Biomorphe Abstraktion:
Organische Formen in Skulptur, Malerei Automatische übersetzen

In der bildenden Kunst beschreibt der Begriff „biomorphe Abstraktion“ die Verwendung von abgerundeten abstrakten Formen, die auf den in der Natur vorkommenden Formen basieren. Diese Art der abstrakten Kunst, die auch als organische Abstraktion bezeichnet wird, ist keine Schule oder Bewegung, sondern ein herausragendes Merkmal im Werk vieler verschiedener Künstler, wie Wassily Kandinsky (1866-1944), Constantin Brancusi (1876-1957) und Künstlern der Jugendstilbewegung. Am häufigsten wird er jedoch auf die Werke der Surrealisten Jean Arp (1886-1966), Juan Miró (1893-1983) und Yves Tanguy (1900-1955) sowie der britischen Bildhauer Barbara Hepworth (1903-1975) und Henry Moore (1898-1986) angewendet.

Die biomorphe Abstraktion findet sich sowohl in der abstrakten Malerei als auch in der abstrakten Bildhauerei und im Design von Möbeln wieder und wurde mit der Philosophie von Henri Bergson (1859-1941) in Verbindung gebracht, der glaubte, dass evolutionäre Prozesse (Natur) und künstlerisches Schaffen (Kunst) aus derselben Quelle stammen. Der Stil erlebte seine Blütezeit in den 1930er und 1940er Jahren: Der Begriff „biomorphe Skulptur“ wurde erstmals 1936 von Alfred H. Barr verwendet. Zu dieser Form der organischen Abstraktion in Großbritannien siehe auch: Modern British Sculpture 1930-70

Biomorphe Formen in der Bildhauerei

Obwohl biomorphe Formen in der Malerei und in der Bildhauerei bereits 1913 aufgetaucht waren, wurde die Natur erst nach der Zerstörung der utopischen Visionen des Futurismus, Kubismus und Konstruktivismus durch den Stalinismus, die Weltwirtschaftskrise und den Nationalsozialismus von der Wissenschaft als Hauptinspirationsquelle für Maler und Bildhauer abgelöst. Die organische Abstraktion versuchte nicht, rational zu bauen oder zu konstruieren, sondern die Keimkräfte der Natur nachzuahmen. Ausgehend von den fließenden Formen von Rodin, den organisch geschwungenen Formen des Jugendstils und des Art Nouveau, den eiförmigen Formen von Constantin Brancusi, zog sie sogar Konstruktivisten an, wie Vladimir Tatlin (1885-1953), der sein fliegendes Ding Letatlin eher auf einem organisch-biodynamischen als auf einem mechanischen Prinzip (dem Vogelflug) aufbaute.

Seine wichtigsten Vertreter der plastischen Kunst kamen aus verschiedenen europäischen Ländern. In Deutschland schuf Jean Arp fließende Formen (Konkretionen) von reinem Naturalismus, in denen Pflanzen, Tiere und Torsi lebhaft kombiniert wurden; und Karl Hartung öffnete seine abstrakte Skulptur, um Aussparungen, Brüche und kühne Vorsprünge zu umfassen. In Frankreich griff Henri Etienne-Martin (1913-1995) auf die Wurzeln der Architektur zurück, um eine Reihe von imaginären Behausungen zu schaffen, während die in Argentinien geborene Alicia Penalba (1918-2009) üppige erotische Symbole in Ton modellierte.

Im Großbritannien der frühen 1930er Jahre kombinierte Henry Moore humanoide Formen, afrikanische und ozeanische Kulturen und organische Abstraktion in einem vielfältigen, eklektischen Stil, der die Methodik der Moderne mit griechischer Skulptur in Einklang brachte. Seine zahlreichen „Liegenden Figuren“ hoben und senkten sich wie die Konturen der Hügel und Täler Yorkshires und veranschaulichten seine Überzeugung, dass sich die Landschaft in der menschlichen Figur widerspiegeln kann. Später in seiner Karriere brachte er seinen Biomorphismus in monumentaleren Formen zum Ausdruck. Er war Mitglied der Künstlergruppe „Abstraction-Creation“, zu der auch der in Pommern geborene Otto Freundlich, der britische Bildhauer Ben Nicholson (1894-1982) und seine Frau Barbara Hepworth (1903-1975) gehörten. Freundlich und Hepworth trugen zur Konsolidierung der biomorphen Impulse der 1930er Jahre bei: Freundlich mit seinen energiegeladenen Abstraktionen wie „Ascension“ ; Hepworth mit ihrem Leitmotiv hollow core.

