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So bewerten Sie moderne 3-D-Kunst

In sehr einfachen Worten bezieht sich der Ausdruck "moderne 3-D-Kunst" Skulptur der Neuzeit, die um 1850 begann. Es war die Zeit, in der traditionelle Kunstprinzipien unter ernsthaften Druck von Modernisten gerieten, die anfingen, einige der pedantischen Konventionen der akademischen Kunst in Frage zu stellen, wie sie an den großen europäischen Akademien der bildenden Künste gelehrt wurden Kunst. Gleichzeitig wurden Bewegungen wie Impressionismus, Expressionismus, Kubismus und Futurismus eingeführt Bildhauer des 20. Jahrhunderts zu einer Vielzahl von revolutionären Ideen. Das Ästhetik der modernen Skulptur zeichnete sich vor allem durch eine Abkehr von der reinen Nachahmung der Natur (z. B. in traditionellen Porträts, Gruppenszenen) hin zu Arbeiten mit mehr einer Botschaft – mehr einer Haltung aus! Konventionelle Regeln für Komposition, Perspektive und Präsentation wurden verworfen, während sich die Art der verwendeten Materialien dramatisch erweiterte. Um die großen Veränderungen, die die Moderne mit sich bringt, zu würdigen plastische Kunst Denken Sie daran, die meisten Bildhauerschulen unterrichteten nur Zeichnen aus dem Leben und Steinmetzarbeiten, vielleicht mit etwas Bronzeguss und Holzschnitzerei an der Seite. Sie waren völlig schlecht gerüstet, um auf das Verlangen nach neuen Ideen, neuen Methoden und neuen Materialien zu reagieren.

Auf dieser Webseite finden Sie Erläuterungen zu den meisten großen Schulen von der Mitte des 19. Jahrhunderts bis zur Gegenwart, damit Sie lernen (oder den Schülern beibringen), wie man Werke der modernen Skulptur bewertet. Es enthält Verweise auf wichtige moderne Künstler zusammen mit ihren Kunstwerken, mit individuellen Erklärungen, wo relevant. Trotzdem ist kein schriftlicher Artikel über die Wertschätzung von 3-D-Kunst so lehrreich wie der Besuch einer Skulpturengalerie, eines Gartens oder eines Museums, in dem Sie die Exponate besichtigen und aus verschiedenen Blickwinkeln betrachten können. Bitte besuchen Sie unseren Führer zum beste Kunstmuseen. Denken Sie daran, Skulptur ist eine dreidimensionale Kunst und kann nur im Fleisch voll und ganz geschätzt werden.

Wie man Skulpturen aus dem 19. Jahrhundert (1800-1900) schätzt

Bildhauer des 19. Jahrhunderts hatte eine harte Zeit. Das religiöse Mäzenatentum war zusammengebrochen, während das staatliche Mäzenatentum ungewiss war und sich weitgehend auf Gedenkstatuen von Monarchen, patriotischen Staatsmännern und Geistlichen beschränkte. Erst um die Jahrhundertwende konnten die Bildhauer die neuen Trends der modernen Kunst widerspiegeln. Eine Ausnahme bildete der große französische Bildhauer Auguste Rodin (1840-1917). Rodin betrachtete sich als den natürlichen Nachfolger seines Helden Michelangelo – obwohl der Florentiner ein Schnitzer in Stein war, während Rodin hauptsächlich ein Modellbauer in Bronze war. Die einzelnen Stile der beiden Männer standen ebenfalls auf der Strecke. Michelangelo verkörpert den zeitlosen Adel der klassischen Antike, während Rodins Werke unverkennbar modern sind und einen dramatischen, expressiven Naturalismus aufweisen. Rodins wahre Vorgänger sind sicherlich die gotischen Bildhauer, von denen er ein leidenschaftlicher Bewunderer war. Siehe insbesondere seine Meisterwerke wie: Das Zeitalter der Bronze (1876, Musée d’Orsay, Paris), Der Denker (1881, Musée Rodin, Paris), Der Kuss (1888-9, Musée Rodin, Paris) und Die Bürger von Paris Calais (1889, Musee Rodin, Paris).

