Impressionisten: Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cezanne Automatische übersetzen
❶ Ursprünge und Einflüsse
❷ Frühe Geschichte
❸ Impressionist Edouard Manet
❹ Der Impressionist Claude Monet
❺ Impressionisten Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cezanne
❻ Monet & Pissarro in London
❼ Impressionistische Malerei Entwicklungen
❽ Impressionistische Ausstellungen
❾ Gruppensplits
❿ Erbe
HINWEIS: Für die Analyse von Werken impressionistischer Maler
bitte sehen: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).
Die anderen Impressionisten
Geht es den anderen Impressionisten besser als Monet?
Renoir Der langsamer und schüchterner ausgebildete Künstler, der unerbittlich sein eigenes Ziel verfolgt, wird allmählich von den Konventionen des Ateliers und der glatten und glänzenden Technik befreit, die er zweifellos beim Malen auf Porzellan erlangt hat. Von seinen Freunden zu Fontainebleau überredet, zögert er immer noch, im Freien zu arbeiten, und um die neuen Techniken anzuwenden, die er entwickelt hat, muss er immer wieder auf die Dichte und das Volumen der menschlichen Figur zurückgreifen.
Das erste seiner Werke, von dem angenommen werden kann, dass es "die Grenze überschritten" hat, ist das Porträt "Lisa mit Regenschirm", das 1867 im Wald von Fontainebleau gemalt und erfolgreich in den Salon von 1868 aufgenommen wurde. schmilzt im Schatten des Waldunterholzes, aber der Körper in einem weißen Kleid wird vom Sonnenlicht aufgefangen und blüht auf, um die gesamte Mitte der Komposition einzunehmen, wodurch eine schöne Anordnung von Lichtreflexen entsteht, die die Form betonen. In der Nähe arbeiten Monet In den Jahren 1868 und 1869 komponiert er eine Reihe reiner Landschaften: La Grenouillere, Eislaufszenen im Bois de Boulogne, Schneeeffekte, in denen er die Linie seines Begleiters abonniert und dabei die Einheit der Farben beibehält. Er praktiziert eine einhüllende Annäherung an das Thema mit sehr feinem Pinselstrich, der die imposantesten Massen aufhellt und Formen in einen Nimbus aus Poesie und Gefühl einwickelt. Auf diese Weise behält er die Präzision der Details bei und zeigt sein Wissen über die alten Meister (im Sinne der Reinheit, nicht der Naivität, wie die italienischen Franziskaner) in einer vollständigen und leidenschaftlichen Sichtweise. Auch in dieser Zeit vermehrt er die Anzahl der Porträts seiner Freunde, insbesondere des Sisley-Haushalts, von denen die beiden großen Figuren in voller Länge in einer lebendigen und charmanten Pose zusammenpassen. Weitere Informationen finden Sie unter: Beste impressionistische Gemälde.
Alfred Sisley, der noch ein angenehmes Leben hat und dessen Malerei sich langsam und ohne Zwischenfälle entwickelt, ist im Gegenteil bereits ausschließlich als Landschaftsarchitektin bestätigt. Seine Eindrücke kommen in sehr feinen chromatischen Variationen, aber auf eine geringfügige Weise, zum Ausdruck. (Hinweis: Eine Beschreibung des impressionistischen Stils finden Sie unter: Merkmale der impressionistischen Malerei 1870-1910.)
