Romantik:
Definition, Eigenschaften, Geschichte Automatische übersetzen

Trotz der frühen Bemühungen von Pionieren wie El Greco (Domenikos Theotokopoulos) (1541-1614), Adam Elsheimer (1578-1610) und Claude Lorrain (1604-1682) gewann der Stil, den wir als Romantik kennen, erst im späten achtzehnten Jahrhundert an Schwung, als das heroische Element des Neoklassizismus begann, eine zentrale Rolle in der Malerei zu spielen . Dieses heroische Element in Verbindung mit dem revolutionären Idealismus ließ den emotionalen romantischen Stil entstehen, der nach der Französischen Revolution als Reaktion gegen die zurückhaltende akademische Kunst des künstlerischen Establishments aufkam.

Zu den Grundsätzen der Romantik gehörten die Rückbesinnung auf die Natur - beispielsweise durch die Betonung der spontanen Pleinairmalerei -, der Glaube an das Gute im Menschen, die Förderung der Gerechtigkeit für alle und ein starker Glaube an Gefühle und Emotionen anstelle von Vernunft und Verstand. Die Maler und Bildhauer der Romantik waren bestrebt, eine emotionale, persönliche Reaktion auf das Leben auszudrücken, im Gegensatz zu der Zurückhaltung und den universellen Werten, für die die neoklassische Kunst eintrat . Auch die Architekten des neunzehnten Jahrhunderts waren bestrebt, in ihren Gebäudeentwürfen ein Gefühl der Romantik zum Ausdruck zu bringen: siehe zum Beispiel Viktorianische Architektur (1840-1900).

Zu den größten Künstlern der Romantik gehören Heinrich Füssli (1741-1825), Francisco Goya (1746-1828), Caspar David Friedrich (1774-1840), J. M. W. Turner (1775-1851), John Constable (1776-1837), Theodore Gericault (1791-1824) und Eugène Delacroix (1798-63). Die romantische Kunst verdrängte den klassizistischen Stil nicht, sondern bildete vielmehr ein Gegengewicht zu dessen Strenge und Starrheit. Obwohl die Romantik um 1830 ihren Niedergang erlebte, hielt ihr Einfluss noch lange an. Zur Rolle, die die romantische Malerei in der Entwicklung der Kunst des 19. Jahrhunderts spielte, siehe: Vom Realismus zum Impressionismus (1830-1900).

Ursprünge

Nach der Französischen Revolution von 1789 kam es innerhalb einer Generation zu bedeutenden gesellschaftlichen Veränderungen. Europa wurde von politischen Krisen, Revolutionen und Kriegen erschüttert. Als sich die Führer der Nationen auf dem Wiener Kongress (1815) versammelten, um die europäischen Angelegenheiten nach den Napoleonischen Kriegen neu zu ordnen, wurde deutlich, dass sich die Hoffnungen der Völker auf „Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit“ nicht erfüllt hatten. In diesen turbulenten 25 Jahren wurden jedoch neue Ideen und Haltungen in den Köpfen der Menschen verankert.

Der Respekt vor dem Individuum, der verantwortlichen Person, der bereits ein Schlüsselelement der neoklassischen Malerei war, führte zu einem neuen, aber verwandten Phänomen - der emotionalen Intuition. Der kalte, rationale Neoklassizismus wurde nun mit den Emotionen und der daraus entspringenden individuellen Phantasie konfrontiert. Anstatt den Stoizismus und die intellektuelle Disziplin des Individuums zu preisen (Neoklassizismus), begannen die Künstler nun auch die emotionale Intuition und Wahrnehmung des Individuums zu preisen (Romantik). So entstand zu Beginn des 19. Jahrhunderts eine Vielzahl von Stilen, die jeweils von nationalen Eigenheiten geprägt waren und die alle unter dem Namen „Romantik“ zusammengefasst wurden.

Die Bewegung begann in Deutschland, wo sie vor allem durch ein Gefühl des Weltschmerzes (“ Weltschmerz“), ein Gefühl der Isolation und eine Sehnsucht nach der Natur motiviert war. Spätere romantische Tendenzen sind auch in der englischen und französischen Malerei zu erkennen.

Für andere wichtige historische Stilrichtungen, die der Romantik ähneln, siehe Künstlerische Bewegungen und Schulen (ab etwa 100 v. Chr.).

