Neoklassische Figurenbilder von Picasso:
Klassischer Naturalismus Automatische übersetzen

Für einen allgemeinen Leitfaden zur Entwicklung der Malerei,
sehen: Kunstgeschichte (2, 5 Millionen v.Chr.).

Picassos Neoklassizismus

Im Jahr 1914 auf dem Höhepunkt von synthetischer Kubismus, sein Miterfinder Pablo Picasso begann wieder auf naturalistische Weise zu zeichnen und zu malen. Drei Jahre später, als er arbeitete Diaghilev Beim Ballett "Parade" nahm die Zahl dieser naturalistischen Werke zu. Dies war jedoch Picassos zweite "klassische" Periode, denn die Rosenperiode von 1905 bis 1906 war in vielerlei Hinsicht ein erster Durchgang. In der Tat die eigentümliche Entwicklung von Picasso Klassizismus dient als Erinnerung daran, dass der Aufruf zur Ordnung in der Kriegszeit und der Nachkriegszeit kein neues Phänomen war, das durch den Krieg hervorgerufen wurde, sondern eine Wiederbelebung innerhalb der Avantgarde einer klassizistischen Bewegung, die zu Beginn des Jahrhunderts vorherrschte. und deren eigene Ursprünge reichten bis zu dem postimpressionistischen "Aufruf zur Ordnung" der 1880er Jahre zurück. Aus dieser Perspektive gesehen, Picassos Kubismus könnte als eine Art vorübergehende Unterbrechung in der Kontinuität seines Klassizismus gesehen werden. Weniger pervers könnte es als eine andere Form des Klassizismus angesehen werden – eine revolutionäre, "abstrakte" Form des Klassizismus. Dies war in der Tat die Linie jener Kritiker und Künstler, wie der Puristen, die System und Ordnung in den Kubismus bringen wollten, indem sie auf die "Konstanten" von zurückgingen Griechische Kunst und seine römischen Anhänger. Weitere Informationen finden Sie unter: Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst (c.1900-30).

Klassische akademische Ausbildung

Picasso hatte eine gründliche Ausbildung in akademische Kunst in einem sehr jungen Alter. Sein erster Lehrer war sein Vater, selbst Maler, aber 1892 schrieb sich Picasso an der Kunstschule in La Coruña ein, wo die Familie im vergangenen Jahr umgezogen war. 1894 fertigte er akademische Zeichnungen aus antiken Abgüssen an, und als sein Vater im folgenden Jahr einen Lehrauftrag an der Kunstschule La Llotja in Barcelona annahm, hatte er keine Schwierigkeiten, in die fortgeschrittenen Klassen aufgenommen zu werden. "Wissenschaft und Nächstenliebe" (1897, Museu Picasso, Barcelona) war ein frühreifes Essay in der akademischen Moralgeschichte und gewann offizielle Auszeichnungen, als es in Madrid und Malaga ausgestellt wurde. Nach einer kurzen Zeit an der Königlichen Akademie von San Fernando in Madrid gab Picasso sein Studium auf und war im Frühjahr 1899 in Barcelona Stammgast im Künstlerkaffee Els Quatre Gats Gemälde und Zeichnung im abstrakten, symbolistischen Stil von Künstlern der katalanischen Moderne wie Santiago Rusinol und Ramon Casas. Dort traf er den Kritiker und Philosophen Eugeni d’Ors, den zukünftigen Theoretiker des katalanischen Noucentisme, und unter anderem Julio Gonzalez und Manolo. Durch diese Kontakte wurde Picasso mit Pariser vertraut moderne Kunst und sein Werk begann dem von Toulouse-Lautrec, Forain und Steinlen zu ähneln.

