihe von Originalgemälden erleichtert wurde, von denen die meisten bisher unbekannt waren. sogar durch Kopien.

Unter diesen erhält der Salome den Kopf Johannes des Täufers, der 1959 von Longhi als sehr spätes Werk veröffentlicht wurde und 1970 von der National Gallery in London erworben wurde. Einige Jahre später entdeckte Cellini ein anderes Original, die Denial of St. Peter (1609-10, Metropolitan Museum of Art, New York). 1975 wurde der Vorschlag unterbreitet, Caravaggio sei der Autor des Martyriums eines Heiligen, das 1963 als Werk von Neapel in die Ausstellung aufgenommen worden war Mattia Preti (1613 & ndash; 99). Spätere Dokumente, die Pacelli (1980) entdeckte, belegen, dass es sich bei dem Gemälde um das Martyrium der heiligen Ursula (Banca Commerciale Italiana, Neapel) handelte, das Caravaggio zwei Monate vor dem Tod des Malers im Mai 1610 für Marcantonio Doria gemalt hatte. Seit Mitte der 1970er Jahre halten einige Experten das als The Tooth-Puller (1609-10, Palazzo Pitti, Florenz) bekannte Gemälde, das in einem Medici-Inventar von 1636 aufgeführt und von Scannelli (1657) bewundernd beschrieben wurde, trotz allem für ein Caravaggio-Original seine Ausstellung von Evelina Borea im Jahr 1970 als das Werk eines "unbekannten Anhängers von Caravaggio".

Diese vier Gemälde, die zweifelsohne aus Caravaggios zweitem Aufenthalt in Neapel stammen müssen, machen eine Rekonstruktion seiner letzten Schaffensperiode erforderlich. Es lohnt sich auch zu überlegen, ob der Künstler Aufträge für Großprojekte erhalten hat religiöse Kunst, wie er es bei seinem ersten Aufenthalt von 1606-07 getan hatte.

Indizien belegen, dass die Verkündigung für die Eglise Primatiale in Nancy, die 1609 durch die Stiftung Heinrichs II. Von Lothringen, der 1608 das Herzogtum übernahm, entstanden ist, aus dieser Zeit stammt. Die Zuschreibung dieses Gemäldes zu "Michelangelo von Rom", das sich nur schwer mit Caravaggio identifizieren lässt, wurde 1948 von Pariset veröffentlicht und 1959 von Longhi akzeptiert. Stilistische Überlegungen lassen auch auf die Kreuzigung des hl. Andreas (Cleveland Museum of Rom) schließen Kunst), die der Vizekönig Conde de Benavente 1610 mit nach Spanien nahm (Bellori), malte Caravaggio in den Monaten vor seiner Abreise, vermutlich auf Ad-hoc-Auftrag.

Dokumentationsrecherche zu Caravaggios Aufträgen

Die Rekonstruktion von Caravaggios zwei Aufenthalten in Neapel wurde durch dokumentarische Recherchen erheblich erleichtert. Angesichts der neuen Transkription der Dokumente im Pio Monte della Misericordia von Causa (1970) ist es sehr wahrscheinlich, dass Dokumente von Pacelli (1977) sich auf Zahlungen eines erheblichen Betrags an Caravaggio durch Tommaso de Franchis am 11 27. Mai 1607, offensichtlich für ein Altarbild, beziehen sich auf die Geißelung. (Anmerkung: Caravaggios Geißelung von 1607 galt für eine Kapelle in der Kirche San Domenico Maggiore in Neapel, deren Schutzpatronen eng mit der Bruderschaft des Pio Monte della Misericordia verbunden waren, für deren Kirche der Künstler bereits Die sieben Akte der Barmherzigkeit gemalt hatte.) Das Bild muss daher während Caravaggios erstem Aufenthalt in Neapel und nicht während seines zweiten gemalt worden sein, wie Longhi vorgeschlagen hatte (1959). Es sollte hinzugefügt werden, dass diese Zahlungen nicht endgültig waren und dass vor dem 13. Juli, als wir wissen, dass der Maler bereits in Malta war, sehr wenig Zeit für die Arbeit an dem Gemälde übrig blieb. Pacelli (1980) hat weitere wichtige Entdeckungen gemacht: Die Dokumente über das Martyrium der heiligen Ursula und die Cappella Fenaroli in S. Anna dei Lombardi datieren beide Werke in die letzte neapolitanische Periode, wie zuvor nur vermutet worden war.