Bazille bleibt auch zurückgezogen. Inbrünstig umarmt er Monets Plein-Airismus und bringt in diesem Sinne 1867 das große "Familientreffen" hervor, das eine ganze Reihe von Studien für einige der elf in der Komposition zusammengefassten Personen umfasst. Wahrscheinlich ist er jedoch dem Buchstaben treuer als dem Geist der neuen Ideen, und es geht ihm weniger um das Ergreifen von Ähnlichkeiten als um die psychologische Wahrhaftigkeit. Sein Volk ist unbeweglich, als sei es in Meditation verwickelt, und bietet den Versuchen, es zusammenzubringen, stillen Widerstand. Obwohl sie im Freien unter Laubbögen dargestellt werden, scheinen sie weder vom Licht noch von dem, was sich an sie anschließt, beeinflusst zu werden. Es ist jedoch wahr, dass diese Gemälde im weißen Licht des Midi gemalt wurden, das hell leuchtet und keine der Lichtnuancen im Channel-Gebiet oder in der Umgebung von Paris aufweist. Bazille ist ein hervorragender Mann von beispielhafter Freundlichkeit und gewissenhafter Offenheit, "der alle edlen Eigenschaften von Jugend, Glauben, Loyalität und Verfeinerung besitzt" (Emile Zola). Er spielt eine sehr wichtige Rolle für die Entwicklung des Impressionismus, da er Vertrauen in seine Freunde und Kollegen setzt die Unterstützung, die er ihnen gibt. Aber es bleibt ihm immer noch die Offenbarung verborgen, und man kann nicht sagen, inwieweit er an dem Festival des Impressionismus teilgenommen hätte, wenn er diesem unglücklichen Schicksal entkommen wäre.
In der Landschaftskunst von Impressionismus, nur Pissarro spielt eine Rolle, die fast Monet gleicht. Älter als der letztere und mit bereits längerer Erfahrung, ist seine Entwicklung langsamer und stetiger verlaufen. Er ist dem Beispiel von gefolgt Corot Dies deutet offensichtlich auf Schatten und Weichheit hin, die sich von den Blitzen der Verkürzung und den leidenschaftlichen U-Turns von Monet unterscheiden. Allmählich verliert er diesen Einfluss und rückt nicht nur sein Werk, sondern auch sein Leben in den Mittelpunkt der Natur.
Ab 1859 lebt er auf dem Lande um Paris, ab 1863 nacheinander in Montmorency, ab 1867 in La Varenne-Saint-Hilaire, ab 1868 in der Eremitage in Pontoise und ab 1868 in Louveciennes Felder, die Achtung vor der Haltung der Arbeiter, das Vorbeifahren von Ackerbaukarren, die Verwendung großer grüner und brauner Abschnitte, die mit kleinen Fragmenten bearbeitet wurden, und von 1868 bis 1870, ohne Zweifel, instinktiv eine Art Berührungsfragmentierung praktizieren, die von einem angeborenen Wesen herrührt Divisionismus, wie die verschiedenen Dichten der Materie zu suchen. Allmählich wird er mit jedem Pinselstrich ein bisschen heller und verdeutlicht seine leicht düsteren Kompositionen. Er hat keine Angst davor, eine begrenzte Anzahl von Gemälden zum selben Thema zu produzieren (es ist einfacher, kleine Leinwände, die er regelmäßig zu angemessenen Preisen an seinen Händler, den älteren Martin, liefert, zu verkaufen). Das sind sehr fruchtbare Jahre für ihn. Er malt Landschaften in der Nähe seines Hauses, der Hauptstraße in der Nähe seines Wohnortes, sowohl im Sommer als auch im Winter und die Variationen, die die Jahreszeiten mit sich bringen. Leider kennen wir nur eine sehr kleine Anzahl seiner Werke. Pissarro wurde 1870 in Louveciennes vom preußischen Vormarsch gefangen genommen und musste fliehen. Hunderte von Leinwänden blieben zurück (darunter fünfzig Werke von Monet, um die ihn dieser gebeten hatte). Diese Leinwände wurden in den Hof geworfen, um den Schlamm zu bedecken, und von deutschen Soldaten niedergetreten, die das Haus als Metzgerei für die Truppen eingerichtet hatten.
Der Beitrag von Berthe Morisot während dieser Zeit darf nicht vernachlässigt werden. Weil sie von einer außergewöhnlichen familiären und finanziellen Situation profitierte und weil sie eine Frau war, wurde sie zu oft als Amateurin angesehen, während sie zugegebenermaßen unter einfacheren Bedingungen Arbeiten produzierte, die bereits einen bestimmten Charakter haben und für sie wertvoll sind Improvisation, die sie immer pflegen sollte. Sie nimmt Eindrücke auf, wie sie sie treffen, mit einer Offenheit und Einfachheit und einer weiblichen Spontanität, die sie bei vielen Gelegenheiten als Innovatorin zeigt. Als sie ihr Gemälde im Salon von 1867 sah, für den sie eine Ansicht von Paris von den Trocadero-Höhen aus gemalt hatte (die Luftbilder von Nadar wurden 1865 aufgenommen), kam Manet die Idee, seine "Ansicht des Universalen" zu malen Ausstellung ", die nun im Osloer Museum ruht, in dem er auf verschiedenen Ebenen eine Anordnung von mit Figuren übersäten Terrassen und Pavillons zeigt. Ein Jahr später wird sie seine Schülerin und sein Lieblingsmodell.
