Internationale gotische Illuminationen:
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Illuminierte Handschriften des internationalen gotischen Stils waren die letzte der großen europäischen Illuminationen: eine Tradition, die in Irland mit der Cathach (Hagiographie) von St. Columba (ca. 610), dem Book of Darrow (ca. 680), dem Lindyfarne und Echternach Evangelium (beide ca. 700) und dem unsterblichen Book of Kells (ca. 800) begann. Die Geschichte der illuminierten Handschriften verlagerte sich dann ins mittelalterliche England und auf den Kontinent, wo die karolingische Kunst (ca. 750-900) und die osmanische Kunst (ca. 900-1050), inspiriert von der Dekoration der Evangelien (ca. 750-900) und der osmanischen Kunst (ca. 900-1050), entwickelt wurden.), inspiriert von der dekorativen Ästhetik von Byzanz, führte uns zu dem breiteren Stil der romanischen Malerei, und die gotische Kirchenarchitektur mit ihrer prächtigen Glasmalerei brachte ihren eigenen Stil der Illumination hervor, der durch das Brevier von Belleville (1323-26) und die Kapelle der Jeanne d’Heureux (1328) von Jean Pucel veranschaulicht wird.

Für Einzelheiten zu den frühesten biblischen Buchmalereien siehe Das Evangelium von Garima aus Äthiopien.

Eine Reihe von Aufsätzen über mittelalterliche Buchmalerei
❶ Mittelalterliche Handschriftenilluminationen (ca. 1000-1500)
❷ Romanische illuminierte Handschriften (ca. 1000-1150)
❸ Gotische illuminierte Handschriften (ca. 1150-1350)
❹ Internationale gotische Buchmalerei (ca. 1375-1450)

Die Herstellung von illuminierten Handschriften veränderte sich in diesen sieben Jahrhunderten , aber nicht viel. Viele Materialien und Techniken blieben gleich, obwohl die mittelalterlichen Künstler geschickter wurden und sich die Größe der Bücher veränderte. Anfangs war es nicht ungewöhnlich, dass zeremonielle Evangelien mit Schmuck und Edelmetallen gebunden waren. Im vierzehnten Jahrhundert waren vor allem Psalter, Stundenbücher und andere kleine Andachtsgegenstände gefragt. Die Entstehung der internationalen Gotik war das Bindeglied zwischen der mittelalterlichen Kunst und dem neuen italienischen Stil, der als Renaissancekunst bekannt wurde.

Charakterisierung des internationalen gotischen Stils

Die Entstehung einer internationalen Kunstbewegung ist oft das natürliche Ergebnis enger politischer Beziehungen zwischen Staaten. Im Jahr 1348 wurde Karl IV. von Böhmen deutscher Kaiser. Seine Mutter war Französin, er wurde in Frankreich erzogen und heiratete eine französische Prinzessin. Aus dieser Zeit stammt der Aufstieg Prags zu einem internationalen Kulturzentrum, und die italienischen Humanisten Rienzo und Petrarca wurden an die Universität eingeladen, die sich an der Universität von Paris und der Universität von Bologna orientierte.

Zu den vom Kaiser berufenen Künstlern gehörten der Steinmetz Matthieu d’Arras, der am Prager Dom arbeiten sollte, der Juwelier Johann Gallicus und der italienische Maler Tommaso da Modena. Matthieu d’Arras hatte zuvor am päpstlichen Hof in Avignon gearbeitet. Im Jahr 1382 wurde Anna von Böhmen die Frau von Richard II., und es gibt viele Hinweise darauf, dass sie böhmische Maler mit nach England brachte.

Der kosmopolitische Charakter der Arbeit der Künstler zeigt sich auch beim Bau des Mailänder Doms, wo französische und deutsche Architekten im Auftrag der Familie Visconti mit den Langobarden zusammenarbeiteten. Einer der interessanten Aspekte der internationalen Gotik besteht darin, dass keine Stadt und kein Land für sich in Anspruch nehmen kann, sie hervorgebracht zu haben. Es scheint sich um eine Bewegung gehandelt zu haben, die sich an mehreren Orten gleichzeitig entwickelte, vermutlich durch die Verschmelzung verschiedener Ideen.

