Gemälde in Neapel, 17. Jahrhundert Automatische übersetzen

Im Jahr 1600, zu Beginn des Jahrhunderts, war Neapel nach Paris die zweitgrößte Stadt Europas und die größte in Italien. Die Einwohnerzahl wurde auf 400-450.000 geschätzt, verglichen mit 80-170.000 in Rom, Mailand, Venedig oder Florenz. Obwohl Neapel eine spanische Kolonie war, blühten die schönen Künste im siebzehnten Jahrhundert unter den spanischen Vizekönigen. Ansonsten war es ein Jahrhundert der Katastrophen - Erdbeben, Vulkanausbrüche, Epidemien, Hungersnöte und Unruhen, die durch übermäßige Besteuerung verursacht wurden und im Masaniello-Aufstand vom 7. Juli 1647 und seinen blutigen Folgen gipfelten.

Trotz der himmelschreienden Ungerechtigkeit waren ausländische Besucher sowohl von der Pracht der barocken Architektur Neapels als auch von der Schönheit der Lage der Stadt beeindruckt. In der Nähe des Vesuvs erlangte der Barock eine besondere Bedeutung, und obwohl der Handel ins Stocken geriet, bauten die Vizekönige weiterhin Kirchen, Paläste, Brücken, neue Straßen und große öffentliche Brunnen und veränderten so das Erscheinungsbild der alten Hauptstadt.

1645, zwei Jahre vor Masaniellos Aufstand, schrieb der produktive Tagebuchschreiber John Evelyn: "Die Gebäude der Stadt sind von der prächtigsten Größe in ganz Europa, die Straßen sind sehr groß, gut gepflastert, mit vielen Gewölben und Kanälen für die Abwässer darunter, was die Straßen sogar mitten im Winter sehr angenehm und sauber macht. Sie besitzt mehr als 3.000 Kirchen und Klöster, die zu den am besten gebauten und geschmückten in Italien gehören."

Es überrascht nicht, dass in einer Stadt mit so vielen Kirchengebäuden die religiöse Kunst für die spanischen Herrscher besonders wichtig war, insbesondere die Art von intensiver christlicher Kunst, die mit dem Quietismus verbunden war. Doch trotz des Erfolgs des Barockstils der katholischen Kunst der Gegenreformation in Rom fasste die neapolitanische Barockmalerei erst nach der Pest der 1650er Jahre im äußersten Süden Italiens Fuß und entwickelte sich neben den starken Tendenzen des Klassizismus. Siehe auch: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des siebzehnten Jahrhunderts .

Spanische Herrscher: Mäzene der Künste

Ungeachtet ihrer administrativen Sünden waren die meisten Vizekönige eifrige Mäzene der schönen Künste, einige von ihnen in großem Umfang, und gaben insbesondere der Ölmalerei einen enormen Impuls . In der ersten Hälfte des siebzehnten Jahrhunderts war der Graf von Monterrey, der Schwager des Lieblings Philipps IV, des Herzogs von Olivares, der energischste Kunstmäzen unter den Vizekönigen. Vierzig Schiffe, beladen mit barocken Gemälden und antiken Skulpturen, begleiteten ihn, als er 1637 nach Spanien segelte. Viele von ihnen sind heute der Stolz des Prado-Museums in Madrid. Und in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts sammelte dieses Exemplar des Vizekönigs, die Marchesa del Carpio, etwa 1800 Gemälde, und als er 1687 starb, sagte Luca Giordano, kein Hofschmeichler, dass Neapel einen liebevollen Vater und seine Künstler eine tapfere Unterstützung verloren hätten.

Während die Neapolitaner die spektakulären Darbietungen ihrer spanischen Oberherren genossen, machten sie sich in der beliebten Maskenkomödie über deren Pompösität lustig. Wie John Evelyn feststellte, ahmte der lokale Adel deren Ernsthaftigkeit, spitze Bärte und Schnurrbärte sowie ausgefeilte Höflichkeit nach, ärgerte sich aber gleichzeitig über deren Anmaßung, bei feierlichen Anlässen den Vorrang zu haben. Sie teilten die Vorliebe der Hidalgos für klangvolle Titel, und ihr Dichterpreisträger war Giovanni Battista Marini, dessen blumiges Adone (1623), das mit Rokokotricks gespickt war, unzählige Nachahmer in ganz Italien und sogar in Frankreich fand.

