Spaltungen der impressionistischen Gruppe (ab 1882) Automatische übersetzen

Die Ausstellung von 1882 war das Ergebnis der Bemühungen Durand-Ruels, eine gemeinsame Front vor dem Publikum zu bilden, eine neue Solidarität zwischen den Künstlern zu schmieden. Aber die Künstler selbst haben nicht mehr den Willen, gemeinsam zu handeln. Es gibt kein Ziel mehr im kollektiven Kampf, und keiner von ihnen hat Ambitionen, jetzt, da das Fummeln im Dunkeln und die Ungewissheit vorbei sind, etwas anderes zu tun, als dem eingeschlagenen Weg zu folgen. Dies kommt am besten in den privaten Ausstellungen des Impressionismus zum Ausdruck, die in der neuen, von Paul Durand-Ruel eröffneten Galerie am Boulevard Madeleine stattfinden und in denen 1883 Werke von Boudin und Monet (März), Renoir (April), Pissarro (Mai) und Sisley (Juni) gezeigt werden.

❶ Ursprünge und Einfluss
❷ Frühgeschichte
❸ Impressionist Édouard Manet
❹ Impressionist Claude Monet
❺ Impressionisten Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cézanne
❻ Monet und Pissarro in London
❼ Entwicklung der impressionistischen Malerei
❽ Impressionistische Ausstellungen
❾ Einteilung in Gruppen
❿ Vermächtnis

Die Künstler des Impressionismus selbst sind weit weg von Paris, ziehen sich zurück und lassen sich an einem dauerhaften Ort nieder, um zu malen und ihr Werk zu entwickeln. Sisley ist in St. Mamm, in der Nähe der Maures und des Canal du Loin. Monet - in Giwemy, in der Nähe von Vémont, am Fluss Eure, mit der Witwe Hochede, die seine zweite Frau werden sollte (Camille starb 1878, erschöpft von Entbehrungen und Entbehrungen). Pissarro lässt sich in Éraigny, im Herzen von Vexin, nieder. Cézanne lebte die meiste Zeit in Aix, wo sein Familienleben, abgesehen vom Tod des Vaters, durch die Heirat mit Hortense Fiquet endgültig stabilisiert wurde. Er arbeitet in der Abgeschiedenheit seines Anwesens Jas de Bouffan. Nur Renoir führt einen anderen Lebensstil und verbringt zehn Jahre als eine Art geistiger und körperlicher Vagabund, bevor er schließlich die Mittelmeerküste als Ort und Modell für das Eden wählt, das in seinem Werk aufblüht.

Dennoch sollte man nicht denken, dass sich die Künstler völlig zurückgezogen haben. Die bitteren Gedanken, die einige von ihnen hegen, können nicht darüber hinwegtäuschen, dass ihre Verbundenheit nach wie vor tief ist und ihre Freundschaft sie in gewissem Maße zusammenhält. Sie besuchen sich gegenseitig auf ihren Reisen und bleiben manchmal für längere Zeit im Haus des anderen. Renoir besucht Cézanne mehrere Male (1882, 1883, 1888 und 1889), einmal in Begleitung von Monet, und Cézanne besucht seinerseits Renoir in La Roche-Guyon und Monet in Giverny.

Später sind ihre Kinder eng miteinander verbunden, aber als Mitglieder der gleichen Familie. Sie tauschen Ideen und Erfahrungen aus, und das umso besser, wenn sie nicht übereinstimmen. Sie legen größten Wert auf die Meinungen, die sie über ihre eigenen Werke formulieren.