Deutsche Romantik (1800-1850)

In Deutschland reagierte die jüngere Künstlergeneration auf den Wandel der Zeit mit einem Prozess der Selbstbeobachtung: Sie zog sich in eine Welt der Emotionen zurück - inspiriert von einer sentimentalen Sehnsucht nach vergangenen Zeiten, wie dem Mittelalter, das nun als eine Zeit angesehen wurde, in der die Menschen in Harmonie mit sich und der Welt lebten. In diesem Zusammenhang war das Gemälde „Gotische Kathedrale am Wasser“ von Carl Friedrich Schinkel ebenso wichtig wie die Werke „der Nazarener“ - Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld und Franz Pforr, die sich an den Bildtraditionen der italienischen Frührenaissance und der deutschen Kunst des Zeitalters von Albrecht Dürer orientierten.

In ihrer Rückbesinnung auf die Vergangenheit standen die Künstler der Romantik dem Neoklassizismus sehr nahe, mit dem Unterschied, dass ihr Historismus die rationalistischen Haltungen des Neoklassizismus kritisierte. Einfach ausgedrückt, beriefen sich die neoklassischen Künstler auf die Vergangenheit, um ihre Vorliebe für verantwortungsbewusste, rational denkende Individuen zu untermauern, während sich die Romantiker auf die Vergangenheit beriefen, um ihre irrationalen emotionalen Intuitionen zu rechtfertigen.

Die romantische Bewegung förderte „schöpferische Intuition und Phantasie“ als Grundlage aller Kunst. Das Kunstwerk wurde so zum Ausdruck „einer Stimme aus dem Inneren“, wie es der führende romantische Künstler Caspar David Friedrich (1774-1840) ausdrückte. Diese neue Subjektivität (im Gegensatz zur Subjektivität der Moderne) bedeutete jedoch keine Vernachlässigung des Naturstudiums oder der handwerklichen Malerei. Im Gegenteil: Die Maler der Romantik bewahrten die akademischen Traditionen ihrer Kunst, und ihre malerischen Qualitäten stellen bis heute den Höhepunkt der westlichen Kunst dar.

Das bevorzugte Genre der Romantiker war die Landschaftsmalerei . Die Natur wurde als Spiegel der Seele gesehen, und im politisch eingeschränkten Deutschland galt sie auch als Symbol für Freiheit und Grenzenlosigkeit. Zur Ikonographie der romantischen Kunst gehören daher einsame Figuren in der Landschaft, die sehnsüchtig in die Ferne blicken, sowie Motive der Vanitas, wie abgestorbene Bäume und überwucherte Ruinen, die die Vergänglichkeit und Endlichkeit des Lebens symbolisieren. Ähnliche Motive der Vanitas-Malerei fanden sich zuvor in der Barockkunst : Tatsächlich entlehnten die Künstler der Romantik die malerische Behandlung des Lichts mit seinen schattenhaften Licht- und Schatteneffekten direkt von den Barockmeistern. In der Romantik wirft der Künstler seinen subjektiven Blick auf die objektive Welt und zeigt uns ein durch sein Gefühl gefiltertes Bild.

Als die europäische Restauration durch die Karlsbader Beschlüsse (1819) in Gang gesetzt wurde und die Verfolgung der Demagogen begann, war der Appetit auf die deutsche Romantik bereits abgeflaut und die Rebellion durch Unterwerfung und Desillusionierung ersetzt worden. Die befreienden Bestrebungen der deutschen Romantik wurden zu Gunsten der Bestrebungen der Restauration verworfen.

Angesichts dieses politischen Konservatismus zog sich der Künstler-Bürger in seine private Idylle zurück, und es entstand das Biedermeier der Spätromantik (1815-1848), für das die Werke von Moritz von Schwind (1804-1871), Adrian Ludwig Richter (1803-1884) und Carl Spitzweg (1805-1885) beispielhaft sind. Spitzweg war vielleicht der herausragende Vertreter des Biedermeierstils: erzählende, anekdotische Familienszenen waren seine bevorzugten Bildthemen, obwohl seine heiteren und friedlichen Gemälde einen tieferen Sinn haben. Hinter der unschuldigen Niedlichkeit verbirgt sich eine Satire auf den Materialismus der deutschen Bourgeoisie. Siehe auch: Deutsche Kunst, 19. Jahrhundert .