Der internationale gotische Stil der Malerei zeichnet sich durch ein tieferes Verständnis, eine neue Wertschätzung der Natur aus. Die Künstler erfinden neue Ideale, eine neue Ästhetik und füllen ihre Seiten mit bemerkenswerter Detailgenauigkeit. Im Grunde handelt es sich um Kunst für den Adel mit seinen weltlichen Vergnügungen, edlen Pferden und Märchenschlössern, die sich in den Gemälden widerspiegeln. Dies ist jedoch keine leere Oberflächlichkeit, denn die neue christliche Kunst ist von einer tiefen frommen Mystik durchdrungen.

Internationale gotische Illuminationen in Frankreich

Paris, das wichtigste kulturelle Zentrum der spätmittelalterlichen Kunst, zog viele Künstler aus dem Ausland an. In den späteren Jahren des 14. Jahrhunderts arbeiteten dort sicherlich Italiener, insbesondere Zenobo da Firenze, der die Kapelle für Karl, König von Navarra, ausschmückte, und die Künstler, die sich um die italienische Dichterin Christina de Pisan scharten.

Der Hauptstrom der Einwanderer kam jedoch aus dem Norden. Zu ihnen gehörte Jean Bondol, ein in Brügge geborener und von 1368 bis 1381 in Paris tätiger Maler. Er wird allgemein als derselbe Künstler wie Meister der Bosquets angesehen, der so genannt wird, weil er kleine Baumgruppen verwendet. Seiner Illustration von Augustinus De Civitate Dei (Paris, Bibliotheque Nationale) fehlen die charakteristischen Landschaften, aber seine Figurenzeichnung zeigt ein neues Verständnis und einen neuen Sinn für das Volumen der menschlichen Figur.

Die Bedeutung von Paris als Zentrum der Buchillustration nimmt angesichts des immensen Mäzenatentums der Herzöge von Burgund vorübergehend ab. Im Jahr 1361 fielen die burgundischen Ländereien an die französische Krone und wurden vom König an seinen Sohn Philipp den Kühnen, den Bruder des späteren Königs Karl V., übergeben. Dieser Herzog heiratete Marguerite, die Tochter des Grafen von Flandern, und erbte 1384 ganz Flandern. Flämische Bildhauer, Maler und Juweliere strömten an seinen Hof in Dijon, darunter Claus Sluiter, Bildhauer der berühmten Portale in Chartreuse de Champolles und Puy de Moise.

Der jüngere Bruder Philipps des Kühnen, Jean, Duc de Berry, war ebenfalls ein großer Kunstmäzen und widmete der Gestaltung seiner Bücher große Aufmerksamkeit. Er zeichnete oft zusätzliche Szenen in sie hinein, und angesichts der großen Anzahl unvollendeter Bücher in seiner Bibliothek müssen wir annehmen, dass er oft nicht die Geduld hatte, auf ihre Fertigstellung zu warten! Als echter Kenner rivalisierte er mit seinem Bruder Philipp dem Kühnen, indem er die besten Künstler anzog.

Die Illustrationen zu „Drei schöne Tage“ in Brüssel (Königliche Bibliothek) wurden von dem flämischen Maler Jacquemart de Esden (ca. 1355-1414) ausgeführt, der 1402 Hofmaler des Herzogs von Berry war. Unter den Gemälden befindet sich die besonders schöne „Madonna mit Kind“. Vor einem Chor von Engeln sitzt die Madonna auf einem hochlehnigen Thron und säugt das Kind, das ungeduldig in ihrem Schoß zappelt. Es ist eine Madonna voller irdischer Anmut und Menschlichkeit, eine ergreifende Szene von Mutter und Kind. Die Vorhänge fallen in weichen, schweren Falten auf den Boden und auf den Sessel. Der internationale Charakter zeigt sich in dem kleinen Mund und den mandelförmigen Augen, die für die sienesische Malerei charakteristisch sind, und in den langen, schlanken Fingern, die für Böhmen typisch sind. Die Anmut und Ruhe der Seite wird durch eine dezente Umrandung mit kleinen Vögeln und Schmetterlingen, die sich auf blühendem Laub ausruhen, verstärkt.

