Italienische Renaissance: Malerei, Skulptur, Architektur Automatische übersetzen
Chronologie und Zeitleiste
In diesem Artikel betrachten wir den gesamten Zeitraum von Renaissance-Kunst , von seinen frühesten Anfängen im 14. Jahrhundert ( Trecento ), durch sein goldenes Zeitalter des 15. Jahrhunderts ( quattrocento ), zu seiner Verzerrung und seinem Niedergang im 16. Jahrhundert ( cinquecento ). Die Periode ist traditionell in vier Abschnitte unterteilt:
1. Kunst der Protorenaissance (c.1300-1400)
Das vierzehnte Jahrhundert fungiert als Bindeglied zwischen den späteren Stilen von Gotische Kunst ; und der neue Humanismus der Renaissance. Kennzahlen sind Alte Meister wie Giotto, Duccio und Andrea Pisano. Die meisten Aktivitäten fanden in und um Florenz und Siena statt.
2. Kunst der Frührenaissance (c.1400-90)
Das Rinascimento ist in hohem Maße ein italienisches Phänomen, aber es basiert auf einer neuen Ehrfurcht vor der Kunst von Antike über mehrere Disziplinen. Die frühe Phase, die sich auf Florenz konzentriert, ist Zeuge revolutionärer Entwicklungen in Florenz die Architektur (Brunelleshi), Gemälde (Masaccio), Skulptur (Donatello). Es gibt spezifische Entwicklungen in der Ästhetik des Humanismus, den Gesetzen von Geradlinige Perspektive und die Kunst von disegno vor allem der männliche Akt. Die Hauptgäste waren die Medici-Familie in Florenz . Siehe die Florentiner Renaissance für mehr Details oder Renaissancekunst in Florenz (1400-90).
3. Kunst der Hochrenaissance (c.1490-1530)
Während dieser Zeit verlagert sich die Aufmerksamkeit nach Rom unter Papst Julius II (1503-13) und Papst Leo X. (1513-21). Dominiert von Raphael ( Raphael Rooms im Vatikan) und Michelangelo ( Genesis Fresco in der Sixtinischen Kapelle) repräsentiert diese Periode den Höhepunkt des italienischen Renaissance-Stils in all seiner Zuversicht und Gewissheit. Sehen Renaissancekunst in Rom unter den Päpsten (1400-1600) für weitere Einzelheiten.
4. Manierismus (c.1530-1600)
Gleichzeitig mit der zunehmenden politischen Unsicherheit spiegelt der Manierismus die Unfähigkeit der Künstler wider, das Ideal der Hochrenaissance zu verbessern. Manchmal als "übertrieben" und "erfunden" beschrieben, zeigt sich der neue Stil am besten in Michelangelos Fresko " Letztes Gericht" in der Sixtinischen Kapelle und in der Marmorskulptur " Der Raub der Sabinerinnen" (1583) von Giambologna. Je später Renaissance in Venedig fällt mit Manierismus zusammen.
Italienische Renaissance-Malerei
Proto- und Frührenaissance-Malerei (1300-1490)
Obwohl ein Künstler des Trecento (14. Jahrhundert) Giotto (1266-1337) kann als erster Maler der Renaissance bezeichnet werden. Giottos eigener Meister, Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302) scheint nach byzantinischen Vorbildern gemalt zu haben. Das heißt, ein linearer Stil, im Wesentlichen flach und zweidimensional. Obwohl Giotto von diesen Ursprüngen abstammte, war er der erste, der reale Figuren anstelle von Konventionen schuf und der erste, der diese Figuren fest in einen dreidimensionalen Raum setzte. Die Betonung, die Giotto auf die Form und insbesondere auf die Form des menschlichen Körpers legte, sollte das besondere Interesse und die Beschäftigung der florentinischen Schule bleiben.
Giotto war ein so revolutionäres Genie, dass seine Bedeutung hundert Jahre nach seinem Tod immer noch nicht vollständig verstanden wurde. Es war nicht bis Masaccio (1401-1428), dass der nächste große Schritt in der Geschichte der italienischen Malerei gemacht wurde. Masaccio ist Brancacci Kapelle Fresken In der Kirche des Karmins in Florenz befanden sich die Schulen, an denen alle Florentiner Maler mehr als ein Jahrhundert lang lernten. Seine Figuren haben die monumentale Größe und Solidität von Giotto, mit einer noch größeren Meisterschaft im Umgang mit anatomischen und räumlichen Problemen. Er und die Florentiner der nächsten Generation interessierten sich vor allem für zwei Dinge: Erstens für die menschliche Figur; zweitens die Anwendung der kürzlich formulierten Perspektivregeln, um eine Illusion von Tiefe im Raum zu erzeugen.
Diese ernste und hochintellektuelle Kunst des Disegno , die für die intelligenten und autarken Bürger eines Stadtstaates charakteristisch war – wie es damals Florenz war -, geriet im frühen fünfzehnten Jahrhundert in Konflikt mit der sogenannten Internationale gotische Kunst , die ihren Ursprung im Burgund hatte und sich über Norditalien, insbesondere Verona und die Marken, ausbreitete. Es handelt sich im Wesentlichen um eine aristokratische Hofkunst, die eng mit gotisch beleuchteten Manuskripten und Stickereien verwandt ist und ein frisches und kindliches Vergnügen an den dekorativen Gegenständen des Lebens, der Blumen, Vögel, Tiere, der reichen Kleidung und der Juwelen hat. Es dauerte nur kurze Zeit in Florenz, aber dennoch gelang es ihm, ein Meisterwerk zu produzieren, die Anbetung der Könige von Gentile da Fabriano (1370-1427), jetzt in den Uffizien, Florenz.
Von Pisanello (Antonio Pisano) (c.1394-1455), der größte Medaillengewinner der veronesischen Schule, sind nur etwa 7 Gemälde bekannt, von denen sich eines, St. Hubert , in der Nationalgalerie befindet. Die einzelnen Details dieses Bildes sind exquisit, aber insgesamt fehlt die architektonische Einheit der Werke, die zur gleichen Zeit in Florenz hergestellt wurden: Es bleibt eher ein mittelalterliches Werk als ein Renaissance-Werk und liegt weit näher am Norden Miniaturmalerei.
Die andere wichtige Schule der Malerei, die von der internationalen Gotik betroffen ist, ist Siena: Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319), dessen Platz in der Sienesische Malschule Entspricht dem von Giotto in Florenz, bleibt viel stärker von der byzantinischen Kunst des Ostens beeinflusst. Der spätere sienesische Maler, Simone Martini (1285-1344), die Brüder Pietro Lorenzetti (aktiv 1320-45) und Ambrogio Lorenzetti (Aktiv 1319-48) und Sassetta (Stefano di Giovanni) (1395-1450) hatte eine linearere, kalligraphischere und dekorativere Formauffassung als ihre florentinischen Zeitgenossen. Die Malerei des 14. und 15. Jahrhunderts in Siena nähert sich mit ihrer Zartheit und Reinheit der Farben und ihrer Ausdruckskraft der Kunst des Fernen Ostens so nahe wie keine andere europäische Schule.
Hinweis: Wichtige Werke der Sienesischen Schule sind:
Stroganoff Madonna (Stoclet Madonna) (1300) von Duccio.