Spanische Romantik (1810-30)

Francisco de Goya (1746-1828) war der unbestrittene Anführer der romantischen Kunstbewegung in Spanien, der eine natürliche Vorliebe für Werke der Irrationalität, der Fantasie, der Phantasie und des Grauens zeigte. Bis 1789 war er als offizieller Künstler des spanischen Königshofs fest etabliert. Leider wurde er um 1793 von einer schweren Krankheit heimgesucht, die ihn taub und zurückgezogen machte. Während seiner Rekonvaleszenz (1793-1794) schuf er eine Reihe von 14 kleinen Zinnbildern, die unter dem Titel „Fantasien und Erfindungen“ bekannt sind und einen völligen Stilwechsel markieren, indem sie eine dramatische Welt der Fantasien und Albträume darstellen. 1799 veröffentlichte er eine Reihe von 80 Radierungen mit dem Titel Los Caprichos, in denen er in Anlehnung an William Hogarth verschiedene Formen des menschlichen Verhaltens kommentierte. In den Jahren 1812-15, nach den Napoleonischen Kriegen, vollendete er eine Reihe von Aquatinten mit dem Titel „Disasters of War“, in denen er Szenen vom Schlachtfeld auf beunruhigende und düstere Weise darstellt.

Diese Kupferstiche blieben bis 1863 unveröffentlicht. Zum Gedenken an den spanischen Aufstand gegen die französischen Truppen an der Puerta del Sol in Madrid und an die Erschießung unbewaffneter Spanier, die der Mittäterschaft verdächtigt wurden, schuf Goya 1814 eines seiner größten Meisterwerke, „Der dritte Mai 1808“ (1814, Prado, Madrid). Ein weiteres Meisterwerk ist „Koloss“ (1808-12, Prado, Madrid). Nach 1815 zieht sich Goya zunehmend zurück. Seine Serie von 14 Gemälden, bekannt als Schwarze Bilder (1820-23), darunter Saturn, der seinen Sohn verschlingt (1821, Prado, Madrid), bietet einen außergewöhnlichen Einblick in die Welt seiner persönlichen Fantasie und Vorstellungskraft.

Die französische Romantik (1815-1850)

In Frankreich, wie auch im übrigen Europa, endeten die Napoleonischen Kriege mit der Vertreibung Napoleons und der reaktionären Welle der Restaurationspolitik. Die französische Republik wurde wieder zu einer Monarchie. In der bildenden Kunst führte dies zu einem enormen Aufschwung der Romantik, der jedoch durch die Dominanz von Neoklassikern wie dem politischen Maler Jacques Louis David (1748-1825) und anderen führenden Mitgliedern der französischen Akademie, die ungeteilt regierten, gebremst wurde. Die französischen Maler der Romantik waren breiter aufgestellt als ihre deutschen Kollegen und beschränkten sich nicht auf die Landschaft und die seltene Genremalerei, sondern beschäftigten sich auch mit der Porträtmalerei und der Historienmalerei .

Eine andere Richtung der Romantik des neunzehnten Jahrhunderts, die von französischen Künstlern erforscht wurde, war die orientalistische Malerei, gewöhnlich Genreszenen aus Nordafrika. Zu den besten Vertretern gehörten der Akademiker Jean-Léon Jerome (1824-1904) und der gewagtere Eugène Delacroix.

Der erste große Maler der Romantik in Frankreich war der beste Schüler von Jacques-Louis David, Antoine-Jean Gros (1771-1835). Als Chronist der napoleonischen Feldzüge und geschickter Porträtist wird Gros mit dem akademischen Malstil in Verbindung gebracht, obwohl er auch einen bedeutenden Einfluss auf Géricault und Delacroix ausübt.

Théodore Géricault (1791-1824) war ein wichtiger Wegbereiter der romantischen Kunstbewegung in Frankreich. Sein Meisterwerk „Das Floß der Medusa“ (1819, Louvre) war der Skandal des Pariser Salons von 1820. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte kein Künstler das Grauen so grafisch dargestellt. Die Wirkung des Gemäldes war umso größer, als es auf einer realen Katastrophe beruhte. Géricaults kraftvoll konstruierte Komposition untergräbt entscheidend die berechnende, intellektuelle Malerei des akademischen Neoklassizismus.