Weitere studienwürdige Bildhauer der Zeit sind: die Romantiker Francois Rude (1784-1855) und Auguste Preault (1809 & ndash; 79); der hochbegabte, unbeschwerte Jean-Baptiste Carpeaux (1827-75) und sein Nachfolger Jules Dalou (1838-1902); sowie der Klassiker Alfred Stevens (1817-75) und der vielseitige George Frederick Watts (1817-1904).

Darüber hinaus entstanden im 19. Jahrhundert mehrere Meisterwerke der Architekturskulptur. Dazu gehören: Nelson’s Column (1840-3), das 185 Fuß hohe Denkmal für Lord Nelson (gekrönt von einer 17 Fuß hohen Nelson-Statue), das von EHBaily entworfen wurde und sich auf dem Trafalgar Square befindet; das Freiheitsstatue (1886, Liberty Island, New York Harbour), die kultige 30 Meter hohe Statue des französischen Bildhauers Bartholdi (1834-1904); und das Wahrzeichen von Paris, das 300 Meter hohe Schmiedeeisen Eiffelturm (1885-9), entworfen von dem Ingenieur Gustav Eiffel und dem Architekten Stephen Sauvestre. 1922 wurde der amerikanische Bildhauer Daniel Chester Französisch (1850-1931) erreichte Unsterblichkeit mit einer weiteren monumentalen öffentlichen Skulptur – der sitzenden Figur von Lincoln am Lincoln Memorial in Washington DC.

Für Biografien von Kritikern und Kommentatoren wie John Ruskin und andere, siehe: Kunstkritiker: Kritik der bildenden Kunst (Seit 1750).

Andere Skulpturen des 19. Jahrhunderts zu bewerten

Wie man die Skulptur des 20. Jahrhunderts (1900-45) schätzt

Im neuen Jahrhundert entstanden die ersten großen modernen Bildhauer Constantin Brancusi (1876-1957) und Umberto Boccioni (1882-1916). In The Kiss (1907, Hamburgerkunsthalle, Hamburg) und Sleeping Muse (1910, Metropolitan Museum of Art, New York) reduziert Brancusi natürliche Formen auf ihre ultimativen Grundlagen, ohne ihre essentielle Menschlichkeit zu verlieren. Insbesondere der Kuss vermittelt eine tiefe Primitivismus, aber eines, das Brancusis Vertrauen in die Kraft menschlicher Emotionen veranschaulicht. Boccionis einzigartige Formen der Kontinuität im Weltraum (1913, Museum of Modern Art, New York), die die Welt mit einem politisch-historischen Schwerpunkt betrachten, verkörpert die Bewegung und Dynamik des Maschinenzeitalters. Es verkörpert den neuen technologischen Menschen, der kraftvoll durch den Raum schreitet, und symbolisiert seinen Triumph über die Natur. Beide Bildhauer veranschaulichen den Trend weg vom Repräsentationalismus hin zu einer herausfordernden Sprache, in der Konzeptualismus und Formalismus verschmelzen.

Kubismus, der revolutionäre Stil von moderne Kunst Pionierarbeit von Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) löste eine Welle von Experimenten aus abstrakte Skulptur. Beispiele für kubistische 3D-Kunst sind: Woman Walking (1912, Denver Museum of Art) von Alexander Archipenko (1887-1964); Großes Pferd (1914, Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris) von Raymond Duchamp-Villon (1876-1918); Mann mit Gitarre (1915, MoMA, New York) von Jacques Lipchitz (1891-1973); Kopf einer Frau (1917, MoMA, New York) von Naum Gabo (1890-1977); Obstschale mit Trauben (1918) von Henri Laurens (1885-1954); und Torso (1924-6, MoMA, NY) von Antoine Pevsner (1886-1962).

Das Gemetzel des Ersten Weltkriegs führte zu erschütternden Skulpturen wie Fallen Man (1916, Neue Nationalgalerie, Berlin) und Seated Youth (1918, Stadel Art Institute) Wilhelm Lehmbruck (1881-1919), der expressionistische Künstler, der nach seinen Erfahrungen in einem Krankenhaus des Ersten Weltkriegs Selbstmord begangen hat. Es führte auch direkt zu Dada, dessen Konzept von Junk Art wurde treffend illustriert von Fountain (1917, Repliken in mehreren Museen) von Marcel Duchamp (1887-1968) und der einzigartige Merzbau von Kurt Schwitters (1887-1948).