1409 verschwand Jacquemart de Esden aus den Kreisen des Hofes, und an seine Stelle traten die drei Brüder Van Limburg - Paul, Jean und Herman de Limburg. Ihr Meisterwerk war der Prächtige Wächter des Herzogs von Berry (im Original „Drei reiche Nächte des Herzogs von Berry“, das heute im Museum Condé in Chantilly aufbewahrt wird), vielleicht eines der größten Werke der französischen Malerei, die im fünfzehnten Jahrhundert entstanden. Der Kalender, der dem Stundenbuch „vorangestellt ist“, ist in einem Halbkreis am oberen Rand jeder der zwölf Seiten abgebildet und mit den Tierkreiszeichen vor einem Sternenhimmel verziert. An die Stelle der üblichen Monatsarbeiten treten Szenen, die den Herzog selbst bei der Erledigung seiner höfischen Angelegenheiten zeigen. Im Dezember wird eine Hirschjagd gezeigt, bei der die Hunde ihre Beute in einem Walddickicht verfolgen, und im Januar bewirtet der edle Herzog seine Freunde. Ein üppiges Festmahl wird vor ihnen ausgebreitet, Wein fließt aus goldenen Flöten, und der Gastgeber lädt seine Gäste ein, näher zu kommen. Die Figurenmalerei ist sehr kunstvoll, und alle Szenen sind von einer faszinierenden Detailgenauigkeit geprägt. Die höfische Kleidung und die Umgangsformen der Wohlhabenden können genau studiert werden.

Das bemerkenswerteste Merkmal dieses schönen Buches ist der fast unglaubliche Fortschritt in der Entwicklung der Landschaftsmalerei . Plötzlich öffnen sich weite Flächen vor uns, die sich in die Ferne erstrecken; Schlösser und Bäume werden liebevoll gemalt, und der Himmel verblasst, wenn er den Horizont berührt. Es entsteht ein neues, wenn auch nicht vollständiges Verständnis der Bildperspektive, dessen Quelle Italien sein muss. Auch die architektonischen Lösungen sind von italienischem Flair durchdrungen, mit echten Details aus dem Mailänder Dom. Es gibt keinen Grund zu der Annahme, dass die Brüder de Limburg nach Italien gereist sind, aber sie müssen vor ihrer Ankunft am Hof von Jean, Duc de Berry, in engem Kontakt mit italienischen Künstlern gestanden haben, die in Paris tätig waren. Erst mit dem Auftreten großer flämischer Meister wie Jan van Eyck (1380/90-1441) entstanden wieder so schöne Beispiele der Landschaftsmalerei.

Es ist durchaus möglich, dass die van Eycks die religiöse Kunst der Brüder Van Limburg kannten , auch wenn sie die Künstler selbst nicht kannten. Das Buch Tres Belles Heures de Notre Dame („Das schöne Turin-Mailänder Stundenbuch“) war eines der Bücher in der Bibliothek des Duc de Berry, das bei seinem Tod unvollendet blieb. Es wurde nach seinem Tod fertiggestellt, und die Ergänzungen dazu stellen ein interessantes Problem dar. Das Buch wurde später in drei Teile aufgeteilt: Paris, Mailand und Turin. Der Turiner Teil wurde 1904 durch einen Brand zerstört, aber der Mailänder Teil, der sich seltsamerweise jetzt in Turin befindet, enthält Illustrationen, die von guter Qualität sind und möglicherweise von Hubert van Eyck stammen.

Die Technik der Grisaille, eine monochrome Form der Malerei in Grau- oder Brauntönen mit verstärktem Weiß, wird in dieser Zeit wichtig. In „Der Aufenthaltsort der Heiligen Jungfrau“ (Turin, Museo Civico) gibt es Abbildungen dieser Art, auf denen die Jungfrau und das Kind wie durch ein Fenster dargestellt sind. Es handelt sich wahrscheinlich um ein Werk der flämischen Buchmalerei, und die Masse der Draperie wird von der für Klaus Sluter charakteristischen plastischen Schwere beherrscht.

Der Duc de Berry war nicht der einzige, der die Buchmalerei in großem Umfang förderte. Viele Ritter und Adlige wünschten sich schöne Bücher für ihren persönlichen Gebrauch. Einer von ihnen war Jean le Meingre, Marschall von Boucicault. Er beauftragte einen anonymen Künstler, der als der Meister von Boucicault bekannt ist und dessen Hauptwerk die Kapelle (Paris, Musée Jacquemart-André) ist, die zwischen 1410 und 1415 entstand. Wir sollten nicht vergessen, dass wir uns immer noch im großen Zeitalter des Rittertums und der Romantik befinden. Der Marechal de Boucicault war einer der letzten Kreuzfahrer, und Chaucer beschreibt ihn in „verray parfit gentil knight“ gut. Chaucer fügt die Episode „St. Georg und der Drache“ ein, ein romantisches Thema, das einem solchen Helden zweifellos am Herzen liegt. Der Künstler beweist einen malerischen Stil und einen angeborenen Sinn für die lineare Perspektive . Die Horizonte sind immer noch unrealistisch hoch, aber der Künstler kämpft für ein Gefühl der Zurückgezogenheit, indem er gewundene Pfade und Klippen benutzt, um seine Begrenzungen zu verschleiern.