Die Dreidimensionalität der Figuren, kombiniert mit der sorgfältigen Positionierung des Floßes, mit seiner symbolischen Hoffnungslosigkeit. Diese symbolische Darstellung des Schiffbruchs (politische Bestrebungen des Volkes) verleiht dem Gemälde dieselbe Dramatisierung, die auch die Werke der alten Barockmeister wie Rubens und Velázquez kennzeichnete. Géricault wählte auch für seine berühmten Porträts von Insassen von Irrenanstalten einen romantischen Ansatz.

Eugène Delacroix (1798-1863), der später zum führenden Vertreter der französischen Romantik wurde, trat nach Géricaults frühem Tod in dessen Fußstapfen und malte Bilder, die mit ihren lebhaften Farben und ihrem schnellen Pinselstrich die Emotionen anregen und die Seele bewegen sollten. Damit erneuerte er bewusst den jahrhundertealten Streit um den Vorrang der Zeichnung oder der Farbkomposition. Der seiner Meinung nach „neoklassizistischen Stumpfheit“, für die Jean Auguste Dominique Engr (1780-1867) und die konservative Académie française beispielhaft waren, setzt Delacroix dynamische Bewegung und farbige Komposition entgegen, die den Werken von Tizian oder Rubens nicht unähnlich sind. Sein Meisterwerk im romantischen Stil ist „Die Freiheit, die das Volk führt“ („Die Freiheit auf den Barrikaden“, 1830, Louvre), gemalt anlässlich der Revolution von 1830.

Delacroix war auch ein leidenschaftlicher Bewunderer der Farbe in der Malerei, insbesondere des Zusammenspiels von Farbe und Licht. Er stellte fest, dass "das Fleisch seine wahre Farbe nur unter freiem Himmel und besonders in der Sonne hat. Wenn ein Mensch mit dem Kopf am Fenster steht, ist er ganz anders als in einem Zimmer; darin liegt die Torheit der Atelierstudien, die versuchen, die falsche Farbe zu reproduzieren."

Eines der wichtigsten Ergebnisse seiner Forschungen war die Entdeckung, dass Farbtöne durch das Mischen von komplementären Primärfarben erzeugt werden können, eine Tatsache, die von den Impressionisten mit großem Interesse aufgegriffen wurde. Delacroix selbst wurde stark von John Constable, dem großen englischen Landschaftsmaler, beeinflusst, der auch einen großen Einfluss auf die Maler „der Schule von Barbizon“ bei Fontainebleu hatte, die sich in den 1830er Jahren der Pleinairmalerei widmeten.

Andere französische Künstler, die in der Tradition der Romantik arbeiten, sind unter anderem: Pierre-Paul Prudon (1758-1823), Anne-Louis Giraudet-Trioson (1767-1824), François Gerard (1770-1837), Georges Michel (1763-1843), Antoine-Jean Gros (1771-1835) und Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875). Ein ungewöhnlicher Fall ist der klassische Historienmaler Paul Delaroche (1797-1856), der sich auf melodramatische historische Szenen spezialisiert hat, die in der Regel das englische Königshaus betreffen, wie Die Hinrichtung von Lady Jane Grey (1833, National Gallery, London). Er erfreute sich zu Lebzeiten großer Beliebtheit und verdiente ein Vermögen mit dem Verkauf von Drucken seiner Gemälde.

In Amerika wurde Delacroix’ romantische Tradition der Historienmalerei von dem deutsch-amerikanischen Maler Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868) fortgeführt, dessen Meisterwerk „Washington Crossing the Delaware“ (1851, Metropolitan Museum of Art, New York) ist.

Die Romantik in England (ca. 1820-1850)

John Constable (1776-1837) gehörte zur englischen Tradition der Romantik, die Kompositionen, die von einer übersteigerten Idealisierung der Natur geprägt waren, wie die von Caspar David Friedrich, zugunsten des Naturalismus des holländischen Barock des siebzehnten Jahrhunderts und von Claude Lorrain (1604-1682) ablehnte. Diese Tradition strebte ein Gleichgewicht zwischen (einerseits) einer tiefen Sensibilität für die Natur und (andererseits) Fortschritten in der Wissenschaft der Malerei und Zeichnung an. Ein Beispiel für Letzteres sind die systematischen Studien des Himmels und der Wolken in den 1820er Jahren, die das Werk von Constable kennzeichnen. Seine genaue Naturbeobachtung veranlasste ihn, die traditionelle Bedeutung der Linie außer Acht zu lassen und seine Werke aus freien Farbflecken aufzubauen.