Edgar Degas aufgegeben zu haben historische Malerei ist ein Freund von geworden Manet um 1865. Manet fühlt er sich am nächsten, auch wenn seine Auffassung von Malerei grundlegend anders ist. Die beiden Männer haben einige Gemeinsamkeiten, auch wenn sie manchmal heftig miteinander kollidieren. Als Degas ein Porträt von Manet und seiner Frau malt, die Klavier spielen, maskiert Manet den Teil der rechten Hand, den er nicht mag. Wütend nimmt Degas seine Arbeit zurück und bemerkt, dass Manet die gleiche Pose für ein Porträt seiner Frau verwendet. Siehe auch Degas ’frühes akademisches Meisterwerk Die Familie Bellelli (1858 & ndash; 67). Vergleichen Sie dies mit seinen späteren impressionistischen Arbeiten Porträts an der Börse (1879). Degas mag das Leben unter freiem Himmel nicht und übt es nur in kurzen Abständen. Zum Beispiel, wenn er überredet ist, mit Manet nach Boulogne-sur-Mer zu fahren und durch die Natur zu fahren. Für beide ist es eine ganz neue Erfahrung und Degas malt eine Reihe von Aquarelle und Pastelle von Strandszenen und Landschaften, an denen er sich weniger für Details interessiert als für die Suche nach einer unpersönlichen, nebligen, fast mythischen Natur. Außerdem ist nichts weniger spontan und frei als wenn er nach langem Nachdenken und Nachdenken arbeitet.
Wie Manet ist er damit beschäftigt, das Leben der Gesellschaft zu übersetzen, aber er geht viel systematischer und methodischer vor. Er hat die Idee, eine Bibliothek mit zeitgenössischen Themen einzurichten, und stellt sich ein ehrgeiziges Programm zusammen, um auf eine Reihe von Themen zurückzugreifen: Musiker und ihre Instrumente; die Bäckerei mit den Formen von Brot und Kuchen; Gesten bei der Ausübung eines Gewerbes, die Hände der Friseure in Aktion, die Bewegung der Beine der Tänzer (die er oft isoliert vom Rest des Körpers malt), die Müdigkeit der Wäscherinnen. Sehen: Frauen bügeln (1884). Bestimmte Themen waren jedoch mit den Sorgen der zukünftigen Impressionisten verbunden. Degas machte sich zum Beispiel daran, die verschiedenen Raucharten zu untersuchen: Zigaretten, Schornsteine, Lokomotiven und Schiffe. Er glaubte, dass die Spiegelung von Globen in Caféspiegeln am Abend Material für interessante Variationen liefern würde, und tatsächlich produzierte er es später in seinen Eindrücken des Musiksaals oder des Cafékonzerts.
Die Beziehung, die zwischen seinen Absichten und den Möglichkeiten besteht, die die Perfektion der Momentaufnahme erst in jüngster Zeit bietet, lässt uns nicht los. Wir wissen auch, dass Degas schon immer Interesse an der Fotografie hatte, mit der er sehr vertraut ist. Bei einer großen Anzahl seiner Gemälde, insbesondere bei seinen Porträts, wurden fotografische Beweise für sein Modell gefunden, in denen er manchmal nach mehreren Experimenten den Ausdruck hervorbringt, den er später genau in seinem Gemälde wiedergeben soll. Es ist auch bekannt, dass Degas auf Anraten von Bracquemond einer der Ersten war, der die Japaner einsammelte Ukiyo-e Holzschnitte von den Großen Hokusai (1760-1849) Hiroshige (1797-1858), Outamaro und Hayashi. Sie interessierten ihn besonders wegen ihrer exzentrischen Komposition und ihrer Verkürzung. Die Fotografie, wie auch die japanischen Gravuren, ermöglicht es ihm, Ansichten von oben und alle Arten zu studieren, Dekorarrangements beredter und nützlicher zu gestalten.