Caravaggios erster Aufenthalt in Neapel, der nur wenige Monate dauerte und vor dem 13. Juli 1607 endete, wird durch drei großartige Beispiele dargestellt Altarbild Kunst, Die sieben Akten der Barmherzigkeit, Die Madonna des Rosenkranzes (Kunsthistorisches Museum, Wien) und Die Geißelung. Das von Niccolo Radolovich in Auftrag gegebene und am 6. Oktober 1606 bezahlte Altarbild (Pacelli 1967) sollte vielleicht in diese Liste aufgenommen werden. Dass Caravaggio in so kurzer Zeit solch wichtige Aufträge für Werke erhalten sollte, die für öffentliche Ausstellungen bestimmt sind, ist ein Maß für seinen Ruhm bei seiner Ankunft in Neapel. Dies wird durch die Zahlung von 400 Dukaten für The Acts of Mercy (das Doppelte des Betrags, den der Künstler bei seiner Ankunft in Neapel für das Radolovich – Bild angenommen hatte) und durch die eifersüchtige Sorgfalt, mit der der Pio Monte das Bild, insbesondere vor dem, bewachte, bestätigt geizig Conde de Villamediana. Das Interesse an Caravaggios Gemälde in Neapel, das als eine der Hauptstädte des Mittelmeers kaum weniger wichtig war als Rom, lässt sich aus frühen Quellen ableiten. Bellori spielte darauf an und De Dominici schrieb im Leben von Battistello Caracciolo, dass "der Ruf von Caravaggio zu dieser Zeit stark gewachsen war", sowohl bei den Gönnern als auch bei den Künstlern. Und er fügte hinzu: ’Caravaggio kam nach Neapel, wo er sowohl von Künstlern als auch von Liebhabern von mit großem Beifall aufgenommen wurde Ölgemälde und er malte dort viele Werke.

Caravaggios später Malstil

Zahlreich Italienische Barockkünstler und andere Nordländer – einschließlich Flämische Maler mögen Anthony Van Dyck – kam zu Beginn des 17. Jahrhunderts nach Neapel. Da wir wissen, dass Caravaggio von vielen dieser Maler, von denen der berühmteste war, sehr geschätzt wurde Rubens (1577-1640) überrascht es uns nicht, dass Pourbus der Jüngere (1569-1622), der mit Rubens und dem Hof ​​von Mantua in Verbindung steht, aus Neapel an die Familie Gonzaga schrieb, um sie zum Kauf der Madonna vom Rosenkranz und der Judith aufzufordern und Holofernes, die später von Louis Finson (1580-1617) und Abraham Vinck, zwei in Neapel ansässigen nordischen Malern, gekauft wurden. Ihre Kenntnis des neuen Malstils von Caravaggio durch diese beiden Werke und die Kreuzigung des hl. Andreas, die sie kopiert hatten, bevor sie von der Conde de Benavente nach Spanien verschleppt wurden, sollte tiefgreifende historische Konsequenzen haben. Neuere Forschungen zu Battistello Caracciolo (1578-1635) und Carlo Sellitto (1581-1614), die beiden am unmittelbarsten beteiligten neapolitanischen Maler Karavaggismus hat zur Entdeckung einiger sehr früh datierter Werke geführt, die direkt von Caravaggios neuem Stil beeinflusst sind. Caracciolos Unbefleckte Empfängnis in S. Maria della Stella, die 1607 von kürzlich entdeckten Dokumenten datiert wurde, obwohl sie sehr unterschiedlich interpretiert wurden und Vorkenntnisse von Caravaggios römischen Werken zeigten, wurde gemalt, als Caravaggio zum ersten Mal in Neapel war. Die Befreiung des heiligen Petrus von 1615 im Monte della Misericordia ist voll von Anklängen an Caravaggios Bild in derselben Kirche sowie an die später verlorene Auferstehung.

Die Kirchenbilder der ersten neapolitanischen Zeit sind noch stilistisch mit den Gemälden der Römerzeit verbunden. So wie die Sieben Akten der Barmherzigkeit an die Szenen von S. Luigi dei Francesi des hl. Matthäus erinnern, zeigen ihm zwei weitere Gemälde von Caravaggio, wie er Ideen entwickelt, die er in Rom für öffentliche Kunstwerke zu erforschen begonnen hatte. In der Madonna des Rosenkranzes sind die Figuren nach einem Muster aus geordnet Venezianische Malerei, und die Vorhänge und das diffuse Licht wiederholen sich vom Tod der Jungfrau, während der Maler in The Flagellation eine traditionelle Komposition verwendete, die es ihm ermöglichte, explizite und brutale Gewalt in das Gemälde einzuführen, ohne dass es von den Gönnern abgelehnt wurde.