Diese Befreiung der Farbe ist besonders charakteristisch für die Malerei von William Turner (1775-1851). Für Turner, den vielleicht größten aller englischen Maler der Romantik, ist die Naturbeobachtung nur ein Element bei der Verwirklichung seiner eigenen malerischen Ambitionen. Die Stimmung seiner Bilder entsteht weniger durch das, was er malt, als durch die Art und Weise, wie er malt, insbesondere durch die Art und Weise, wie er Farbe und Pinselführung einsetzt. Viele seiner Gemälde sind mit schnellen Strichen gemalt. Dickes Impasto wechselt sich ab mit dünner alla prima Malerei, einer tonalen Malerei mit starken Hell-Dunkel-Kontrasten.

Oft dauert es einige Zeit, bis sich das dargestellte Motiv aus diesem Strudel von Farb- und Materialeindrücken herausschält. So versucht Turner beispielsweise in seinem Gemälde „Snowstorm: Steamboat at the Harbour Mouth (1842, Tate, London) nicht, den rauschenden Schnee und den lebhaften Wind darzustellen, sondern übersetzt sie in die Sprache der Malerei. Damit ist Turner ein wichtiger Wegbereiter der modernen abstrakten Malerei.

Seine Kunst hatte einen direkteren Einfluss auf die Impressionisten, die im Gegensatz zu den Malern der Romantik Realisten waren - sie interessierten sich nicht für Lichtvisionen, die den Ausdruck verstärkten, sondern für die tatsächlichen Lichteffekte in der Natur. Diese Bewegung hin zum Realismus entstand um 1850. Zu dieser Zeit öffnete sich eine zunehmende Kluft zwischen Gefühl und Wirklichkeit. Die Romantiker, zu denen Gruppen wie die Präraffaeliten gehörten, konzentrierten sich auf Emotionen, Fantasie und künstlerisch geschaffene Welten - ein Stil, der sehr gut zur Ära der viktorianischen Kunst (1840-1900) passte - ein schönes Beispiel sind die sehr beliebten sentimentalen Hundeporträts von Sir Edwin Landseer (1802-1873). Im Vergleich dazu verfolgten die Realisten einen eher naturalistischen Stil, der so unterschiedliche Stile wie den französischen Realismus (mit gesellschaftlich relevanten Themen) und den Impressionismus umfasste.

Andere englische Künstler der Romantik sind William Blake (1757-1827) und John Martin (1789-1854).

Der Einfluss der Romantik

Der romantische Malstil regte die Entstehung zahlreicher Schulen an, wie zum Beispiel: die Schule von Barbizon der Pleinair-Landschaften, die Norwich-Schule der Landschaftsmaler ; die Nazarener, eine Gruppe katholischer deutscher und österreichischer Maler; der Symbolismus (z. B. Arnold Bocklin 1827-1901) und die Bewegung des Ästhetizismus.

Die einflussreichsten Vertreter der englischen figurativen Romantik im viktorianischen Zeitalter waren die Mitglieder der Präraffaelitischen Bruderschaft, die von William Holman Hunt (1827-1910) und Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) mitbegründet wurde und unter anderem für „Die Verkündigung“ bekannt ist. Andere Künstler, die mit der Bewegung in Verbindung gebracht wurden, waren unter anderem: John Everett Millais (1829-1896), am bekanntesten für sein romantisches Gemälde „Ophelia“, Edward Burne-Jones (1833-1898), ein bedeutender Maler, Entwerfer von Glasfenstern und Wandteppichen für William Morris & Co, und John William Waterhouse (1849-1917), der das berühmte Gemälde „Lady Shalott“ schuf.