Meister Boucicault hat offenbar mit dem Bedford-Meister an dem illuminierten Manuskript Livre de Merveilles (Paris, Bibliothèque Nationale) gearbeitet, das von Marco Polos Reisen in den Osten berichtet. Der Bedford-Meister ist ein weiterer Künstler, dessen Name unbekannt ist; er arbeitete von 1424 bis 1435 für John Lancaster, Herzog von Bedford, der zum Regenten der englischen Krone in Frankreich ernannt worden war.

Zu den Büchern, die er in Auftrag gab, gehören das Bedford Brevier (Paris, Bibliothèque Nationale) und das Stundenbuch (London, British Museum). Das Stundenbuch enthält ein Porträt der Herzogin von Bedford, die der Madonna ihre Verbeugung anbietet. Der Heilige Georg und der Drache begegnen sich im Brevier wieder. Diese Bände zeichnen sich durch einen außergewöhnlichen Reichtum an Dekoration aus: Auf vielen Seiten sind Nebenszenen rund um das Hauptthema dargestellt, und die Zwischenräume sind mit reichem Blattwerk gefüllt. Interessant ist der Vergleich zwischen den Gemälden von Bedford und Boucicault „St. Georg und der Drache“. Er zeigt, dass der Meister von Bedford einen größeren Sinn für Dekoration hat; die Gesichtsausdrücke sind für ihn weniger bedeutsam, aber seine Szenen sind von einem harmonischen atmosphärischen Licht durchdrungen.

Ein anderer Bruder von König Karl V., der Herzog von Anjou, und seine Herzogin Yolanda von Aragon waren Sammler von illuminierten Handschriften. Um 1414 trat ein Künstler, der als der Meister von Rohan bekannt ist, in den Dienst des Herzogs. Zu seinen Werken gehört die sogenannte Rohan-Uhr (Paris, Bibliothèque Nationale). Der Rohan-Meister wurde in Paris ausgebildet und arbeitete eng mit Meister Bedford und Meister Boucicault zusammen. Möglicherweise stammte er aus Spanien, wo die Herzogin Yolande lebte, und die Gemälde, die er nach seiner Ankunft am Hof der Anjou-Dynastie schuf, unterscheiden sich sicherlich stark von denen seiner Pariser Zeitgenossen.

In der Kapelle von Rohan beginnt Vesper mit dem Gemälde „Flucht nach Ägypten“. Hier verlässt der Künstler den modischen Stil der Zeit, in der er mit den Pariser Meistern zusammenarbeitete, und wendet sich etwas Persönlichem zu. Die ausdruckslosen Gesichter der Figuren des Bedford-Meisters werden durch Gesichtszüge ersetzt, die die starken Emotionen der Figuren lebendig zum Ausdruck bringen. Er hebt die Hauptfiguren der Geschichte hervor, indem er sie viel größer als die anderen darstellt; im Mittelteil dieser Szene werden sie größer als die Jäger im Vordergrund gezeigt.

Im Gegensatz zu den anmutigen, idealisierten Figuren des Bedford-Meisters sind die Rohan-Meister niedriger und stämmiger und viel weniger selbstbewusst. Dieser Stil gefiel der spanischen Herzogin, und in der Tat finden sich die besten Vergleiche zu diesem Stil in den gotischen Werken des Languedoc und Kataloniens. In der Provence, wo René d’Anjou regierte, war einer der führenden Buchmaler Engerrand de Charenton (Cuarton) (ca. 1410-1466), Schöpfer „der Pietà von Avignon“ (1454-6, Louvre).