Caravaggios David (Kunsthistorisches Museum, Wien) wurde sicherlich in den gleichen Monaten wie die Gnadenakte und die Madonna vom Rosenkranz gemalt, und sein neapolitanischer Ursprung hat die Hypothese entstehen lassen, dass es derselbe David ist, den die Conde de nach Spanien gebracht hat Villamediana, der Mann, der 1613 versuchte, die Gnadenakte von Pio Monte in Besitz zu nehmen. Bellori erinnert sich, dass Villamediana auch A Youth Holding a Pomegranate Flower besaß, von der wir keine visuellen Aufzeichnungen haben.

Abschließende Malereien

Ein anderes Problem stellt die Geißelung Christi dar, für die wir wissen, dass Caravaggio bereits bis Mai 1607 (Pacelli 1967) hohe Beträge gezahlt hatte: Angesichts der beiden dokumentierten Zahlungen ist es fast sicher, dass Caravaggio das Bild bis zum vollendet hatte Dieses Datum. Die Brutalität der Darstellung, die von einer Technik beispielloser Gewalt begleitet wird, scheint sie von den beiden anderen kirchlichen Werken der ersten neapolitanischen Periode zu trennen. Dies erklärt, warum zuvor vermutet wurde, dass das Gemälde zwischen 1609 und 1610 trotz gegenteiliger Angaben in den Quellen auf Caravaggios letzte Monate in Neapel datiert werden könnte. Obwohl wir die Hypothese, dass das Werk nach seiner Rückkehr aus Sizilien fertiggestellt wurde, nicht gänzlich ausschließen können, scheint es wahrscheinlicher, dass Caravaggios Notwendigkeit, das Gemälde fertigzustellen, bevor er nach Malta aufbrach, ihn dazu veranlasste, die aggressive und zusammenfassende Technik zu übernehmen, die die späteren Werke kennzeichnet in Malta in der Enthauptung des hl. Johannes des Täufers (1607-1608, Co-Kathedrale des hl. Johannes, Valetta) und auf einzigartige Weise in den sehr tragischen und intensiven sizilianischen Werken zu sehen.

Ein ähnliches Problem der Datierung stellt der heilige Sebastian dar, der sich an den Kopien orientiert, die Belloris Beschreibung entsprechen, aus der wir diese großartige Auffassung kennen. Das Opfer neigt den Kopf wie der Christus in der Geißelung und die nackte Figur muss vor Caravaggios Abreise nach Malta im selben Zeitraum wie das Bild in S. Domenico Maggiore gemalt worden sein. Bei der Geißelung Christi im Museum der Schönen Künste in Rouen müssen wir in die gleiche Richtung denken, in der Caravaggio eine zentrale Komposition aufgibt und einer folgt Gravur durch Albrecht Dürer (1471-1528), die bereits im 16. Jahrhundert in Norditalien nachgeahmt worden waren; Der erste Henker dürfte ein Werk der Römerzeit sein. Es gibt ein psychologisches Gleichgewicht und einen mentalen und kulturellen Zusammenhalt, der für Caravaggios erste neapolitanische Periode charakteristisch ist.

Die Enthauptung des hl. Johannes des Täufers in Malta stellt die Identifikation des Künstlers mit dem Opfer und Gegenstand des Gemäldes dar, die ihm eine starke autobiografische Präsenz verleiht, eine Tendenz, die Caravaggio seitdem immer wieder zeigt. Es veranlasste den Maler, Themen wie die Auferstehung des Lazarus (um 1608-09, Museo Regionale, Messina) zu wählen, bei denen der Sinn des Gemäldes zunehmend in diese Richtung gelenkt werden konnte. Diese Überlegung ist eine wesentliche Voraussetzung für die Rekonstruktion von Caravaggios Werk in seiner letzten neapolitanischen Periode und hat dazu beigetragen, die Datierung des hl. Johannes des Täufers (um 1610) und des David mit dem Haupt von Goliath (um 1610) auf den Borghese zu revidieren Galerie, Rom. Wir kennen jetzt das Datum des Martyriums der heiligen Ursula, das zwei Monate vor Caravaggios Tod im Mai 1610 an Marcantonio Doria gesandt wurde. Dieses Gemälde weist offensichtliche Ähnlichkeiten mit anderen Werken auf, die für private Auftraggeber gemalt wurden und auch Halbfiguren enthalten, wie der Salome empfängt das Haupt Johannes des Täufers (1609-10) und die Verleugnung des heiligen Petrus (1609-10). Diese Werke, neben denen wir den Tooth-Puller platzieren sollten, bilden eine kompakte und repräsentative Gruppe, die im späten Stil von Caravaggio gemalt wurde. Sie zeichnen sich durch schnelle Pinselstriche mit wenigen Farben, einer Art bildlicher Kurzschrift und plötzlichen Lichtblitzen aus, die manchmal fast artig wirken.