Er ist auch der erste und immer stolz darauf, wenn es um Manet geht, Pferde zu studieren. Den Geschmack dafür bekam er 1862, als er Freunde namens Valpincon besuchte, die in Menil-Hubert in der Nähe des Gestüts Haras du Pin im Departement Orne wohnten. Er untersucht Details des Körpers des Tieres in Ruhe und Bewegung. Im selben Jahr komponiert er seine erste Leinwand zum Thema: "Gentleman’s Race, Before the Start". Es ist schwer zu sagen, wie dies anfangs war, weil er es wieder aufnahm und 1880 fertigstellte, und in der endgültigen Fassung gibt es Spuren sehr viel späterer Erfahrungen.
Dieses Gemälde ist offensichtlich der Grund, warum Manet 1864 "The Races at Longchamps" malte. Aber die Vorstellungen der beiden Maler sind sehr unterschiedlich. Degas arrangiert sehr geschickt, ohne Zweifel im Studio, Silhouetten, die sehr individuell sind und die er separat herstellen musste, um die Harmonie von Pferd und Reiter herzustellen. Manets Idee ist es vor allem, einen Eindruck vom Ganzen zu vermitteln, auf der einen Seite die Masse galoppierender Pferde, die sich vorwärts bewegen, und auf der anderen Seite die sich mischenden Gestalten der Menge, die sich entlang der Strecke erstrecken. Es ist sogar eines seiner Werke, in dem Figuren besser in die Landschaft integriert sind, die sie umgebenden bläulichen oder grünlichen Töne teilen und Teil einer Art allgemeiner Leuchtkraft werden. Siehe auch: Rennpferde vor den Ständen (1868).
Die wichtigste Entdeckung von Degas ist zweifellos die des Bühnengeschäfts. Um 1868 oder 1869, von seinem Freund Desire Dihau, dem Fagottisten im Orchester, an die Oper gebracht, kommt er auf die Idee, die Musiker in ihrer Grube zu präsentieren, in der sie im Allgemeinen halb verborgen sind. Um sie an ihrem Platz zu halten und dennoch genügend Licht zu haben, stellt er sie unter die Scheinwerfer und beleuchtet heftig die Beine und Körper der Tänzer. Von dieser ersten Arbeit an zeigt er einen großen Einfallsreichtum bei der Gestaltung seines Dekors, und obwohl die Musiker im Vordergrund immer noch wie eine Reihe von Porträts behandelt werden können (er stellt einige seiner Freunde vor), ist der Märchenlandeindruck der Bühne im Hintergrund ein Vorläufer späterer Pastelle, in denen der Künstler Variationen des Tanzes darstellt. Siehe auch seine erweiterte Serie von Gemälden von Frauen auf der Toilette, wie zum Beispiel: Frau, die ihr Haar kämmt (1887 & ndash; 90).