Biomorphes in der Malerei

Die wichtigsten Künstler, die sich biomorpher Formen bedienten, waren der russische Maler Wassily Kandinsky, der vielseitige spanische Surrealist Juan Miró, der französische Surrealist Yves Tanguy und der armenische Maler Arshile Gorki, aber auch andere Künstler wie Paul Klee (1879-1940) waren sehr einflussreich.

Wassily Kandinsky ging vom Expressionismus (er war einer der Gründer von Der Blaue Reiter und ein Pionier in der emotionalen Verwendung von Farbe) zu einem Stil der Abstraktion über, in dem er versuchte, alle Spuren der realen Welt zu entfernen. Seine Verwendung von organischen Formen war eine Übergangsstufe in diesem Prozess.

Juan Miró, wie Tanguy ein Verfechter des Surrealismus, versuchte, seine unterbewusste Kreativität in einem wahrhaft surrealistischen Stil zu entfesseln: Frühe Werke wie „Harlekin-Karneval“ (1924-5) enthielten eine bizarre Ansammlung insektenartiger Formen, die tanzten und musizierten, während spätere Werke minimalistische amöbenartige Kreaturen enthielten.

Yves Tanguy schuf seine eigene Welt der Meerestiere, wie sein außergewöhnliches Werk „Band der Extreme“ (1932) mit seiner Prozession von Biomorphen über eine strandähnliche Fläche zeigt.

Arshile Gorki emigrierte nach Amerika, wo er einige Jahre vor seinem tragischen Tod die europäischen Emigranten Joan Miró und Robert Matta kennenlernte, unter deren Einfluss er seinen charakteristischen Stil „der in leuchtenden Farben schwebenden lebenden Organismen“ schuf.

Natürliche Formen in der Kunst

Die Formen der Skulpturen von Arp, Miró und Moore zeigen eine deutliche Ähnlichkeit mit natürlichen Formen wie Knochen, Muscheln und Kieselsteinen. Ihre Werke erlangten große Popularität, und Moore schrieb 1937 über seine Überzeugung, dass es universelle natürliche Formen gibt, zu denen alle Menschen unbewusst bereit sind und auf die sie reagieren können, sofern ihre bewusste Kontrolle sie nicht außer Kraft setzt. Diese Anziehungskraft erstreckte sich auch auf andere Künstler - wie Alexander Calder (1898-1976), Isamu Noguchi (1904-1988) und die Abstrakten Expressionisten - sowie auf eine Generation von Möbeldesignern, insbesondere in den USA, Skandinavien und Italien.

Obwohl die Natur selbst eine wichtige Inspirationsquelle für Hepworth, Moore und Arp war, waren für die Designer der 1940er und 1950er Jahre die abgerundeten, frei fließenden Formen ihrer Skulpturen, die als „Zeichnungen im Raum“ bewundert wurden, entscheidend.

Die Verwendung von organischen Formen im amerikanischen Design

Zu den prominenten Möbeldesignern in den Vereinigten Staaten gehörten Charles Eames (1907-1978) und seine Frau Ray Eames (1912-1988), Noguchi und Finn Eero Saarinen (1910-1961). Charles Eames und Saarinen wurden 1940 berühmt, als ihre gemeinsamen Entwürfe für Wohnzimmermöbel den ersten Preis in einem Wettbewerb „Organic Design in Home Furnishings“ im Museum of Modern Art in New York gewannen.