Internationale gotische Buchmalerei in England

Die Rolle Englands bei der Entstehung des internationalen gotischen Stils lässt sich bereits 1377 in Büchern nachweisen, die für den königlichen Haushalt geschrieben wurden. Das Krönungsbuch von Richard II. (London, Westminster Abbey) ist eng mit der Wenzelbibel verwandt, die für Richards Schwager Wenzel von Böhmen geschrieben wurde. Eine Reihe von Manuskripten aus dem späten vierzehnten Jahrhundert enthält niederdeutsche Anmerkungen, die wahrscheinlich von Illuminatoren geschrieben wurden, die von Richards Königin mitgebracht wurden.

Die Große Kreuzigung im Missale, das für Robert Lightlington, Abt von Westminster (London, Westminster Abbey), geschrieben wurde, lässt sich ebenfalls gut mit den besten böhmischen Handschriften jener Zeit vergleichen, aber einige andere Stile haben die englische Szene beeindruckt.

Der Name eines englischen Dominikanermönchs, John Cypher, taucht im Sherborne Missal (Sammlung des Herzogs von Northumberland) auf, das zwischen 1396 und 1407 geschrieben wurde. Er und Herman Scherr waren zwei der bedeutendsten Künstler der damaligen Zeit. In Cambridge (Fitzwilliam Museum) befindet sich ein Skizzenbuch, das oft mit Herman Scherré in Verbindung gebracht wird. Es enthält Vögel und Tiere, Kostüme und Gesichter, gezeichnet mit der gleichen Liebe zum Detail wie Giovannino dei Grassi in Italien. Es besteht absolut keine Verbindung zwischen ihnen, aber dieser Vergleich dient nur als Beispiel für die Gemeinsamkeiten der Ideen zwischen den Künstlern zweier geografisch weit entfernter Zentren.

Das Karmeliten-Missale (London, British Museum) ist ein verziertes Buch von großem Format. Es ist unwahrscheinlich, dass Herman Scherr dieses Buch selbst entworfen hat, aber die Illustrationen sind seinem Stil sehr ähnlich und zeigen eine auffällige Verbindung zu zeitgenössischen Ereignissen in Holland. Es werden leuchtende Farben verwendet, und die Figuren sind mit den für die holländische Schule so charakteristischen runden, puppenhaften Gesichtern gezeichnet.

Es ist bezeichnend für den internationalen Charakter dieser Bewegung, dass eine der schönsten in England gefertigten Kapellen für denselben John of Lancaster, Herzog von Bedford, bestimmt war, der das Brevier und die Kapelle in Paris in Auftrag gab. Die englische Bedford-Kapelle (London, British Museum) enthält eine sehr große Anzahl kleiner historisierender Initialen, von denen einige Szenen aus dem Leben Christi darstellen. Verglichen mit den großartigen Illustrationen des französischen Bedford-Meisters wirken sie fast traditionell und sehr einfach, aber das Werk ist sicher ausgeführt, und der Künstler zeigt einen bemerkenswerten Naturalismus im kleinsten Maßstab, der die Miniaturmalerei vorwegnimmt, für die der englische Hof berühmt war.

Internationale gotische Buchmalerei in Italien

Der Einfluss des internationalen gotischen Stils war so stark, dass er die Maler der Frührenaissance in Mittelitalien beeinflusste. Sogar Lorenzo Ghiberti (1380-1455) war eine Zeit lang davon beeinflusst. Natürlich verdankt es einen Großteil seines Ursprungs dem sienesischen Maler Simone Martini (1284-1344) aus dem 14. Jahrhundert, aber Ghiberti arbeitete in Florenz, wo der neue Geist der Frührenaissance (ca. 1400-90) zunehmend dominierte.

Es ist selten, dass ein bedeutender italienischer Künstler an illuminierten Manuskripten arbeitet, aber im Florenz des späten vierzehnten Jahrhunderts arbeitete Lorenzo Monaco (1370-1425) im klösterlichen Skriptorium von Santa Maria degli Angeli. Seine frühen Manuskripte spiegeln die starke florentinische Tradition von Künstlern wie Orcagna wider, aber später, unter dem Einfluss der internationalen Gotik, zeigt sich eine Verfeinerung und zunehmende Feinheit in seinem Werk.

Der Einfluss von Lorenzo Monaco wiederum lässt sich in einem Werk wie dem Chorbuch nachweisen, das in der Bibliothek von San Marco in Florenz aufbewahrt wird. Selbst im gotischen Stil selbst bewahrt Lorenzo eine erzählerische Kraft und Erhabenheit, von der die Künstler des Nordens nur träumen konnten. Dennoch sind die Linien seiner Draperien weich und fließend, die Figuren groß und elegant, und er vermittelt jenen Sinn für introspektiven Mystizismus, der für den internationalen gotischen Stil so charakteristisch ist.