Zu dieser Zeit scheint Cezanne, der seine starke Persönlichkeit unter seinen Freunden behauptet hat, in seiner Arbeit ziemlich unterschiedlich zu sein. Nachdem er den Widerstand der Familie überwunden hatte, verließ er die Bank und widmete sich ganz der Malerei, wobei er seine Zeit zwischen Aix-en-Provence und Paris aufteilte. Seine schwere und kraftvolle Arbeit ist immer noch von persönlichen Problemen geprägt. Cezanne ist ein provinzieller, autodidaktischer und einfallsreicher Dichter für seine Zeit, ein pflichtbewusster Sohn, der die römisch-katholische Religion praktiziert, um sein gewalttätiges Temperament zu verteidigen. Er scheint voller Komplexe zu sein, von denen er sich im Übrigen nicht befreien will. Er ist groß, schlank, hat einen schwarzen Bart und eine laute Stimme. Er äußert seine Meinung vehement, ja sogar grob und zeigt eine unkonventionelle Haltung, die sich vom Verhalten seiner Kameraden abhebt. Bei jedem Salon reicht er absichtlich Bilder ein, von denen er glaubt, dass sie die Jury am wahrscheinlichsten schockieren; Wenn er später über ihre systematische Ablehnung überrascht ist, träumt er nie davon, die geringste Konzession zu machen. Für ihn ist Malen das Mittel, sich aus dem Griff seiner Vorstellungskraft zu befreien. Er ist ein großer Bewunderer von Delacroix, Honore Daumier und den Venezianern Romantisch komponiert und produziert sie in einem ungeschickten und überaus aufwendigen Stil. Er stellt seine sentimentalen und erotischen Obsessionen vor, seine Träume von Odalisken und Sklaven, die er nicht mit Liebe und Inbrunst, sondern mit Spott über das Unmögliche umgeht. Hinter dieser scheinbaren Grobheit verbirgt sich jedoch eine systematische Überlegung, ein System zum Malen und Organisieren einer Leinwand zu entwickeln. Er möchte die Solidität und Beständigkeit der Dinge hervorheben und er betrachtet das Fühlen nur als ein Mittel, um einen dauerhaften Überschuss an Emotionen zu erreichen. Wenn er weit hinter der Entwicklung seiner Freunde zurückzubleiben scheint, macht er immer noch Fortschritte in seiner Idee. er ist derjenige, der am weitesten gehen will und es schaffen soll.
In der ersten Phase widmet er sich der Fixierung seiner Eindrücke auf detaillierte und fast elementare Themen. Kühn platziert er sein Stillleben auf weißen Tüchern, die die Formen betonen, und die Brillanz der Farben wird durch die Verwendung von schwarzen Flecken erhöht, die er von Manet entlehnt. Seine ersten, in dicker Paste aufgetragenen Porträts mit bisweilen lebensgroßen Figuren halten sich streng an das ideologische Ziel, das er verfolgt. Sein Vater, der einen Roman liest, steht vor der weißlichen Abdeckung seines Sessels. Seine Freunde Zola und Alexis werden neugierig auf einen Sitz und Kissen wie orientalische Weise gelegt und von allen nutzlosen Accessoires oder Dekorationen befreit. (Man kann nicht anders, als an Manets Porträt von Zola zu denken, das fast zeitgemäß ist und in dem das Gesicht nur wenig zählt, während die Komposition alles enthält, was darauf abzielt, den Mann, seinen Geschmack und das, was ihn interessiert, darzustellen.) In diesem Licht arbeitet Cezanne dann erscheint einzigartig mutig und innovativ, was das Wesentliche daran ist.
Cezanne ist auch das Bindeglied zwischen der Zukunft Impressionistische Maler und der Mann, der ihr erster ideologischer Verteidiger werden soll, Zola. In unzähligen Gesprächen mit Cezanne versteht Zola die Bedeutung von Manet und erkennt, welche Rolle er auf seiner Seite spielen könnte. Tatsächlich lehnte die Salon-Jury, die keine Wiederholung des Olympia-Skandals sehen wollte, 1866 alle Beiträge von Manet, einschließlich der "Fifer", auf einen Schlag ab. Zola, die zugestimmt hatte, Rezensionen zu schreiben Salon für die neue Tageszeitung "L’Evenement" begann er seine Artikel mit zwei Angriffen auf die Jury. In seinem dritten Artikel definiert er seine eigene Vorstellung von einem Kunstwerk als eine Kombination aus zwei Elementen, einem festen und einem realen, der Natur und dem anderen individuellen und subjektiven, dem Temperament des Künstlers. Er warnt mutig vor einer im Realismus zu knappen Vorstellung, die, wie er sagt, nichts ist, wenn sie den Realismus nicht dem Temperament unterwirft. Nach diesen Grundsätzen widmet er den gesamten vierten Artikel Manet, der in der Tat von der Ausstellung ausgeschlossen wurde. Er bringt seine Bewunderung nicht nur für die "Fifer", sondern auch für frühere Gemälde auf Papier: "Le Diner sur L’Herbe" (wie es zuerst betitelt wurde) und "Olympia", ist in der Louvre. Die Proteste von Lesern und Abonnenten sind so stark, dass der Herausgeber beschließt, die Anzahl der Artikel von Zola zu reduzieren und sie durch die eines konformistischeren Kritikers zu ersetzen. Zola schreibt nicht einmal die drei verbleibenden Artikel, die er in Auftrag gegeben hat, und nach einer kurzen Laudatio von Camille Corot (1797-1875) Charles Daubigny (1817-78) und Camille Pissarro (1830-1903) beendet seinen Beitrag. Aber er veröffentlicht alle seine Artikel in einer Broschüre, die er Paul Cezanne widmet, mit dem er erklärt, er werde allein die Gespräche führen, die sie über zehn Jahre geführt haben, oft zusammen, über die großen Probleme des künstlerischen Schaffens.