Von Blues bis Harlekin und Saltimbanque

Im Oktober 1900 unternahm Picasso seine erste Reise nach Paris. Er hatte eine Debütausstellung im folgenden Jahr in der Galerie von Ambroise Vollard und traf den Dichter und Kritiker Max Jacob, der ein lebenslanger Freund wurde. In Barcelona wurde 1902 die vorherrschende Blautönung seiner jüngsten Leinwände bestätigt, und die Pariser Nachtschwärmer gaben tragischen Szenen von Bettlern und Prostituierten nach. Im Frühjahr 1904 verließ Picasso Barcelona und ließ sich in einem heruntergekommenen Gebäude in Montmartre nieder, das den Spitznamen Bateau-Lavoir erhielt und in dem sich eine blühende Künstlergemeinschaft befand. Von diesem Zeitpunkt an kehrte er relativ selten nach Spanien zurück, und obwohl er sich weiterhin mit der großen Gruppe von Spaniern im Ausland in Paris mischte, wurde er auch ein enger Freund von Apollinaire, Andre Salmon und Maurice Raynal. Er besuchte häufig den nahe gelegenen Cirque Medrano, und nach und nach wich die blaue Farbe seiner Arbeit einem vorherrschenden Rosa, und Harlekin- und Saltimbanque-Motive begannen, sein Repertoire zu dominieren. Gleichzeitig wich der "gotische" Charakter seiner Blauen Periode einem Stil, der von der klassischen Kunst abgeleitet war. Eine Veränderung, die vor allem seinen Kontakten mit Apollinaire und Jean Moreas, dem Begründer der Ecole Romane, zu verdanken war Kunst der klassischen Antike.

Klassische Akte

Gegen Ende 1905 trat eine neue Objektivität in Picassos Werk ein und verdrängte die Sentimentalität seiner Saltimbanque-Gemälde. Diese Entwicklung wurde von der JADIngres retrospektive Ausstellung im berühmten 1905 statt Salon d’Automne und durch die neoklassizistische Arbeit aufstrebender Künstler wie Aristide Maillol (1861-1944). Im Laufe des Jahres 1906, insbesondere während seines viermonatigen Aufenthalts im Dorf Gosol in den Pyrenäen, bestätigte sich diese klassische Tendenz in Picassos Werken. Seine Bilder nahmen Terrakotta und Grautöne an, Formen wurden volumetrischer behandelt und die Bezüge zur Klassik Griechische Skulptur Ingres und nun auch Cezanne nahmen zu. (Siehe zum Beispiel Zwei Akte 1906, Museum of Modern Art, New York.) Sein Thema wurde vereinfacht, als er sich auf zeitlose und traditionelle Themen aus der Antike konzentrierte, wie z männliche Akte mit Pferden und Frauen, die sich die Haare machen. Nach seiner Rückkehr nach Paris im Herbst wurden seine Gemälde von weibliche Akte Eine monumentalere und primitivere Form angenommen: Der Einfluss der archaischen iberischen Skulpturen, die er in einer Ausstellung im Louvre gesehen hatte, spiegelte sich nun in der stilisierten Behandlung von Gesichtern wider und vermischte sich mit einem ausgeprägteren Einfluss der späten Figurengemälde von Cezanne (1839-1906) und die tahitischen Gemälde und Skulpturen von Gauguin (1848 & ndash; 1903). Alle diese Quellen zusammen mit Elementen von Afrikanische Kunst und Ozeanische Kunst, im Außergewöhnlichen verschmolzen Les Demoiselles d’Avignon (1907, Museum of Modern Art, New York). Diese riesige Leinwand, die Picasso 1907 viele Monate lang beschäftigte, war in Bezug auf informelle Abstraktion revolutionär, bezog sich jedoch auf akademische Traditionen der Aktdarstellung. Im eigentlichen Sinne war es seine Antwort auf die Forderung nach einem neuen, anti-akademischen Klassizismus in der Kunst, obwohl sein expressionistischer "dionysischer" Charakter Picassos Ablehnung der allgemein akzeptierten Gleichsetzung des Klassizismus mit der "apollonischen" Gelassenheit deutlich zeigt. Siehe zum Beispiel seine spätere neoklassizistische Arbeit über das dionysische Thema – Zwei Frauen laufen am Strand (The Race) (1922) Musee Picasso, Paris.