Dieser neue Trend fand seine größte Resonanz in den nördlichen Städten Verona und Mailand. Norditalienische Künstler ließen sich in Paris und Prag nieder, wo sie natürlich den neuen Stil assimilierten. Aber auch die in Italien verbliebenen Künstler wurden von diesem Stil beeinflusst. Giovannino dei Grassi, geboren um 1370, ist der bedeutendste Vertreter der internationalen Gotik in Italien. In einer seiner Skizzen, die in Bergamo aufbewahrt wird, können wir sein leidenschaftliches Interesse an der Beobachtung von Vögeln und Tieren erkennen, das durch seine höfische Freude an Kostümen und Stoffen ausgeglichen wird.

Man nimmt an, dass er der Autor des Breviers ist, das als Il Beroldo bekannt ist (Mailand, Biblioteca Trivulziana). In diesem Werk, das im Auftrag geschrieben wurde und sich auf eine Reihe von Illustrationen beschränkt, geht viel von seiner frischen Beobachtung verloren, aber seine Vitalität scheint durch und wird in der kleinen Szene von David und Goliath gut gezeigt. Seine Illustrationen zu „Dantes Göttlicher Komödie“ (Biblioteca Trivulziana) enthalten Feder- und Tuschezeichnungen von geringerer Qualität als die von Grassi, aber auch sie betonen den höfischen Aspekt der Mailänder Kunst.

Taccuinum Sanitas - „ein Buch des Geistes“ mit einem kurzen Text und einer großen Anzahl von Illustrationen, die, wie das Biadaiolo in Florenz, bescheidene Sujets sind, die mit viel Liebe zum Detail ausgeführt wurden. Unter den Kopien dieses in der Lombardei gemalten Werks befindet sich ein Buch, das sich heute in Paris (Bibliotheque Nationale) befindet. Es enthält Szenen von Ölhändlern, die Waren verkaufen, und von Schneidern bei der Arbeit. Wir können davon ausgehen, dass diese Art von Illustrationen die Künstler, die zu dieser Zeit in Paris arbeiteten, beeindruckte, denn der Realismus der intimen Details ist eine starke und wichtige Sache.

Die in Mailand herrschende Dynastie der Visconti hatte enge politische Beziehungen zu den Herzögen von Burgund. Die wichtigste künstlerische Leistung der Visconti war der Bau des Mailänder Doms unter ihrem Patronat. Sie vernachlässigten die Handschriften nicht, und zu den Künstlern, die an ihnen arbeiteten, gehörte Michelino da Besozzo . Diesem Künstler ist das Frontispiz des Begräbnisoratoriums zu Ehren von Gian Galeazzo Visconti (Paris, Bibliothèque Nationale) gewidmet.

Idealisierte Form und ätherische Eleganz verbinden sich in der Szene von Gian Galeazzos Huldigung des Christuskindes mit einer solchen Perfektion, dass Michelino durchaus mit den besten französischen und flämischen Malern seiner Zeit verglichen werden kann. Das Wintermissal der Visconti (Mailand, Ambrosianische Bibliothek) wurde für sie von einem gewissen Anovelo da Imbonate illuminiert. Verglichen mit den besten Werken der Lombardei ist dieses Messbuch eher eintönig illustriert, und in der Fülle der dekorativen höfischen Details ist die Nationalität des Künstlers kaum zu erkennen.

Lange Zeit stand die venezianische Malerei in engem Kontakt mit der byzantinischen Kunst, und erst am Ende des dreizehnten Jahrhunderts bildete sich ein eigenständiger Stil heraus. Aus dieser Zeit sind nur wenige religiöse Bücher erhalten, und wir müssen die stilistische Entwicklung in den Mariegole - Büchern, die der Gründung von Zünften gewidmet sind - und anderen weltlichen Werken verfolgen. Die Künstler, die noch stark von byzantinischen Vorbildern beeinflusst waren, ließen sich von verschiedenen Quellen inspirieren und kombinierten sie zu einem eigenen, eher unbefriedigenden Stil. Gegen Ende des vierzehnten Jahrhunderts ist eine neue Welle von Einflüssen aus dem Norden zu erkennen, die ihre Kunst neu belebt.