Maesta-Altarbild (1308-11) von Duccio.
Verkündigungs-Triptychon (1333) von Simone Martini.
Allegorie der guten und schlechten Regierung (1339) Ambrogio Lorenzetti
Florentiner Kunst war nie wie Sieneser transzendental; es war immer in engem Kontakt mit der Realität. Die einzige Ausnahme ist vielleicht Fra Angelico (1387-145 5), dessen Fresken in San Marco und dessen Altarbilder eine exquisite Frische und Reinheit des Gefühls aufweisen, was sie in gewissem Sinne der sienesischen Kunst ähnelt. Sein großes Altarbild des Jüngsten Gerichts (um 1440) ist ein Beispiel für die Qualität dieses Geistes: Die Verdammten und die Teufel in der Hölle sind auf der einen Seite des Bildes mit völliger Überzeugungslosigkeit gemalt, während das Paradies auf der anderen Seite, wird mit der ganzen Freude und Heiterkeit eines tiefen und ruhigen Glaubens dargestellt. Aber Figuren werden mit einer vollkommen florentinischen Solidität modelliert, und oft, besonders in den einzelnen Figuren, mit einer massiven Größe, die mit Masaccio selbst vergleichbar ist.
Die anderen wichtigen Namen in dieser Zeit sind Paolo Uccello (1397-1475), Andrea del Castagno (c.1420-57), Domenico Veneziano (1410-1461) und Fra Filippo Lippi (c.1406-69). Uccello war mit Problemen der Perspektive beschäftigt – besessen wäre vielleicht ein besseres Wort -. Seine Schlacht von San Romano und Im Wald jagen beide verbinden ein gewisses gotisches Gefühl mit aufwändigen Versuchen, Verkürzungen und dreidimensionale Raumtiefen zu erzeugen. Castagnos wenige überlebende Werke haben eine fast brutale Kraft und Realismus; während Filippo Lippis Madonnen die sanfte Zärtlichkeit und Menschlichkeit haben, die in der Arbeit seines großen Schülers Botticelli wiederkehren. Diese drei verkörpern alle für das florentinische Quattrocento typischen Tendenzen.
Zur nächsten Generation in Florenz gehörte Alessio Baldovinetti (1427-99), ein Schüler von Veneziano, der der Meister des produktiven Freskokünstlers war Domenico Ghirlandaio (1449-94), am bekanntesten für seine Alter Mann mit einem Jungen ; Antonio Pollaiuolo (1432-98) war Castagnos Schüler, und sowohl in seinen Skulpturen als auch in seinen meisterhaften Gemälden und Zeichnungen von Aktfiguren in gewalttätiger Aktion erbte er viel von dem harten Realismus seines Meisters. Alle diese Künstler waren Realisten, die sich vor allem für wahrheitsgemäße Darstellung interessierten; aber Seite an Seite mit ihnen, anderen, von denen der größte war Sandro Botticelli (1445-1510), inspiriert vom neoplatonischen Humanismus des Medici-Hofes, mischte christliche und heidnische Gefühle in einem Stil, der eher die Emotionen als den Intellekt anspricht. Sehen: Die Geburt der Venus (1484-6, Uffizien) und La Primavera (1484-6, Uffizien). 1490 bekehrte er sich zu den Predigten des fanatisch-puritanischen Mönchs. Savonarola (1452-98), und seine späteren Bilder enthalten eine außergewöhnliche Intensität religiöser Emotionen. Ein anderer Maler, der mit Botticelli erwähnt werden muss, ist Piero di Cosimo (1462-1522), der in Werken wie The Death of Procris eine subtile und etwas unflorentine Zärtlichkeit suggeriert.
Von den anderen Schulen von frühe Renaissance-Malerei Außerhalb von Florenz haben wir bereits Verona und Siena im Zusammenhang mit dem internationalen gotischen Stil angesprochen. Die Schule Umbriens, das Gebirgsviertel im Süden der Toskana, war eng mit der von Florenz verbunden. Pietro Perugino (1450-1523), ein Maler, dessen Werk oft charmant und manchmal wunderschön ist, ist als Meister Raffaels wichtig. Siehe sein bekanntestes Werk: Christus, der dem heiligen Petrus die Schlüssel übergibt (1482) in der Sixtinischen Kapelle. Zu seinen weiteren Schülern gehörten Bernardino Pinturicchio (1454-1513) und Lo Spagna (ca. 1450-1528). Ohne Raphael, der außer in seinen frühesten und unreifen Werken kaum als Umbrier gilt, ist der größte Künstler der frühen Renaissance der umbrischen Schule Piero della Francesca (1416-92), dessen Statur fast so groß ist wie die Raffaels. Wie Raphael war Piero Umbrier nur von Geburt an, denn er wurde in Florenz bei Domenico Veneziano ausgebildet. Zu seinen wichtigsten Werken zählen die Fresken der Legende vom Wahren Kreuz in der Kathedrale von Arezzo, das Fresko der Auferstehung in Borgo San Sepolcro und einige Tafelbilder, insbesondere sein Meisterwerk mit dem Titel The Geißelung Christi (1450-60, Galleria Nazionale delle Marche, Urbino). Piero della Francesca zählt mit Giotto, Masaccio und Raphael zu den bedeutendsten klassischen Malern und setzt seine Figuren von monumentaler Statur und Schwerkraft in Schauplätze ideal konzipierter architektonischer Form. Seine Bedeutung als Maler ist nicht zu übertreiben.
Seine beiden Schüler, Luca Signorelli (1450-1523) und Melozzo da Forli (1438-94) sind ihres Meisters würdig: insbesondere Signorelli, dessen Gemälde von Aktfiguren in gewalttätiger Aktion, insbesondere die der Kathedrale von Orvieto, eher an Antonio Pollaiuolo als an Piero erinnern, dessen Figuren fast skulptural stehen und sich bewegen Gelassenheit. Es ist bezeichnend für die Veränderung, die die Kunst von Florenz Ende des Jahrhunderts mit sich gebracht hatte, dass Piero nie gebeten wurde, einen Auftrag in Florenz selbst auszuführen, sondern dass seine Haupttätigkeit in Arezzo und Urbino stattfand, wo der Herzog war sein Patron; Dies war der Fall, obwohl Piero der direkte Erbe der künstlerischen Ideale von Masaccio, Uccello und ihren Zeitgenossen war.