Die größten neapolitanischen Maler: Caravaggio

Ein weiteres Paradoxon ist, dass keiner der Begründer der neapolitanischen Malerschule aus Neapel stammte. Caravaggio (1571-1610), der einflussreichste von ihnen, war ein Lombarde, der nach der Ermordung eines rivalisierenden Balaguers im Jahr 1606 von Rom nach Neapel floh. Er blieb dort nur bis zum Spätsommer 1607, aber während dieser kurzen Zeit malte er „Die Schwächung Christi“ für San Domenico Maggiore und „Sieben Akte der Barmherzigkeit“ für den Monte della Misericordia, sowie weitere Gemälde, die inzwischen verschwunden sind.

Die dramatische Intensität dieser Altarbilder, die wie von einem Blitzschlag improvisiert scheinen - der skulpturale Torso Christi zwischen zwei tierähnlichen Henkern in unheimlichem Schatten; die Vielfalt der symbolischen Figuren und Eigenschaften im letzteren, ein Problemgemälde, wenn es je eines gab - hatte eine überwältigende Wirkung auf seine neapolitanischen Zeitgenossen. Es war ein für sie völlig neuer Stil, dessen strenger Realismus und lebhafte Kontraste ihre leidenschaftlichen Instinkte ansprachen. Mehr über seine Besuche in Neapel siehe Caravaggio in Neapel (1607, 1609-10).

Die Atmosphäre Neapels muss Caravaggios feurigem Temperament entgegengekommen sein. Er schöpft seine Heiligenfiguren aus dem Alltag, ohne sie zu beschönigen oder zu veredeln. Es war ein hemmungsloser Naturalismus (oder vielmehr eine frühe Form des Realismus, die bis ins neunzehnte Jahrhundert unerreicht blieb) im Gegensatz zum aktuellen Klassizismus der Bologneser Schule, und vor dem vergoldeten barocken Hintergrund war das Ergebnis sensationell.

Husepe Ribera

Der starke Einfluss Caravaggios zeigt sich am deutlichsten in den Werken seines Nachfolgers José Ribera (1591-1652), bekannt als „lo Spagnoletto“, der in der Nähe von Valencia geboren wurde, aber von Geburt an Neapolitaner war. Dank Ribera und seinem Mäzen, dem Vizekönig von Monterrey, entwickelten sich italienische und spanische Künstler in dieselbe Richtung.

Diego Velázquez (1599-1660) war ein Freund von Ribera, und auch er scheint von Caravaggio in den Gemälden „Los Borrachos“ und „Schmiede des Vulkans“ beeinflusst worden zu sein. Fünfzehn Jahre jünger als Caravaggio, den er nie kennenlernte, fand Ribera bald Gefallen an dem Vizekönig als brillantem Landsmann. Die sadistischen Martyrien, die er mit solcher Begeisterung darstellte, verkörperten Montereys Vorstellungen von religiöser Malerei, und Ribera wurde zum Schiedsrichter des Geschmacks an seinem Hof.

Zusammen mit Belisario Corenzio und Battistello Caracciolo (1578-1635) - ersterer war ein Grieche, letzterer ein echter Neapolitaner - bildete Ribera eine tyrannische Kabale. Über die Persönlichkeiten dieses Triumvirats wissen wir wenig Gutes.

Bernardo de Dominici, die neapolitanische Version des Biographen Giorgio Vasari (1511-1574), neigte dazu, seine Anekdoten auszuschmücken, aber sie enthalten zweifellos einen gewissen Wahrheitsgehalt, da sie von anderen bestätigt wurden. Ihm zufolge konnte kein Künstler einen größeren Auftrag in Neapel ohne die Zustimmung des Trios ausführen. Alle bedeutenden Künstler, die aus Rom eingeladen wurden, um die Kapelle San Gennaro in der Kathedrale auszuschmücken, wurden durch ihre hartnäckige Verfolgung vertrieben. Diese Kapelle del Tesoro, wie sie genannt wurde, ist das heiligste Heiligtum Neapels, da sie den Schädel des Schutzpatrons und ein Fläschchen mit seinem Blut enthält, das zweimal im Jahr verflüssigt wird, so dass das Eindringen von Außenstehenden zur Ausschmückung der Kapelle erbittert abgelehnt wurde.