Sie sind verbunden durch das, was sie erlebt haben, und durch die Hilfe für die Verstorbenen. Zu ihren künstlerischen Zielen siehe: Charakterisierung der impressionistischen Malerei 1870-1910

Monets Bemühungen sichern den Erfolg der Subskription, die eröffnet wird, um Manets Gemälde „Olympia“ zu erwerben und es 1890 dem Luxemburger Museum zu schenken. Ebenso gelingt es Renoir, Testamentsvollstrecker von Gustave Caillebotte, die Zweifel der Verwaltung der Beaux-Arts zu überwinden und sie dazu zu bringen, das Erbe dieser großartigen Sammlung an den Staat zu akzeptieren (leider nur achtunddreißig der siebenundsechzig Gemälde). 1895 organisiert Vollard auf Drängen von Pissarro die erste Cézanne-Ausstellung, die in einer einzigen Schau die gigantische Größe des Künstlers zeigt.

Doch da die Künstler in den verbleibenden Jahren ihres Lebens damit beschäftigt sind, ihre persönlichen Werke zu vollenden, bleiben sie gleichgültig gegenüber neuen Entdeckungen und den jungen Persönlichkeiten, die neben ihnen auftauchen und die bald überflügelt zu sein scheinen. Im zweiten Teil dieser Arbeit werden wir jedoch sehen, wie Cézanne, Degas, Renoir und Monet ihre unmittelbaren Nachfolger überlebten und wie ihr Werk, das manchmal als anachronistisch und veraltet angesehen wird, eine unvergleichliche Präsenz und Kraft und nach Jahren der Verfinsterung eine überraschende Aktualität bewahrt.

Nur Pissarro, der stets großzügig und enthusiastisch ist, hält den Kontakt zu den Künstlern der neuen Generation, die nach 1880 in den Vordergrund tritt. Er ist es, der die späte Entwicklung von Gauguins Berufung fördert und ihm jede Unterstützung gibt, während Gauguin sich vom Wochenendmaler und Sammler zum Lieblingskünstler wandelt.

1883 kommt Gauguin zu ihm nach Rouen, um mit ihm zu arbeiten. Pissarro interessiert sich bald für Georges Sera, der sich mit der Überzeugung und dem Eifer eines Neulings der strengen wissenschaftlichen Rechtfertigung der Triumphe des Impressionismus widmet und 1884 zusammen mit einer Gruppe von Künstlern, die vom Salon abgelehnt wurden , eine neue Vereinigung „der Unabhängigen“ gründet, in der jeder frei ausstellen kann, ohne einer Jury zu unterliegen.

Zu einer Zeit, in der Durand-Ruel versucht, eine Ausstellung in New York zu organisieren, hält Berthe Morisot es für angebracht, die Bedeutung der Impressionisten als Gruppe in einer parallelen Ausstellung in Paris zu zeigen. Pissarro, der an allen bisherigen Ausstellungen allein teilgenommen hatte, bat darum, mit seinen neuen Freunden ausstellen zu dürfen. Monet, gefolgt von Renoir, Caibotte und Sisley, lehnten ab und nahmen an der Internationalen Ausstellung teil, die zur gleichen Zeit von Georges Petit organisiert wurde. Es ist die letzte Ausstellung der impressionistischen Gruppe, die von Pissarro dominiert wird, und durch ihn wird der Weg in die Zukunft eröffnet. Pissarro zeigt zwanzig Gemälde im neuen Stil, und Serats Komposition „Grand Jatte“ und seine Landschaften von Grandcamp sorgen für Furore. Serat und Signac werden von Durand-Ruel für die New Yorker Ausstellung akzeptiert.

Ein wichtiger Wendepunkt war die Veröffentlichung eines wichtigen Artikels „Impressionisten“ von Félix Fénéon im Jahr 1886 , der vom Niedergang des Impressionismus sprach und sich auf die Seite von Serat und Signac stellte, für die der Kritiker den Namen „Neoimpressionismus“ prägte.

Das Schicksal der Impressionisten

Nach der halbwegs erfolgreichen Ausstellung von 1886 bleiben nur einige verstreute Manifestationen des gemeinsamen Ziels der Suche der Impressionisten. In den Jahren 1886 und 1887 sind Monet, Renoir und dann Sisley erneut auf der Internationalen Ausstellung von Georges Petit zu sehen. 1889 stellt Monet in der gleichen Galerie wie Rodin aus, das erste und einzige Mal, dass der Bildhauer öffentlich die Möglichkeit aufzeigt, die Ideale des Impressionismus auf etwas anderes als die Malerei anzuwenden.