Die wichtigsten Zentren der norditalienischen Malerei im Quattrocento waren Ferrara, Verona, Padua und Venedig. Wie gesagt, erreichte das veronesische Bild mit Pisanello seinen Höhepunkt. Padua wird während der gesamten zweiten Hälfte des Jahrhunderts von Andrea Mantegna (1430-1506), dessen erste Ausbildung unter einem unbestimmten Meister erfolgte, Francesco Squarcione (1395-1468), dem keine überlebenden Bilder zuzurechnen sind, der aber dem Stil seinen Namen gegeben hat, der sich weitgehend aus antiken Motiven ableitet, die für Mantegna und seine Anhänger charakteristisch sind. Der geniale Bildhauer Donatello (1386-1466) arbeitete von 1443 bis 1453 in Padua, und er ist es, der als Mantegnas wahrer Meister gelten muss: Mantegnas Heldenfiguren, die nicht so viel Fleisch und Blut zu sein scheinen, wie in Bronze gegossen, legen nahe, dass seine Inspiration eher Skulptur als Malerei war. Aber nicht nur von Donatello, sondern auch von der Kunst der klassischen Antike wurde Mantegna beeinflusst. Die Renaissance wird oft als Wiederbelebung der antiken Kunst bezeichnet, und es ist wahr, dass insbesondere die griechische Skulptur und Architektur von vielen Künstlern der Renaissance verehrt und kopiert wurde, nicht zuletzt, weil zahlreiche römische Kopien so nahe beieinander lagen. In der Malerei gibt es (angesichts des Mangels an antiken Gemälden nicht unnatürlich) keine direkte Nachahmung, sondern die Inspiration einer Kunst durch eine andere; in der florentinischen Malerei spiegeln sich die majestätischen Proportionen und die Würde der Überreste der Antike wider; aber Mantegnas Leidenschaft für das alte Rom veranlasste ihn, seine Bilder mit Fragmenten römischer Ruinen zu füllen, um so weit wie möglich Themen aus der römischen Geschichte und sogar, wie im Fall des Triumphes des Scipio , in der National Gallery London auszuwählen. die in Grisaille bemalt ist, um einen in Basrelief geschnitzten römischen Fries nachzuahmen.
Venedig war ganz anders als Florenz oder Padua. An die Stelle einer strengen, hochintellektuellen und im Wesentlichen linearen Kunst tritt eine Schule, die sich weniger mit Linien als vielmehr mit Farben beschäftigt – colorito – nicht so sehr mit Formen als mit Licht. Venezianische Maler des 15. Jahrhunderts, darunter die Brüder Giovanni Bellini (1430-1516) und Nichtjüdischer Bellini (1429–1507), Vittore Carpaccio (um 1465-1525), Bartolommeo Montagna (1450-1523) und Cima da Conegliano (1459-1517) begnügten sich im Großen und Ganzen damit, elegante und anmutige Variationen bekannter Themen auszuführen, die sich häufig dem Genre näherten. Aber sehen Sie Giovannis Meisterwerke, darunter: Ekstase des heiligen Franziskus (1480, Frick Collection, New York), Dogen Leonardo Loredan (1502, National Gallery, London) und sein Altarbild von San Zaccaria (1505, Kirche von San Zaccaria, Venedig). Mantegna war der Schwager der Bellinis, aber sein Einfluss hielt in Venedig nur im Fall von Carlo Crivelli (1430-95) an, der in einem trockenen, kunstvollen, mit Juwelen geschmückten Stil malte, der dem des sogenannten ähnelte " Squarcioneschi ".
Das Klima von Venedig gemacht Freskenmalerei schwierig. Diese Tatsache, verbunden mit seiner geografischen Lage als eines der Haupttore nach Italien aus dem Norden, und mit der Natur der venezianischen Kunst selbst, verursacht Ölgemälde wie in Flandern entwickelt, um auch in Venedig im fünfzehnten Jahrhundert verwendet zu werden. Das Ölmedium ist bei sachgemäßer Anwendung feuchtigkeitsundurchlässig und kann mit seinen Möglichkeiten durchsichtiger Farbglasuren Tonwerte und atmosphärische Abstufungen besser ausdrücken als das Opake Tempera Das war das Medium der florentinischen Künstler.
Ferrara wurde wie alle niederen Schulen Norditaliens von Padua beherrscht. Cosimo Tura (1430-95) mit seinen verdrehten metallischen Formen verdankt eindeutig viel den skulpturalen Einflüssen in Padua, aber es gibt ein Gefühl für das Groteske, das ganz sein eigen ist und das ihn zu einem der individuellsten Stylisten in Padua macht Italienische Kunst. Sein Zeitgenosse Francesco Cossa (1435-77) arbeitete im gleichen Stil. Der dritte bedeutende ferrarische Maler ist Ercole Roberti (1450-96), wenn auch weniger als die beiden anderen.
Hochrenaissancemalerei (1490-1530)
Der größte Florentiner Exponent der frühen Malerei der Hochrenaissance ist zweifellos Leonardo da Vinci (1452-1519), das bemerkenswerteste Beispiel des vielseitigen Mannes der Renaissance. Er war Schüler des Bildhauers und Malers Andrea del Verrocchio, beschränkte sich jedoch nicht auf Skulptur und Malerei: Wissenschaft – Geologie, Botanik, Anatomie – Architektur, Ingenieurwesen, gelegentliche Skulptur (obwohl nichts überlebt, was ihm mit Sicherheit zugeschrieben werden kann). außer Zeichnungen für das Sforza-Denkmal in Mailand) und gelegentliche Gemälde gehörten zu seinen Interessen. Seine Notizbücher und Zeichnungen (die größte Sammlung davon befindet sich in der Royal Library in Windsor, einem Teil der British Royal Collection) zeugen von einer unglaublichen Tiefe und Breite. Das bekannteste seiner Gemälde sind die verblassenden Fresken der Das letzte Abendmahl (1495-8) im Kloster Santa Maria delle Grazie in Mailand; das Jungfrau der Felsen (1483-5, National Gallery London) und der Mona Lisa (Gioconda) (1503-5, Louvre). Er ließ sich 1482 in Mailand nieder und war von seinem Stil und seiner Meisterschaft geprägt sfumato – übte einen starken Einfluss auf die örtliche Schule auf Männer wie Luini (1475-1532), Boltraffio (1467-1516) und Ambrogio da Predis (tätig 1472-1506) aus, die seinen Stil kopieren konnten, aber jeglicher Originalität beraubt wurden und Initiative durch das überwältigende Genie des Meisters. Obwohl Leonardo in Anbetracht seiner herausragenden Gaben, abgesehen von seiner indirekten Bedeutung für die Entwicklung der italienischen Malerei, überraschend wenig Spuren hinterließ, war er als Individuum, als perfektestes Beispiel für den „vollständigen Mann“ der Renaissance und als Höhepunkt des florentinischen Quattrocento von großer Bedeutung ist enorm.