Wie die Knechtschaft von Ribera die Malerei in Neapel kontrollierte

Die Prüfungen der ausländischen Künstler, die es wagten, den Auftrag anzunehmen, zogen sich über viele Jahre hin. Als Guido Reni 1621 eintraf, wurde sein Assistent so schwer verwundet, dass er nach Rom zurückeilte; der rachsüchtige Corenzio wurde auf Verdacht verhaftet, aber aus Mangel an Beweisen freigelassen. Nachdem der einheimische Santafede die Kommissare nicht zufrieden stellen konnte, wurde Corenzio gebeten, die Arbeit fortzusetzen, aber auch er scheiterte und seine Fresken wurden zerstört.

Dann wurde der Bologneser Klassizist Domenichino (1581-1641) aus Rom eingeladen. Dieser hochsensible Künstler nahm die Einladung nur zögernd an, und kurz nach seiner Ankunft erhielt er einen Brief, in dem ihm mit dem Leben gedroht wurde, falls er die Arbeit nicht ablehne. Er bat den Vizekönig um Schutz, und obwohl ihm seine Sicherheit zugesichert wurde, wagte er es kaum, sein Quartier zu verlassen, außer um zur Arbeit zu gehen. Als das erste seiner Fresken ein Jahr später der Öffentlichkeit präsentiert wurde, wurde er von seinen lokalen Rivalen unter der Führung von Ribera so verfolgt, dass er "Tag und Nacht fast ohne Pause galoppierte" und in einem Zustand der Verwahrlosung die Villa von Kardinal Aldobrandini in Frascati erreichte.

Es dauerte ein weiteres Jahr, bis er sich entschloss, die Fresken in Neapel zu vollenden. Inzwischen hatte er die Gunst des Vizekönigs verloren, und die Künstler ärgerten sich noch mehr. Der arme Domenichino wurde, wie Passeri schrieb, so nervös, dass seine Mahlzeiten aus Angst vor Gift und seine Nächte aus Angst vor dem Dolch zur Qual wurden. Und als er 1641 in Neapel starb, war seine Witwe überzeugt, dass er tatsächlich vergiftet worden war. Nur der in Parma geborene Giovanni Lanfranco (1582-1647) scheint in Neapel eine echte Blütezeit erlebt zu haben.

Wie wir aus der Autobiographie von Benvenuto Cellini wissen, betrachteten sich prominente Künstler als über dem Gesetz stehend und verschafften sich sogar durch ihre Arroganz Respekt. Caravaggios Kämpfe waren notwendig, um das Bild terribilta zu schaffen, das er aufzwingen wollte. Ribera verhielt sich gegenüber seinen neapolitanischen Rivalen despotisch. Als Massimo Stanzione (1585-1656) für den Eingang der Certosa von San Martino einen toten Christus malte, der allgemeine Bewunderung hervorrief, überredete Ribera die Mönche, ihn das Bild unter dem Vorwand entfernen zu lassen, es sei zu dunkel. Dabei verunstaltete er es mit einer ätzenden Flüssigkeit. Eine solche Bosheit lässt sich nur schwer mit der Frömmigkeit seiner frommen Gemälde vereinbaren. Seine Schüler waren zahlreich, und sie übertrieben seine schrecklichen Züge - was ein Kritiker als „die Poesie des Abscheulichen“ bezeichnet hat. Manchmal führten diese grausamen Züge zu unerwartet grausamer Kunst. Zum Beispiel führte Agostino Tassis Vergewaltigung von Artemisia Gentileschi (1593-1654) zu ihrem erhabenen Gemälde „Judith enthauptet Holofernes“ (1620, Uffizien, Florenz).

Der neapolitanische Stil der Malerei

Einige von Riberas obszönsten Gemälden wurden für Gaspar Roemer gemalt, einen flämischen Reeder, der als der reichste Mann Neapels galt. Er war einer der unersättlichsten Kunstsammler und bevorzugte makabre und groteske Gemälde.

Schreckliche „Apollo und Marcia Ribera“ (1637, Nationalmuseum von S. Martino, Neapel) und sein abstoßender Betrunkener Silenus (1620-28, Museo Capodimonte, Neapel) befanden sich ursprünglich in der Sammlung von Roemer; Ebenso wie Rubens’ Das Fest des Herodes und Susanna und die Ältesten von Anthony van Dyck, die eine kathartische Wirkung auf die neapolitanischen Maler hatten, die sie sahen und von ihrer Farbe und ihrem kühnen Pinselstrich geblendet waren. Bernardo Cavallino (ca. 1616-56) war davon am stärksten betroffen, und der junge Luca Giordano begann, Rubens zu imitieren.