Eine weitere wichtige Gruppe romantischer Künstler war die Hudson River School of Landscape Painting, die zwischen 1825 und 1875 aktiv war. Sie wurde von Thomas Doughty ins Leben gerufen, dessen ruhige Kompositionen die nachfolgenden Künstler der Schule stark beeinflussten. Weitere Mitglieder der Schule waren Thomas Cole (dramatische und lebendige Landschaften), Asher B Durand, Frederick Edwin Church, J F Kensett, S F Morse, Henry Inman und Jasper Cropsey. Eine Untergruppe von Künstlern vom Hudson River führte den Stil Luminismus ein, der von 1850-75 aktiv war. Luministische Landschaften, die durch die Werke von Frederick Church, Albert Bjerstadt und dem Grenzlandmaler George Caleb Bingham (1811-1879) aus Missouri veranschaulicht werden, zeichnen sich durch intensive, oft dramatische Lichteffekte, ein Stil, der auch in den geisterhaft schönen Werken von Whistler, wie „Crepuscule in Flesh and Green, Valparaiso“ (1866) und „Nocturne: Blau und Silber - Chelsea (1871).

Die größten Gemälde der Romantik

Werke der Romantik hängen in vielen der besten Kunstmuseen der Welt. Hier ist eine kurze Liste ausgewählter Werke.

Carl Friedrich Schinkel (1781-1841)
Gotischer Dom am Wasser (1813) Staatliches Museum Berlin.
John Constable (1776-1837)

The Hay Loom (1821) National Gallery, London.
J. M. W. Turner (1775-1851)
Battling Temeraire (1838) National Gallery, London.
Sklavenschiff (1840) Museum of Fine Arts, Boston.
Dampfschiff an der Hafenmündung (1842) Tate, London.
Regen, Dampf, Geschwindigkeit - Great Western Railway (1844) NG, London.
Caspar David Friedrich (1774-1840)
Winterlandschaft (ca. 1811) National Gallery, London.
Mann und Frau, die den Mond betrachten (1824) Nationalgalerie, Berlin.
Francisco Goya (1746-1828)
Dritter Mai, 1808 (1814) Museo del Prado, Madrid.
Saturn, der eines seiner Kinder verschlingt (1821) Prado, Madrid.
William Blake (1757-1827)
Enitharmon’s Night of Joy (1795) Tate Britain, London.
Satan stachelt rebellische Engel auf (1800) Victoria and Albert Museum.
Théodore Géricault (1791-1824)
Floß der Medusa (1819) Louvre, Paris.
Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868)
Washington bei der Überquerung des Delaware River (1848) Metropolitan Museum of Art, New York.
Eugène Delacroix (1798-63)
Tod des Sardanapalus (1827) Louvre Museum.
Die Freiheit führt das Volk (1830) Musee du Louvre.
John Martin (1789-1854)
Der große Tag seines Zorns (1853) Tate, London.
Jean-Baptiste Corot (1796-1875)
Gedenken an Mortefontaine (1864) Louvre, Paris.
Ville d’Avray (1867) National Gallery of Art, Washington.
Arnold Bocklin (1827-1901)
Maria Magdalena trauert um den Leichnam Christi (1867) Kunstmuseum, Basel.

Neoromantik

Im Paris der frühen 1920er Jahre taucht eine Gruppe figurativer Maler auf, deren grüblerische Gemälde schnell als neoromantisch bekannt werden. Zu ihnen gehörte ein Trio aus Russland: Eugene Berman und sein Bruder Leonid, und Pavel Chelitchev . Zumindest in der britischen bildenden Kunst bezeichnet der Begriff Neoromantik jedoch den figurativen, quasi-abstrakten Landschaftsstil, der von Paul Nash (1889-1946) und Graham Sutherland (1903-1980) und anderen in den späten 1930er und 1940er Jahren geschaffen wurde. Inspiriert zum Teil von den visionären Landschaften von William Blake und Samuel Palmer, enthielten die neoromantischen Gemälde oft Figuren, waren in der Regel von düsterer Stimmung, zeigten aber manchmal eine auffallende Intensität. Weitere bedeutende Neoromantiker waren Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper und Keith Vaughan.

EVOLUTION DER VISUELLEN KUNST
Chronologie und Daten siehe: CHRONOLOGIE DER KUNSTGESCHICHTE .

Für Informationen über andere Bewegungen und Epochen in der Kunst siehe: Geschichte der Kunst .