Raphael (Raffaello Santi) (1483-1520) ist der Maler der Hochrenaissance schlechthin . Der in Umbrien geborene Perugino war ein Schüler, und seine frühen Werke haben ausschließlich peruginischen und quattrocentischen Charakter. 1504 kam er nach Florenz, wo sein Stil von Michelangelo und Leonardo beeinflusst wurde, deren Werke damals die am weitesten entwickelten und anspruchsvollsten Beispiele der florentinischen Tradition waren. Raffaels hauptsächliche florentinische Werke waren seine Madonnen; Unsere Vertrautheit mit diesen vielen Variationen eines einfachen Themas kann dazu führen, dass wir ihre erstaunlich subtile und ausdrucksstarke lineare Qualität vergessen, die, obwohl mit etwas von der Plastizität von Michelangelo und Leonardo kombiniert, immer noch im Wesentlichen quattrocento bleibt. 1508 ging Raffael nach Rom, das unter Papst Julius II. Florenz als Zentrum der künstlerischen Tätigkeit abzulösen begann. Er trat in den Dienst des Papstes und wurde für die Dekoration des Vatikans eingesetzt; Hier hat er im großen Stil gearbeitet und sich von den kolossalen Relikten der Antike inspirieren lassen. Die sogenannte Raffaelzimmer im Vatikan (c.1508-20), die er und seine Mitarbeiter dekorierten, umfassen den Raum der Signatur ( Stanza della Segnatura ), den Raum des Heliodorus ( Stanza di Eliodoro ) und den Raum des Borgo-Feuers ( Stanza dell’incendio del Borgo) ) und der Saal des Konstantins ( Sala di Costantino ). Die Strophe della Signatura enthält die beiden großen Fresken, die sich gegenüberliegen, die Schule von Athen und die Disputa und an der Seitenwand der Parnass . In diesen finden die Ideale der Hochrenaissance, Klarheit, Ausgewogenheit, Ordnung und ein logisches und architektonisches System der Raumkonstruktion ihren höchsten Ausdruck. Gelassen, ungetrübt und (soweit es überhaupt möglich ist) perfekt, galten diese Fresken seit ihrer Entstehung als Höhepunkt der Kunst der Hochrenaissance – als Ideal der klassischen europäischen Malerei. Raffael war vom Papst, der ihn 1514 zum Architekten des Petersdoms ernannte, so beschäftigt, dass er wenig Zeit für Aufträge anderer Menschen hatte, obwohl er sich an der Dekoration der Villa Farnesina beteiligte, erbaut um 1510 vom sienesischen Bankier Agostino Chigi. Er absolvierte auch die Sixtinische Madonna (1514), die letzte seiner Madonnen und eines der letzten Bilder, die er selbst gemacht hat. Mögen Rubens (1577-1640) Hundert Jahre später musste er zahlreiche Helfer einstellen, von denen das Werk in vielen Fällen nach Linien ausgeführt wurde, die Raffael in einer Zeichnung oder einem Cartoon festlegte.
Das dritte und größte Genie der Malerei der Hochrenaissance war Michelangelo (1475 & ndash; 1564). Mit Ausnahme einiger weniger Staffelei – Bilder sind seine einzigen erhaltenen Werke die Fresken der Sixtinischen Kapelle sowie die in der Cappella Paolina, beide im Vatikan. Michelangelo war ein Florentiner, ein Schüler von Ghirlandaio, und in der wahren florentinischen Tradition der männlicher Akt war die Basis seiner Kunst. Aber er trug mehr als irgendjemand zuvor oder seither die Behandlung des Aktes als Ausdrucksmittel. Die Decke der Sixtinischen Kapelle enthält seine Genesis Fresko (1508-12) – einschließlich der Erschaffung Adams – mit seinem kunstvoll simulierten architektonischen Rahmen, auf und rund, gigantisch und majestätisch schön, die Figuren von Sibyllen, Propheten und anderen. Wie sein späteres Jüngstes Gericht An der Altarwand gilt das Genesis - Fresko als eines der größte Gemälde dem Menschen bekannt. All dies, obwohl er sich in erster Linie als Bildhauer sah!
Natürlich reichten die malerischen Traditionen der italienischen Renaissance weit über die drei Hauptzentren Florenz, Rom und Venedig hinaus, aber in der Regel haben die beteiligten Provinzkünstler damals und heute weniger Anerkennung erhalten. Siehe zum Beispiel die Parma Schule der Malerei , angeführt von Correggio und Parmigianino. Correggio war vor allem für seine bekannt Quadratura Fresken wie die Mariä Himmelfahrt (Kathedrale von Parma) (1530) sowie seine mythologische Malerei , wofür das bekannteste Beispiel ist Jupiter und Io (1533, Kunsthistorisches Museum, Wien).
HINWEIS: Für den anhaltenden Einfluss der Renaissance Klassizismus zur Kunst des 20. Jahrhunderts: Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst (c.1900-30).
Manieristische Malerei (um 1530-1600)
Eine der ständigen Eigenschaften des künstlerischen Stils ist, dass er sich ständig weiterentwickeln muss. Mit Raffael erreichte die Hochrenaissance einen Punkt der Vollkommenheit, von dem aus keine Entwicklung in die gleiche Richtung möglich war, und die darauf folgende Periode des Manierismus war eine Reaktion dagegen. Das Konzept des Manierismus wurde erst vor relativ kurzer Zeit von Kunsthistorikern analysiert. Früher wurde die Kunst der Zeit von 1520 bis 1600 entweder als dekadent abgetan oder als eine Art "Protobarock" angesehen. Eigentlich, Manieristische Malerei war ein eigenständiger und raffinierter Stil mit eigenen Regeln, obwohl er in einer anderen Ära als der Hochrenaissance konzipiert wurde. War der Stil der Hochrenaissance das Ergebnis eines Zeitalters des gelassenen und selbstbewussten Humanismus, so spiegelte die manieristische Malerei eine besorgniserregendere Zeit sozialer und intellektueller Unsicherheit wider.
Sein größter Exponent war Michelangelo (1475-1564), deren Genialität nicht an die Zurückhaltung der Malerei der Hochrenaissance gebunden sein konnte, sondern individuelle und fremde Ausdrucksmittel entwickelte; so individuell, dass seine Anhänger nur die äußere Form reproduzieren konnten, in der sie sich ausdrückten; so dass er trotz seiner vielen nachahmer sehr allein steht. Sein größtes manieristisches Gemälde ist zweifellos sein Jüngstes Gericht Fresko (1536-41) an der Ostwand der Sixtinischen Kapelle, die eine Kaskade von sich windenden und untrennbaren Gliedmaßen zu sein scheint. Wie sein Cousin Genesis ist es zweifellos eine der besten Kreationen der menschlichen Intelligenz. Doch dieser Expressionismus war trotz seines anatomischen Wissens und seines großartigen Könnens auch für Michelangelo selbst nicht ungefährlich Zeichnung Kompetenzen. Seine Anhänger und Nachahmer, die seine Formen übertreiben, verzerrten die menschliche Figur aus jeglicher Anerkennung. Das soll nicht heißen, dass der Manierismus ganz Michelangelo zu verdanken war; aber einfach das, als einer der frühesten und zweifellos größten Vertreter der Tendenz, war er verpflichtet, einen beträchtlichen Einfluss auf seine Entwicklung auszuüben.
Im Allgemeinen hatte der Manierismus eher die gleiche Beziehung zur Hochrenaissance wie ein fotografisches Negativ zu einem Foto; wo einer ruhig und klar ist, ist der andere aufgeregt, obskur und neurotisch (ein bevorzugter Manieristentrick ist, die Handlung eines Bildes von kleinen Hintergrundfiguren ausführen zu lassen, während der Vordergrund mit großen Figuren gefüllt ist, die nichts dazu beitragen, und oft scheinen tatsächlich die Handlungen der Hauptteilnehmer zu ignorieren); wo menschliche Proportionen in einem normal sind, manchmal bis zur Unzufriedenheit, gibt es in dem anderen fantastische Verzerrungen; Wo eines auf einem ganz logischen System räumlicher Beziehungen basiert, gibt es im anderen ein merkwürdiges Gefühl von ’falschem Raum’, ähnlich wie in einem späteren hellenistischen Basrelief.