Die neapolitanischen Stillleben wurden ebenfalls von der flämischen Malerei in Roemers Galerie inspiriert, aber ihre eigenen Stillleben waren fleischiger und saftiger und erinnerten an die Fruchtbarkeit der vesuvianischen Erde. Giuseppe Recco (1634-1695), Giovanni Ruoppola (1629-1693), Paolo Porpora (1617-1670/80) - schon ihre Namen lassen an hängende Trauben und purpurne Feigen denken.

Unter den Kabinettbildern, den Genrebildern und den topografischen Szenen sind Monsu Desiderios fantastische Türme von Babel und das von Feuerzungen bebende oder leckende Babylon vielleicht die ungewöhnlichsten. Nach neueren Forschungen war Monsu Desiderio das Pseudonym von zwei Metzer Künstlern, von denen François Nomé der bekanntere war. Sie bereiteten, wie Wittkower feststellt, den Weg für „die mikrokosmischen Ansichten“ von Micco Spadaro (1609-1675) sowie für die romantischen Schlachtenbilder von Salvatore Rosa.

Salvator Rosa

Wäre er weniger vielseitig gewesen, wäre Salvator Rosa (1615-1673) ein großer Künstler gewesen, denn er war auch ein produktiver Dichter, Pantomime und Musiker. Er lernte mehr von Aniello Falcone (1607-1656), dem Schlachtenmaler, als von seinem ersten Meister Ribera, und er hatte so viele Nachahmer, dass die extreme Originalität seiner Landschaftsbilder oft übersehen wird. Zu seinen Lebzeiten wurden sie mehr geschätzt als seine ehrgeizigen Historienbilder .

Sir Joshua Reynolds schrieb über ihn: "Er hat die Würde, die der wilden und unkultivierten Natur zukommt; aber das Bewundernswerteste an ihm ist die perfekte Übereinstimmung, die er zwischen den von ihm gewählten Themen und der Art und Weise, wie er sie behandelt, beobachtet hat. Alles bei ihm ist eins; seine Felsen, seine Bäume, sein Himmel haben denselben rauen und wilden Charakter, der seine Figuren belebt."

Lady Morgans enthusiastisches Buch „The Life and Times of Salvator Rosa“ (1824) begründete seine Mode im vorviktorianischen England, wo man ihn noch mehr schätzte als in Italien. Er wurde als Vorläufer des Byronismus angesehen, und sein Name wurde zum Synonym für das Ultra-Malerische.

Die Pest von 1656 und ihr Einfluss auf die neapolitanische Malerei

Die schreckliche Pest von 1656 löschte mehr als die Hälfte der Bevölkerung von Neapel aus. Sie wütete sechs Monate lang, und im Hochsommer starben täglich 10.000 bis 15.000 Menschen. Die Gräber waren so überfüllt, dass die Leichen verbrannt oder ins Meer geworfen wurden. Nach einer vorsichtigen Schätzung von Gino Doria forderte die Pest 250.000 Opfer unter den 450.000 Einwohnern der Stadt. Zu den besten Malern gehörten Bernardo Cavallino, Massimo Stanzione, Anniello Falcone und Pachecco de Rosa.

Die wirtschaftlichen Folgen dieser Katastrophe und die rechtzeitigen Reformen kompetenterer Vizekönige führten zu einer Rückkehr zu vergleichbarem Wohlstand, so dass die Bevölkerung 1688 286.000 Einwohner erreichte, darunter 12.000 Geistliche. Die traumatischen Schrecken der Pest mögen dazu beigetragen haben, den Charakter der neapolitanischen Malerei in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts zu verändern.

Es gab eine Reaktion auf den brutalen Realismus von Ribera, und die Künstler entlehnten leuchtende Farbschemata aus der venezianischen Malerei von Tizian (um 1485/8-1576) und Paolo Veronese (1528-1588). Obwohl Spuren von Caravaggio in den Fresken von Mattia Preti (1613-1699), der wegen seines Herkunftsortes als „Cavaliere Calabrese“ bekannt ist, überleben, ähnelt sein Malstil eher dem von Gwerchino (Giovanni Francesco Barbieri) (1591-1666).