Ein Jahr später, vor der Eröffnung der Weltausstellung, in der Manet, wie Courbet, hat sich entschlossen, einen privaten Stand zu mieten, an dem er seine Werke ganz frei zeigen kann. Zola veröffentlicht eine lange Studie über Manet und seine Werke, in der er sehr sachdienlich auf den neuen Beitrag des Künstlers zur Kunst hinweist. Für ihn liegt Manets Stärke darin, in festen Massen zu malen, den Tache (Fleck) entdeckt zu haben, immer mit einem klareren Ton anzufangen, als er in der Natur existiert. Er sieht sehr deutlich, dass Manets Gemälde im ersten und etwas harten Eindruck nur Zartheit zeigt, dass seine Farben nie aufgeschüttet werden und seine Wirkung nicht erzwungen wird, dass seine Werte wahr sind, seine Blässe stark und seine Einfachheit dem Standard des Museums entsprechen. Er kommentiert seine Arbeiten unparteiisch, sieht in "Olympia" das Fleisch und Blut des Malers und betont die Bedeutung seiner neuen Seestücke.
Heute gibt es an diesen Zeilen nicht viel zu ändern, obwohl sie geschrieben wurden, als Manet erst in der Mitte seines Lebenswerks war. Erinnern Sie sich einfach an diese Definition des Malers Severini: "Hier ist der neue Prozess des Taches, die exklusive Suche nach dem Ton und die neue Harmonie von Violetttönen. Man könnte sagen, dass das Verfahren in der Kunst wenig zählt, das aus Monets aller modernen Malerei hervorgegangen ist. "
Impressionistentreffen im Cafe Guerbois
Manets Pavillon in der Ausstellung von 1867 war nicht der Erfolg, den er sich erhofft hatte, während Courbets mit 110 Werken viel mehr Aufmerksamkeit in der Öffentlichkeit auf sich zog, als Manets alte Streitereien wieder auflebten. In Manets Werk ist jedoch das Wesentliche seiner Arbeit in fünfzig Gemälden zu sehen, die auf würdevolle und bescheidene Weise präsentiert werden, wobei der Maler lediglich das Publikum einlädt, "einige aufrichtige Werke" anzusehen. Diese Ausstellung ermöglicht es allen jüngeren Malern, die Bedeutung und das Ausmaß von Manets Werken zu messen. Nur er konnte eine so neue und bedeutende Sammlung von Werken präsentieren. Sogar die Idee einer Ausstellung sollte von seinen Kameraden beibehalten werden. Monet und seine Freunde dachten daran, nach Ausstellungsschluss einen Pavillon zu nehmen, um ihrerseits Werke zu zeigen, die systematisch präsentiert werden könnten, ohne den Nachteil einer Nachbarshow. Auch wenn sie das Geld für die Inszenierung der Ausstellung nicht finden konnten, blieb es doch ihr Ziel. Zolas Intervention auf der Seite von Manet sollte auch bleibende Auswirkungen haben und den Treffen der jungen Künstler und Schriftsteller eine theoretische Anknüpfung verleihen.