Zwei Werke, die von Michelangelo und Raffael eher gleichartig sind, veranschaulichen diese Punkte: Als Raffael zum ersten Mal nach Florenz kam, war Michelangelos Zeichentrickfilm der Badenden (ein Beispiel für einen Zwischenfall im Krieg gegen Pisa, als die in einem Fluss badenden florentinischen Soldaten sich befanden) überrascht von der plötzlichen Annäherung des Feindes) – nun zerstört – war eine der Hauptsehenswürdigkeiten der Stadt. Wir wissen, dass Raffael Kopien einiger Figuren angefertigt hat, und es ist sehr wahrscheinlich, dass sich sein Wissen darüber in seinem eigenen Massaker an den Unschuldigen (1508) widerspiegelt. Michelangelo war in erster Linie ein Bildhauer, und diese Komposition ist in der Tat wie ein riesiges Basrelief , in dem jede Figur einzeln modelliert zu sein scheint und mit denen, die sie umgeben, keinen Zusammenhang zu haben scheint. Obwohl ihre Haltung auf gewalttätiges Handeln hindeutet, scheinen sie sich in Zeitlupe zu befinden, und es gibt keine allgemeine Bewegung, die die gesamte Komposition animiert.
In Raffaels Komposition dagegen fließt eine symmetrische Bewegung parallel und rechtwinklig zur Bildebene; Die Figuren stehen in einem ausgeprägten rhythmischen Verhältnis zueinander, und die Figur der Frau, die genau in der Mitte der Komposition geradeaus läuft, vermittelt ein unmittelbares Gefühl räumlicher Tiefe. Raphael hat dieses Motiv von den Badenden entlehnt, aber es ist bezeichnend, dass dort der alte Mann, der sich in einer ähnlichen Haltung befindet, keine solche Rolle spielt; er wird an die seite der komposition geschoben und teilweise von einer figur davor verdeckt.
Bathers ist im Wesentlichen ein Manierist, während der andere eine Hochrenaissance ist, obwohl Raphael sich gegen Ende seines Lebens den gegenwärtigen Tendenzen unterworfen und sich in Richtung Manierismus entwickelt hat. Seine Verklärung (1517-20, Pinacoteca Apostolica, Vatikan) und die Gemälde, die von seinen Assistenten unter seinen Anweisungen an der Decke der Loggia ausgeführt wurden (die so genannte "Raphaels Bibel"), sind in Gefühl und Stil weit entfernt. von der Schule von Athen ; während seine Schüler, Giulio Romano (1499-1546), Polidoro da Caravaggio (1500-43) und Perino del Vaga (1500-47) erweisen sich in den Orden, die sie nach seinem Tod im Vatikan, in der Sala di Constantino und anderswo ausgeführt haben, als voll entwickelt Manieristen. Nach der Plünderung Roms im Jahr 1527, die die letzten Spuren der Hochrenaissance beseitigte, entwickelten Raffaels Schüler diesen römischen Manierismus auf verschiedene Weise in anderen Teilen Italiens: Giulio in Mantua, Polidoro in Neapel und Perino in Genua.
Florenz und Rom waren die beiden Hauptzentren des Manierismus. Jacopo Pontormo (1494–1556), Agnolo Bronzino (1503-1572) und Rosso Fiorentino (1494-1540), der auch für seine Arbeit in Fontainebleau bekannt ist, ist der Chef manieristische Künstler der ersten Generation, stark beeinflusst von Michelangelo; Die zweite Generation wird vertreten durch Giorgio Vasari (1511-1574), besser bekannt als der Biograph der italienischen Künstler, und Francesco Salviati (1510-63); Während der Spätmanierismus, als der Stil zu einer populären und universellen Konvention wurde, von den Brüdern Taddeo (1529-66) und Federigo Zuccaro (1542-1609) vertreten wird.
Außerhalb von Florenz, Correggio (1489-1534) von Parma steht etwas abseits vom Verlauf der künstlerischen Entwicklung im 16. Jahrhundert; er scheint den Barock in seinen großartigen dekorativen Entwürfen zu antizipieren, die voller Licht und Tiefe und Bewegung sind, während sein sinnlicher Umgang mit Farbe und seine Freude an seiner Qualität an etwas erinnern Französische Malerei Im 18. Jahrhundert. Parmigianino (1503-40) von Parma, seinem Nachfolger, und Tibaldi (1527-96) von Bologna, schufen einen emilianischen Manierismus, mit dem der Stil von Francesco Primaticcio (1504-1570), ein Bologneser Schüler von Giulio Romano, der in Fontainebleau arbeitete, und Niccolo dall’Abbate (1512-71) von Modena (der auch in Fontainebleau arbeitete), haben Affinitäten, während der Manierismus in Venedig von Tintoretto vertreten wird.
Die Natur des venezianischen Lebens und die Isolierung Venedigs, sowohl politisch als auch geografisch, vom Rest Italiens, verursachten Venezianische Malerei bestimmte Eigenschaften zu entwickeln. Es ist bei weitem die weltlichste (im besten Sinne des Wortes) aller italienischen Schulen und spricht den Sinn für Luxus, bürgerlichen Stolz und Privateigentum an.
Giorgione (1477-1510) entstanden viele der alltäglichen Orte der venezianischen Malerei des 16. Jahrhunderts; er war es, der das idyllische Bild erfand, Figurengruppen, die unter Bäumen saßen, Musik hörten und sich liebten; Bilder ohne intellektuell begriffene ikonografische Bedeutung, die jedoch ähnlich wie die Musik eine Emotion ausdrücken, die bisher nicht durch das Medium der Malerei zum Ausdruck gebracht wurde. Giorgione starb früh, und es gibt nur wenige seiner Werke. Zu den Werken der jüngsten Kritik zählen der Altar der Madonna und zwei Heilige in Castelfranco Sturm (1505) in Venedig, das Fete Champetre im Louvre und das Schlafende Venus (1510) in Dresden. Er trug die Leuchtkraft und Farbe von Bellini, Carpaccio und der früheren venezianischen Schule noch weiter. Es gibt mehrere Maler, die Giorgiones Art kopiert haben, von denen die wichtigste die war Tizian (1485 / 8-1576), dessen Werk bis etwa 1540 vollständig giorgionesk war; auch Palma Vecchio (1480-1528), Paris Bordone (1500-71) und Cariani (1480-1544).
Tizian wuchs schließlich auf eine spezifisch giorgioneske Weise heraus, und die Werke seiner Reife und seines Alters (er lebte bis zu seinen Neunzigern und malte bis an sein Lebensende) haben eine reife und prächtige Pracht (insbesondere seine zahlreichen Porträts). Siehe auch: Tizianische und Venezianische Farbmalerei (1500–76).
Neben Tizian waren die beiden anderen vorherrschenden Meister des venezianischen 16. Jahrhunderts Paolo Veronese (1528-1588) und Jacopo Tintoretto (1518 & ndash; 94). Veronese setzte die venezianische Tradition luxuriöser Pracht und Präsentation fort und füllte seine großen Leinwände mit Figuren in prächtigen Kleidern, die in das klare goldene Licht getaucht waren, das das besondere Eigentum der venezianischen Schule zu sein scheint. Tintoretto war der Hauptvertreter des Manierismus in Venedig. Er nahm michalangeleske Formen an; aber sein Genie war so mächtig, dass er die Redewendung des Manierismus in einen äußerst persönlichen Stil umwandeln konnte. Er scheint die ’Tenebrist’-Maler des nächsten Jahrhunderts in seinem Gebrauch von Gewalt vorauszusehen Chiaroscuro Auswirkungen. Er ist auch bemerkenswert für seinen Einfluss auf El Greco (1541-1614), der in seiner frühesten Zeit nicht als sehr individueller spanischer Meister, sondern als spätvenezianischer Manierist angesehen werden muss.