In den Zwischenkriegsjahren entwickelte sich die bildende Kunst in einer Reihe von Richtungen, die wir einfach wie folgt charakterisieren können:

Wie man die Skulptur des späten 20. Jahrhunderts schätzt (1945-2000)

In dieser Zeit wurden die sechs oben genannten Skulpturenstile weiterentwickelt und es gab eine Menge echter Innovationen.

Technologische Skulptur
Dieser Stil ist der einzige, dessen Fortschritt sich definitiv verengt zu haben scheint. Gegenwärtig ist es nur in der Architekturskulptur erhalten: Ein Beispiel aus dem 21. Jahrhundert ist der von Ian Ritchie RA entworfene „ The Spire of Dublin“, bekannt als „The Spike“. Diese Art von Skulptur wird jedoch zweifellos in einer neuen Umgebung (z. B. im Weltraum oder auf dem Wasser) wieder auftauchen.

Abstraktion
Dieser Stil wurde von der Minimalismus Schule in den 1960er Jahren. Amerikanische Bildhauer – sowie Sol LeWitt (* 1928), Donald Judd (1928-94), Walter de Maria (* 1935) und Carl Andre (* 1935) – konzentrierte sich auf die Schaffung einer intellektuellen Kunst, die auf ihre Grundlagen reduziert ist. Schwer zu verstehen oder zu diskutieren, es sei denn, man hat einen Doktortitel in Ästhetik. Nebenbei sei jedoch angemerkt, dass die zeitgenössische Kunst Experte und Sammler ist Charles Saatchi misst der Arbeit von Donald Judd große Bedeutung bei. Berühmte minimalistische Skulpturen umfassen: Cage II (1965, MoMA, New York) von Walter de Maria; Äquivalent 1 (1969, Kunstmuseum, Basel) von Carl Andre; und Stack (1967, MoMA, New York) von Donald Judd.

Bewegung / Zersetzung
Die kinetische Skulptur der Nachkriegszeit wurde am Beispiel von Relief Mobile 5 (1954, Musée d’Art Moderne, Saint-Etienne) von Pol Bury (1922-2005) gezeigt. Signal: Insektentier des Weltraums (1956, Tate London) von Takis (geb. 1925); und die außergewöhnlichen selbstzerstörerischen Erfindungen des Schweizer Avantgarde-Künstlers Jean Tinguely (1925-1991), wie Hommage an New York (1960, Museum of Modern Art, New York). Tinguelys Arbeiten vereinten Skulptur, Prozess und Performancekunst in einem einzigartigen visuellen Fest. Man könnte auch argumentieren, dass die temporären Umweltskulpturen (zB aus Schnee) von Andy Goldsworthy (* 1956) ebenfalls in diese Kategorie gehören.

Das Absurde oder Surreale
Diese Tradition wurde von Mitgliedern der. Erneuert Pop-Art Bewegung. Beispiele sind der Gigantismus von Claes Oldenburg (* 1929), siehe zum Beispiel seine Giant Fag-Ends (1967) und Apple Core (1992); sowie das humorvolle Joe Sofa (1968) der Italiener Jonathan De Pas (1932-91), Donato D’Urbino (geb. 1935) und Paolo Lomazzi (geb. 1936). Darüber hinaus sind die Werke von Cesar (1921-98) (zerquetschte Autos); und die Trödelskulptur von Arman (b.1928) (Haufen kaputter Telefone) gehören eindeutig zu den Absurden, ebenso wie die Maman - Spinnenskulpturen von Louise Bourgeois (1911-2010); und die einzigartigen stick-like figuren von Alberto Giacometti, wie zum Beispiel Tall Woman II (1960, Museum of Modern Art, New York). Im Februar 2010 wurde Giacomettis lebensgroßer bronzefarbener Walking Man I (1961) bei Sotheby’s in London für 65 Millionen Pfund (104 Millionen US-Dollar) verkauft – der bisher höchste Auktionspreis für eine Skulptur.