1946 war Eames der erste Designer, der in diesem Museum eine Einzelausstellung hatte. Das Beispiel von Avantgarde-Künstlern und Industriedesignern (vor allem in der Luftfahrt- und Automobilindustrie) und innovative technologische Entwicklungen (z. B. neue Biegetechniken und neue Laminate aus verschiedenen Materialien) ermöglichten es den Möbeldesignern, zunehmend organische Designs zu entwerfen. In Verbindung mit der allgemeinen Auffassung, dass runde Formen bequemer sind, begannen organische Möbel sowohl modern als auch attraktiv zu wirken.

Das Chaiselongue und Pouffe aus Palisanderholz und Leder aus dem Jahr 1955, das die Eameses als Geburtstagsgeschenk für den Filmregisseur Billy Wilder entwarfen, ist einer ihrer berühmtesten Entwürfe. Bei der Beschreibung sagte Charles, er wollte, dass es "das warme, aufnahmefähige Aussehen eines gut benutzten Handschuhs eines First Baseman" hat.

Saarinen schuf auch ikonische Stühle, deren Namen schon auf ihren organischen Ursprung hindeuten: den Womb Chair von 1946 und den Tulip Chair von 1956. Biomorphe Formen finden sich auch in seinen architektonischen Entwürfen dieser Zeit, insbesondere im Gebäude der Fluggesellschaft TWA am Kennedy-Flughafen in New York (1956-62).

Noguchi betrachtete seinerseits alle seine Werke als Skulpturen, seien es Lampen, Spielplätze, Bühnenbilder, Gärten oder öffentliche Kunstwerke, die alle zu biomorphen Formen neigten, insbesondere in den 1940er Jahren. Sein berühmter Couchtisch von 1947 mit seiner Glasplatte auf einem sanft geschwungenen Holzsockel spiegelt die skulpturale Eleganz und die Raffinesse der Materialien wider, die sein Werk im Allgemeinen kennzeichneten.

Die Verwendung von organischen Formen im europäischen Design

In Italien spielte das Design mit ausgeprägt organischen Zügen eine wichtige Rolle beim Wiederaufbau nach dem Krieg. Als die geraden geometrischen Linien des Rationalismus durch die Assoziation mit dem Faschismus verdorben wurden, wandten sich die Designer den Kurven zu. Durch die Kombination von Aspekten des amerikanischen Designs, des Surrealismus und der Skulpturen von Moore und Arp entstand in ganz Italien eine ausgeprägte organische Ästhetik, die vom Industriedesign - Autos, Schreibmaschinen und Vespas - bis hin zur Innenarchitektur und Möbeln reichte.

Carlo Mollinos (1905-1973) Bugholz- und Metallmöbel beispielsweise sind diesen Quellen ebenso verpflichtet wie einem früheren Pionier des organischen Designs, Antoni Gaudi (1852-1926), dem er 1949 mit seinem Gaudi-Stuhl huldigte. Achille Castiglioni (1918-2002) entwarf ebenfalls Möbel, die sich auf die Avantgarde-Kunst - Dada und Surrealismus - und auf die Praxis der Verwendung „von Fundstücken“ bezogen. Sein Sella (Sattel)-Hocker aus dem Jahr 1957, der aus einem Fahrradsattel hergestellt wurde, und der Mezzadro (Hocker) , der aus einem Traktorsitz hergestellt wurde, bestätigen auf die bestmögliche Weise die ständige Debatte über die Beziehung zwischen Kunst und Design sowie Design und Technologie.

Skandinavien war in den 1940er und 1950er Jahren eine weitere Heimat der organischen Abstraktion. Der Finne Alvar Aalto und seine Frau Aino Marcio Aalto (1894-1949) sowie der dänische Architekt und Designer Arne Jacobsen (1902-1971) schufen international anerkannte Werke. Wie bei Saarinen sind auch bei Jacobsen die organischen Quellen in den Titeln seiner berühmtesten Stühle zu erkennen - Ameise (1951), Schwan (1957) und Ei (1957).

Obwohl der Trend zur organischen Abstraktion in den 1940er- und 1950er-Jahren besonders ausgeprägt war, ist er seither in Kunst und Design eine von vielen Tendenzen, die sich in den Werken so unterschiedlicher Bildhauer wie Linda Benglis (*1941), Richard Deacon (*1949), Eva Hesse (1936-1970), Anish Kapoor (*1954), Ursula von Rydingsvard (geb. 1942) und Bill Woodrow (geb. 1948), sowie die Designer Ron Arad (geb. 1951), Werner Panton (1926-1998) und Oscar Tuskets (geb. 1941).