Italienische Renaissance-Skulptur
In der Bildhauerei wie in der Architektur wurde die römische Tradition im Mittelalter nie ganz vergessen. In den Reliefs von Nicola Pisano (c.1206-1278) Im Baptisterium von Pisa (1260) gibt es, abgesehen von einer gewissen Winkligkeit des Gewandes, wenig, was uns an die gotische Skulptur erinnern könnte, die zur gleichen Zeit in Frankreich hergestellt wurde und in der sich die Figuren befinden konventionalisiert und vergeistigt bis zu einem Punkt, an dem sie fast ohne Substanz sind; Bei Pisano erinnert die Komposition selbst an eine römische Reliefskulptur, während die Figuren die monumentale Festigkeit der römischen Kunst aufweisen. Das Studium der menschlichen Figur war immer die Grundlage der italienischen Skulptur; Wir sehen dies in der Arbeit von Giovanni Pisano (c.1250-1314) in Siena und Pistoia und in den Reliefs an der Fassade der Kathedrale von Orvieto.
Das Alter von Renaissance-Skulptur Das eigentliche begann jedoch erst Ende des Jahrhunderts, als 1401 Lorenzo Ghiberti (1378-1455) und Filippo Brunelleschi (1377-1446) kämpften um den Auftrag, das zweite Paar Bronzetüren für das Baptisterium in Florenz zu entwerfen. Florenz sollte für das nächste Jahrhundert das Zentrum aller italienischen Skulpturen sein. Ghiberti gewann den Wettbewerb und verbrachte die nächsten einundzwanzig Jahre mit dieser Aufgabe. 1425 wurde er beauftragt, ein zweites Paar zu fertigen, das erst 1452 fertiggestellt wurde. Auf diese bezog sich Michelangelo, als er sagte: "Sie sind es wert die Tore des Paradieses genannt werden. "
Die Tradition schreibt Giotto einen Teil des Entwurfs des ersten Türpaars von Andrea Pisano zu, der tatsächlich etwas von der Massivität und Wirtschaftlichkeit der Mittel aufweist, die wir in Giottos Gemälden sehen. In jeder quadratischen Tafel gibt es nichts anderes als das, was unbedingt notwendig ist, um das Thema zu vermitteln. Auf der anderen Seite drückt Ghiberti mit seinen überfüllten Figurenkompositionen, den komplexen Perspektiveneffekten und den ausgeklügelten architektonischen und landschaftlichen Hintergründen mehr in Bronze aus als je zuvor oder seitdem Nun, für Masaccio waren Pollaiuolo und Uccello zu verschiedenen Zeiten seine Assistenten, und die Tendenz zu einem expressiven Naturalismus, der die florentinische Malerei in dieser Zeit charakterisierte, verdankt viel dem immer sichtbaren Beispiel von Ghibertis Türen.
Donatello (1386-1466) war auch Ghibertis Schüler. Inspiriert von der römischen Skulptur verlieh er seinen Werken einen Realismus, eine Tiefe und eine Zärtlichkeit, die die Antike nie gekannt hatte. Seine Bronzestatue David (1440-43) ist mit Sicherheit eine der innovativsten, aber erhabensten figurativen Skulpturen, die je geschaffen wurden. Donatellos Aufenthalt in Padua in den 1450er Jahren hatte eine überwältigende Wirkung auf Mantegna und durch ihn auf einen Großteil der norditalienischen Malerei. Dort ließ er die große Statue von Gattamelata hinrichten, die mit Verrocchios Colleoni- Statue in Venedig den Titel des Größten bestreitet Reiterstandbild in der Welt. Donatello war der vielseitigste Bildhauer: Er konnte gleichermaßen mühelos großformatige Einzelstatuen, kleine Figuren und Reliefs in Marmor und Bronze herstellen.
Zeitgenosse mit Donatello war der Sienese, Jacopo della Quercia (c.1374-1438) – soll Michelangelo beeinflusst haben – dessen Hauptwerke die Fonte Gaia in Siena, das Grab von Ilaria in Lucca und die Reliefs an der Fassade von S. Petronio in Bologna sind.
Des Renaissance-Bildhauer Die wichtigsten Vertreter der nächsten Generation, die in Stein gearbeitet haben, sind: Desiderio da Settignano (1428-64), Mino de Fiesole (1431-84), Benedetto da Maiano (1442-97) und die beiden Brüder Bernardo (1409-64)) und Antonio Rossellini (1427-78) und vor allem Luca della Robbia (1400-1482), der auch in glasiertem Ton gearbeitet hat und dessen Ruf durch die moderne Herstellung von Nachbildungen seiner Tonreliefs gelitten hat; Aber in solchen Werken wie der Cantoria oder der Gesangsgalerie in der Kathedrale von Florenz oder den Bronzetoren der Neuen Sakristei im selben Gebäude ist er allen bis auf die Größten gleich. Erwähnt werden sollte auch Agostino di Duccio (1418-83); Aus Florenz vertrieben, war sein Hauptwerk das Tempio Malatestiana in Rimini, das er mit niedrigen Reliefs in einem sehr persönlichen Stil dekorierte, der aufgrund seiner Abwesenheit von florentinischen Einflüssen zweifellos an Individualität zunahm.
Andrea del Verrocchio (1435-88) und Antonio Pollaiuolo (1432-98) sind die führenden florentinischen Bronzeskulpturen. In Bronze zeigte sich noch mehr als in Marmor das florentinische Genie, das den Akt in gewalttätiger Aktion zum Ausdruck brachte. Verrocchios bedeutendster Schüler war Leonardo da Vinci. Es ist bekannt, dass er Bildhauerei betrieben hat, aber nichts überlebt, was ihm mit Sicherheit zugeschrieben werden kann. Sein Meisterwerk, das Reitsportdenkmal Sforza in Mailand, wurde nie in Bronze gegossen, und das Modell in Originalgröße wurde einige Jahre nach seiner Fertigstellung zerstört.
Gegen Ende des Jahrhunderts schien der Impuls, den Ghiberti und Donatello der Bildhauerei gaben, aufgegangen zu sein, und die Tendenz zu Sentimentalität und Hübschheit nahm immer mehr zu. Michelangelo (1475-1564) wiederbelebte Skulptur, obwohl sein Genie auf diesem Gebiet, wie in der Architektur und der Malerei, so überwältigend und individuell war, dass es diejenigen überwältigte, die ihm folgten – Zeugen des Marmors David von Michelangelo – Ursprünglich auf der Piazza della Signoria im Herzen von Florenz gelegen – und die Pieta in St. Peter.