Organische Formen
Dieses Genre wurde sowohl von Henry Moore als auch von Barbara Hepworth aktiv fortgesetzt, bevor es (wohl) wieder in den monumentalen abstrakten Werken von erschien Richard Serra (geb. 1939). Wenn man Serra’s Snake (1994-97) im Guggenheim Museum in Bilbao studiert, muss man sich das als lebendiges Wesen vorstellen. Eine weitere herausragende Arbeit in dieser Kategorie ist Divided Head (1963, Fiorini, London) von Cesar Baldaccini.

Industriematerialien
Diese Kategorie wurde seit dem Krieg von Künstlern wie entwickelt Tony Smith (1912-81), siehe sein Die (1962, MoMA, New York); Barnett Newman (1905-70), siehe seinen Broken Obelisk (1963-9, MoMA, New York); Alexander Calder, siehe sein Le Hallebardier (1971, Sprengel Museum, Hannover);
und Mark Di Suvero (* 1933), siehe seinen Sturmengel (1974, Chalon-sur-Saone).

HINWEIS: In einer eigenen Kategorie befinden sich die emotionalen Gedenkskulpturen zur Erinnerung an die Shoah (1933-45). Diese Form von Holocaust-Kunst Am Beispiel der Denkmäler von Treblinka und Dachau.

Innovationen

Zu den neuen Formen der Skulptur, die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts entstanden sind, gehören:

Montage
Pionierarbeit von Jean Dubuffet (1901-85), Assemblage-Kunst umfasst Werke, die aus Fragmenten natürlicher oder künstlicher Gegenstände wie Haushalts- oder Hausmüll hergestellt wurden. Beispiele sind die "skulpturalen Wände" von Louise Nevelson (1899-1988), in der Regel aus Holzkisten gefertigt, mit schwarzer oder goldener Farbe besprüht und in kastenartigen Regalen angeordnet. Siehe auch Werke des deutschen Avantgarde-Bildhauers Joseph Beuys (1921–1986). Für Assemblage sorgte eine wichtige Ausstellung mit dem Titel "The Art of Assemblage", die 1961 im Museum of Modern Art in New York stattfand.

Superrealismus
Auftauchen aus der Pop Art und Fotorealismus Hierbei handelt es sich um ein in den USA ansässiges figuratives Genre, bei dem bestimmte stereotype Individuen aus Polyester / Glasfaser und anderen Materialien, einschließlich menschlichem Haar, bis ins kleinste Detail nachgebildet werden. Beispiele für diesen Stil sind Arbeiten wie Young Shopper (1973, Privatsammlung) von Duane Hanson (1925 & ndash; 96); und Paar (1971, Georges Pompidou Centre, Paris) von John De Andrea (geb. 1941). Siehe auch die hyperrealistischen Schwimmer von Carole Feuerman (geb. 1945).

Gigantismus
Die monumentalen Designtraditionen von Joseph Stalin und Albert Speer wurden durch die kolossalen Werke des Turner-Preisträgers am Leben erhalten Antony Gormley (geb. 1950) – siehe seinen Engel des Nordens (1997-8, Gateshead, UK); und Turner-Preisträger Anish Kapoor (* 1954) – siehe seine Marsyas (2002, Tate Modern Exhibition). Bestimmte Arten von Erdskulpturen oder Land Art fallen ebenfalls in diese Kategorie.

Britart (Junge britische Künstler)
Einige Werke der englischen Schule von postmoderne Kunst, angeführt von Damien Hirst (* 1965), Rachel Whiteread (1963) und Tracey Emin (* 1963), könnte leicht in die Kategorie Absurd eingeordnet werden, aber fairerweise verdienen sie eine eigene Sonderkategorie – man könnte es als "vollständig und absolut absurd" bezeichnen. Diese Art von zeitgenössische Kunst ist gekennzeichnet durch Hirsts The Physical Impossibility of Death in den Köpfen von Someone Living (toter Hai, 1991) und Flock (totes Lamm, 1994); und von Whitereads Untitled (House) (1993). Informationen zur 3D-Kunst in Irland finden Sie unter: Irische Skulptur: Geschichte, Bildhauer.