Einfluss von Braque

Georges Braque (1882-1963) war Ende 1907 in Picassos Atelier gebracht worden. Im Laufe des folgenden Jahres sahen sich die beiden Männer viel und Braques Assimilation der konzeptuellen Aspekte von Cezannes Werk wirkte sich auf Picasso aus, was die Konfrontation und Dramatik reduzierte Ton der Negerbilder, die Les Demoiselles d’Avignon folgten. Gemälde wie die Drei Frauen (Eremitage, Leningrad), die nach einer umfassenden Überarbeitung im Winter 1908-9 fertiggestellt wurden, zeigen den Einfluss der jüngsten geometrischen Landschaftsbilder von Braque. Aus ihrer Zusammenarbeit in den nächsten fünf Jahren Analytischer Kubismus aufgetaucht. Allmählich wurde Picasso als Führer der Pariser anerkannt Avantgarde-Kunst : obwohl er wie Braque nie in den jährlichen Salons in Paris ausgestellt hat, zeigte er seine jüngsten kubistischen Leinwände im Mai 1910 in der Galerie Notre-Dame-des-Champs. Und dank des Netzwerks internationaler Kontakte von Daniel Kahnweiler Als Händler von Picasso und Braque waren ihre analytischen kubistischen Gemälde in vielen wichtigen Ausstellungen im Ausland vertreten. So breitete sich der Einfluss des Stils schnell aus. 1912 machte Picasso seinen ersten Collagen oder Konstruktionen, und als Reaktion auf Braques Initiative kollidieren seine ersten Papiere. Diese neuen Methoden, die die "synthetische" Phase des Kubismus einleiteten, führten zu einer Abkehr von der Abstraktion und Rätselhaftigkeit ihrer jüngsten "hermetischen" Arbeiten hin zu mehr Lesbarkeit und formaler Klarheit.

Klassischer Naturalismus

Als im August 1914 der Krieg erklärt wurde, befand sich Picasso in Avignon. Während seines fünfmonatigen Aufenthaltes dort wurde sein Werk äußerst stilistisch vielfältig: Er schuf farbenreiche, dekorative, synthetische kubistische Gemälde, Zeichnungen, die im Nachhinein seine surrealistischen Werke der späten 1920er und 1930er Jahre zu antizipieren scheinen, und einige exquisite naturalistische Zeichnungen in einem Stil verwandt mit dem von Ingres. Der Maler und sein Modell (1914, Musee Picasso, Paris) war ein Prophet des Klassizismus seiner Kunst in den kommenden Jahren. Zwei Jahre später erklärte er sich bereit, mit seinem neuen Freund, dem Dichter und Kritiker Jean Cocteau, bei Parade zusammenzuarbeiten, einem experimentellen Ballett mit Musik von Erik Satie, das Cocteau für Diaghilev ausgedacht hatte. Im Februar 1917 begleitete Picasso Cocteau nach Rom, um das zu treffen Ballets Russes und an seinen Entwürfen zu arbeiten. Er blieb zwei Monate in Italien, besuchte einige der wichtigsten Museen und Kirchen und reiste nach Florenz, Neapel und Pompeji. Dies war seine erste Italienreise, die maßgeblich zum Wiederaufleben des Klassizismus in seinem Werk beitrug. Obwohl die Bühnenbilder für die Parade und seine Kostüme für die Manager im kubistischen Stil gehalten waren, war der riesige Vorhang mit den Darstellern hinter den Kulissen im "Barock" -Stil gehalten Naturalismus spielerisch abgeleitet von der Kunst, die er in Rom und Neapel gesehen hatte. In ferner Ferne erinnerte es an die Gemälde von Harlekin und Saltimbanque von 1905. Die Uraufführung des Balletts im Pariser Theater du Chatelet im Mai 1917 löste Skandale und Kontroversen aus und machte Kritiker und Künstler auf die Veränderungen in Picassos Werk aufmerksam.

In Rom hatte Picasso Olga Koklova getroffen, eine Ballerina in Diaghilevs Gesellschaft, und im Juni folgte er ihr nach Spanien, wo die Ballets Russes auftraten. Sie blieben bis November in Barcelona und Picasso sah viele seiner alten katalanischen Freunde. Die klassizistische Ästhetik des katalanischen Noucentisme bestätigte die neuen Tendenzen in seiner Kunst. So auch seine Kontakte zur Ballettwelt und ihrem gesellschaftlichen Umfeld, denn er entwarf in den nächsten Jahren weitere Ballette für Diaghilev. Im Juli 1918 heirateten Picasso und Olga und verbrachten ihre Flitterwochen in Biarritz, wo er viele elegante, Ingres-ähnliche Porträtzeichnungen anfertigte. Ab diesem Zeitpunkt verbrachte er den Sommer in der Regel in Südfrankreich und behauptete, dass in diesem mediterranen Ambiente mythologische Themen für ihn selbstverständlich waren. Auf seiner Hochzeitsreise traf Picasso Paul Rosenberg, der sein Händler wurde, fand eine Wohnung für ihn und Olga neben seiner Galerie in der Rue La Boetie und organisierte in den kommenden Jahren regelmäßig Ausstellungen seiner neuesten Arbeiten.