Caravaggios letzte öffentliche Arbeiten in der Fenaroli-Kapelle

Die einzigen Werke von öffentliche Kunst dass Caravaggio in den Monaten zwischen 1609 und 1610 gemalt zu haben scheint, waren die Bilder für die Fenaroli-Kapelle in S. Anna dei Lombardi.

Die für Santa Maria della Sanita bestimmte Beschneidung, für die Caravaggio 100 Aureos erhielt, wurde 1612 von Giovan Vincenzo Forli vollendet, und es ist unmöglich, Caravaggios ursprüngliche Absichten zu erkennen. Die Bilder, die er für die Fenaroli-Kapelle malte, für die Pacelli 1980 nützliche Dokumente veröffentlichte, waren die Auferstehung auf dem Altar, ein heiliger Franziskus, der die Stigmata an der Wand erhielt, die Caravaggio vom anonymen Kommentator Mancinis zugeschrieben wurde; Ein Johannes der Täufer, der von Cochin erwähnt wurde, ohne seinen Schöpfer zu nennen (auch der Maler der Auferstehung war ihm unbekannt), stammte wahrscheinlich ebenfalls von Caravaggio.

Die Auferstehung in der Fenaroli-Kapelle, die zeigte, wie Christus das Grab verließ und zwischen den Soldaten hervorkam, anstatt sich in den Himmel zu erheben, war eine einzigartige Vorstellung, wie die Kommentatoren immer bemerkt haben. Ein Bild zu diesem Thema, das 1610 von Louis Finson (einem der frühesten Nachahmer Caravaggios) signiert wurde (St. Jean de Malte, Aix-en-Provence), entspricht der Beschreibung von Caravaggios Original, und wir können vermuten, dass es direkt inspiriert war von ihm. Die schillernden Lichter in Finsons Auferstehung treffen einen noch mehr als die Rüstung der Soldaten, und wenn wir diese Kopie aus unserer Sicht in das flackernde Licht und die Gerinnsel von integrieren Chiaroscuro das kennzeichnete Caravaggios späten Stil, man kann sich vorstellen, dass das Original eine eindrucksvolle Vorfreude auf das schien Rembrandt (1606 & ndash; 69). Diese Eigenschaften wiederholen sich beim Soldaten in der Verleugnung des heiligen Petrus, beim bewaffneten Mann im Martyrium der heiligen Ursula und schließlich bei der Rüstung der Proconsul Aegeas in der Kreuzigung des heiligen Andreas. Einige Experten glauben, dass die Auferstehung zusammen mit der Verkündigung von Nancy Teil der kleinen Gruppe großer religiöser Werke ist, die Caravaggio in seiner zweiten neapolitanischen Periode gemalt hat. Die Wahl des Themas und die Anwesenheit der Menge spiegeln die tiefe Verwandlung wider, die Caravaggio veranlasst hatte, das Massaker an den elftausend Jungfrauen im Martyrium einer einzigen Figur zu verkörpern.

Die Abschiebung des Martyriums des hl. Andreas nach Spanien durch die Conde de Benavente im Sommer 1610 ist vielleicht das bekannteste Beispiel für das spanische Interesse an Caravaggio, aber dies zeigte sich auch im Versuch der Conde de Villamediana, die Sieben Apostelgeschichte von Barcelona zu erhalten Barmherzigkeit und die Sorge des Conde de Lemos, Vizekönig von Neapel von 1610-16, um eines der Gemälde – insbesondere den hl. Johannes des Täufers – an Bord der Feluke zu erhalten, auf der Caravaggio kurz vor seinem Tod gereist war in der Porta Ercole. Die Kenntnis von Caravaggios Werk gelangte über die neapolitanischen Vizekönige und sogar die größten nach Spanien Spanische Barockkünstler hätte nicht so gemalt wie ohne Caravaggio. In der Tat, der ganze Schub von Spanische Barockkunst könnte ohne ihn anders gewesen sein. Neapel war jedenfalls ein Zentrum, von dem aus der Karawaggismus nach Flandern und Spanien gelangte.