Luca Giordano und Francesco Solimena

Nach den katastrophalen Auswirkungen der Pest wurden Luca Giordano und der altgediente Francesco Solimena (1657-1747) zu Verfechtern der neapolitanischen Malerei, und ihre Werke wurden bis ins 19. Sie öffneten die Fenster Caravaggios für das helle Licht.

Der spektakulärste von Riberas Schülern, Luca Giordano (1634-1705), der wegen der phänomenalen Geschwindigkeit seiner Malerei den Spitznamen „Luca fa Presto“ (Luca arbeitet schnell) erhielt, wurde bald für die Schnelligkeit und den Eklektizismus seiner Darstellungen bekannt. Für seine brillanten Nachahmungen von Tizian, sowie von Correggio, Guido Reni und Rubens wurde er der Proteus der Malerei genannt, und eine Zeit lang wurden seine Pastiches mehr geschätzt als seine Originalwerke. In fast jeder Kirche in Neapel und jeder Galerie in Europa ist eines seiner Werke zu sehen.

In den zehn arbeitsreichen Jahren vor dem Ende des Jahrhunderts malte er Fresken auf den großen Plätzen des Escorial, im Palast Buen Retiro, in der Sakristei der Kathedrale von Toledo, im Königspalast und in vielen Kirchen von Madrid. Der Palazzo Medici Riccardi in Florenz beherbergt eines seiner Meisterwerke: einen großen Saal mit Fresken, in dem die letzten Medici an der Decke als Götter des Lichts inmitten der Gottheiten des Olymps dargestellt sind und an den Wänden der Zyklus des menschlichen Lebens. Nach seiner Rückkehr aus Spanien, als er bereits siebzig Jahre alt war, vollendete er in wenigen Tagen eine kraftvolle Serie von Fresken in der Certosa von San Martino.

Sein Freund und Nachfolger Francesco Solimena, alias L’Abate Ciccio, führt uns weit ins achtzehnte Jahrhundert. Seine großen Fähigkeiten und sein Arbeitstempo konkurrierten mit denen von Giordano, und er wurde mit Aufträgen überhäuft, die er nicht bewältigen konnte. Er wurde 1657 geboren und starb reich und berühmt im Alter von 90 Jahren.

Einer der englischen Reisenden, die sich ihm näherten, Edward Wright, schrieb 1721: "Solimena war sehr höflich und zuvorkommend, trotz einiger gegenteiliger Berichte, die wir über ihn gehört haben. Er kleidete sich wie ein Kirchenmann, was bei denjenigen, die nicht im Orden sind, sehr üblich ist. Neben anderen Kunstwerken zeigte er uns ein großes Bild, das er für Prinz Eugen anfertigte, die Geschichte von Cephalus und Aurora, in der Aurora Cephalus in den Himmel bringt, was sie getan haben soll, als alle anderen Mittel, ihn zu überreden, sein Ehegelübde mit Procrisa zu brechen, sich als fruchtlos erwiesen."

Dies war weit entfernt vom Karawaggismus mit seinen Märtyrer- und Massakerszenen, der in der ersten Hälfte des Jahrhunderts vorherrschte. In diesem ätherischen Reich gibt es keinen groben Realismus, keine aussätzigen Gliedmaßen, keinen Schlamm und blutige Füße. Putten auf flauschigen Wolken kündigen die Ankunft des Rokoko-Genies Giambattista Tiepolo (1696-1770) an, und mythologische Nymphen geben einen Vorgeschmack auf den französischen Meister François Boucher (1703-1770).

Seltsamerweise sind die meisten Verfechter des Tenebrismus ) tenebrosi) - wie die Realisten-Naturalisten, beginnend mit Caravaggio, genannt wurden - starben, bevor sie das mittlere Alter erreichten, als wären sie von der Intensität ihrer Teilnahme an biblischen Tragödien absorbiert worden, während ihre illusionistischen Nachfolger durch ihre proteischen Qualitäten ständig verjüngt wurden und ein hohes Alter erreichten.

Die neapolitanische Schule kann also in die Anhänger des Helldunkels und die Verfechter des Lichts unterteilt werden. Luca Giordano und Solimena experimentierten mit vielen Stilen, bevor sie ihren eigenen fanden: Ersterer erreichte seinen Höhepunkt in den Fresken des Palazzo Medici Riccardi, letzterer in der Freske des Gesu Nuovo, die die Vertreibung des Heliodorus aus dem Tempel darstellt.