Mutter und Kind Bilder

Im Februar 1921 brachte Olga einen Sohn zur Welt, und zahlreiche Bilder von Mutter und Kind in einer Vielzahl klassischer Stile beschäftigten Picasso für die nächsten Jahre. (Sehen: Großer Badender 1921, Musee de l’Orangerie, Paris.) Die Familie verbrachte den Sommer 1921 in einer Villa in Fontainebleau, und dort malte Picasso mehrere monumentale neoklassizistische Gemälde, die teilweise von der Kunst inspiriert waren Renaissance-Gemälde im Palast. Zur gleichen Zeit fertigte er jedoch zwei große, schillernde kubistische Leinwände an, die drei Musiker repräsentierten (Museum of Modern Art, New York, und Philadelphia Museum of Art). Seine Fähigkeit, gleichzeitig in diesen beiden anscheinend gegensätzlichen Modi zu arbeiten, sorgte für große Kontroversen, und in einem Interview mit Marius de Zayas äußerte sich Picasso ausführlich zum Verhältnis zwischen Stimmung und Thema und zur Wahl des Stils:

Die verschiedenen Arten, die ich in meiner Kunst angewandt habe, dürfen nicht als Evolution oder als Schritt in Richtung eines unbekannten Idealbildes der Malerei betrachtet werden. Alles, was ich jemals gemacht habe, war für die Gegenwart und mit der Hoffnung, dass es immer in der Gegenwart bleiben wird. Ich glaube nicht, dass ich radikal unterschiedliche Elemente in der Art und Weise verwendet habe, wie ich sie in der Malerei verwendet habe. Wenn die Themen, die ich ausdrücken wollte, unterschiedliche Ausdrucksweisen vorgeschlagen haben, habe ich nie gezögert, sie zu übernehmen. Dies impliziert weder Evolution noch Fortschritt, sondern eine Anpassung der Idee, die man ausdrücken möchte, und der Mittel, um sie auszudrücken. (Zitat aus "Picasso spricht", The Arts, New York, Mai 1923.)

HINWEIS: Picassos Cubistenkollege Fernand Leger (1881-1955) nahm auch an der Klassik "Call to Order" teil, mit Bildern wie: Der Mechaniker (1920, National Gallery of Canada, Ottowa); Drei Frauen (Le Grand Dejeuner) (1921, MOMA, NY); Akt vor einem roten Hintergrund (1923, Kunstmuseum, Basel); und sein später Zwei Schwestern (1935, Gemäldegalerie SMPK, Berlin). Siehe auch die klassischen Motive und Bilder von Giorgio de Chirico (1888-1978) in Werken wie: Die Unsicherheit des Dichters (1913, Tate Collection, London), Das Lied der Liebe (1914, Museum of Modern Art New York) und Das Geheimnis und die Melancholie einer Straße (1914, Privatsammlung).

Auswirkungen des Surrealismus

Das Jahr dieses Interviews, 1923, war auch das Jahr der Freundschaft Picassos mit dem surrealistischen Dichter und Theoretiker Andre Breton wurde näher und im Dezember 1924 war Picasso in der ersten Ausgabe der La Revolution Surrealiste mit einer Blechkonstruktion vertreten. Obwohl er sich dem offiziell nicht angeschlossen hat Surrealismus Seine Arbeiten wurden in die Ausstellungen und Magazine der Surrealisten aufgenommen und zeigten ab Mitte der 1920er Jahre viele Anzeichen seiner Sympathie für ihre grundsätzlichen Anliegen. Sein Thema änderte sich als Folge dieser neuen Loyalität nicht radikal, aber die gewalttätigen und expressiven Verzerrungen, denen er den menschlichen Körper unterworfen hatte, waren grenzenlos erfinderisch, und metaphorische Anspielungen und private Symbole gaben seinem Werk einen poetischen, einfallsreichen und traumartigen Charakter. Die farbenprächtigen, mutwillig hässlichen und verstörenden Drei Tänzer im Collagenstil von 1925 (Tate Collection, London) dokumentieren die Neuorientierung auf dramatische Weise, da das Thema und die Komposition – direkt aus dem traditionellen Motiv der "Drei Grazien" abgeleitet – untersucht worden waren in vielen seiner früheren eleganten klassischen Tänzerzeichnungen.