Parallel zur Entwicklung der Malerei gab es in der Tat eine recht rege Tätigkeit ähnlicher Untersuchungen von Bildhauern wie dem Italiener Medardo Rosso und später Rodin. Es sollte nicht vergessen werden, dass ab 1880 ein Großteil von Degas’ Werk bildhauerisch ist. Die Geschichte der impressionistischen Bildhauerei muss erst noch geschrieben werden, aber sie wird zweifellos viele interessante Gemeinsamkeiten aufzeigen.

An dieser allgemeinen Ausstellung von 1889 nimmt Monet mit einer echten Retrospektive seiner Malerei seit 1864 teil. Das von Octave Mirbeau verfasste Vorwort spricht von der neu geschaffenen Natur „mit ihrem kosmischen Mechanismus“. Trotz ihrer ständigen Streitigkeiten kehren die Künstler schließlich zu Durand-Ruel zurück. In seiner Galerie zeigt Monet seine Serien „Heuhaufen“ (1891) und „Pappeln“ (1892), und Pissarro, der aus dem Neoimpressionismus hervorgeht, hat 1892 seine erste große Ausstellung, gefolgt von Renoir einige Monate später.

Auch während der Zeit des Divisionalismus bleibt Pissarro seinen Strichen in Form von Kommas treu, die er den Punkten vorzieht. Er praktiziert den eigentlichen Pointillismus nur sehr kurz, als er von den jungen Künstlern Toulouse-Lautrec und Van Gogh dazu ermutigt wird. Er versucht, die Lebendigkeit der Emotionen in der von Serat formulierten wissenschaftlichen Technik aufrechtzuerhalten, aber dies erfordert eine detaillierte und anstrengende Arbeit und zwingt ihn, sehr langsam zu malen. Nach dem Tod von Serat gibt er dessen Theorie auf und nimmt in großer Abgeschiedenheit seine persönliche Technik mehr oder weniger dort wieder auf, wo er sie aufgegeben hatte.

Die Impressionisten überlebten ihre unmittelbaren Nachfolger. Van Gogh verschwindet ab 1890, gefolgt von Serat im Jahr 1891. Gauguin verlässt Frankreich 1895 für immer, und Toulouse-Lautrec, der seit 1896 sehr krank war, stirbt 1901. Die manchmal erahnte Bedeutung dieser Künstler, der theoretische Wert der Werke dieser wenigen erstaunlichen Genies, der sich zum Teil allein aus dem Impressionismus ergibt, hat keinen Einfluss auf die tiefgreifende Entwicklung des Impressionismus.

Es scheint sogar, dass die Impressionisten mit der endgültigen Weihe ihrer Kunst und mit dem Alter den Enthusiasmus ihrer Jugend wiedererlangen und sich in einer freieren, breiteren und visionäreren Form ausdrücken. Vielleicht zeigt nur Sisley - und er ist der erste, der 1889 aussteigt - ein Nachlassen der Inspiration. Das Leben hat ihn am härtesten getroffen und ihm bis zum Schluss die Anerkennung seines Werks und den materiellen Erfolg seiner Freunde verwehrt. Seine Werke, die mit zahlreichen Markierungen ausgeführt werden und sich hauptsächlich auf die genaue Wiedergabe stützen, verlieren allmählich an Intensität, da sie nicht jenen belebenden Lufthauch, jenen vereinfachenden Rhythmus finden, der es anderen Impressionisten ermöglichte, sich im Vergleich zu übertreffen. Seine Versuche, die Farben zu intensivieren, zerstören das fragile Gleichgewicht.