Chronologie der Malerei in Neapel

Zur Veranschaulichung finden Sie hier eine kurze chronologische Darstellung ausgewählter Ereignisse in der neapolitanischen Kunst des siebzehnten Jahrhunderts.

1598 - Philipp III. wird König von Spanien und Neapel.
1601 - Gründung von Pio Monte della Misericordia.
1606 - Erster Besuch Caravaggios in Neapel; Sieben Akte der Barmherzigkeit und Geißelung .
1607 - Caracciolo malt Unbefleckte Empfängnis .
1610 - Caravaggios zweiter Besuch in Neapel; er stirbt in Porto Ercole am 18. Juli 1610.
1610-16 - Vize-Regentschaft von Conde de Lemos, einem wichtigen Sozialreformer.
1611-12 - Der erste Besuch von Reni in Neapel.
1616 - Ankunft von Ribera in Neapel.
1618-48 - Dreißigjähriger Krieg in Europa.
1620-22 - Soziale Unruhen und Rebellion in Neapel aufgrund wirtschaftlicher Not.
1621 - Philipp IV. wird Nachfolger von Philipp III. als König von Spanien und Neapel.
1621-22 - Renis zweiter Besuch in Neapel.
1622 - Beeinflusst von Caravaggio, malt Simon Vouet Die Beschneidung .
1623-44 - Papsttum von Urban VIII, einem bedeutenden Kunstmäzen.
1623-56 - Cosimo Fanzago überwacht die Bauarbeiten an der Certosa von San Martino
1624 - Van Dyck kommt nach Palermo.
1625 - Tod des Dichters Giovanni Battista Marino, Hofdichter der Vizekönige.
1626 - Ribera malt ein Bild „Betrunkener Silenus“.
1626 - Ankunft von Artemisia Gentileschi in Neapel.
1629 - Velasquez’ erster Besuch in Italien und Neapel.
1631 - Ankunft von Domenichino in Neapel, um die Capella de Tesoro zu malen.
1631 - d. Der Ausbruch des Vesuvs.
1631-37 - Vize-Regentschaft von Manuel de Guzmán, Graf von Monterrey.
1634 - Ankunft von Lanfranco in Neapel.
1635 - Besuch von Castiglione in Neapel.
1637 - Ribera schreibt seine Pieta .
1638-47 - Verschlechterung des wirtschaftlichen Klimas.
1639 - Abreise von Salvator Rosa aus Neapel
1640 - Ankunft des Gemäldes von Rubens „Das Fest des Herodes“ in der Sammlung von Gaspar Roemer.
1641 - Tod von Domenichino.
1641-67 - Erzbistum von Kardinal Ascanio Filomarino, Mäzen der Künste.
1642 - Tod von Reni; Erscheinen seiner „Anbetung der Hirten“ in Neapel (1645).
1646 - Don Antonio Ruffo von Messina beginnt, moderne Gemälde zu sammeln.
1647 - d. Tod von Lanfranco.
1647-48 - Aufstand von Masaniello, verursacht durch die Einführung einer Steuer auf Obst.
1649-50 - Velasquez’ zweiter Besuch in Italien und in Neapel.
1650 - Französische Offensive bei Portolongon; erfolgreich zurückgeschlagen.
1652 - Tod von Artemisia Gentileschi.
1652 - Giordano reist nach Rom und Norditalien.
1654 - Französische Offensive bei Castellammare unter der Führung des Duc de Guise.
1656 - D. Mehr als die Hälfte der Bevölkerung von Neapel stirbt an der Pest.
1656-60 - Pretis Besuch in Neapel.
1665 - Karl II. wird Nachfolger von Philipp IV. als König von Spanien und Neapel.
1674 - Ankunft von Solimena in Neapel.
1674 - D. Tod von Gaspar Roemer; er hinterlässt die Sammlung Ferdinand van den Eijnden.
1674-78 - Französische Besetzung von Messina.
1683-87 - Vize-Regentschaft des Marques del Carpio.
1688 - Schweres Erdbeben; viele Gebäude im Stadtzentrum beschädigt.
1705 - d. Tod von Luca Giordano.
1707 - Beginn der österreichischen Herrschaft.

Neapolitanische Barockkunst ist in einigen der schönsten Kunstmuseen der Welt zu sehen.