Sammlungen

Gemälde und Skulpturen mit organischen Mustern sind in einigen der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, insbesondere im Museum of Modern Art (MOMA) und Guggenheim Museum, beide in New York; National Museum of Women in the Arts, Washington DC; Cornell Museum of Fine Arts, Rollins College, Winter Park, Florida; National Museum of Modern Art, Centre Pompidou, Paris; Tate Gallery, London; Tate St Ives; Bolton Art Gallery, Bolton; Wakefield Art Gallery and Museum.

Berühmte biomorphe Skulpturen

Constantin Brancusi (1876-1957)

• Verlorener Sohn (1915) Eiche, Philadelphia Museum of Art.
• Blonde Negerin (1926) Bronze, San Francisco Museum of Modern Art.

Otto Freundlich (1878-1943)

• Himmelfahrt (1929) Bronze, Museum Ludwig, Köln.

Picasso (1881-1973)

• Kopf einer Frau (1931) Bronze, Picasso-Museum, Paris.

Jean Arp (1886-1966)

• Kopf mit drei irritierenden Gegenständen (1932) Gips, Privatsammlung.
• Menschliche Konzentration (1934) Marmor, Nationalmuseum für moderne Kunst, Paris.
• Riesenpipa (1937) Stein, Nationalmuseum für moderne Kunst, Paris.
• Demeter (1961) Bronze, Israel Museum, Jerusalem.
• Uhr (1924) Bemaltes Holz, Privatsammlung.

Juan Miró (1893-1983)

• Sonnenvogel (1968) Carrara-Marmor, Stiftung Joan Miró, Barcelona.

Henry Moore (1898-1986)

• Komposition (1932) Bronze, Tate Gallery.
• Liegende Figur (1936) Elmwood, Wakefield City Art Gallery and Museum.
• Liegende Figur (1938) Hornton Greenstone, Tate Gallery.
• Drapierte liegende Mutter mit Baby (1948) Yorkshire Sculpture Park, UK.
• Zwei Formen (1966) Sorai-Marmor, Sammlung Staehein, Zürich.

Barbara Hepworth (1903-1975)

• Mutter und Kind (1934) Alabaster/Marmor, Tate Gallery.
• Drei Formen (1935) Marmor, Tate Gallery, London.
• Hohlform mit weißem Inneren (1963) Guarea-Holz, Gimpel Fils, London.

Karl Hartung (1908-1967)

• Komposition VIII (1948) Lindenholz, Privatsammlung.

Berühmte biomorphe Gemälde

Wassily Kandinsky (1866-1944)

• Komposition VII (1913) Tretjakow-Galerie, Moskau.
• Mit weißem Rand (1913) Solomon R. Guggenheim Museum, New York.
• Kleine Vergnügungen (1913) Solomon R. Guggenheim Museum, New York.
• Overcast (1917) Tretjakow-Galerie, Moskau.
• In Grau (1919) Nationales Museum für moderne Kunst, Centre Pompidou, Paris.

Juan Miró (1893-1983)

• Harlekin-Karneval (1924-5) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.
• Niederländisches Interieur I (1928) Museum of Modern Art, New York.
• Malerei (1933) Wadsworth Athenaeum, Hartford, Connecticut.
• Frau (1934) Pastell, Privatsammlung (Richard S. Zeisler, New York).
• Nocturne (1935) Cleveland Museum of Art.
• Figuren vor der Metamorphose (1936) New Orleans Museum of Art.

Yves Tanguy (1900-1955)

• Mummy, Daddy’s hurt! (1927) Museum of Modern Art, New York.
• Band der Extreme (1932) Privatsammlung.

Arshile Gorki (1904-1948)

• Artischockenblatt ist eine Eule (1944) MoMA, New York.
• Engagement II (1947) Whitney Museum of American Art, New York.