In der Zeit des Manierismus wurde die Skulptur der anderen Kunst untergeordnet. Unter den manieristischen Bildhauern sind Benvenuto Cellini (1500-1571), am bekanntesten für sein Bronzewerk Perseus mit dem Haupt der Medusa (1545-54, Loggia dei Lanzi, Florenz), dessen Ruhm jedoch eher auf seiner Autobiographie beruht; Jacopo Sansovino (1486-1570), bekannt für seine virtuose Marmorskulptur von Bacchus für die Florentiner Kathedrale, die heute im Museo Nazionale del Bargello in Florenz untergebracht ist; und Giambologna (Giovanni Bologna) (1529-1608), ein Nordländer, der in Florenz arbeitet und für seine Arbeit bekannt ist Vergewaltigung der Sabinerinnen (1583, Pizza della Signoria, Florenz) – mit seiner auffälligen schlangenartigen Spiralbewegung.
Italienische Renaissance Architektur
Das Zentrum der frühen Renaissance-Architektur war Florenz, ein junger und fortschrittlicher Stadtstaat, der von reichen und unabhängigen Kaufleuten kontrolliert wurde. 1332 wurde Giotto ausgewählt, um den Bau des Campanile für die Kathedrale von Florenz zu entwerfen und zu beaufsichtigen. Die Tatsache, dass jemand, der kein Architekt, sondern der größte lebende Maler war, für diese wichtigste Aufgabe ausgewählt werden sollte, ist für den Beginn der Renaissance mit seiner Konzeption des „universellen Menschen“ von Bedeutung. In der Kathedrale selbst, der viertgrößten Kirche Europas, wurde mit beispiellosen Mitteln ein großzügiger Innenraum geschaffen. Vier Kreuzgewölbe überspannen das fast 15 Meter breite Kirchenschiff, und die Arkaden erstrecken sich in vier riesigen Bögen über 234 Meter zwischen der Westfront und der Kreuzung. Im Jahr 1423 Filippo Brunelleschi (1377-1446), der erste große Renaissance-Architekt, schuf die Kuppel, fast so breit wie die des Pantheons, aber doppelt so hoch und in ihrer majestätischen Leichtigkeit so beeindruckend, dass sie den Glockenturm selbst fast in den Schatten stellt. (Sehen: Florence Cathedral, Brunelleschi und die italienische Renaissance .) Zwei Jahre zuvor, im Jahr 1421, hatte Brunelleschi mit dem Innocenti (Findelklinik) begonnen, dem ersten vollständig im Renaissancestil errichteten Gebäude. Diese besteht aus einer Kolonnade im Erdgeschoss mit Bögen, die von korinthischen Säulen getragen werden und eine erste Etage mit weit auseinander liegenden Fenstern tragen. Die Quelle dafür, ganz klassisch, obwohl in ihren harmonischen Proportionen, ist weniger der antike römische als der toskanische romanische Stil. Gleiches gilt für S. Spirito (Beginn 1435), die alte Sakristei in S. Lorenzo (Bau 1421-28) und die Pazzi-Kapelle in S. Croce (1430).
Obwohl die Motive eher der romanischen Architektur als der ursprünglichen römischen Architektur entnommen sind, werden sie durch die bewusste Perfektion des Anteils dieser Gebäude als Renaissance bezeichnet. Der Schlüssel zum Verständnis der Architektur und eines Großteils des Gemäldes der frühen und hohen Renaissance liegt in ihrer Vorstellung von einem Gebäude, das nicht als etwas Ausgeschnittenes und freistehendes im Raum steht, sondern als eine Matrix, die einschließt oder formt. Ein idealer, perfekt proportionierter und begrenzter Raum.
Diese Vorstellung von Raum als etwas Positivem ist das Zentrum der Renaissance-Ästhetik. Aber Brunelleschi behielt noch etwas von der skulpturalen Konzeption der Architektur bei, und es war ein Architekt der nächsten Generation, Leon Battista Alberti (1404-72), der als erster bewusst und vollständig die neuen Ideale verwirklicht hat. In seiner De re aedificatoria (1485) definierte er das, was er für das Wesentliche der Architektur hielt: „Die harmonische Einheit jedes Teils, so kombiniert, dass nichts hinzugefügt, subtrahiert oder verändert werden kann, was nichts für das ist schlechter.’ Die Fassade des Palazzo Rucellai in Florenz (1446-51) mit perfekter Harmonie und Proportionen ist ein Beispiel für diese Maxime. ebenso seine Kirchen, S. Andrea und S. Sebastiano in Mantua, S. Francesco in Rimini (gewöhnlich als Tempio Malatestiana bekannt) und S. Maria Novella in Florenz.
In den von Alberti und anderen Architekten im späten 15. und sehr frühen 16. Jahrhundert errichteten Kirchen wird häufig der griechische Kreuzplan verwendet, dh ein Kreuz mit gleichen Armen im Gegensatz zu einem lateinischen Kreuz mit einem Arm Das Kirchenschiff ist länger als die anderen drei. Dies ist ein weiteres Beispiel für die Raumauffassung der frühen Renaissance mit ihren Idealen von Klarheit, Klarheit und Ordnung und der Vorstellung, dass ein Gebäude so einheitlich und harmonisch proportioniert ist wie ein Kristall.
Florenz war das Zentrum der Frührenaissance, aber um die Jahrhundertwende zog das Zentrum nach Rom, wo alle großen Architekten der Hochrenaissance, Donato Bramante, Raphael, Michelangelo und Peruzzi, von denen keiner römischer Abstammung war, in ihren Bann zogen.
Donato Bramante (1444-1514) war ein Mailänder und muss von Leonardos architektonischen Ideen beeinflusst worden sein; Leonardos Notizbücher sind voll von imaginären Entwürfen für Gebäude, fast alle von ihnen raffinierte und aufwändige Variationen des zentralen Plans. Das erste Gebäude von Bramante in Rom ist das sogenannte Tempietto im Innenhof von S. Pietro in Montorio, das 1502 an der Stelle erbaut wurde, an der der hl. Peter traditionell hingerichtet werden soll. Dies ist ein kleines, kreisförmiges Gebäude mit einer Kuppel, die von einer Kolonnade umgeben ist. Seine exquisiten Proportionen machen es möglicherweise zum perfektesten Beispiel für Architektur der Hochrenaissance. Der Pallazzo della Cancelleria (1486-98) wurde einst Bramante zugeschrieben. Obwohl es Gründe gibt, dies zu bezweifeln, könnte die Palastfassade mit ihrem subtilen Rhythmus von Pilastern und Fenstern sein Werk sein.Bei Raffael befinden sich der Palazzo Caraffa und die Chigi-Kapelle in S. Maria del Popolo, bei Peruzzi die Villa Farnesina (erbaut 1509-11 für den sienesischen Bankier Agostino Chigi) und der Palazzo Massini alle Colonne; obwohl letzteres, 1535 erbaut, bereits auf die spätere Entwicklung des Manierismus hindeutet.
Neben dem Petersdom, der als Manierismus und beinahe als Barockbau gilt, ist der Palazzo Farnese von Antonio da San Gallo (Entwurf von 1530) das vielleicht größte Beispiel der römischen Hochrenaissance – obwohl dies gegenwärtig der Fall ist Der Tag wird durch den Zusatz von Michelangelos Gesims auf der Außenseite und dem obersten Stockwerk auf der Hofseite verwöhnt. In dieser ganzen Pracht und Solidität von Römische Architektur sind mit perfekten Proportionen kombiniert. Es ist nicht verwunderlich, dass diese Größe in Rom anzutreffen ist, wo die Architekten alle Denkmäler der Antike und insbesondere das Kolosseum besaßen, um sie zu inspirieren.