Internationale gotische Buchmalerei in Böhmen

In der ersten Hälfte des vierzehnten Jahrhunderts waren die künstlerischen Zentren Böhmens ausreichend auf die große Blüte der Handschriftenmalerei nach 1350 vorbereitet. Die wichtigen Folgen der Gründung der Prager Universität wurden bereits erwähnt. Zu diesem Zeitpunkt rückte Böhmen an die Spitze der künstlerischen Entwicklung und blieb dort ein halbes Jahrhundert lang.

Ein gutes Beispiel für den Übergang zum neuen Stil ist die Illustration aus der „Geschichte des Neuen Testaments“ (München, Staatsbibliothek). Sie zeigt Christus und Maria Magdalena in einem von einer Pforte umgebenen Garten. Es ist ein frühes Beispiel für ein Motiv, das im Deutschland des 15. Jahrhunderts sehr beliebt war. Die Figuren stehen fest auf dem Boden, und außerhalb des Zauns sind kleine Baumgruppen zu sehen, die an die Kunst von Jean Pucel (1290-1334), dem großen gotischen Buchmaler, erinnern.

Der Kanzler von Karl IV. hieß Jean de Streda, oder Johannes von Neumarkt. Er könnte für Petrarca’s Besuch in Prag verantwortlich gewesen sein, und sie korrespondierten zweifelsohne miteinander. Das Liber Viaticus von Jean de Streda ist ein Brevier, das speziell für Reisen geschrieben wurde und in der Nationalbibliothek in Prag aufbewahrt wird. Es wurde um 1360 geschrieben und enthält historisierende Initialen in einem Stil, der eindeutig auf italienischen Vorbildern beruht.

Die Figuren sind klar konstruiert und gut verteilt, und in den Bordüren erscheint Akanthuslaub der Bologneser Schule - Anmerkung: nicht zu verwechseln mit der von Annibale Carracci begründeten Bologneser Schule des Barocks. Eng verwandt mit dem Liber Viaticus ist Konrad von Heinburgs Laus Mariae (Prag, Nationalbibliothek). Die Läuterung im Tempel demonstriert erneut diesen ehrgeizigen Versuch, den Raum zu konstruieren. Die sanft abfallenden Kurven des Faltenwurfs verdecken nicht die darunter verborgenen Formen, und der Gesamteindruck ist der einer runden Weichheit.

Auf die Gruppe der für Jean de Streda geschriebenen Bücher folgt eine Sammlung von Manuskripten, die für den Nachfolger Karls IV, König Wenzel von Böhmen, geschrieben wurden. Die wichtigsten Werke dieser Gruppe sind zwei in deutscher Sprache verfasste Bibeln und eine Reihe von weltlichen Handschriften, darunter die Wolfram-Gedichte und eine astrologische Abhandlung in München. Die Illustrationen des letztgenannten Buches umfassen gekonnt gezeichnete Vögel und Tiere und können mit dem Skizzenbuch von Giovannino dei Grassi in Bergamo verglichen werden. Im Großen und Ganzen sind die Bücher von König Wenzel viel reicher illustriert als die von Jean de Streda, und der italienische Einfluss ist in ihnen bis zu einem gewissen Grad offensichtlich.

Um 1400 scheint der Stil, der in Prag eine solche Perfektion erreicht hatte, zu verschwinden. An seine Stelle tritt ein viel schematischerer Illuminationsstil, und die Bücher werden mit lebhaften Strichzeichnungen in Feder und Tinte verziert. Der Grund für den abrupten Stilwandel könnte in der zunehmenden Verwendung von Papier anstelle von Pergament und den damit verbundenen Einschränkungen liegen. Das Erbe des weichen, delikaten Stils der Prager Buchmaler ging auf Künstler über, die in Tafelmalerei ausgebildet waren, wie Meister Theodoric, der für die böhmische Königsfamilie auf der Burg Karlštejn arbeitete.

Die Illustrationen des Lüneburger Sachsenspiegels (Lüneburg, Rathsbibliothek) von ca. 1400 bewahren den reichen Piktorialismus der böhmischen Schule, doch handelt es sich wahrscheinlich um das Werk des Künstlers, der den „Goldenen Altar“ malte und als Tafelmaler berühmt wurde. Auch eine Seite der Kreuzigung aus einer Handschrift, die sich heute in Basel (Privatsammlung) befindet, lässt sich am ehesten mit einer Tafel des sogenannten Meisters Veronika vergleichen.