Neapolitanischer Karawaggismus

Wir sollten auch die lokalen Folgen der fast zweijährigen Anwesenheit von Caravaggio in Neapel berücksichtigen. Das Neapolitanische Malschule Wie kaum ein anderer im italienischen Seicento setzte Caravaggio seine Innovationen in einem äußerst beliebten Stil fort Naturalismus setzte sich über Generationen hinweg durch, obwohl versucht wurde, den Stil zu versüßen. Seine unmittelbaren Anhänger waren Caracciolo und in gewisser Entfernung Carlo Sellitto. Durch den Vergleich von Caravaggesque von Caracciolo mit Sellittos Lumineszenzmalerei, die auf einen grundsätzlich manieristischen Zeichenstil aufgepfropft ist, wird es möglich, den Eintritt von Caravaggesque-Elementen besser zu verstehen Neapolitanische Barockmalerei später im 17. Jahrhundert.

Das St. Cäcilia von Sellitto von 1613 (Capodimonte Museum, Neapel), das modernste seiner Werke und Caracciolo am nächsten, war seitdem besonders innovativ, indem es einen intensiv leuchtenden Naturalismus mit Elementen der Form oder des Lichts verband Zeichnung Es wurde eine Formel entwickelt, die für andere neapolitanische Maler akzeptabel ist. Während es falsch wäre, den Naturalismus, der bis 1630 in Neapel bestand, als strikt karawaggisch zu bezeichnen, besteht kein Zweifel daran, dass eine Strömung von Realismus in keinem anderen italienischen Zentrum war dort ein beispielloser Standort eingerichtet worden; es drückte sich in der Popularität des rustikalen Themas und in der Tiefe und Wahrheit seiner emotionalen Ladung aus. In diesem weiteren Sinne waren die neapolitanischen Maler die Erben von Caravaggio.

Battistello war dagegen ein unkomplizierter Caravaggist. Seine gemeldete Lehre bei Caravaggio könnte bedeuten, dass er die Methode von Caravaggio gelernt hatte Gemälde direkt aus dem Leben ohne Zeichnung. Dies unterscheidet ihn von Sellitto, ebenso wie seine Verwendung von lebenden Modellen, um den Ausdruck zu studieren und die Ladung des Caravaggio-Gefühls zu erhöhen. Seine Interpretation heiliger Themen und ihre Verbreitung in seiner Arbeit machten ihn zusammen mit Serodine und einigen anderen zu Caravaggios engsten Anhängern.

Jusepe Ribera – der führende Vertreter von Spanische Malerei in Neapel – leistete auch einen entscheidenden Beitrag zum neapolitanischen Naturalismus. Vor 1616 stützte er sich in seinen jugendlichen römischen Werken auf Caravaggio. Die sieben Akten der Barmherzigkeit waren auch eine seiner Quellen; Der Wirt war das Vorbild für den Geschmack (Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut), eine der Personifikationen für die fünf Sinne, die Ribera in Rom malte (Mancini), und die Anwesenheit von Samson in Caravaggios Gemälde, die an die Antike und das Rustikale erinnerte, zeigte Ribera wie man die Themen darstellt, die später bei den stoischen Malern der 1630er Jahre in Rom beliebt waren. Aus Ribera kam der Geschmack, raue und seidige Texturen und feines Material zu malen, das den Anforderungen des neuen Malstils entsprach; Diese Tendenzen zeigen, dass er endlich von der Strenge von Caravaggios Malerei abgewichen war.

Andere berühmte künstlerische Besucher oder Bewohner von Neapel, die von Caravaggios einzigartigem Umgang mit Licht beeinflusst wurden, schließen ein Velazquez (1599-1660) und das Tragische Artemesia Gentlieschi (1593 & ndash; 1654).

Analyse von Meisterwerken von Caravaggio

Gemälde von Caravaggio sind in vielen der beste Kunstmuseen auf der ganzen Welt.