Diese Hochrenaissancezeit der Architektur dauerte bis etwa 1530; danach entwickelte sich eine andere, die sogenannte Periode des Manierismus, die für den Rest des Jahrhunderts andauerte. Der Manierismus ist erst in jüngster Zeit vom Barock unterschieden worden. Es ist wahr, dass eines zum anderen führte, aber sie sind völlig unterschiedlich.
Manierismus in der Architektur ist eine Reaktion auf die Gelassenheit, Logik und Schwere der Hochrenaissance. Wie in der klassischen Architektur ist jede Einheit des Gebäudes endlich und getrennt, und es wird nicht versucht, dem gesamten Gebäude eine plastische Einheit aufzuzwingen, was das Erkennungszeichen des Barocks ist. Im Gegensatz zum Barock bedient es sich des klassischen Rahmens; aber darin steckt bewusste Zwietracht und Unlogik.
In der Cancelleria oder im Palazzo Cafarelli ist die Fassade logisch und spiegelt die Struktur des Innenraums wider. im palazzo massini alle colonne wird das piano nobile nur durch die größere höhe der fenster angedeutet, der gesamte obere teil der fassade ist unartikuliert und mit rost bedeckt, die volutenumrandungen der oberen fenster sind anscheinend rein dekorativ keine strukturelle Funktion.
Die wichtigsten manieristischen Architekten waren neben Michelangelo Guilio Romano (1494-1546), Sanmichele (1484-1558) und Vignola (1507-1573). Giulio Romanos Hauptarchitekturwerk befindet sich in Mantua, wo er den Herzogspalast und den Palazzo del Te für die herrschende Familie Gonzagas entwarf. Das Hauptwerk von Sanmichele befindet sich in Verona, während Vignolas Meisterwerk die Kirche Il Gesu (Jesuiten) in Rom (1568-73) ist.
Auf den ersten Blick scheinen dies gewöhnliche klassische Gebäude zu sein, aber in Wirklichkeit sind sie das Gegenteil. Klassische Motive werden verwendet, aber so, dass sie einen Eindruck von Missverhältnis und Unwesentlichkeit erwecken und beim Betrachter fast ein Gefühl des Unbehagens hervorrufen. Das vielleicht beste Beispiel dafür ist Michelangelos 1526 begonnenes Vestibül der Biblioteca Laurenziana in Florenz. Hier ist man sich gewisser Unannehmlichkeiten bewusst: Die Säulen tragen oder scheinen das Gewicht der Gesimse zu tragen und sind in Nischen versenkt und scheinen auf kleinen Konsolen unterstützt zu werden; Jedes Detail des Innenraums, die Tabernakel zwischen den Pilasterpaaren und die quadratischen Tafeln darüber sind mit einer außerordentlich logischen Unlogik gestaltet. In Michelangelos Händen wird Architektur zu einer fast ebenso abstrakten Kunst, und so weitreichend in seinen Möglichkeiten, wie Musik. Aber keiner seiner Anhänger hatte das Genie, seine Entwicklungen fortzusetzen, und der Manierismus wurde zu einer Konvention.
Für den Manierismus wurden verschiedene Ursachen vorgeschlagen: Er ist ein Symptom einer überzivilisierten, hoch entwickelten und neurotischen Gesellschaft, wie wir sie heute fin de siecle nennen sollten. Man kann auch einen Zusammenhang mit der katholischen Kunst der Gegenreformation feststellen: Die Klarheit und Logik der klassischen Architektur hatte für den Humanismus und die Lehre der menschlichen Vollkommenheit gestanden, Lehren, die nicht mit der Wiederbelebung des spirituellen Absolutismus durch die Gegenreformation vereinbar waren.
Diese Tendenz der Religion, die Kunst zu beeinflussen, wird durch die Geschichte des Petersdoms in Rom (1506-1626) veranschaulicht. Im Jahr 1506 beauftragte Julius II. Bramante mit dem Wiederaufbau der alten Kathedrale. Bramantes Plan hätte die Kirche zum prächtigsten Denkmal der Renaissance-Architektur gemacht: Es war ein griechisches Kreuz, das im Grundriss perfekt symmetrisch war (so dass nicht einmal zu sagen war, welcher Arm des Kreuzes das Hoch enthalten sollte Altar), mit einer zentralen Kuppel über der Kreuzung und vier kleineren Kuppeln um diese Kuppel, und apsidal endet an den Armen des Kreuzes.
Nach Bramantes Tod im Jahr 1514 fertigte Raffael den ersten Plan für ein lateinisches Kreuz an, Peruzzi ein griechisches Kreuz, Antonio da San Gallo der Jüngere ein lateinisches Kreuz und schließlich schlug Michelangelo im Jahr 1546 erneut ein griechisches Kreuz vor. Sein Plan war eine vereinfachte Version von Bramantes, die den Ambulanzraum behielt, jedoch ohne die kleinen Kapellen oder die Ecksakristerien: Obwohl er den zentralen Plan behielt, veränderte er die Details, insbesondere die Proportionen der Befehle, um einen fast kolossalen Eindruck zu erwecken ungeheuerliche Größe. Bramantes St. Peter wäre ein riesiges Gebäude gewesen, aber von menschlichem Ausmaß: Michelangelos ist unmenschlich, da die Proportionen eines viel kleineren Gebäudes vergrößert werden. Aber darauf hätte die manieristische Antwort lauten sollen, dass eine Kirche nicht menschlich, sondern göttlich sein sollte.
Bramante hatte eine halbkugelförmige Kuppel vorgeschlagen, aber Michelangelos ist eine längliche Form, die anscheinend auf Brunelleschis gotischer Kuppel in Florenz basiert und in einer Art und Weise behandelt wurde, die dem Barock nahe kommt. Der endgültige Zustand des Gebäudes mit seinem Arkadenvorplatz von Bernini (1598-1680), seiner Kuppel und seinem lateinischen Kreuzplan (das Kirchenschiff und die Westfront stammen von Carlo Maderna und wurden erst 1614 fertiggestellt) scheint zu sein Ein hohes Barockgebäude. Es ist in der Tat eine Art Palimpsest der Geschichte der italienischen Renaissance-Architektur.
Ein anderer Architekt muss erwähnt werden, Andrea Palladio (1508-80) stammt aus Vicenza in Norditalien und ist nicht nur für sich selbst wichtig, sondern auch für den Einfluss, den seine Architektur auf Inigo Jones (1573-1652) und die englischen Architekten des 18. Jahrhunderts hatte. Palladio stützte seinen Stil auf römische Vorbilder und auf Vitruvius (um 78-10 v. Chr.), und obwohl in den Palästen von Vicenza eine gewisse manieristische Lizenz festgestellt werden kann, weisen seine Gebäude, hauptsächlich Paläste und Villen, in der Regel eine klassische Schlichtheit und Eleganz sowie eine fast übertriebene Symmetrie auf. das reicht sogar bis zur verfügung der zimmer. Siehe auch: Venezianische Renaissance-Architektur (1400-1600)
HINWEIS: Italienische Renaissancekunst wird in allen besten Kunstmuseen der Welt ausgestellt, insbesondere in den Uffizien in Florenz und der Vatikanische Museen in Rom.
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