Das Werk von Pissarro, das immer noch sehr reichhaltig ist, zeigt auch ein wenig den Lauf der Zeit. Trotz seines Alters und seines Gebrechens (Augenkrankheit) behält Pissarro seinen apostolischen Eifer und seinen außerordentlichen Tatendrang bis zum Ende bei. Er reist ständig durch die Welt auf der Suche nach neuen Motiven, kehrt aber schließlich zu vertrauten Motiven zurück. Man findet ihn in London, in Holland, in der Normandie, aber der vertraute Hafen von Rouen mit seinen Ladungen auf der Seine, die Ausblicke auf Paris, der Kai, der Kreisverkehr und der Blick aus dem Hotelfenster „der Louvre“ geben ihm die beste Inspiration. In dieser Inszenierung, die in der Ausführung vielleicht etwas flach ist, sieht man großes Geschick, eine außergewöhnliche Kenntnis von Harmonie und Konsonanz. Und wer wird nicht von der Tatsache berührt, dass Pissarro mit Blindheit und Alter kämpft, um leichtere und hellere Bilder zu schaffen?

Huysmans stellte 1889 fest, dass der damals fast vergessene Cézanne mehr als andere zur impressionistischen Bewegung beigetragen hatte. Da der Kubismus der konstruktiven Periode des Künstlers große Bedeutung beimisst, ist diese Aussage seit langem umstritten und unserer Meinung nach falsch. Cézanne verlässt den Impressionismus mit der Absicht, aus ihm „etwas Solides und Dauerhaftes zu machen, wie die Kunst der Museen“, ein Wunsch, der schließlich von seinen Mitarbeitern geteilt wird. Aber er hat nie verheimlicht, dass die Inspiration aus „einem kleinen Gefühl“ kommt und dass er nie aufhört, sich für das Thema im Freien zu interessieren.

Während seiner langen Studien der Malerei im Freien, in der Sonne und im Regen, erkrankte er an der Krankheit, an der er starb. Er vernachlässigt die Schwankungen der Atmosphäre ebenso wenig wie Monet. Aber er geht freiwillig in ein anderes Licht, das Licht des Midi, das weniger beweglich und weniger wechselhaft ist. Es ist daher ganz normal, dass er, unbeeinflusst von der Vergänglichkeit der Zeit und den subtilen Veränderungen, bei dem Licht stehen bleibt, das die wesentliche Form des Objekts am besten definiert und, in seinen eigenen Worten, „moduliert“.

Um die Form besser durch Farbe auszudrücken, behandelt er die Oberfläche mit Rhythmen und geometrischen Figuren, den berühmten „Zylindern, Kegeln und Kugeln“ ; aber diese geometrischen Formen haben keinen eigenständigen Wert und sind immer mit absoluter Treue zu Aspekten der Realität überlagert. Sie verzichten also nicht auf die Konzepte des Impressionismus, sondern interpretieren ihn in einem kartesianischen, begründeten und klaren Geist (zu einer Zeit, in der andere versuchen, ihn auf eine wissenschaftliche Formel zu reduzieren). Er will die Natur so zeigen, wie sie ist, das heißt, wie der Mensch sie sieht, ohne Licht, obsessive Phantasie und Drama.

Seine geschlossene Lebensweise, ohne Ablenkungen, erlaubt es ihm, Tag für Tag eine völlig individualisierte Technik zu perfektionieren, die bis zum Äußersten aufgehellt ist. Es gelingt ihm, die dichteste Konstruktion zu relativieren und die Zeichnung über die Ränder der Leinwand hinaus zu führen. In dieser Hinsicht erlaubt ihm die Verwendung von Aquarellfarben und verdünnten Tuschen eine maximale Ökonomie der Mittel.

Alle seine Werke sind in eine bläuliche Atmosphäre getaucht, die tief gestaffelte Räume schafft. Seine Welt dehnt sich aus. Das zerklüftete Land der Provence, ein sich kaum veränderndes Terrain, dessen Massen und Konturen sich in einem immer blauen Himmel auflösen, erlaubt ihm, absolute Wahrheit zu erreichen. Seine Synthese entsteht nicht aus abstrakten Elementen, sondern aus dem Konkreten und Offensichtlichen. So verwirklicht er, wenn auch immer im Zweifel, seinen Traum von „Poussin nach der Natur“.