Manet pflegte, wie andere Männer der damaligen Zeit, abends ein besonderes Café zu besuchen: zuerst das Cafe de Bade am 26 Boulevard des Italiens. Aber dieses Café hat viele Kunden verschiedener Typen. Dann zeigt er eine ausgeprägtere Vorliebe für ein kleineres Café in der Rue des Batignolles 11 (heute Avenue de Clichy), das Cafe Guerbois. Dort gewöhnen er und seine Künstler- und Schriftstellerfreunde sich an Treffen. Sie sind dort jeden Abend zu finden, je nach Belieben, aber jeden Donnerstag waren sie alle da. Manet war der Älteste, der Anführer, aber er war voller Lebhaftigkeit und hielt sich immer an Höflichkeit und exquisite Verfeinerung in der Diskussion. Unter denen, die es gewohnt waren, sich zu treffen, waren: Schriftsteller und Kritiker wie Zola, Duranty, Astruc, Duret, Burty und Cladel; Künstler wie Fantin-Latour, Guillemet, Bracquemond, Degas, dann Bazille, Cezanne, Sisley, Monet, Pissarro und Desboutin; und nur Freunde wie Kommandant Lejosne, der Musiker Maitre und der Fotograf Nadar.
Bei diesen brillanten Treffen, bei denen manchmal scharfer Witz floss, hatten Manet und seine Schriftstellerfreunde sowie Degas – trotz seiner eindringlichen Monotonie zweifellos in der Diskussion – zunächst den Löwenanteil der Diskussion. Aber allmählich scheinen Probleme, die nur bildlichen, hauptsächlich technischen Interesses bedürfen, die Oberhand zu gewinnen, und sie werden mit großer Ernsthaftigkeit diskutiert. Monet, der mehr zuhörte als redete, vielleicht schüchtern von seiner Erziehung, erläuterte seine vielen Erfahrungen. Cezanne unterbrach mit einer manchmal nicht ganz nachvollziehbaren Heftigkeit, um zu betonen, was er für wesentlich hielt. Renoir, dessen Verstand nicht theoretisch war, drückte seine persönlichen nonkonformistischen Ideen humorvoll und auf natürliche Weise aus. Pissarro, der manchmal aus Louveciennes kam, beeindruckte alle mit der Großzügigkeit seiner Ideen und der unbezwingbaren Güte seiner Überzeugungen. Aus ihren Diskussionen und Meinungsverschiedenheiten ging die Gruppe geschlossener und freundlicher hervor und nahm eine klar definierte Form an. Die Treffen im Cafe Guerbois haben ab 1867 an Bedeutung gewonnen und müssen im Wesentlichen aus den Jahren 1868 und 1869 stammen. Wenn sie den Krieg nicht überstanden haben, dann deshalb, weil sie bereits ihr Ziel erreicht hatten: den Künstlern zu ermöglichen, sich besser kennenzulernen und ihre Ziele zu definieren Positionen deutlicher. In dieser Phase musste die Diskussion unter den Künstlern der Arbeit weichen. Darüber hinaus ist es symptomatisch, dass Fantin-Latour Ich hätte es vorziehen sollen, die Gruppe und seine Freunde nicht im Café, sondern in einem idealen imaginären Studio unterzubringen. Auf dieser Leinwand "Ein Atelier in Batignolles", die 1869 gemalt und 1870 ausgestellt wurde, sitzt Manet und ist von Renoir, Bazille, Monet, Astruc, Zola und Maitre sowie dem deutschen Maler Scholderer umgeben. Tatsächlich gab es viele solcher Treffen, nicht bei Manet, sondern bei Bazille. Bazille hatte sich in der Nähe des Cafe Guerbois niedergelassen und ein kleines Gemälde aus dem Jahr 1870 als Skizze freigelassen, das zeigt, wie er und seine Freunde plauderten und arbeiteten. In dieser Arbeit diskutieren Manet und Monet die Leinwand, die Bazille malt, während Maitre Klavier spielt und Zola mit Sisley spricht. Es war Manet, der die Figur von Bazille malte.
Siehe den Kunsthändler und Meister der Impressionisten Paul Durand-Ruel.
Gemälde von Renoir, Sisley, Pissarro, Degas und Cezanne
NÄCHSTER:
❻ Claude Monet und Camille Pissarro reisen nach London.
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