Mit dem Fortschreiten des fünfzehnten Jahrhunderts in Deutschland wurde der aus den Prager Handschriften stammende Stil immer flüssiger und verlor seine unmittelbare Frische. Die Gesichter wurden mit einer fast kühlen Süße geschrieben, und der Begriff „weicher Stil“ ist in mehr als einer Hinsicht gerechtfertigt.

Der internationale gotische Stil endete nicht sofort, sondern in jedem Land begannen wieder nationale Eigenheiten aufzutauchen. In Deutschland sehen wir diesen Wandel bereits 1405, während in Frankreich der Stil noch zwanzig Jahre lang von den Meistern Bedford und Boucicault fortgesetzt wurde.

Wie in den vorangegangenen Jahrhunderten war es Nordeuropa, in dem die Manuskriptillumination bedeutende Fortschritte machte, und unser letzter Abschnitt wird fast ausschließlich Manuskripten aus Frankreich und Flandern gewidmet sein. Natürlich wurden auch in anderen Ländern weiterhin schöne Bücher hergestellt; so war beispielsweise der berühmte italienische Künstler Andrea Mantegna bekanntlich ein guter Buchmaler. Dennoch blieb die italienische Buchmalerei hinter den Errungenschaften der monumentaleren Kunstwerke zurück.

René d’Anjou

Bevor wir uns den wichtigsten Entwicklungslinien in Frankreich und Flandern im fünfzehnten Jahrhundert zuwenden, ist es notwendig, René d’Anjou (1409-1480) zu erwähnen. René war Herzog von Anjou, Graf der Provence, König von Neapel und Sizilien, wobei er letzteres 1443 an die Aragonier abtrat. Er war also ein Mann, dessen Interessen sich ständig nach Süden richteten. Seine Höfe in Anjou und in Aix waren kosmopolitische Zentren, an denen er sich mit italienischen Gelehrten und flämischen Illuminaten umgab. René d’Anjou, ein tief religiöser Mann, war auch ein Intellektueller und schrieb wunderschöne Gedichte.

Eine Reihe von illuminierten Ein-Mann-Manuskripten steht in engem Zusammenhang mit Renés eigenen Schriften, weshalb oft angenommen wird, dass René auch ein Künstler war. Dies ist eine höchst umstrittene Frage, die wahrscheinlich nie eindeutig beantwortet werden wird, aber Renés Gemälde haben eine spirituelle Qualität und Originalität, die man in den Werken seiner unmittelbaren Zeitgenossen nicht findet.

Der Roman „Cuer des Amours Epris“ (Wien, Nationalbibliothek) wurde von René im Jahr 1457 geschrieben. Es handelt sich um eine allegorische Romanze, und auf einer Seite sehen wir den verliebten Cuer schlafen, während sein Begleiter eine magische Inschrift auf dem Deckel eines Brunnens liest. Diese Gemälde sind durchscheinend, und der Künstler stellt kühn Nachtszenen dar; diese Illustration zeigt den Sonnenaufgang über den Wiesen. Das Morgenlicht ergießt sich über die Felder und wirft tiefe Schatten hinter die Figuren. Nach dem Tod seiner ersten Frau malte René auch „Die Kasteiung einer Venezianerin“ (Brüssel, Bibliothèque Royale) . Es ist eine christliche Allegorie auf die Vergeblichkeit des irdischen Lebens, und die Illustrationen spiegeln den zutiefst spirituellen Inhalt des Textes wider.

Die gleiche Handschrift zeigt sich in den Illustrationen zu „Boccaccios“ Theseide (Wien, Nationalbibliothek), wo wir einen Künstler sehen, der es versteht, lebhafte, ungestüme Erzählungen zu illustrieren. Den alten ritterlichen Idealen des vierzehnten Jahrhunderts verpflichtet, gründete René d’Anjou den Orden der Ritter von St. Mauritius, und sein Interesse an höfischen Traditionen zeigt sich im Buch der Turniere“ (Paris, Bibliothèque Nationale), das er 1460-1465 „(Paris, Bibliothèque Nationale) verfasste und in dem er alle Einzelheiten der ritterlichen Zeremonien ausführlich beschreibt.