Aber diese Idee setzt sich nicht durch und entwickelt sich in den letzten Lebensjahren Cézannes sogar zu einer großen Farbexplosion. In seinen letzten Bemühungen findet Cézanne neue Akzente, um seine Auseinandersetzung mit den kosmischen Kräften der Natur auszudrücken. Venturi hat Recht, wenn er die Parallelen zwischen den letzten Werken von Renoir und Cézanne feststellt (und Monet war nicht so weit von ihnen entfernt). Bei Cézanne ist die Farbe, auch wenn sie auf verschiedene Blau- und Ockertöne reduziert ist, belebt und „singt“, und die Strukturen, denen er so viel Bedeutung beimaß, werden zu bloßen Begleiterscheinungen. "Die transparenten Flächen taumeln und bewegen sich wie Schallwellen", schreibt Jean Leymarie.

Degas, der bereits seit mehreren Jahren an einer nachlassenden Sehkraft leidet, ist gezwungen, gesättigtere Farben zu verwenden. Seine Behinderung führt zu einer Ausweitung und Verwischung der Formen. Ironischerweise führt dies dazu, dass seine späten Werke dem Impressionismus näher stehen als je zuvor. Er wendet sich zunehmend der taktilen Praxis der Bildhauerei zu. Sein merkwürdiges Leben, in dem er die meiste Zeit über so wohlhabend war, dass er seine Gemälde nie verkaufen konnte, in dem aber auch keine Spur von Romantik zu finden war, endet mit der tatsächlichen Erblindung. Bei seinem Tod hinterlässt er mehr als 2.000 Ölgemälde und 150 Skulpturen. Für weitere Informationen siehe: Die besten Gemälde des Impressionismus .

Auch Renoirs Werk gipfelt in einer Hymne an die Natur, die vielleicht weniger religiös ist als die von Cézanne, sondern eher dionysisch und heidnisch. Von 1884 bis 1890, in der so genannten „sauren“ Periode, stellt er sich selbst auf die Probe, indem er all die Präzision der Form vermittelt, deren Verschwinden er im Zauber des Impressionismus fürchtete. Seine Zeichnung, die Raphael oder Engra würdig ist, verkörpert leuchtende, wie emaillierte, Farben. Aber bald muss er diese Überreaktion, diesen Geiz, der seinem Temperament so ähnlich ist, aufgeben.

Nach den reizvollen Schattierungen „der perlenden“ Periode entscheidet er sich, wahrscheinlich mehr unter dem Einfluss von Cézanne als von Monet, die Form in eine leichte Atmosphäre zu integrieren, die ihr Wärme verleiht und sie betont, ohne sie aufzulösen. So wendet er sich frei den Figuren zu, indem er ihre Individualität überwindet, und den Akten, die er in einen leichten Mantel kleidet, der sie belebt und lebendig macht. Als er sich schließlich um 1900 im Midi niederlässt, beginnt sich seine Kunst königlich zu entwickeln. Sein geschmeidiger und umhüllender Pinselstrich betont und bereichert Massen und Volumen.

Albert André beschreibt die Geburt Renoirs so: Aus dem farbigen Nebel, den die stumpfen Pinselstriche erzeugen, "erscheinen weiche, runde Formen, die wie Juwelen funkeln und von transparenten, vergoldeten Wellen umhüllt sind". Renoirs endgültige Palette zeichnet sich durch großen Reichtum aus: in den Körperbildern dominieren glühende rote Farben, in denen das ganze Pulsieren des Lebens zu spüren ist, und in den Landschaften - intensive blau-grüne Harmonie. Sein Werk gipfelt in einer monumentalen Poesie.

Wir bedanken uns für die Verwendung eines Auszugs aus dem Buch „Impressionismus“ von Jacques Lassagne (1966).