Trotz des Auftretens hielt die Bindung an die klassische Tradition in den späten 1920er und 1930er Jahren an, als Picasso in engster Verbindung stand Surrealistische Künstler : Viele seiner grotesk verzerrten Figuren nahmen klassische Posen an, und bei der Verwendung von Linien- und Tonmodellen setzte er akademische Techniken ein. Darüber hinaus wurden einige seiner zeitgenössischen Zeichnungen in einem reinen, linearen Stil ausgeführt, der sich aus der Malerei von Griechische Keramik Denn vor allem in seiner grafischen Arbeit drückte sich seine Auseinandersetzung mit der Idee der klassischen Welt und mit der klassischen Mythologie aus. Anscheinend hat die Besessenheit der Surrealisten mit dem Mythos und der Mythenbildung Picassos zunehmend mythisches Konzept der Beziehung zwischen dem Künstler und seiner Welt und seine besondere Identifikation mit dem legendären Minotaurus stimuliert, anstatt diesen Dialog mit dem Klassizismus zu entmutigen. Diese Bedenken äußerten sich in der Radierungen Er illustrierte eine Neuauflage von Ovids Metamorphosen (veröffentlicht von Albert Skira im Jahr 1931) und erreichte einen Höhepunkt in der großen Folge von Radierungen, die 1933/34 zum Thema des Ateliers des Bildhauers und der Liebe zum Minotaurus ausgeführt wurden, das Teil der renommierten ’Vollard Suite’ wurde. 1930 hatte Picasso das nordwestlich von Paris gelegene Chateau de Boisgeloup gekauft und konnte dort große Skulpturenstudios errichten. Die Büsten und Akte, die er in den frühen 1933er Jahren schuf, unterscheiden sich stark in ihrem Grad an Naturalismus, aber in allen von ihnen setzte er seine Erforschung der vielen „Stimmen“ der klassischen Tradition fort, ohne jedoch zu irgendeiner Zeit versucht zu sein, darin zu arbeiten eine einfache neoklassische Art und Weise.

Picassos erfinderischer Ansatz zum Klassizismus

Seit dem Ende des Ersten Weltkriegs war Picasso Gegenstand vieler kritischer Studien. (Die erste umfangreiche Monographie seines alten Freundes Maurice Raynal erschien 1921 in München und im darauffolgenden Jahr in Paris.) Seine Weihe als lebender großer Meister erfolgte 1932 mit der großen Retrospektivausstellung in Paris in den Galeries Georges Petit, die anschließend zum Kunsthaus nach Zürich reisten. Im selben Jahr erschien der erste Band von Christian Zervos ’ Werkverzeichnis der Gemälde und Zeichnungen, und Bernard Geiser produzierte 1933 ein Werkverzeichnis der Stiche und Lithographien. 1936, bei Ausbruch des spanischen Bürgerkriegs, wurde Picasso zum Direktor des. Gewählt Prado Museum in Madrid. Sein Widerstand gegen Franco äußerte sich direkt in der Folge satirischer Radierungen „Der Traum und die Lüge Francos“ und in metaphorischen Begriffen in dem großen Wandgemälde mit dem Titel Guernica In Guernica (Prado, Madrid), wie in so vielen seiner anderen wichtigsten Werke der Zwischenkriegszeit, zeigt Picasso seine typisch freie und erfinderische Herangehensweise an die Klassik Die Tradition findet wieder ihren Ausdruck, obwohl der Stil im Wesentlichen dem des synthetischen Kubismus entspricht. Die Bildsprache, die Komposition und sogar die Zeichnung bedient sich einer Vielzahl klassischer Quellen, einschließlich der Gemälde des Massakers der Unschuldigen von Guido Reni (1575-1642) und Nicolas Poussin (1594 & ndash; 1665). Die klassische Tradition blieb für ihn ein Impuls und eine Ressource; Aber sein Eintauchen in die Materie beinhaltete niemals eine unkritische Nachahmung, und seine eigenen kreativen Kräfte wurden niemals durch das Gewicht ihrer Autorität geschwächt.